Jasper Johns - fapte interesante din viața unui artist american. Jasper Johns și arta pop modernă

Jasper Johns(Engleză) Jasper Johns, R. 1930) este un artist american de gen și artă pop. Autorul imaginii "Steag".

Biografie, creativitate

Jasper Johns s-a născut la Augusta (Georgia, SUA) la 15 mai 1930. Curând, părinții lui au divorțat și împreună cu mama sa copilul s-a mutat în Carolina de Sud, unde și-a petrecut cea mai mare parte a copilăriei. A locuit alternativ în orașul Columbia, unde a locuit mama lui, apoi în Allendale, cu bunicii. În ciuda faptului că, din propria sa recunoaștere, Jones nu avea artiști în Carolina de Sud la acea vreme, el însuși a început să picteze destul de devreme. În 1947, Jones a intrat la Facultatea de Arte de la Universitatea din Carolina de Sud, de unde, însă, a plecat după trei semestre în 1948 și s-a mutat la New York.

La New York, Jasper Johns a urmat un semestru la Parson School of Design și a participat activ la diverse expoziții, dar în 1950 s-a înrolat în armata SUA și a servit timp de doi ani, mai întâi la o bază din Carolina de Sud, iar apoi în orașul Sendai în Japonia (serviciul său a căzut în anii războiului din Coreea). După demobilizare, Jones s-a întors la New York, unde s-a întâlnit și în scurt timp a început să locuiască cu Robert Rauschenberg, care a avut o influență semnificativă asupra lui și i-a făcut cunoștință cu alți reprezentanți ai artei moderne americane din acea vreme, printre care se număra și galeristul Leo Castelli. și Alfred Barr (pe atunci directorul Muzeului de Artă Modernă).

Numele Jasper Johns este cel mai adesea asociat cu lucrările sale timpurii care datează din a doua jumătate a anilor 1950. Intr-un fel perioada timpurie Creativitatea artistului poate fi limitată din 1954 până în 1961, când a locuit cu iubitul său Robert Rauschenberg. Probabil cel mai faimos tablou al lui Jones "Steag" A fost creat chiar în acel moment, în 1955. Această lucrare a stârnit multe controverse. A fost interpretat de cei mai mulți căi diferite, văzând în ea atât o manifestare a „imperialismului” american, cât și, dimpotrivă, lipsa de respect pentru propria țară. Alfred Barr a luat decizia de a cumpăra Drapelul pentru a fi expus permanent, dar se temea de acuzațiile de nepatriotism și, prin urmare, a trecut prin întregul proces de cumpărare printr-un intermediar, care apoi a donat pictura muzeului. Criticii de artă ai vremii aveau, de asemenea, tendința de a vedea opera lui Jones ca pe o declarație politică certă. Deci, de exemplu, Robert Rosenblum pune întrebarea exact așa: „Este acest sacrilegiu sau reverență?” și numește pictura „blasfemioasă și lipsită de respect”. Cu toate acestea, artistul însuși a susținut că a văzut în vis cum a fost pictat steagul SUA și apoi, trezindu-se, s-a pus pe treabă.

Tema drapelului american a fost interpretată de Jones într-o serie de alte lucrări create în acea perioadă. Cele mai notabile lucrări de aici sunt « steag alb» (1955) și „Trei steaguri” (1958).

În anii următori, controversa în jurul acestei lucrări a lui Jones nu s-a domolit, ci a depășit discuția despre nivelul de patriotism al artistului. Luând în considerare „Steagul” în contextul artei secolului al XX-lea și încercând să-i determine rolul pentru diferite mișcări artistice, această imagine a început să fie văzut ca unul dintre primele exemple de artă pop. Jasper Johns poate fi considerat astfel artistul care, într-un fel, a deschis calea lui Andy Warhol și a întregii arte pop americane în anii '60. În plus, The Flag a început să fie creat încă din 1954, care este chiar mai devreme decât colajul lui Richard Hamilton „What Makes Our Homes Today So Different, So Inviting?” (1956), care, la rândul său, este considerată în mod tradițional una dintre primele lucrări de artă pop din Marea Britanie.

Pe de altă parte, „Flag” de Jasper Johns poate fi văzută ca o continuare certă a ideilor lui Marcel Duchamp și ready-made-urile sale. De fapt, steagul Jones poate fi transferat fără modificări la o chestiune mai familiară steagurilor și folosită exact ca steagul, de exemplu. atârnă-l pe fereastră, mergi la stadion etc. Acea. obținem ceva de genul „reverse ready-made”, când o operă de artă poate fi folosită fără nicio modificare ca obiect de uz casnic banal. Steagul SUA este unul dintre cele mai recunoscute și, prin urmare, cele mai banale simboluri și așa mai departe. apelul la el este în continuare același apel la obiectele de zi cu zi. „Joaca” cu un obiect, cu un simbol, crearea unei opere de artă cu semnătura artistului - toate acestea sunt caracteristice dadaismului și, prin urmare, opera lui Jasper Johns poate fi atribuită așa-zisului. neodad. Cu toate acestea, trebuie remarcat faptul că acest termen în sine a fost propus de Barbora Rose doar pentru a caracteriza opera lui Jones și Rauschenberg, iar artistul însuși, vorbind despre conceptul de „obiect”, a remarcat că „însuși conceptul de obiect este îndoielnic. . Pânza este un obiect, vopseaua este un obiect, iar un obiect este un obiect. Deoarece pânza se presupune că are o anumită semnificație spațială, atunci obiectul scris pe pânză poate fi înzestrat cu același sens.

