Pictura de artă Rembrandt. Pogorârea de pe Cruce

Rembrandt Harmenszoon van Rijn s-a născut pe 15 iulie 1606 în Leiden, unul dintre cele mai mari orașe olandeze. Tatăl său, Harmen, era un morar bogat. Numele artistului „van Rijn” înseamnă „de la Rin”, adică de la râul pe care se aflau morile familiei. Mama lui Rembrandt, Cornelia, era fiica unui brutar. S-au căsătorit cu Harmen în 1589, când aveau amândoi 21 de ani. În familie s-au născut zece copii, penultimul dintre ei a fost Rembrandt. Părinții artistului au trăit o viață liniștită, plină de muncă - tatăl său a murit în 1630, iar mama sa în 1640.

Dintre frații Rembrandt supraviețuitori, trei au continuat tradiția familiei devenind morari si brutari. Viitorul artist a fost singurul copil din familie care a fost educat la Școala Latină din Leiden.

În mai 1620, la vârsta de 13 ani, a intrat în unul dintre cei mai bătrâni institutii de invatamant Europa - Universitatea Leiden. Astfel de tineri studenți nu au surprins pe nimeni atunci. Cu toate acestea, în ceea ce privește studiile lui Rembrandt la universitate, opiniile cercetătorilor diferă. Poate că nici nu a început-o și nu avea nevoie decât de titlul de student pentru a primi o amânare de la serviciul militar. Cam în aceeași perioadă, Rembrandt a început să stăpânească meșteșugul artistului.

Sursa principală de informații despre primii ani viața lui este servită de cărțile lui Johannes Orlers, care la acea vreme era primarul din Leiden. În cea de-a doua ediție a cărții sale originale de referință, publicată în 1641, Orlers a plasat un scurt curriculum vitae despre Rembrandt. Din această referință, puteți afla că inițial Rembrandt a studiat cu pictorul local Jacob van Swanenbürch. A petrecut trei ani în atelierul său, iar apoi, în 1624, sa mutat la Amsterdam timp de șase luni - pentru a maestru celebru pictura de istorie Peter Lastman.

În 1625 sau 1626, Rembrandt s-a întors la Leiden. Aici s-a împrietenit cu un alt pictor promițător (de asemenea, student al lui Lastman), Jan Lievens - timp de câțiva ani au pictat adesea împreună, iar uneori lucrările lor erau atât de asemănătoare între ele încât părea aproape fără speranță să se stabilească paternitatea unuia dintre artistii.

Mai târziu, la sfârșitul anului 1631 sau începutul lui 1632, Rembrandt s-a mutat din Leiden la Amsterdam (pe atunci capitala Olandei). Amsterdam la acea vreme se transforma în fața ochilor noștri într-unul dintre cele mai mari centre de comerț mondial. În treizeci de ani (din 1610 până în 1640), populația sa s-a triplat - de la 50.000 la 150.000 de locuitori. Rembrandt a decis că ar fi mult mai ușor să faci o adevărată carieră artistică într-un astfel de oraș.

În Leiden, Rembrandt a pictat cel mai adesea picturi cu intrigi mici (acestea erau interpretări povestiri religioase, portrete și autoportrete, scene caracteristice). Acum a început să lucreze la comandă, ceea ce i-a permis să obțină rapid succesul. Timp de aproape doi ani, artistul a locuit în casa lui Hendrick van Uylenburgh, un important dealer de artă, cu care s-a împrietenit la scurt timp după ce s-a mutat în capitală.

În iunie 1633, Rembrandt s-a logodit cu verișoara lui Eilenbürch, Saskia, și s-a căsătorit cu ea un an mai târziu. Părinții Saskiei au murit când ea era copil și i-au lăsat fiicei lor o moștenire substanțială. Nici Rembrandt nu era un om sărac, reușind deja să se impună printre cei mai mari artiști olandezi ai timpului său. Dar nu a fost o căsătorie aranjată. Rembrandt și Saskia s-au iubit cu pasiune. La început, tinerii au locuit în casa lui Hendrik van Uylenburgh, iar puțin mai târziu și-au cumpărat propria casă.

Între 1635 și 1640 Saskia a născut trei copii, dar toți au murit după doar câteva săptămâni în lume. În 1641 a dat naștere celui de-al patrulea (și ultimul) copil. Părinții și-au numit fiul Titus. Titus a supraviețuit, dar în curând Saskia însăși a murit. Ea avea 29 de ani.

În anul morții lui Saskia, artistul a finalizat The Night Watch, cel mai mare și cel mai faimos tablou al său. Dar viața lui Rembrandt se crăpase deja. Extrem de întristat de moartea iubitei sale soții, artistul nu s-a putut forța să se concentreze asupra lucrărilor sale obișnuite - portrete comandate - și și-a pierdut rapid clienți bogați.

A pictat cu entuziasm alte pânze – tema lor era povestea biblică. În perioadele dificile ale vieții sale, Rembrandt și-a găsit întotdeauna mângâiere în religie, dar acum trebuia să se gândească și la fiul său micuț. Artistul a angajat o bona pentru el, văduva Gertier Dirks, care a devenit amanta lui Rembrandt. Câțiva ani mai târziu, a fost înlocuită de o altă tânără, Hendrikje Stoffels. Și ea a fost la început dădaca lui Titus. Gertier a intentat un proces împotriva lui Rembrandt, acuzându-l că a încălcat un acord de căsătorie. Au urmat mai multe procese vexatorii, care au dus la faptul că Gertier a fost găsit greșit și plasat într-o casă de corecție timp de cinci ani. A fost eliberată în 1655 și a murit în anul următor. Între timp, Hendrickje i-a născut lui Rembrandt un fiu (a murit în copilărie) și o fiică, Cornelia. Cornelia - singura dintre toți copiii lui Rembrandt - a supraviețuit tatălui ei.

Între timp pozitie financiară Rembrandt se deteriora rapid. Dar, în ciuda lipsei unor comisioane profitabile pentru portrete, Rembrandt a continuat să cheltuiască bani mari pe colecția sa. Colecția a fost foarte interesantă. Conținea pânze ale maeștrilor italieni ai Renașterii, arme, busturi ale împăraților romani, costume vechi, curiozități orientale, sute de desene și gravuri.

În 1652-54, Olanda a purtat război cu Marea Britanie, care a devastat trezoreria statului. Cifra de afaceri comercială a scăzut, ceea ce s-a reflectat în prețurile produselor de artă. Lucrurile au mers atât de prost încât Rembrandt a vândut o parte din colecția sa asamblată cu dragoste. Dar acest lucru nu a ajutat, cu greu a reușit să-și facă rostul.

În 1656, artistul nu a putut să-și plătească creditorii și aproape a ajuns în închisoarea unui debitor. A reușit să evite ce e mai rău cu o operațiune legală numită „cessio bonorum” (adică „transfer de datorie”). În conformitate cu aceasta, debitorul nu a fost trimis în închisoare dacă a reușit să demonstreze în instanță că situația sa dificilă a fost cauzată de motive obiective. După ce și-a vândut toate proprietățile, Rembrandt a primit chiar permisiunea de a rămâne în casa care îi aparținuse înainte. A locuit aici până în 1660, când noul proprietar a retras permisul la domiciliu.

De atunci, Rembrandt a locuit în apartamente modeste în cartierele sărace ale orașului. Până atunci, Titus a crescut. În 1660, Titus și Hendrickier, pentru a-l proteja pe Rembrandt de grijile materiale pe cât posibil, au fondat o firmă de vânzare a operelor de artă. Cu toate acestea, artistul nu și-a plătit unii creditori până la sfârșitul vieții.

Acest lucru nu l-a împiedicat să rămână în ochii concetățenilor săi o persoană demnă și un maestru respectat. În 1661-62, a primit două dintre cele mai mari și mai prestigioase comisii ale sale: tabloul „Conspirația lui Julius Civilis” pentru noua primărie din Amsterdam și portretul de grup „Sindiki” pentru construirea breslei draperiei.

Apusul artistului, în ciuda ascensiunii creative extraordinare, a fost trist. În 1663, credinciosul său însoțitor Hendrikje a murit. Mai târziu, Rembrandt și-a îngropat fiul, urmat de nora sa. În toamna anului 1669 i-a venit rândul - pe 4 octombrie, cel mai mare maestru al picturii olandeze a părăsit această lume în liniște și pe nesimțite.

„Flora” (1641, Dresda)

Pilda omului bogat (1627, Berlin)

Întoarcerea lui Iuda 30 de argint (1629, colecție privată)

Autoportret (1629, Boston)

Ieremia deplânge distrugerea Ierusalimului (1630, Amsterdam)

Portretul unui om de știință (1631, Ermitaj)

Anna profetesa (1631, Amsterdam)

Apostol Petru (1631, Israel)

Furtuna pe Marea Galileii (1663, Boston)

Autoportret cu Saskia (1635, Dresda)

Sărbătoarea lui Belşaţar (1638, Londra)

Predicatorul și soția sa (1641, Berlin)

„Saskia într-o pălărie roșie” (1633/1634, Kassel)

Podul de piatră (1638, Amsterdam)

Portretul Mariei Trip (1639, Amsterdam)

Sacrificiul lui Manoy (1641, Dresda)

Fată (1641, Varșovia)

Veghea de noapte (1642, Amsterdam)

Sfânta Familie (1645, Schitul)

Flora (1654, New York)

Întoarcerea fiului risipitor (c. 1666-69, Ermitage)

Saskia (1643, Berlin)

Conspirația lui Julius Civilis (1661, Stockholm)

Tânără care încearcă cercei (1654, Hermitage)

Sindic (1662, Amsterdam)

mireasa evreiasca (1665, Amsterdam)

Portretul Maertenei Soolmansa (1634, colecție privată)

Alegoria muzicii. 1626. Amsterdam.

auto portret
Martin Loten
bărbat în haine orientale

Portretul lui Hendrickje Stofells

***

auto portret
Tobit își suspectează soția că fură. 1626. Amsterdam.
măgarul lui Valaam. 1626. Paris.
Samson și Dalila. 1628. Berlin.
Tânăra Saxia. 1633. Dresda.
Saxia van Uylenburgh. 1634. Amsterdam.
Portretul lui Jan Utenbogart. 1634. Amsterdam.
Floră. 1633-34. Schit. St.Petersburg.
Răpirea lui Ganymede.1635. Dresda.
Orbirea lui Samson.1636.Frankfurt pe Main. jertfa lui Avraam. 1635. Schitul. St.Petersburg
Andromeda.1630-1640. Haga.
David şi Jonophan.1642. Schit. St.Petersburg.
Moara 1645. Washington.
Natura moartă cu un păun.Anii 1640. Amsterdam.
Portretul unui bătrân războinic. 1632-34. Los Angeles.
Susanna și bătrânii, 1647. Berlin-Dahlem.
Omul cu coif de aur. 1650. Berlin-Dahlem.
Aristotel cu un bust al lui Homer. 1653. New York.
Bat-Șeba. 1654. Luvru. Paris.
Portretul lui Jan Sixt. 1654. Amsterdam.
acuzația lui Iosif. 1655. Washington.
Hendrikje intrând în râu. 1654. Londra.
Binecuvântarea lui Iacov.1656. Kassel.
Lepădarea Apostolului Petru. 1660. Amsterdam.
Hendrikje la fereastră.1656-57. Berlin.
Evanghelistul Matei și un înger. 1663. Luvru, Paris.
Frederic Riel călare.1663. Londra.
Portretul unei bătrâne. 1654. Schitul. Svnkt-Petersburg.
Conspirația batavă.1661-62. Stockholm.
Portretul lui Jeremiah Dekker.1666. Schit. St.Petersburg.
Autoportret.1661. Amsterdam. Rembrandt Harmenszoon van Rijn(Rembrandt Harmensz van Rijn) (1606-1669), pictor, desenator și gravor olandez. Opera lui Rembrandt, impregnată de dorința unei înțelegeri profund filozofice a vieții, a lumii interioare a unei persoane cu toată bogăția experiențelor sale spirituale, marchează apogeul dezvoltării olandezilor. art XVII secolul, unul dintre vârfurile culturii artistice mondiale. Moștenire artistică Rembrandt se distinge printr-o diversitate exceptionala: a pictat portrete, naturi moarte, peisaje, scene de gen, picturi pe teme istorice, biblice, mitologice, Rembrandt a fost un maestru de neegalat al desenului si gravurii. După un scurt studiu la Universitatea din Leiden (1620), Rembrandt a decis să se dedice artei și a studiat pictura cu J. van Swanenbürch la Leiden (circa 1620-1623) și P. Lastman la Amsterdam (1623); în 1625-1631 a lucrat la Leiden. Picturile lui Rembrandt din perioada Leiden sunt marcate de o căutare a independenței creatoare, deși arată încă influența lui Lastman și a maeștrilor caravagismului olandez („Bringing to the Temple”, aproximativ 1628-1629, Kunsthalle, Hamburg). În picturile „Apostolul Pavel” (circa 1629-1630, Muzeul Național, Nürnberg) și „Simeon în templu” (1631, Mauritshuis, Haga), el a folosit pentru prima dată clarobscurul ca mijloc de a spori spiritualitatea și expresivitatea emoțională a imagini. În aceiași ani, Rembrandt a lucrat din greu la portret, studiind expresiile faciale ale feței umane. În 1632, Rembrandt s-a mutat la Amsterdam, unde s-a căsătorit curând cu bogatul patrician Saskia van Uylenburgh. Anii 1630 sunt o perioadă a fericirii familiei și a marelui succes artistic al lui Rembrandt. Tabloul „Lecția de anatomie a doctorului Tulp” (1632, Mauritshuis, Haga), în care artistul a rezolvat în mod inovator problema unui portret de grup, dând compoziției o viață de ușurință și unind cele portretizate într-o singură acțiune, a adus Rembrandt popularitate largă. În portretele pictate la numeroase comenzi, Rembrandt van Rijn a transmis cu atenție trăsături faciale, haine, bijuterii (pictura „Portret de burgrave”, 1636, Galeria Dresda).

Dar autoportretele și portretele unor apropiați ale lui Rembrandt sunt mai libere și mai variate ca compoziție, în care artistul a experimentat cu îndrăzneală în căutarea expresivității psihologice (autoportret, 1634, Luvru, Paris; Smiling Saskia, 1633, Galeria de Artă, Dresda). Căutarea acestei perioade a fost completată de celebrul „Autoportret cu Saskia” sau „Societatea veselă”; circa 1635, Galeria de Artă, Dresda), rupând cu îndrăzneală canoanele artistice, remarcată prin imediatețea vie a compoziției, modul liber de a picta, major, plin de lumină, gamă colorată.

Compozițiile biblice din anii 1630 („Sacrificiul lui Avraam”, 1635, Muzeul Ermitaj de Stat, Sankt Petersburg) poartă pecetea influenței picturii baroc italiene, care se manifestă într-o dinamică oarecum forțată a compoziției, claritatea unghiurilor, contraste de lumină și umbră. Un loc special în opera lui Rembrandt din anii 1630 îl ocupă scenele mitologice în care artistul a contestat cu îndrăzneală canoanele și tradițiile clasice („Răpirea lui Ganymede”, 1635, Galeria de Artă, Dresda).

Compoziția monumentală „Danae” (1636-1647, Muzeul Ermitaj de Stat, Sankt Petersburg) a devenit o întruchipare vie a vederilor estetice ale artistului: imediatitatea realistă și frumusețea corporală senzuală, ideală a imaginilor maeștrilor italieni, el a contrastat frumusețea spiritualitatea și căldura sentimentului uman. În aceeași perioadă, Rembrandt a lucrat mult în tehnica gravurii și a gravurii (Manneken Pis, 1631; Vânzător de otravă de șobolani, 1632; Traveling Couple, 1634), realizând desene îndrăznețe și generalizate în creion.

În anii 1640, se pregătea un conflict între opera lui Rembrandt și cerințele estetice limitate ale societății contemporane. S-a manifestat în mod clar în 1642, când pictura „Pagul de noapte” (Rijksmuseum, Amsterdam) a provocat proteste din partea clienților care nu au acceptat ideea principală a maestrului - în loc de portretul tradițional de grup, el a creat o compoziție eroic ridicată cu o scenă din performanța breslei trăgătorilor la alarmă, adică . în esență o imagine istorică care evocă amintiri ale luptei de eliberare a poporului olandez. Afluxul de comenzi de la Rembrandt este în scădere, circumstanțele sale de viață sunt umbrite de moartea lui Saskia. Opera lui Rembrandt își pierde aspectul exterior și notele de majoritate inerente ei mai devreme. Pictează scene biblice și de gen calme, calde și intime, dezvăluind nuanțele subtile ale experiențelor umane, sentimente de apropiere spirituală, de familie („David și Ionatan”, 1642, „Sfânta familie”, 1645, ambele în Schitul, Sf. Petersburg).

Cea mai fină piesă de clarobscur, care creează o atmosferă specială, dramatică, emoțională intensă, devine din ce în ce mai importantă atât în ​​pictură, cât și în grafica lui Rembrandt (monumentala fișă grafică „Hristos vindecând bolnavul” sau „Frunza de o sută de guldeni”, circa 1642- 1646; peisaj plin de dinamică a aerului și luminii „Trei copaci”, gravură, 1643). Anii 1650, plini de încercări grele de viață pentru Rembrandt, deschid perioada de maturitate creativă a artistului. Rembrandt se îndreaptă din ce în ce mai mult către genul portretului, înfățișându-i pe cei mai apropiați (numeroase portrete ale celei de-a doua soții a lui Rembrandt, Hendrickje Stoffels; „Portretul unei bătrâne”, 1654, Muzeul Ermitaj de Stat, Sankt Petersburg; „Fiul Titus Reading”, 1657 , Kunsthistorisches Museum, Viena).