Pe lângă toate cele de mai sus, „Flag” poate fi considerat și în contextul depășirii expresionismului abstract. În același timp, Jasper Johns însuși a fost cel mai puțin implicat în lupta împotriva curentului dominant de atunci, dar pictura sa poate fi încă atribuită figurativului și a început să „multiplizeze” simboluri (deși conceptul de simulacru nu poate fi pe deplin aplicat aici), în timp ce povestea visului în sine și pensulele expresive amintesc mai mult de imaginea artistului, caracteristică expresionistului abstract și așa mai departe. Jasper Johns devine din nou un fel de „element de legătură” între, relativ vorbind, astfel de figuri ale artei americane precum Pollock și Warhol.

Pe lângă steag, Jasper Johns a lucrat și cu o serie de alte simboluri. Deci, de exemplu, el deține o serie de lucrări cu imagini cu numere într-o varietate de variații („Numere gri”, „de la 0 la 9”, „0-9”, etc.), precum și multe imagini ale SUA hărți și diverse tipuri de ținte . Toate aceste simboluri fac parte din lumea obișnuită, dar în Viata de zi cu zi profanul tinde să ignore forma lor, acordând atenție doar la ceea ce „însemnă” în diversele lor combinații. Este extrem de rar ca semnificația unui singur număr sau literă să fie pusă la îndoială, la fel de rar se vorbește cineva despre însăși forma unui steag sau a unei hărți. Jones aparent ignoră întrebările despre modul în care literele sau numerele individuale interacționează între ele pentru a crea limbaj și sens. În lucrarea sa de început Grey Numbers, de exemplu, el dă întregul spațiu pânză unei grile pline cu numere. Figurile sunt desenate pe un șablon, fiecare în celulă proprie în întreaga imagine, cu excepția dreptunghiului din stânga sus. Sunt dispuse într-o anumită succesiune, dar nu sensul fiecărui număr atrage atenția, ci forma, structura, ordinea pe care artistul însuși o creează.

La mijlocul anilor '60, Jasper Johns s-a apucat de sculptură. Și aici este imposibil să nu mai amintim încă o dată confruntarea dintre expresionismul abstract și arta pop. Faptul este că una dintre cele mai multe sculpturi celebre- două cutii de bere ("Ale cans", 1964) - a făcut artistul ca răspuns la remarca caustică a lui Willem de Kooning despre activitate profesională galeristul Leo Castelli, ceea ce se rezumă la faptul că acesta din urmă va cumpăra chiar cutii de bere, dacă spui că asta e pop art.

Sculpturile lui Jasper Johns înfățișează în mare parte obiecte de uz casnic (lanternă, bec, cutii de bere) realizate în bronz. Tot ce s-a scris deja despre The Flag și alte lucrări ale lui Jones se poate spune despre încărcătura semantică a acestor lucrări. Aici vedem un joc cu obiecte de zi cu zi, o întoarcere de la abstractionism la figurativism, un fel de mesaj către privitorul care s-a săturat de abstracții de neînțeles, care se rezumă la faptul că, dacă nu ai nevoie de „modeluri” fantezice de neînțeles, atunci poate admira obiecte familiare tuturor și tuturor, de exemplu, pe cutiile goale de bere. Sculptura „Ochiul unui critic” (1964) iese oarecum în evidență. acest lucru este o metaforă a operei unui critic de artă.

În anii '80, Jones a început să creeze colaje, ale căror teme au atins și problema plinătății semantice a simbolurilor și semnelor familiare care sunt grupate în viața unui locuitor, fără un numitor comun inițial „real”, cu excepția persoana în capul căreia au toți un sens și ceva rău. Sfâșiate din discursul cultural general, diverse semne sunt reunite din nou deja în intimitate a unei persoane și, desigur, începe să însemne ceva în ea, dar nu mai este vorba despre obiecte originale sau chiar despre idei, ci despre simulacre - copii fără original.

După pauza finală cu Rauschenberg, Jasper Johns a devenit din ce în ce mai retras. Din anii 1990, nu a acordat aproape niciun interviu, dar a păstrat totuși legătura cu câteva figuri alese din lumea artei și și-a expus din când în când noua sa lucrare. În august 2013, Jasper Johns a făcut din nou titlurile din prima pagină după ce asistentul său James Mayer, care a lucrat pentru el din 1988 până în 2012, a fost acuzat că a furat de către maestru picturi neterminate în valoare de șase milioane și jumătate de dolari. Jones însuși a interzis vânzarea acestor lucrări, dar Meyer a fugit cu 22 de piese din studioul artistului din Sharon, Connecticut, pentru a le vinde printr-o persoană neidentificată la o galerie din New York, susținând că toate erau cadouri de la Jones. Jones nu a comentat despre furt, dar a mers la poliție la scurt timp după ce a descoperit lucrările dispărute.

Jasper Johns locuiește în prezent între studiourile sale din Sharon, Connecticut, unde s-a mutat în anii 1990, și studioul său de pe Insula St. Martin.

De la sfârșitul anilor 1980, „False Start” al său a deținut timp de 19 ani recordul de preț al licitației pentru opera unui artist în viață, iar astăzi el este cel mai poza scumpa stăpân viu, vândut în tranzacție privată. Ei bine, de ce să nu vorbim despre autor?