Din ce în ce mai mult, artistul este atras de imaginile oamenilor obișnuiți, bătrâni care servesc ca întruchipare a înțelepciunii vieții și a bogăției spirituale (așa-numitul „Portret al soției fratelui artistului”, 1654, Muzeul de Stat Arte Frumoase, Moscova; „Portretul unui bătrân în roșu”, 1652-1654, Ermitaj, Sankt Petersburg). Rembrandt se concentrează asupra feței și mâinilor, smulse din întuneric de lumina difuză moale, expresiile faciale subtile reflectă mișcarea complexă a gândurilor și sentimentelor; uneori, lovituri de pensulă ușoare, alteori păstoase creează suprafața imaginii, irizate cu nuanțe colorate și deschise și nuanțe.

La mijlocul anilor 1650, Rembrandt a dobândit o abilitate matură de pictură. Elementele de lumină și culoare, independente și chiar parțial opuse în lucrările timpurii ale artistului, se contopesc acum într-un singur întreg interconectat. Masa de vopsea luminoasă roșu-maro fierbinte, acum sclipitoare, acum estompată, tremură, sporește expresivitatea emoțională a operelor lui Rembrandt, ca și cum le-ar fi încălzit cu un sentiment uman cald. În 1656, Rembrandt a fost declarat în faliment, toată proprietatea sa a fost vândută la licitație. S-a mutat în cartierul evreiesc din Amsterdam, unde și-a petrecut restul vieții în circumstanțe extrem de înghesuite. Compozițiile biblice create de Rembrandt în anii 1660 rezumă reflecțiile sale asupra sensului viata umana. În episoade care exprimă ciocnirea întunericului și luminii în sufletul uman („Asur, Haman și Esther”, 1660, Muzeul Pușkin, Moscova; „Căderea lui Haman” sau „David și Urie”, 1665, Muzeul Ermitaj de Stat, St. Petersburg), gamă bogată de căldură, stilul flexibil de scriere impasto, jocul intens de umbre și lumină, textura complexă a suprafeței colorate servesc la dezvăluirea ciocnirilor complexe și a experiențelor emoționale, pentru a afirma triumful binelui asupra răului.

Pictura istorică „Conspirația lui Julius Civilis” („Conspirația Batavilor”, 1661, un fragment a fost păstrat, Muzeul Național, Stockholm) este impregnată de dramă și eroism sever. În ultimul an al vieții sale, Rembrandt și-a creat principala capodopera - pictura monumentală „Întoarcerea fiului risipitor” (circa 1668-1669, Muzeul Ermitaj, Sankt Petersburg), care întruchipa toate problemele artistice, morale și etice. a lucrării târzii a artistului. Cu o pricepere uimitoare, el recreează în el o întreagă gamă de sentimente umane complexe și profunde, subjugați mijloace artistice dezvăluind frumusețea înțelegerii umane, a compasiunii și a iertării. Punctul culminant al trecerii de la tensiunea sentimentelor la rezoluția pasiunilor este întruchipat în ipostaze sculptural expresive, gesturi medii, în structura emoțională a culorii care fulgeră strălucitor în centrul imaginii și se estompează în spațiul umbrit de fundal. Marele pictor, desenator și gravor olandez Rembrandt van Rijn a murit la 4 octombrie 1669 la Amsterdam. Influența artei lui Rembrandt a fost enormă. A afectat nu numai munca elevilor săi direcți, dintre care Karel Fabritius s-a apropiat cel mai mult de a înțelege profesorul, ci și arta fiecărui artist olandez mai mult sau mai puțin semnificativ. Arta lui Rembrandt a avut un impact profund asupra dezvoltării artei realiste din lume ulterior.

Întotdeauna este greu să vorbești despre ceea ce iubești cu adevărat. Alegeți cu atenție cuvintele potrivite, rândurile de vorbire, nu știți de unde să începeți ... Prin urmare, voi începe cu o mică revelație: Rembrandt Harmenszoon van Rijn- artistul meu preferat și l-am cunoscut de foarte mult timp.

În copilărie – în Schit, cu poveștile profesorului-tată. În tinerețe - la lecțiile Teatrului de Artă din Moscova de la institut, cu tobogane vechi într-un public întunecat în serile lungi de decembrie. În tinerețe - în uimitor Amsterdam, râzând cu bucurie în razele apusului soarelui de august. Am citit deja sute de prelegeri despre Rembrandt, am făcut mai mult de o duzină de excursii, dar totuși există sentimentul că acum trebuie să te plonjezi în ceva necunoscut, imens, de neînțeles.

E ca și cum ai sări de pe un dig în apele mării, unde ai fost pentru prima dată. Nu știi dacă apa e rece acolo, câte pietre sunt în fund. Este anticiparea și îndoiala care îți face mâinile să tremure nervos. Există o singură modalitate de a învinge asta - sări dintr-un început de alergare, simțindu-ți inima bătând cu putere și cum, la un moment dat, întreaga lume din jurul tău este dusă undeva în depărtare, iar acum ești singur cu ceva complet nou... Ei bine , bine! Să sărim, să deschidem ochii și să vedem!

La 27 de ani, avea tot ce putea visa un artist. Faimă, faimă, bani, femeie iubită, sute de comenzi. El a fost considerat cel mai bun maestru pictură portretîntr-unul dintre cele mai bogate orașe ale vremii sale, în perla nordului Europei – Amsterdam.

Da, nu a existat niciodată un artist în lume capabil să creeze asta! Portretul trebuia să fie perfect, trebuia să lumineze toate neajunsurile unei persoane, dar Rembrandt gândea altfel. Portretele lui erau vii. Transmiteau caracter, era conflict în ei. În fața dumneavoastră este un fragment dintr-un portret al colectorului șef de taxe din provincia Olanda, Jan Wtenbogart.

Aproape întregul stat al republicii a trecut prin mâinile acestui om. Iar hainele lui - un guler aerat din dantelă, o haină lungă din blană de samur rusesc - mărturisesc clar starea lui. Acum doar uită-te la acei ochi. Vedeți tristețe în ei... Și pânza marelui predecesor al lui Rembrandt este imediat amintită -. Nu se uită oare apostolul la Hristos cu aceeași expresie când îl cheamă la el? Acest portret este povestea unui om foarte bogat, dar foarte nefericit, iar pictorul olandez l-a putut arăta într-un moment înghețat.

Toate timp liber Rembrandt Harmenszoon van Rijn a cheltuit pentru studiul expresiilor faciale. A stat ore în șir la oglindă și a făcut fețe, pe care apoi le-a transferat cu cărbune pe hârtie. Era important pentru el să prindă cele mai mici nuanțe de emoții.

Fața unei persoane, potrivit artistului, era o oglindă a sufletului, el și-a dat seama de asta cu mult înainte de Oscar Wilde cu „Portretul lui Dorian Gray”. Dar portretele nu sunt singurul lucru la care a excelat Rembrandt. Pânzele lui mari ne impresionează nu mai puțin. Jocul clarobscurului, pe care Caravaggio l-a dezvoltat atât de mult în pictura sa, capătă o amploare cu adevărat gigantică de la maestrul nostru.

Avea doar 28 de ani când și-a creat prima sa capodopera absolută. Acest tablou este „Coborârea de pe Cruce”. Pur și simplu nu poți trece pe lângă acest tablou din Schit. Într-o clipă, artistul a reușit să înfățișeze întreaga esență a creștinismului, să spună una dintre cele mai mari povești umane cât mai sincer și emoționant, într-un mod pe care nimeni nu a făcut-o înainte sau după el.

Ierusalimul din fundal se scufundă în întuneric. Mântuitorul este mort. Îi vedem trupul fără viață în centrul imaginii. Acesta este momentul celei mai mari disperări, nimeni încă nu crede în înviere. Oamenii văd doar cadavrul unui bărbat pe care l-au iubit și l-au închinat ca zeu, iar Fecioara Maria leșină, pielea ei este palidă de moarte - tocmai și-a pierdut singurul fiu.

Există un detaliu pe această pânză care nu este imediat evident. Aceasta este iluminarea. Sursa de lumină este un felinar în mâinile băiatului, dar trupul lui Hristos și hainele apostolului care îl ține în brațe reflectă lumina ca o oglindă. Și tocmai prin lumină este spusă povestea adevărată aici, se dezvăluie sensul filosofic al tabloului.

Lumina unui felinar este lumina credinței, iar ceea ce vedem în imagine este o inițiere în misterul ei. Se simte că însuși trupul Mântuitorului devine aici sursa de lumină. Fața Maicii Domnului și giulgiul, luminate de lumina slabă a unei lumânări, ies în evidență din întuneric, în care ar trebui să fie înfășurat trupul lui Hristos. Pe această pânză, Rembrandt a aplicat mai întâi tehnica care în ultimii ani ai vieții a devenit principala în opera sa.

Și acum vedem cum o persoană care a stăpânit perfect tehnica scrisului a notat toate figurile centrale de pe pânză în cel mai mic detaliu, dar pe măsură ce s-au îndepărtat de lumină, fețele oamenilor au devenit din ce în ce mai neclare, aproape imposibil de distins. Totul este foarte simplu - misterul a ceea ce se întâmplă a trecut pe lângă ei.

Totuși, pe această pânză există un alt personaj care nu se observă la prima vedere. În ciuda faptului că se află în umbră, Rembrandt îl înfățișează foarte clar. În colțul din dreapta jos al pânzei, din cel mai întunecat loc, ascuns în spatele tulpinilor de ciulin, Diavolul în formă de câine se uită la tine și parcă îți pune o întrebare:

— Ești implicat în ceea ce se întâmplă?

Da, maestrul olandez nu a fost întotdeauna mulțumit de cadrul imaginii, a visat că pânzele sale vor deveni parte din această lume, iar privitorul va deveni un participant direct la ceea ce se întâmplă. Dar tocmai această dorință l-a răsturnat de pe culmile gloriei în abisul secolelor de uitare.

Nenorocirea și uitarea vin la fel de repede ca averea și gloria. Rembrandt Harmenszoon van Rijn a experimentat această primă mână în 1642. Desigur, au existat nemulțumiri înainte de asta: copiii lui au murit în copilărie. Un singur fiu a supraviețuit, Titus, născut în 1641. Dar un an mai târziu, iubita lui soție Saskia, cu care a trăit mulți ani, a părăsit această lume. Iar odată cu această pierdere, și norocul s-a întors de la artist, s-a întors în momentul în care a realizat unul dintre cele mai mari tablouri ale sale.

Se poate vorbi la nesfârşit despre Veghea de noapte a lui Rembrandt. Această pânză este atât de mare în conținut, atât de unică în compoziția sa construită, încât istoria creării sale este destul de demnă de o carte separată, nu de un articol. Dar, așa cum se întâmplă adesea în viață, această creație, care ulterior a schimbat radical întreaga dezvoltare a picturii mondiale, a fost respinsă de contemporani.

Clienților nu le-a plăcut felul în care au fost reprezentați, iar mulți dintre ei au refuzat să plătească pentru opera artistului. Cel mai faimos pictor al Țărilor de Jos nu a experimentat niciodată o asemenea umilință. Într-un an, Rembrandt și-a pierdut iubita soție și a eșuat cu cea mai bună lucrare. S-ar părea că acest lucru este destul, dar nu, a fost doar începutul tragediei. Comenzile au devenit din ce în ce mai puține (clasicismul și stilul portretelor ceremoniale au intrat în modă), iar în curând proprietatea artistului a fost vândută pentru datorii. Dintr-un conac imens din chiar centrul Amsterdamului, a fost nevoit să se mute la marginea orașului, în Cartierul Evreiesc, unde a închiriat mai multe camere cu fiul său iubit Titus.

Cel mai interesant lucru este că Rembrandt s-ar putea adapta cu ușurință la cele mai recente tendințele modeiîn artă și să obțină din nou bani mari pentru pânzele lor. Însă pictorul era convins că trebuie să creeze un stil complet nou. În portretele sale acum nu erau oameni bogați, ci cei mai simpli cetățeni ai orașului Amsterdam. Acesta este, de exemplu, „Portretul unui evreu bătrân”.

Rembrandt nu era interesat de descrierea detaliată a tuturor articolelor de îmbrăcăminte, s-a străduit pentru mai multă abstractizare, s-a străduit să arate sentimentele personajelor sale cu o acuratețe perfectă. Pentru perseverența lui, a primit doar suferință și palme în față. Acest lucru s-a întâmplat cu pictura sa „Conspirația lui Julius Civilis”.

În loc de o imagine clasică, pompoasă, ieșită a patriotismului, bătrânul maestru a prezentat asta publicului.

În fața noastră este o imagine a unei sărbători barbare, nepoliticos, inestetic. Această pânză a fost cu aproape 300 de ani înaintea timpului său, anticipând pictura expresionistă. Nu este de mirare că capodopera maestrului a fost respinsă, iar numele său a fost acoperit de o rușine de neșters. Dar tocmai acești ultimi opt ani de viață, petrecuți într-o sărăcie absolută, de nepătruns, sunt unul dintre cei mai perioade fructuoaseîn opera lui Rembrandt.

Cred că voi scrie despre picturile din acea perioadă, inclusiv ale lui Întoarcerea fiului risipitor, într-un articol separat. Acum vreau să vorbesc despre altceva. Am fost mereu uimit de cum a putut Rembrandt să lucreze și să-și dezvolte talentul atunci când loviturile destinului ploua peste el de pretutindeni. Nu a putut continua așa mult timp, iar artistul a prevăzut-o.

Lovitura finală este întotdeauna dată chiar de la capăt punct dureros. Era singurul fiu al lui Titus - un băiat foarte bolnav, asemănător cu al lui mama moartă. Pe el l-a înfățișat atunci Rembrandt cel mai des: atât sub forma unui înger în pictura „Matei și îngerul”, cât și lectură și în diverse costume. Poate că pictorul s-a gândit că cu ajutorul talentului său va reuși cumva să întârzie inevitabilul... A eșuat...

După părerea mea, „Portretul lui Titus într-o sutană monahală” este unul dintre cele mai pline de suflet picturi ale lui Rembrandt. Toată dragostea tatălui ei, tot talentul de pictor s-a manifestat în ea. În toate aceste mișcări aspre, în acest întuneric care înainta pe tânărul din stânga, în plantele care îi înconjoară deja trupul, iese în evidență un singur lucru - chipul palid al fiului artistului cu ochii în jos și plini de smerenie.

Titus a murit în 1668, Rembrandt i-a supraviețuit doar un an.

Murea la periferia Amsterdamului, absolut singur, după ce a câștigat totul în această viață și a pierdut totul. Au uitat multă vreme de pânzele lui... Dar au trecut 150 de ani, iar alți artiști au auzit deja ce încerca maestrul să le spună contemporanilor săi, alegându-și propria cale unică în loc de faimă și bani.

Resmbrandt s-a născut în Leiden, fiul unui proprietar de moară destul de bogat. Mai întâi a studiat la Școala Latină, apoi pentru scurt timp la Universitatea din Leiden, dar l-a lăsat să studieze pictura, mai întâi cu un maestru local puțin cunoscut, iar apoi cu artistul din Amsterdam Peter Lastman.

După un scurt studiu, Rembrandt pleacă în orașul natal pentru a picta singur în propriul său atelier. Acesta este timpul formării artistului, când era pasionat de opera lui Caravaggio. În această perioadă, el pictează o mulțime de portrete ale membrilor familiei sale - mamă, tată, soră și autoportrete. Deja în acest moment, el acordă o atenție deosebită iluminării și transmiterii experiențelor spirituale ale modelelor sale. Tânăra artistă adoră să le îmbrace în diverse haine, să le drapeze în țesături frumoase, transmițându-le perfect textura și culoarea.

În 1632, Rembrandt a plecat la Amsterdam, centrul culturii artistice a Olandei, care l-a atras firesc pe tânărul artist. Aici ajunge repede la faima, are multe comenzi. În același timp, el continuă cu entuziasm să-și îmbunătățească abilitățile. Anii 30 au fost vremea celei mai înalte glorii, calea către care a fost deschisă pictorului prin marea sa pictură comandată „Lecția de anatomie”. Toate ipostazele și acțiunile din imagine sunt naturale, dar lipsite de un naturalism excesiv.

În 1634, Rembrandt se căsătorește cu o fată dintr-o familie bogată - Saskia van Uylenborch - și de atunci intră în cercurile patriciene. Începe cea mai fericită perioadă din viața artistului: dragoste reciprocă pasională, bunăstare materială, multe comenzi. Pictorul îi scrie adesea tinerei sale soții: „Flora”, „Autoportret cu Saskia în genunchi”. Dar fericirea nu a durat mult. Saskia a murit în 1642, lăsându-l pe fiul ei, Titus.

Depresia morală și pasiunea pentru colecționare care a pus stăpânire pe Rembrandt l-au condus treptat la ruină. Acest lucru a fost facilitat de o schimbare a gusturilor publicului, purtat de scrisul atent pictura in lumina. Rembrandt, care nu a cedat niciodată gusturilor clienților săi, era interesat de contrastele de lumină și umbră, lăsând lumina la un moment dat, restul imaginii era în umbră și în umbră parțială. Comenzile au devenit din ce în ce mai puține. Noua iubită a vieții sale, Hendrikje Stoffels, și fiul său Titus au fondat o companie de vânzare de tablouri și antichități pentru a-l ajuta pe artist. Dar eforturile lor au fost în zadar. Lucrurile erau din ce în ce mai rău. La începutul anilor 1660, Hendrickje a murit, iar câțiva ani mai târziu, Titus.