În clasamentul licitațiilor artiștilor în viață, el ocupă locul al treilea, iar în clasamentul licitațiilor pictorilor în viață, dacă ne-am angaja să-l alcătuim, ar fi doar înaintea germanului Gerhard Richter (Jeff Koons este totuși mai mult un sculptor). Este Jasper Johns și s-a născut pe 15 mai 1930 în Augusta, Georgia.

Se știu puține lucruri despre copilăria lui Jones. Părinții lui au divorțat când era foarte mic și și-a petrecut întreaga copilărie călătorind prin Carolina de Sud, între casa mamei sale din Columbia și Allendale, unde locuiau bunicii săi, ocupați în principal cu creșterea lui. Jones însuși își amintește Allendale ca un loc „unde nu erau artiști și nu exista artă”. viitoare profesie Jones a ales deja la vârsta de cinci ani și apoi a respectat cu strictețe decizia sa. După ce a absolvit liceul în orașul Sumter, a intrat la Facultatea de Arte de la Universitatea din Carolina de Sud din Columbia. După primele trei semestre, un profesor de artă l-a convins să-și continue studiile la New York; acolo, ținând seama de sfat, Jasper Johns, în vârstă de 18 ani, a mers în 1948.

La început, a mers mult la expoziții și chiar în 1949 a studiat un semestru la Parson School of Design. Cu toate acestea, în 1950 (conform altor surse, în 1951), Jones s-a înrolat în armată (Statele Unite au participat apoi la războiul din Coreea, iar sentimentele patriotice generale au măturat o mare parte a societății) și a servit timp de doi ani, mai întâi la un baza din Carolina de Sud, apoi în orașul Sendai din Japonia.

În 1953, Jones s-a întors la New York și a reluat arta. La New York, s-a alăturat rapid cercurilor artistice de conducere și a făcut cunoștințe cu cele mai multe Reprezentanți proeminenți tipuri diferite artă. Printre cei mai apropiați prieteni ai săi s-au numărat artistul Robert Rauschenberg, compozitorul John Cage, coregraful Merce Cunningheim și alții.Prietenia cu Rauschenberg s-a dovedit a fi lungă și fructuoasă. S-a gravitat pe sine și i-a insuflat lui Jones interesul pentru expresionismul abstract, minimalism, arta conceptuală și arta pop. Jones a reușit să lucreze în toate aceste domenii, iar timp de 8 ani, când a împărțit studioul cu Rauschenberg, chiar și mai mulți proiecte comune ca vitrina pentru Tiffany.

Jones este aproape de ideea de a conecta viața de zi cu zi și eternitatea. În a lui lucrări timpurii cu ochiul liber poate vedea procesul de transformare a unui lucru obișnuit într-o operă de artă – trecerea de la lumea noastră la lumea „de cealaltă parte a pânzei”. El folosește pe scară largă tehnica colajului, creând o imagine figurativă, pe de o parte, și abstractă, pe de altă parte. După cum a remarcat corect unul dintre istoricii de artă, el înfățișează ceva concret, familiar privitorului cu contururile sale, dar care nu există în lumea reala, deoarece un număr sau o literă, un steag sau o hartă sunt concepte duale. Până la sfârșitul anilor 1950, în opera sa, abstracțiile pure („Mixing”, „False Start”, etc.) coexistă cu pseudo-abstracții, adică imagini realiste ale obiectelor - simboluri ale conceptelor abstracte (de exemplu, un steag sau un număr).

În general, steagul este una dintre imaginile principale din opera lui Jones. Numeroase „steaguri”, pictate la mijlocul anilor 1950 - începutul anilor 1960, astăzi sunt considerate a fi punctul culminant al operei artistului și sunt numite printre cele mai semnificative lucrări ale sale. Începutul seriei a fost pus de pânza de format mare „Flag” (1954-1955). Această imagine este o copie exactă a unei laturi a drapelului american, iar dacă această pânză este scoasă de pe targă și atașată, de exemplu, de perete, atunci poate fi folosită ca steag. Se va dovedi, ca să spunem așa, un ready-made dimpotrivă - opera va deveni un obiect dotat cu proprietăți care nu au legătură cu lumea artei. Artistul se îndepărtează astfel de obiect, aducând imaginea acestuia la nivelul absolutului: în lucrare nu există nimic din personalitatea autorului, viziunea lui nu este exprimată nici măcar în perspectivă, există doar un obiect - simbol al ideii. . Acest tablou este o lucrare a pictorului doar în măsura în care este pictat în ulei pe pânză. Seria a continuat cu The Monochrome Flag (1955) disponibil în versiuni alb, roșu și albastru, iar în 1958 Jones a creat The Three Flags, unde trei imagini la scară identice, dar diferite, erau suprapuse una peste alta. „Într-o zi am visat că desenez un steag american, iar când m-am trezit, am făcut-o”, a spus Jones într-unul dintre interviurile sale. „Am desenat mai întâi unul, apoi altul, și așa a ieșit seria...” Jones a început să picteze steaguri aproape imediat după ce s-a întors din armată. Poate că a abordat acest subiect sub influența atât a vieții sale armatei, cât și a situației politice de atunci din țară, determinându-i pe americani să-și demonstreze cetățenieși sentimente patriotice. Și poate faptul că este nume dat Jones l-a primit în onoarea eroului Războiului de Revoluție Americană (1775-1783) pe soldatul William Jasper, care a ridicat steagul american peste Fort Sullivan (în orice caz, o astfel de versiune există). Oricum ar fi, imaginile steagului american au fost cele care l-au făcut pe Jones un nume în artă și au adus popularitate.