Cu toate acestea, în ciuda tuturor, artistul continuă să lucreze. În acești ani deosebit de grei, el creează o serie de lucrări remarcabile: „Sindici”, „Întoarcerea fiului risipitor”, izbitoare prin dramatism interioară.

Cel mai mare artist a murit în sărăcie extremă la 4 octombrie 1669. Contemporanii au reacţionat rece la această pierdere. A fost nevoie de aproape două sute de ani pentru ca puterea realismului lui Rembrandt, psihologia profundă a pânzelor sale și uimitoarea pricepere a picturii să-și ridice numele din uitare și să-l pună printre cele mai mari nume ale lumii.

Flora este zeița italiană a florilor și tinereții. Cultul Florei este unul dintre cele mai vechi culte agricole din Italia, în special al sabinilor. Romanii au identificat Flora cu grecul Chloris și au sărbătorit în cinstea ei așa-numita floralia primăvara, în timpul căreia se desfășurau jocuri vesele, luând uneori un caracter neînfrânat. Oamenii s-au decorat pe ei înșiși și animalele cu flori, femeile și-au îmbrăcat rochii strălucitoare.
În arta antică, Flora era înfățișată ca o tânără care ținea flori sau împrăștia flori.

Întreaga pânză este pătrunsă de jubilare sinceră! Autoportretul îi înfățișează pe soții la un festin vesel. Rembrandt, uriaș în comparație cu soția sa slabă, o ține în genunchi și ridică un pahar de cristal cu vin spumant. Par să fie luați prin surprindere, într-o atmosferă intimă debordantă de viață.

Rembrandt, într-un costum militar bogat, cu un baldric aurit și o spală pe o parte, arată ca un dandy-raiter care se distrează cu o fată. Nu se jenează că o astfel de distracție poate fi considerată un semn de prost gust. El știe doar că soția lui este iubită și, prin urmare, frumoasă în corsajul ei luxos, fusta de mătase, tofa magnifică și colierul prețios și că toată lumea ar trebui să o admire. Nu se teme să nu pară nici vulgar, nici vanitos. Trăiește pe tărâmul viselor și al bucuriei, departe de oameni, și nu-i trece prin cap că poate fi învinovățit. Și toate aceste sentimente sunt transmise de expresia simplă a inimii strălucitoare a artistului însuși, care pare să fi obținut toate binecuvântările pământești.

Imaginea exprimă bucuria vieții, conștiința tinereții, sănătatea și bunăstarea.

După moartea lui Saskia, în viața lui Rembrandt a intrat o altă femeie, un modest servitor Hendrickje Stoffels, care a înseninat singurătatea stăpânului. Îi scria adesea, dar în titlurile lucrărilor în care ea a servit ca model, nu a menționat niciodată numele ei.

Povestea patriarhului biblic Iosif este relatată în cartea Geneza.
De asemenea, în casa părintească Iacov și Rahela, fiul lor iubit, Iosif, apare ca un visător. Tatăl îl remarcă pe Iosif printre frați, iar ei, geloși pe poziția sa specială și pe hainele frumoase, îl vând pe Iosif ca sclav caravanerilor care se îndreptau spre Egipt.
În Egipt, Iosif servește ca sclav al bogatului nobil Potifar, șeful gărzilor de corp ale faraonului. Potifar îi încredințează lui Iosif întreaga sa casă, dar soția lui Potifar îi încalcă castitatea, iar Iosif fuge, lăsându-și hainele în mâinile femeii. Soția lui Potifar, care s-a îndrăgostit de Iosif și nu a obținut reciprocitate, îl acuză de viol.
În închisoarea unde a fost trimis Iosif, brutarul și paharnicul regelui sunt cu el. Iosif le interpretează visele, conform cărora brutarul va fi executat, iar paharnicul va fi iertat după trei zile. Profeția lui Iosif se împlinește, iar paharnicul își amintește de el când preoților egipteni le este greu să interpreteze visul faraonului despre șapte vaci grase devorate de șapte slabe și vreo șapte spighe bune devorate de cele slabe. Chemat din închisoare, Iosif interpretează visul ca un prevestitor al faptului că, după următorii șapte ani de recoltă bună, vor veni șapte ani de eșec sever al recoltei. El îl sfătuiește pe faraon să numească o persoană de încredere care să creeze provizii pentru vremea foametei.
Faraonul îl numește pe Iosif ca confident, îl favorizează cu inelul său, îi dă un nume egiptean și ca soție - egipteana Aseneth, fiica unui preot din Heliopolis.

Lui Samson îi plăcea să cutreiere țara și într-o zi a ajuns în orașul Timnat. Acolo s-a îndrăgostit de o femeie filistenă impunătoare și a dorit să se căsătorească cu ea. A fugit acasă și și-a rugat părinții să-și curteze iubitul. Bătrânii s-au strâns îngroziți de cap: fiul lor le provocase deja multă mâhnire, iar acum, pe lângă toate, s-a hotărât să se căsătorească cu un străin, fiica unui filistean. Samson, însă, a rămas în picioare. Părinții nu au avut ce face - oftând din greu, s-au supus capriciilor fiului lor excentric. Samson a devenit mire și de atunci mergea des la părinții miresei.
Într-o zi, când Samson mergea cu viteză pe poteca dintre vii, un tânăr leu care răcnește i-a blocat drumul. Omul voinic a sfâșiat leul și, de parcă nimic nu s-ar fi întâmplat, a mers la Timnath, fără să povestească nimănui despre aventura lui. Întors acasă, a fost surprins să vadă că un roi de albine cuibărea în gura unui leu mort și se adunase deja multă miere. Samson a adus fagurii părinților săi fără să spună un cuvânt de unde i-a luat.
La Fimnaf, potrivirea a mers bine, a fost un festin mare, toată lumea i-a felicitat pe miri, iar ziua nunții a fost fixată. După obiceiul filistenilor, sărbătoarea nunții durează șapte zile.
La sărbătoare, părinții miresei, temându-se de puterea extraordinară a lui Samson, i-au numit însoțitori de căsătorie treizeci de tineri filisteni puternici. Samson, uitându-se la „gărzi” cu un rânjet, le-a sugerat să rezolve ghicitoarea. Trebuia rezolvat până la sfârșitul nunții, în ziua a șaptea.
Ghicitoarea mergea astfel: „Din mâncător a ieșit ceva de mâncare, iar din cei puternici a ieșit ceva dulce”. Desigur, nimeni nu a putut rezolva această ghicitoare, pentru că nimeni nu știa asta vorbim despre albinele care mănâncă nectar (albinele „mănâncă”), despre miere („mănâncă”) și despre un leu puternic. Totodată, Samson a pus condiții: dacă se rezolvă, vor primi câte 30 de cămăși din rochia de top, iar dacă nu, îi vor plăti la fel.
Filistenii nedumeriți s-au gândit la această ciudată ghicitoare timp de trei zile. Disperați, s-au dus la tânăra lui soție și i-au amenințat că, dacă nu va afla răspunsul la ghicitoare de la soțul ei, se vor arde atât pe ei, cât și casa tatălui ei. Filistenii chiar nu voiau să-i plătească lui Samson o sumă bogată.
Prin viclenie și bunătate, soția a aflat de la soțul ei răspunsul la ghicitoare, iar a doua zi filistenii au dat răspunsul corect. Samson, înfuriat, nu avea altceva de făcut decât să plătească datoria convenită, iar părinții lui erau foarte săraci. Apoi a ucis 30 de filisteni și le-a dat hainele ca datorie. Samson însuși, dându-și seama ce a trădat soția lui, a trântit ușa și s-a întors la părinții săi.

Artemis (Artemis) - fiica lui Zeus și Leto, sora lui Apollo. Inițial venerată ca zeița florei și a faunei. Ea este „stăpâna fiarelor”, Tavropol (ocrotitorul taurilor), Limnatis (mlaștină), ursoaică (în această formă era venerată în Bavron). Mai târziu - zeița vânătorii, munților și pădurilor, patrona femeilor la naștere.
Artemis a implorat virginitatea eternă de la Zeus. Șaizeci de oceanide și douăzeci de nimfe au fost tovarășii ei constanti de vânătoare, participanți la jocurile și dansurile ei. Funcția ei principală este de a proteja obiceiurile stabilite, sacrificiile aduse zeilor, pentru a căror încălcare pedepsește aspru: trimite un mistreț teribil în regatul Calydonian, șerpi mortali în patul conjugal al regelui Admet. Ea păzește și lumea animală, chemând la socoteală pe Heracles, care a ucis căprița Kerineană cu coarne de aur și cere un sacrificiu sângeros în schimbul căprioarei sacre ucise de Agamemnon - fiica sa Ifigenia (pe altarul jertfei, Artemis a înlocuit-o în secret pe prințesă cu o căprioară, iar Ifigenia transferată la Tauris, făcând-o preoteasa).
Artemis este protectorul castității. Ea îl patronează pe Hippolytus, care disprețuiește dragostea, îl transformă pe Acteon, care a văzut-o din greșeală pe zeiță goală, într-o căprioară, care a fost sfâșiată de el. proprii câini, și nimfa Calypso, care și-a încălcat jurământul, într-un urs. Are hotărâre, nu tolerează rivalitatea, își folosește săgețile bine îndreptate ca instrument de pedeapsă. Artemis, împreună cu Apollo, i-au nimicit pe copiii lui Niobe, care era mândru de cei șapte fii și șapte fiice ale ei înaintea mamei zeilor Leto; săgeata ei l-a lovit pe Orion, care a îndrăznit să concureze cu zeița.
Ca zeiță a vegetației, Artemis este asociată cu fertilitatea.Acest cult s-a răspândit în special în Efes (Asia Mică), unde a fost construit templul lui Artemis din Efes (una dintre cele „șapte minuni ale lumii”), ars de Herostratus. onoarea ei. Artemis era venerată aici ca o zeiță-asistentă, „harnică”; Ea este patrona Amazonelor.
Artemis era, de asemenea, venerata ca zeița războiului. În Sparta, înainte de bătălie, o capră a fost sacrificată zeiței, iar în Atena, cinci sute de capre erau așezate pe altare în fiecare an, la aniversarea bătăliei de la Maraton (septembrie-octombrie).
Artemis se apropia adesea de zeița lunii (Hecate) sau de zeița lunii pline (Selene). Există un mit binecunoscut despre Artemis-Selene, îndrăgostită de chipeșul Endymion, care și-a urat tinerețe veșnică și nemurire și le-a primit într-un somn adânc. În fiecare noapte zeița se apropia de grota Muntelui Carian Latm, unde tânărul dormea ​​și îi admira frumusețea.
Atributul zeiței este o tolbă la spate, în mâinile ei un arc sau o torță; este însoțită de o căprioară sau de o haită de câini de vânătoare.
La Roma, Artemis este identificat cu zeitatea locală Diana.

Artistul a descris-o pe Saskia, soția sa, ca pe Juno. Juno este vechea zeiță romană a căsătoriei și a nașterii, a maternității femeilor și a forței de producție feminine. Patrona căsătoriilor, tutorele familiei și decretele familiei. Principalul atribut al acestei zeițe este un văl, o diademă, un păun și un cuc. Rembrandt are un păun în colțul din stânga jos al imaginii.

În mitologia biblică, Belşaţar a fost ultimul rege babilonian, căderea Babilonului este asociată cu numele său. În ciuda asediului capitalei, întreprins de Cirus, regele și toți locuitorii, având o aprovizionare bogată de hrană, s-au putut răsfăța cu nepăsare plăcerile vieții.
Cu ocazia unei sărbători minore, Belșațar a aranjat o sărbătoare magnifică, la care au fost invitați până la o mie de nobili și curteni. Bolurile de masă erau vase prețioase luate de cuceritorii babilonieni de la diferite popoare cucerite, printre altele, și vase scumpe din templul din Ierusalim. În același timp, după obiceiul vechilor păgâni, au fost glorificați zeii babilonieni, care s-au dovedit a fi biruitori înainte și vor fi mereu învingători, în ciuda tuturor eforturilor lui Cirus și a aliaților săi secreti, evreii, împreună cu Iehova lor. .
Dar apoi, în mijlocul sărbătorii, o mână de om a apărut pe perete și încet a început să scrie câteva cuvinte. Văzând-o, „regele și-a schimbat fața, gândurile i s-au încurcat, legăturile coapselor i s-au slăbit și genunchii au început să se bată unul împotriva celuilalt îngroziți”. Înțelepții chemați nu au reușit să citească și să explice inscripția. Apoi, la sfatul reginei, l-au invitat pe bătrânul profet Daniel, care a dat dovadă întotdeauna de o înțelepciune extraordinară. Și a citit într-adevăr inscripția, care scria pe scurt în aramaică: „Mene, tekel, uparsin” Aceasta însemna: „Mene – Dumnezeu a numărat împărăția ta și i-a pus capăt; tekel – ești cântărit și găsit foarte ușor; uparsin – a ta Împărăția este împărțită și dată mediilor și perșilor”.
Chiar în noaptea aceea, povestea biblică continuă, Belşaţar, regele Caldeilor, a fost ucis.

Tobit este un israelian, care se distinge prin dreptate în țara natală și nu a părăsit evlaviosul guvern asirian și, în general, a supraviețuit unui număr de încercări, inclusiv orbire, care s-a încheiat pentru el și urmașii lui cu binecuvântarea deplină a lui Dumnezeu. Fiul său, Tobias, s-a vindecat cu ajutorul unui înger.

Dumnezeu i s-a arătat lui Avraam și soției sale Sara sub forma a trei călători, a trei tineri frumoși (Dumnezeu Tatăl, Dumnezeu Fiul și Dumnezeu Duhul Sfânt). Cuplul în vârstă le-a oferit ospitalitate generoasă. După ce a acceptat tratarea, Dumnezeu le-a anunțat soților o minune: în ciuda bătrâneții lor profunde, ei vor avea un fiu și de la el va veni un popor mare și puternic și toate popoarele lumii vor fi binecuvântate în el.

Unul dintre cele mai misterioase episoade din Vechiul Testament.
Când Iacov rămâne singur, apare Cineva (se obișnuiește să-l considerăm un înger) și se luptă cu el toată noaptea. Îngerul nu reușește să-l învingă pe Iacov, apoi atinge tendonul de pe coapsă și îl deteriorează. Cu toate acestea, Iacov supraviețuiește testului și primește un nou nume - Israel, adică „cel care se luptă cu Dumnezeu și va birui pe oameni”.
De aceea, într-o oarecare măsură, posturile lui Iacov și ale îngerului, îmbrățișând mai degrabă decât luptă, sunt firești și justificate.

Intriga este din Evanghelie, dar artistul descrie modul în care viața oamenilor obișnuiți. Doar îngerii care coboară în amurgul unei locuințe sărace ne amintește că aceasta nu este o familie obișnuită. Gestul mâinii mamei, aruncarea în spate a baldachinului pentru a privi copilul adormit, concentrarea în figura lui Iosif - totul este profund gândit. Simplitatea vieții și aspectul oamenilor nu fac imaginea mondenă. Rembrandt știe să vadă în viața de zi cu zi nu lucrurile mărunte și obișnuite, ci cele profunde și durabile. Din această pânză emană liniștea pașnică a vieții de muncă, sfințenia maternității.

Regele evreu Seul a căutat să-l distrugă pe tânărul David, temându-se că nu-și va lua tronul. Avertizat de prietenul său, prințul Ionatan, câștigătorul lui Goliat, David își ia rămas bun de la Ionatan la piatra Azail (înțeles ebraic – despărțire, despărțire.) Ionatan este sever și reținut, fața lui este jalnoasă. David disperat se agață de pieptul prietenului său, este de neconsolat.

Potrivit Bibliei, Bat-Șeba era o femeie de o frumusețe rară. Regele David, mergând pe acoperișul palatului său, a văzut-o pe Bat-Șeba scăldându-se dedesubt. Soțul ei, Urie, este plecat de acasă în acel moment, slujind în armata lui David. Bat-Șeba nu a încercat să-l seducă pe rege. Dar David a fost sedus de frumusețea Bat-Șebei și a ordonat ca ea să fie adusă la palat. Ca urmare a relației lor, ea a rămas însărcinată și a născut un fiu, Solomon. Mai târziu, David i-a scris comandantului armatei în care a luptat Urie, o scrisoare în care poruncea să-l pună pe Urie acolo unde „va fi cea mai puternică bătălie și să se retragă de la el, ca să fie doborât și să moară”.
Într-adevăr, s-a întâmplat, iar David s-a căsătorit ulterior cu Bat-Șeba. Primul lor copil a trăit doar câteva zile. David s-a pocăit mai târziu de fapta lui.
Cu toată poziția ei înaltă, cea mai iubită dintre soțiile lui David, Bat-Șeba și-a luat un loc în umbră și s-a comportat într-o manieră demnă. David l-a încoronat rege pe Solomon, fiul Bat-Șebei. Bat-Șeba a fost o femeie înțeleaptă și a sperat mereu în Dumnezeu. În relație cu David, ea a devenit o soție credincioasă și iubitoare și o mamă bună pentru copiii ei - Solomon și Natan.

Unul dintre ultimele tablouri ale lui Rembrandt. Aceasta este o dramă psihologică profundă. În pânza cu o putere extraordinară sună o chemare la umanitatea profundă, afirmarea comunității spirituale a oamenilor, frumusețea iubirii părintești.

Înfățișează o poveste biblică despre un fiu destrămat care, după lungi rătăciri, s-a întors la casa tatălui său. Întreaga cameră este cufundată în întuneric, doar tatăl și fiul sunt puternic luminați. Fiul cu capul ras de condamnat, în zdrențe, cu tocul gol din care a căzut un pantof găurit, a căzut în genunchi și s-a lipit de tatăl său, ascunzându-și fața pe piept. Bătrânul tată, orbit de durere în așteptarea fiului său, îl simte, îl recunoaște și îl iartă, binecuvântându-l.