În 1958, celebrul galerist Leo Castelli a venit la atelierul lui Rauschenberg. Lovită de munca lui Jones, în vârstă de 28 de ani, ceva timp mai târziu a aranjat aproape artist necunoscut expoziție personală. Ea, la rândul său, a fost văzută de Alfred Barr, directorul MOMA din New York, și a organizat o expoziție a lui Jones în muzeul său. Expoziția de la MOMA a creat o adevărată senzație, despre artist s-a vorbit în toată țara, apoi în lume.

Steaguri, hărți, ținte, numere și litere pentru mult timp au rămas obiectele principale ale lui Jones, în orice tehnică a lucrat. De ceva timp, Jones a trecut de la pictură la litografie, experimentând cu aplatizarea maximă a figurilor, simplificând formele și suprapunându-le unele peste altele - într-una dintre lucrări, de exemplu, a înfățișat toate cele 9 numere una peste alta. În mod surprinzător, Jones nu s-a repetat, iar aceste experimente sunt interesante tocmai din cauza varietății idei creative cu un număr limitat de obiecte.

În 1967, Jones a încercat grafica de carte, ilustrând publicarea prietenului său poetul Frank Ohara, iar câțiva ani mai târziu a conceput cartea unui alt prieten de-al său, scriitorul Samuel Becket.

În anii 1980, stilul și tonul picturilor sale s-au schimbat: au devenit mai liniștite - din ele au dispărut practic culorile contrastante, ritmul ascuțit și dinamica, a apărut o gravitație către monocrom și chiar un fel de sentimentalism.

Astăzi, Jones locuiește în Connecticut într-o fostă fermă.

El clasic recunoscut expresionism abstract, câștigător a numeroase premii mondiale în domeniul artei: de la Marele Premiu al Bienalei de la Veneția (1988) la Premiul Imperial al Japoniei (premii acordate artiștilor „pentru realizările lor, pentru impactul internațional pe care l-au avut cu arta lor , îmbogățirea spirituală a întregii comunități mondiale”), pe care a primit-o în 1993. În 2011, artistul a primit Medalia Prezidențială a Libertății pentru contribuțiile la siguranța și securitatea interesele naționale SUA, viața publică și culturală a SUA și a lumii (în 1985 Maicii Tereza a primit această medalie).

Artistul nu este activ momentan activități sociale. Numele său apare acum în cea mai mare parte fie la licitații, fie în publicații scandaloase legate de el lucrări celebre. Așadar, în februarie 2013, a devenit cunoscut că miliardarul Henry Kravis l-a dat în judecată pe colecționarul Donald Bryant Jr. Elementul disputei a fost tripticul Jones „Tantric Detail”, pe care l-au cumpărat în 2008 de la artist cu condiția transferului în continuare a lucrării la MoMA. Kravis l-a acuzat pe Bryant Jr. de faptul că, contrar tuturor înțelegerilor, a decis să păstreze tripticul pentru el. Și în urmă cu câteva luni, la jumătatea lunii august, procuratura din Districtul de Sud din New York l-a acuzat pe ucenicul artistului James Mayer că i-a furat picturile. Potrivit acuzării, Mayer a furat 22 de tablouri neterminate ale lui Jones, pe care i le-a dat pentru păstrare și, acționând în calitate de proprietar, le-a vândut în ultimii 6 ani. Aparent, fiind în imediata apropiere a lucrărilor artistului, este greu pentru oameni să nu cedeze tentației și să nu profite de cererea și prețurile tot mai mari pentru picturile sale.

Potențialul investițional al lui Jones este atât de mare încât chiar și criza din 2008 și scăderea generală a pieței aparent au avut un efect redus asupra dinamicii vânzărilor lucrărilor sale. În total, au apărut la licitații publice de peste 2.300 de ori, inclusiv peste 2.000 de elemente grafice oferite la loterie, de 79 de ori au fost expuse picturile sale, 60 de grafice originale și 60 de sculpturi.

Prețul record actual pentru munca lui Jones este de 28,6 milioane de dolari. Atât de mult s-a plătit pentru faimosul său „Drapel” la Christie’s pe 11 mai 2010. Al doilea rezultat a fost prezentat în anul anterior crizei 2007 la licitație la casa de licitații Christie’s: pentru pânza din 1959 „Numărul 4”, cumpărătorul a plătit 17,4 milioane de dolari, dar cel mai mult interesanta povesteîn acest top trei este asociat, desigur, cu tabloul, care se află acum pe a treia linie a listei celor mai scumpe lucrări vândute la licitație publică. Așadar, pe 10 noiembrie 1988 (!) la Sotheby's, o pânză foarte strălucitoare și decorativă „False Start”, pictată de Jones în 1959, a fost vândută cu 17 milioane de dolari. Această cifră a fost imediat numită inexpugnabilă pentru un artist în viață și, de fapt, așa s-a întâmplat: asta licitaţie recordul a fost de 19 ani. Interesant este că experiența lui Jasper Johns ca deținător de record nu a fost continuă. În 1989, a fost întrerupt de munca colegului Willem de Kooning (20,7 milioane de dolari), dar după 8 ani, în 1997, de Kooning a murit, iar „False Start” a lui Jones a ocupat din nou primul loc în clasamentul prețului de licitație pentru lucrări de artiști în viață. Timp de aproape 10 ani - până în 2007. Și în 2006, același „False Start” a fost vândut într-o afacere privată pentru 80 de milioane de dolari. Și acum este de fapt cea mai scumpă lucrare a unui artist viu. (Se zvonește că al 100-lea „craniu” al lui Hirst a fost cumpărat chiar de autor, iar rezultatul „False Start” este incontestabil.)

în ratingul de licitație al pictorilor în viață, dacă ne-am angaja să-l alcătuim, el ar fi doar înaintea germanului Gerhard Richter (Jeff Koons este și mai mult un sculptor). El este Jasper Johns și s-a născut pe 15 mai 1930 în Augusta, Georgia.Nu se știu multe despre copilăria lui Jones. Părinții lui au divorțat când era foarte mic și și-a petrecut întreaga copilărie călătorind prin Carolina de Sud, între casa mamei sale din Columbia și Allendale, unde locuiau bunicii săi, ocupați în principal cu creșterea lui. Jones însuși își amintește Allendale ca un loc „unde nu erau artiști și nu exista artă”. Jones și-a ales viitoarea profesie la vârsta de cinci ani și apoi a respectat cu strictețe decizia sa. După ce a absolvit liceul în orașul Sumter, a intrat la Facultatea de Arte de la Universitatea din Carolina de Sud din Columbia. După primele trei semestre, un profesor de artă l-a convins să-și continue studiile la New York; acolo, ținând seama de sfat, Jasper Johns, în vârstă de 18 ani, a mers în 1948. La început, a mers mult la expoziții și chiar în 1949 a studiat un semestru la Parson School of Design. Cu toate acestea, în 1950 (conform altor surse, în 1951), Jones s-a înrolat în armată (Statele Unite au participat apoi la războiul din Coreea, iar sentimentele patriotice generale au măturat o mare parte a societății) și a servit timp de doi ani, mai întâi la un baza din Carolina de Sud, apoi în orașul Sendai din Japonia.În 1953, Jones s-a întors la New York și s-a ocupat din nou de artă.

Pictură de Jasper Johns „Flag” pentru 28.642.500 USD

La New York, s-a alăturat rapid cercurilor artistice de conducere și a făcut cunoștințe cu cei mai străluciți reprezentanți ai diferitelor tipuri de artă. Printre cei mai apropiați prieteni ai săi s-au numărat artistul Robert Rauschenberg, compozitorul John Cage, coregraful Merce Cunningheim și alții.Prietenia cu Rauschenberg s-a dovedit a fi lungă și fructuoasă. S-a gravitat pe sine și i-a insuflat lui Jones interesul pentru expresionismul abstract, minimalism, arta conceptuală și arta pop. Jones a reușit să lucreze în toate aceste domenii, iar timp de 8 ani, când a împărțit studioul cu Rauschenberg, au apărut chiar și câteva proiecte comune, precum decorarea ferestrei Tiffany.

După ce s-a încercat în aproape toate cele mai noi mișcări de artă din New York, Jones nu a încetat să caute noi idei și moduri de expresivitate. La începutul anilor 1950, a plecat în Philadelphia pentru a se familiariza cu opera lui Marcel Duchamp. Ideea de ready-made - utilizarea obiectelor gata făcute, adesea fără legătură cu arta, ca opere de artă reale sau părți ale acestora - l-a interesat pe Jones și a devenit o altă componentă a limbajului artistic propriu al artistului. Mai târziu, Jones a creat decorul pentru Walkaround Time (1968) al lui Merce Cunningham, bazat pe The Large Glass de Duchamp, pe care l-a văzut la Muzeul Philadelphia. Jones este aproape de ideea de a combina viața de zi cu zi și eternitatea. În lucrările sale timpurii, procesul de transformare a unui lucru obișnuit într-o operă de artă este vizibil cu ochiul liber - trecerea de la lumea noastră la lumea „de cealaltă parte a pânzei”. El folosește pe scară largă tehnica colajului, creând o imagine figurativă, pe de o parte, și abstractă, pe de altă parte. După cum a remarcat corect unul dintre istoricii de artă, el înfățișează ceva specific, familiar privitorului cu contururile sale, dar care nu există în lumea reală, deoarece un număr sau o literă, un steag sau o hartă sunt concepte duale. Până la sfârșitul anilor 1950, în opera sa, abstracțiile pure („Mixing”, „False Start”, etc.) coexistă cu pseudo-abstracții, adică imagini realiste ale obiectelor - simboluri ale conceptelor abstracte (de exemplu, un steag sau un număr).În general, steagul - una dintre imaginile principale din opera lui Jones. Numeroase „steaguri”, pictate la mijlocul anilor 1950 - începutul anilor 1960, astăzi sunt considerate a fi punctul culminant al operei artistului și sunt numite printre cele mai semnificative lucrări ale sale. Începutul seriei a fost pus de pânza de format mare „Flag” (1954-1955). Această imagine este o copie exactă a unei laturi a drapelului american, iar dacă această pânză este scoasă de pe targă și atașată, de exemplu, de perete, atunci poate fi folosită ca steag. Se va dovedi, ca să spunem așa, un ready-made dimpotrivă - opera va deveni un obiect dotat cu proprietăți care nu au legătură cu lumea artei.