Artistul transmite în mod natural și sincer toată puterea iubirii paterne. În apropiere sunt figuri amorțite ale spectatorilor care exprimă surpriza și indiferența - aceștia sunt membri ai acelei societăți care l-au corupt mai întâi și apoi l-au condamnat pe fiul risipitor. Dar dragostea paternă triumfă asupra indiferenței și ostilității lor.

Pânza a devenit nemuritoare datorită sentimentelor universale exprimate în ea - dragoste parentală fără fund, amărăciune de dezamăgire, pierdere, umilire, rușine și pocăință.

aceasta cel mai bun lucru Rembrandt anii 30.

Poza este dedicată temei eterne a iubirii. Complotul a fost mitul fiicei regelui Acrisius Danae. Oracolul i-a prezis lui Acrisie că va muri din mâna nepotului său.Atunci regele și-a închis fiica pentru totdeauna în turn.Dar atotputernicul Zeus s-a transformat într-o ploaie de aur și în această formă a intrat în Danae și a devenit iubitul ei. S-a născut fiul lor Perseus, iar apoi din nou, la ordinul lui Arixius, Danae, împreună cu fiul său într-o cutie, au fost aruncați în mare. Dar Danae și fiul ei nu au murit.

Artistul descrie momentul în care Danae îl așteaptă cu bucurie pe Zeus. Bătrâna servitoare trage deoparte perdeaua patului ei și o strălucire aurie se revarsă în cameră. Danae, în așteptarea fericirii, se ridică în întâmpinarea ploii de aur. Voalul a căzut și a scos la iveală un corp nu mai tânăr, greu, departe de legile frumuseții clasice. Cu toate acestea, captivează prin veridicitatea vitală, rotunjimea moale a formelor. Și deși artistul se referă la o temă din mitologia antică, imaginea este scrisă clar în spiritul realismului.

Rembrandt a scris multe despre subiectele poveștilor biblice și toate au fost în felul său, actualizate în conținut. Adesea picta tablouri contrar logicii - iluminare, culori, totul era doar ideea lui. Artistul arată aceeași independență în felul în care își îmbracă personajele. I-a îmbrăcat în haine ciudate - Saskia, Juno și alții...
La fel și cuplul din imaginea „Mireasa evreiască”. Numele este ciudat, deoarece pânza înfățișează un cuplu căsătorit, iar soția este însărcinată.
Pe fundalul de verdeață vagă, se ghicește o parte din zidul mare și peisajul urban. Un cuplu îmbrăcat în roșu și auriu stă în fața unui pilastru. Două fețe și patru brațe, bărbatul se aplecă spre femeie, a cărei privire este întoarsă spre ea, spre gândurile ei. Mâna ei dreaptă care ține flori se sprijină pe burtă. În față - seriozitatea de încredere a soției, ocupată doar cu prezența unei alte vieți în ea însăși. Bărbatul își pune brațul stâng în jurul umerilor ei. Mâna dreaptă se sprijină pe rochie la nivelul pieptului, unde mâna stângă a femeii intră în contact cu aceasta. Degetele se ating. Atingere usoara. Bărbatul se uită la mâna femeii atingând-o pe a lui.

În pictură, Rembrandt a abandonat complet idealul clasic al nudului figură feminină. Aici l-a înfățișat pe Hendrickje, a doua sa soție, dezbrăcându-se înainte de a se scălda, contrar tuturor canoanelor frumuseții. Un halat de aur zace la malul apei, iar o tânără dulce, ridicându-și timid cămașa, intră în apa rece. Ea pare să iasă din întunericul maro, timiditatea și modestia ei se citesc atât în ​​chipul ușor vopsit, cât și în mâinile care susțin cămașa.

Primii ani

Înțelegerea elementelor de bază

Întoarcere

Pictura

Clienți

autoportrete

lectie de anatomie

Portretul lui Silvius

Frumoasa Danae

Aplicație

Primii ani

Copilul minune s-a născut în 1606, în orașul Leiden, în casa morarului Harmen van Rijn. La botez a fost numit Pretty nume rar Rembrandt. Deși familia avea deja cinci copii, nașterea celui de-al șaselea nu i-a supărat, ci i-a încântat pe părinți. Tatăl familiei era un om destul de bogat: pe lângă o moară și o casă de malț, avea două case și a luat o zestre bună pentru soția sa.

Băiatul și-a petrecut primii ani la moara natală, pe malul brațului Rinului (de la numele acestui râu, familia sa și-a luat numele de familie). Probabil că se întâmplase de mai multe ori să observe razele soarelui, când acestea, făcându-și drum prin lucarna șopronului morii, străpunseră micile particule de praf de făină cu dungi aurii. Poate că aceste experiențe din copilărie l-au învățat acele efecte magice de lumină și umbră, care ulterior i-au imortalizat numele. Admirând seara valurile liniștite ale râului natal, luminate de un apus de chihlimbar, și nuanțele de ceață transparentă care se ridică de pe suprafața netedă, Rembrandt a ghicit pentru prima dată secretele culorii, pe care singur el știa să le dea picturilor. .

Întreaga atmosferă și spiritul familiei burgheze olandeze din acea vreme trebuia să dezvolte caractere puternice, integrale, vesele și vesele în viața de zi cu zi, ferme în ore de nenorocire și tristețe. Crescuți în reguli religioase stricte, olandezii au căutat distracție și relaxare din munca grea într-un cerc familial apropiat și citirea Bibliei.

Pentru un adolescent strălucit, străzile și piețele din Leiden erau un câmp de observație; aici a întâlnit tot felul de tipuri, pe care le-a transferat pe hârtie cu o mână ineptă. Un persan brunet a dat peste un englez blond. Oameni de toate neamurile, personajele, statusurile sociale au trecut prin ochii curioși ai băiatului, ca imaginile colorate ale unui caleidoscop. Periferia orașului, deși nu era deosebit de pitorească, nu era lipsită de o frumusețe aparte.

După finalizarea cursului în școală publică, frații mai mari ai lui Rembrandt au intrat în învățăturile artizanilor. Bătrânul Harmen îl intenționa pe fiul mai mic pentru alte activități. Băiatul a urmat o școală latină, ulterior tatăl său a vrut să-i dea acces la universitate, pentru ca el, ajuns la maturitate, „să-și folosească orașul natal și patria cu cunoștințele sale”.

Această viziune asupra părintelui Rembrandt nu a fost deloc o excepție. În cultura și educația lor, la fel ca și în organizarea lor ordine socială, olandezii în secolul al XVII-lea erau înaintea restului Europei cu până la două sute de ani.

Olandezii țineau știința la mare stimă. Când locuitorii din Leiden au fost rugați să aleagă un premiu, au cerut să se înființeze o universitate în oraș. Faima lui era atât de mare încât suveranii străini considerau că este o onoare să studieze aici.

Rembrandt era puțin interesat de știință, era atras de pictură. De îndată ce tatăl lui Rembrandt a observat înclinația fiului său, acesta i-a dat imediat ocazia să-și urmeze vocația.

Înțelegerea elementelor de bază

Pe la vârsta de 16 ani, tânărul a intrat în primul profesor, ruda lui Jacob van Swanenbürch, un artist, acum complet uitat. Timp de trei ani, tânărul Rembrandt a dobândit abilitățile inițiale ale artei sale. Cum l-a tratat van Swanenbürch pe tânărul student, ce impact moral și estetic a avut asupra viitorului creator al Lecției de anatomie, nu știm. Acești primi ani de studenție nu au lăsat nici cea mai mică urmă în analele vremii. În lucrările lui Rembrandt, influența altor doi profesori, Joris van Schooten și Jan Peinas, este mai vizibilă.

Joris a fost la un moment dat un pictor destul de cunoscut, cu o direcție naturalistă, reală. A pictat portrete ale burgmasterilor, tablouri care înfățișează întâlniri ale diverselor corporații.Pictura sa se remarcă prin originalitate. Lui, probabil, îi datorează Rembrandt dezvoltarea acelor calități care expun toate creațiile sale; înțelegerea subtilă a naturii, dorința de a descrie realitatea așa cum este ea, capacitatea de a transmite un flux puternic de viață pe o pânză moartă.

Jan Peinas era cunoscut ca un colorist minunat. Se crede că Rembrandt a adoptat de la el acele tonuri calde, deși oarecum sumbre, acea gamă puternică și în același timp blândă de nuanțe care conferă încă picturilor unui geniu un farmec irezistibil. În orice caz, iluminarea lui Peynas amintește ușor de cea a lui Rembrandt.

Apoi, timp de șase luni, tânărul artist a ajuns în atelierul pictorului din Amsterdam Peter Lastman, de la care a învățat gravura.