Artistul se îndepărtează astfel de obiect, aducând imaginea acestuia la nivelul absolutului: în lucrare nu există nimic din personalitatea autorului, viziunea lui nu este exprimată nici măcar în perspectivă, există doar un obiect - simbol al ideii. . Acest tablou este o lucrare a pictorului doar în măsura în care este pictat în ulei pe pânză. Seria a continuat cu The Monochrome Flag (1955) disponibil în versiuni alb, roșu și albastru, iar în 1958 Jones a creat The Three Flags, unde trei imagini la scară identice, dar diferite, erau suprapuse una peste alta. „Într-o zi am visat că desenez un steag american, iar când m-am trezit, am făcut-o”, a spus Jones într-unul dintre interviurile sale. „Am desenat mai întâi unul, apoi altul, și așa a ieșit seria...” Jones a început să picteze steaguri aproape imediat după ce s-a întors din armată. Poate că a apelat la acest subiect sub influența atât a vieții sale de armată, cât și a situației politice de atunci din țară, determinându-i pe americani să-și demonstreze poziția civică și sentimentele patriotice. Și poate că și faptul că Jones și-a primit propriul nume în onoarea eroului Războiului American de Independență (1775-1783), soldatul William Jasper, care a ridicat steagul american peste Fort Sullivan (în orice caz, o astfel de versiune există) a jucat și el. un rol. Oricum ar fi, imaginile steagului american au fost cele care au făcut lui Jones un nume în artă și au adus popularitate.În 1958, celebrul galeristă Leo Castelli a venit la atelierul lui Rauschenberg. Uimit de opera tânărului de 28 de ani Jones, ceva timp mai târziu i-a oferit artistului de atunci aproape necunoscut o expoziție personală. Ea, la rândul său, a fost văzută de Alfred Barr, directorul MOMA din New York, și a organizat o expoziție a lui Jones în muzeul său. Expoziția de la MOMA a creat o adevărată senzație, despre artist s-a vorbit în toată țara, apoi în lume.

La mijlocul anilor 1960, Jasper Johns s-a apucat de sculptură. Este interesant că tipul de artă s-a schimbat, dar principiul nu s-a schimbat: artistul înfățișează obiectele de zi cu zi cu acuratețe fotografică, „trăgându-le” în lumea artei, dar fără a schimba nimic în ele. Obiectele pot fi orice - de la o cutie de supă sau un bec până la o periuță de dinți, dar sunt întotdeauna executate cu o acuratețe uimitoare și în materiale tradiționale pentru sculptură - de exemplu, în bronz. În 1967, Jones și-a încercat mâna la grafica cărților, ilustrând ediția prietenului său poet Frank Ohara , iar câțiva ani mai târziu a proiectat cartea unui alt prieten de-al său, scriitorul Samuel Becket.În anii 1980, stilul și tonul picturilor sale s-au schimbat: au devenit mai liniștite - culori contrastante, ritm ascuțit și chiar ceva sentimentalism.Astăzi Jones locuiește în Connecticut într-o fostă fermă.realizări, influența internațională pe care au avut-o cu arta lor, îmbogățirea spirituală a întregii comunități mondiale”), pe care el primit în 1993. În 2011, artistul a primit Medalia Prezidențială a Libertății, acordată pentru contribuția sa la securitatea și protecția intereselor naționale ale Statelor Unite, a vieții publice și culturale a Statelor Unite și a lumii (în 1985, Maica Tereza a fost a primit această medalie). În prezent, artistul nu activează în viața publică. Numele lui sună acum în cea mai mare parte fie la licitații, fie în publicații scandaloase legate de celebrele sale lucrări.

14 august James Mayer, fost asistent artist american Jasper Johns, care a lucrat cu el de peste 25 de ani, a fost arestat sub acuzația de furt a 22 dintre picturile sale. Toate tablourile furate au fost vândute. Încasările totale din vânzare au fost de aproximativ 6,5 milioane de dolari, dintre care 3,4 milioane de dolari au fost către Mayer. Pe 15 august, instanța l-a acuzat de fraudă și transport interstatal de bunuri furate. Pedeapsa de închisoare combinată pentru ambele infracțiuni poate fi de până la 30 de ani.

6,5 milioane pentru 22 de tablouri, dintre care unele s-au dovedit a fi neterminate - o sumă foarte mică dacă vorbim despre picturile lui Jasper Johns, recunoscut în mod repetat drept cel mai scump artist viu. În 1980, MoMA din New York a cumpărat Three Flags de la artist pentru un milion de dolari, la acea vreme cel mai mare preț plătit vreodată pentru un tablou al unui artist în viață. Mai târziu, Jones a bătut de mai multe ori la licitații. propriul record. De exemplu, când în 1998 Muzeul Metropolitan de Artă din New York a plătit aproximativ 20 de milioane de dolari pentru lucrarea lui White Flag, sau când în 2010 lucrare celebră„Flag” s-a vândut la licitație pentru 28,6 milioane de dolari.

Steaguri în opera lui Jones au devenit nu numai calea cea buna castiguri, dar carte de vizită. Aceste trei lucrări, care s-au dovedit a fi semnificative pentru opera sa, Jones le-a creat între 1954 și 1958, inspirat de ideile lui Marcel Duchamp: The Flag (1954), The White Flag (1955) și The Three Flags (1958). În 1960, artistul a turnat faimosul său „Drapel” în bronz. Ulterior, în seria cu steaguri au fost create aproximativ patruzeci de lucrări. Utilizarea unui simbol atât de important pentru americani a provocat numeroase discuții despre semnificațiile conținute în lucrare. În timp ce criticii au susținut dacă Jasper Johns respectă stelele și dungile, artistul a afirmat că el era interesat în primul rând de stelele și dungile în sine, adică de geometria steagului ca obiect. „Unii spun că steagul pe care l-am pictat trebuie considerat doar ca o poză, alții că poza ar trebui considerată ca un steag. De fapt, mă refeream la ambele, așa că nu trebuie să alegi”, a spus Jones într-un interviu în 1960. Pe lângă steaguri, artistul a creat multe obiecte în cea mai mare parte tehnici diferite- de la sculptură la pictură în relief și encaustică (adică desen cu ceară fierbinte), transformată la diferite simboluri cultură de masă.

Foto: Sten Rosenlund / REX / FOTODOM.RU

Jasper Johns este o figură importantă pentru arta postbelica a doua jumătate a secolului XX. Pornind de la apogeul popularității expresionismului abstract, el s-a interesat în neo-dadaism, artă pop și conceptualism. Dar indiferent de mișcare artistică căreia i-a fost atribuită opera lui Jones, acestea au fost întotdeauna vândute cu mare succes. Titlul de dragă artistă a obținut-o nu fără participarea externă: în multe privințe, acest lucru a fost facilitat de cunoașterea lui cu celebrul galeristă și negustor de artă Leo Castelli. Castelli a văzut opera lui Jones, în vârstă de 28 de ani, în studioul lui Robert Rauschenberg în 1958 și a fost atât de impresionat de munca tânărului artist, încât l-a invitat să organizeze o expoziție personală. Castelli, cunoscut pentru flerul și perspicacitatea sa pentru afaceri, i-a adus pe Robert Rauschenberg și Roy Lichtenstein pe piața globală de artă - nu este de mirare că vânzările lui Jones au crescut de la sfârșitul anilor cincizeci.

Când artistul aspirant în vârstă de 22 de ani, James Mayer, a bătut pentru prima dată la ușa studioului lui Jones de pe strada John's Houston în 1984, habar nu avea cu cine are de-a face. Cunoștințele lui Mayer în domeniul istoriei artei la acea vreme, potrivit lui, s-au încheiat undeva la impresioniști. Tânăr artistși-a satisfăcut ambiția pictând replici nesfârșite ale lui Van Gogh și Matisse pentru 6 dolari pe oră pentru Beefsteak Charlie's. Un prieten i-a sugerat lui Mayer să înceapă o carieră în lumea artei asistând pe cineva maestru celebru. El, fără să se gândească de două ori, a întocmit o listă de artiști cu numerele de telefon și adresele lor, și-a îmbrăcat un costum formal, a pus mai multe exemple din munca sa și CV-urile într-un dosar și a început să se plimbe prin studiourile din New York ca un vânzător ambulant.

În studioul lui Jasper Johns Mayer, la început nici nu l-au lăsat să intre, dar au luat folderul cu lucrările. Tânărul artist era supărat și începuse deja să se gândească la o carieră de manager la același Beefsteak Charlie’s, dar apoi a decis să se întoarcă după dosarul său și a venit din nou în studio. De data aceasta ușa a fost deschisă chiar de artist și, spre surprinderea lui, tânăr i-a oferit o ceașcă de cafea. Câteva ore mai târziu, viitorul maestru și ucenic discutau deja despre condițiile de muncă.

Meyer a vorbit despre cunoștința sa cu Jones la mijlocul anilor 90, scriitorul Matthew Rose, care a făcut o recenzie a tinerilor artiști asistenți de succes pentru revista Vogue. Atunci textul nu a fost publicat, a fost postat publicului larg în 2007 pe site-ul Theartblog.org. Rose în materialul său a notat cât de mult a reușit să facă tânărul asistent energetic în câțiva ani de lucru cu Jones: și-a mutat studioul într-o zonă mai prestigioasă, ulterior a organizat mutarea artistului într-un nou apartament confortabil, studiouri echipate în New York și pe insula din Caraibe Saint Martin, astfel încât maestrului să fie mai convenabil să lucreze în ele. În ambele studiouri, totul s-a făcut exact la fel: de la culoarea pereților până la dimensiunea și marca pensulelor.

Nu este de mirare că asistentul plin de viață și talentat s-a bucurat de încrederea nemărginită a artistului. Jones chiar a avut încredere în el pentru a lucra ca ucenic. Uneori, Meyer a făcut câteva atingeri picturilor lui Jones; cu toate acestea, în propriile sale cuvinte, artistul le-a șters sau rescris invariabil. Departamentul asistentului a fost întreaga viață a șefului său: de la ordinea în studiouri până la registre și conturi. Meyer a profitat de acest lucru din 2006 până în 2012, când a mutat treptat picturile din atelierul artistului din Sharon, Connecticut, într-o galerie necunoscută din Manhattan pentru a le folosi ca intermediar în vânzare.

Mayer a abordat înșelătoria la fel de responsabil precum și-a făcut munca. A venit cu numere de inventar pentru fiecare dintre cele 22 de tablouri furate, a făcut un recensământ, a introdus pagini false în registrul tuturor lucrărilor lui Jones și a fotografiat paginile pentru a le trimite cumpărătorilor. În plus, Meyer a autentificat documente care confirmă că toate picturile i-au fost donate și a folosit aceste documente pentru a încheia un contract de vânzare cu o galerie din Manhattan fără nume. Una dintre principalele condiții pentru vânzarea tablourilor a fost tăcerea cumpărătorilor. Toate persoanele care au cumpărat tablouri Jones în galerie s-au angajat să nu expună sau să revinde pânzele timp de opt ani.

Nu se știe de ce Mayer și-a măsurat fostul șef și profesor în vârstă de 83 de ani exact 8 ani (și cel mai probabil, doar moartea lui Jones ar putea deveni o ocazie de a începe să vândă deschis tablouri furate). De asemenea, nu se cunosc circumstanțele în care asistentul artistului a părăsit serviciul, unde a petrecut 27 de ani. Este puțin probabil ca acestea să fie îndemnuri creative: în anii 2000, Mayer a expus în mod repetat în galeriile din New York. Ultima expoziție a desenelor sale figurative cu cerneală a avut loc la o galerie din Chelsea în 2011. Câștigurile mici erau, de asemenea, puțin probabil să devină motivul oficial al plecării - în anul trecut lucrul cu artistul Mayer a fost implicat activ în activități de caritate. Cu participarea sa, a fost chiar deschis scoala de Arte lângă casa lui din Salisbury.

Poate că Jasper Johns însuși ar putea spune despre circumstanțele rupturii dintre artist și ucenic, dar refuză să comenteze situația. Ce fel de muncă a fost furat Jones dintr-un studio din Sharon, nu este raportat. Se știe doar că Mayer a marcat unele pânze care nu au fost terminate ca fiind terminate, dar nu au expus lucrări ale artistului. Având în vedere modul în care asistentul lui Jones și-a început cariera artistică, se poate presupune că unele dintre lucrări au fost într-adevăr finalizate, dar de o altă mână, iar unele nu au fost scrise deloc de Jones însuși. Este celebru atunci când, în 2010, Brian Ramnarin, proprietarul unei turnătorii care a lucrat cu artistul, a realizat o copie din bronz a „Drapelului” său și a încercat să o vândă cu 10 milioane de dolari. Ramnarin, spre deosebire de Mayer, a acționat deschis, arătând chiar lucrarea colecționarilor, așa că a fost prins mult mai devreme.

Mayer vorbea mereu cu căldură despre stăpânul său. Într-un interviu ulterior cu același Rose înainte de vernisajul uneia dintre expozițiile sale, artistul a spus că Jones nu numai că l-a învățat toate tehnicile de pictură pe care le cunoștea. „Cel mai mare lucru pe care m-a învățat Jasper este să mă gândesc cu adevărat la ceea ce fac înainte să o fac”. Mayer pare să fi învățat foarte bine această lecție: înainte de a-și jefui profesorul, s-a gândit 27 de ani.

O noutate de la o regizoare necunoscută publicului rus. Deși cinematograful australian în general la noi în țară nu este deosebit de solicitat, atât de multe premiere trec pe lângă noi.

Potrivit complotului, un băiat de paisprezece ani Charles își trăiește viața fără griji, când brusc, noaptea, un anumit tip cu pielea întunecată Jasper apelează la el pentru ajutor, care nu este foarte faimos în oraș pentru impresii pozitive. Jasper îl duce pe Charles pe malul lacului lângă casa lui și îi arată cadavrul unei fete tinere cu care a avut o relație romantică. Jasper îi cere tipului să-l ajute să ascundă cadavrul și să găsească ei înșiși ucigașul, pentru că dacă poliția găsește cadavrul, îl va aresta pe Jasper fără să înțeleagă, deoarece povestea are loc într-un moment în care subiectul rasismului este destul de relevant.

Desigur, intriga poate părea ciudată, dar vă voi spune mai multe că cel mai ciudat lucru urmează să vină, așa că puteți pune în siguranță imaginea cinci pentru originalitate. Trebuie remarcat imediat că nu este așa Un film pentru copii iar întrebările ridicate în film, de asemenea, nu sunt deloc pt tânăr privitor. Tema rasismului, violenței domestice, trădării, cruzimii și multe altele pe care personajul principal va trebui să se confrunte. Un băiat modest, dar inteligent, rezolvă cu încredere problemele și găsește o cale de ieșire din situații destul de dificile, așa că este foarte interesant de vizionat, deoarece este dificil de prezis sfârșitul filmului, dar va fi puternic. Mulțumită răsturnări de situație este greu să te smulgi de ecran, deoarece producția regizorului, actorii și muzica plăcută sunt percepute foarte nivel inalt. Se poate presupune că copilăria eroilor trece chiar în fața ochilor noștri, când erau doar copii verzi, discutau despre supereroi din benzile desenate și apoi imediat oameni adulți cu o grămadă de probleme de adulți. Filmul conține cadre în care copiii beau alcool, văd moartea și mulți trebuie să facă lucruri periculoase, așa că aceasta este încă o creație complexă pentru adulți pentru adevărații cunoscători ai cinematografiei de înaltă calitate.

Puteți vorbi pentru actori mult timp, dar voi spune doar că toată lumea a fost grozavă. Fiecare actor și-a scos personajul la maximum. În cadru, fiecare arată diferit în imagine și caractere puternice în caracteristicile lor. Este plăcut să le privești, este plăcut să le asculți, te îngrijorezi și îți faci griji pentru ei, pentru că actorii arată naturali și diverși.

Filmul chiar merită văzut deoarece are recenzii bune de la critici, rating IMDb: 8.00 (dacă cineva este atent). Dar, în general, aceasta este o poveste dramatică semnificativă despre prietenie, familie și, desigur, dragoste.

Vizionare fericită.