Întoarcere

Rembrandt, în vârstă de douăzeci de ani, s-a întors în orașul natal. Aici și-a continuat studiile singur, sub îndrumarea doar a geniului și a mamei sale. Primele tablouri care au ajuns la noi datează din 1627: unul dintre ele este „Apostolul Petru în închisoare”, celălalt este „Schimbător”. Acestea sunt încercări de tineret, care nu prezintă un interes deosebit; dar în cea de-a doua poză, în lumina uimitor de frumoasă care emană din lumânare, pe jumătate ascunsă de mâna schimbătorului de bani, se poate recunoaște deja viitorul Rembrandt.

Alături de pictură, tânărul van Rijn s-a angajat cu sârguință în gravură. Una dintre primele sale gravuri este un portret al mamei sale, marcat 1628. Se poate observa că o mână iubitoare a lucrat la aceste gravuri. În acea epocă a carierei sale artistice, Rembrandt a gravat imaginea mamei sale de mai multe ori. Cea mai remarcabilă dintre aceste amprente este cunoscută sub numele de Mama lui Rembrandt sub vălul negru. Venerabila bătrână stă într-un fotoliu înaintea mesei; mâinile ei, care au muncit mult la vremea lor, sunt încrucișate pe genunchi. Chipul exprimă calmul pe care doar conștiința unei vieți trăită corect și onest, împlinită prin datorie, o dă. Finisajul gravurii este cu adevărat uimitor: fiecare ridă, fiecare venă cu noduri de pe mâini bătrâne și ridate este plină de viață și adevăr.

Obiectul de observație preferat al lui Rembrandt a fost reflectarea vieții interioare, spirituale a unei persoane pe chipul său. Nu a ratat nicio ocazie de a reproduce o asemenea expresie pe hârtie sau tablă.

Adevărat, în acești ani (1627-1628) încă nu a pictat acele portrete pe care admiratorii și cunoscătorii săi le admirau și le admirau atât de mult. Prin urmare, pe lângă două portrete ale mamei, există doar câteva imagini gravate ale artistului însuși.

Pe unul dintre imprimeuri vedem un tânăr destul de urât, cu o față plină încadrată de păr des. Dar trăsăturile respiră cu atâta veselie, forță încrezătoare în sine și bună fire încât inspiră involuntar simpatie. Pe a doua gravură, numită „Om cu beretă tăiată”, - aceeași față, doar cu o expresie de groază: ochii aproape că au ieșit din orbite, gura este întredeschisă, întoarcerea capului indică o puternică frică. .

Rembrandt își folosea adesea fața pentru studii: era o modalitate ieftină și convenabilă de a practica: modelul nu a cerut nimic pentru munca sa și a ascultat de bunăvoie capriciile artistului. Se spune, așezat în fața unei oglinzi, tânărul van Rijn și-a dat fizionomiei diferite expresii: furie, bucurie, tristețe, uimire - și a încercat să-și copieze chipul cât mai exact posibil. Toată viața, Rembrandt nu a părăsit acest obicei - în multe muzee din Europa există autoportrete, în care s-a surprins la diferite vârste și în tot felul de costume.

Pictura

În mintea unui tânăr artist, gândul de a-și părăsi cuibul natal s-a maturizat de mult. Viața unui mic oraș de provincie, cu morala sa simplă și perspectiva îngustă, era prea meschină și înghesuită pentru sufletul puternic al unui tânăr de douăzeci și patru de ani. Voia să vadă lumina, să trăiască printre zgomotul și spațialitatea orașului mare, să se întoarcă în libertate. A decis să se mute la Amsterdam.

Orașul vechi era foarte pitoresc. Desfăşurat într-un evantai larg de-a lungul malurilor râului Amstel. era în inelul căsuțelor grațioase și grădinilor verzi. Au fost multe elemente care au dat hrană inspirației, o mulțime pestriță, o varietate de imagini, o gamă bogată de tipuri.

La începutul anului 1631, plin de speranțe și speranțe, Rembrandt a început o nouă viață. Când, obosit de munca lui, și-a aruncat paleta și pensula și a pornit să hoinărească pe străzile și piețele orașului, Amsterdam a stârnit în sufletul său receptiv o mie de impresii necunoscute până atunci. Acest centru de civilizație părea o a doua Veneție, doar mai vie și mai zgomotoasă, fără palatele aristocratice posomorâte, fără misteriosul amurg verzui al canalelor și azurul strălucitor al Adriaticii.

Cu totul diferit, deși nu mai puțin poză pitorească reprezenta piețele și portul din Amsterdam. Navele care soseau aici descărcau mărfuri din toată lumea. Lângă oglinzi și porțelan stăteau textile orientale; statuile și vazele grațioase ale Italiei erau albe pe fundalul întunecat al mobilierului de la Nürnberg. Aripile colorate ale păsărilor tropicale și ale papagalilor străluceau în soare; maimuţe agile se strâmbau printre baloturi. Tot acest pandemoniu babilonian de bogății străine, tot acest haos a fost înmuiat de abundența de flori. Armonia a fost restabilită de numeroasele zambile, lalele, narcise și trandafiri aduse la piață în fiecare zi de grădinarii din Harlem.

Tânărul petrecea ore întregi în magazine întunecate și era întotdeauna un oaspete binevenit. Proprietarul a găsit pentru el printre mormanele de tot felul de gunoaie lucruri rare, arme bogate, bijuterii antice, ținute luxoase. Toate acestea Rembrandt le putea cumpăra la jumătate de preț. Adesea, în cadrul unor astfel de vizite, celebrul pictor schița sau grava chipul expresiv al unuia dintre membrii familiei negustorului, ceea ce îl frapa prin frumusețe sau originalitate.

Clienți

Picturile și gravurile lui Rembrandt au găsit cumpărători pe plan local și au început să pătrundă în străinătate. În cel mai scurt timp posibil, artistul a reușit să-și asigure o existență complet confortabilă; a câștigat atât de mult încât a putut chiar să cumpere și să colecteze obiecte rare și scumpe.În 1631, Rembrandt a scris două lucrări - Prezentarea și Sfânta Familie. Acesta din urmă face o impresie oarecum ciudată. Vedem nu locuința modestă a unui tâmplar nazarinean, ci o cameră în casa unui burghez bogat din Harlem sau Sardam. Sfânta Fecioară este o olandeză plinuță și înflorită, într-un costum din secolul al XVII-lea. Fața bebelușului care a adormit în poală este, de asemenea, tipul unui nordic pur.

Totul din această imagine - atât decorul, cât și tipurile - contrazice concepte moderne despre fidelitatea istorică și adevărul vital. Dar merită să privim cu atenție această scenă de familie, iar toate discuțiile despre teoria artei fac loc unui sentiment de blândețe – atâta poezie și frumusețe spirituală în acest grup, adunat lângă bietul leagăn al Mântuitorului, atâta har naiv. în ipostaza unui copil adormit, atâta dragoste și tandrețe în ochi tânără mamă și în zâmbetul ei... Sf. Iosif se uită iscoditor și gânditor la trăsăturile pruncului, prevăzând parcă calea spinoasă pe care va trebui să meargă. . Întreaga lumină a tabloului este concentrată pe figura lui Iisus adormit, doar raze separate alunecă peste pieptul și gâtul Mariei, peste chipul lui Iosif și peste patul modest.

După ce a ales un complot, Rembrandt a intrat complet în ea, impregnat de cele mai mici detalii, l-a supus celei mai cuprinzătoare discuții. De obicei, prima schiță nu îl mulțumește. Iar Rembrandt, în loc să schimbe și să refacă, a abandonat complet amprentele deteriorate și a început totul de la capăt. Așa că de sub pensula sau tăietorul lui au apărut reproduceri noi, originale, ale aceleiași teme. Artistul nu a încredințat nimănui tipărirea gravurilor sale: cu fiecare imprimare, a adăugat câteva mișcări desenului, obținând noi efecte, fie întărind, fie slăbind tonul. Prin urmare, imaginile aceleiași gravuri diferă adesea unele de altele în mici detalii. Chiar și într-o astfel de muncă mecanică, geniul lui Rembrandt este vizibil.

Probabil, în acești primi ani, tânărul artist a avut mult timp liber - a pictat o serie întreagă de autoportrete. Dar aceste lucrări nu mai sunt primele experimente ale unui elev strălucit, ci lucrări complet terminate.

autoportrete

Ce l-a făcut pe Rembrandt să-și picteze imaginea atât de mult și de des? Poate că a fost ghidat de o dorință foarte înțeleasă și legitimă a unei persoane care își simte superioritatea față de exact, care este conștient de ceva extraordinar în sufletul său, de a transmite urmașilor săi. aspect, dorinta de a nu disparea fara urma, nu ca artist, ci ca persoana? Poate a vrut să atragă atenția iubitorilor de artă care i-au vizitat atelierul și, prin urmare, să crească numărul de comenzi?

Cunoscând natura modestă și mai degrabă neglijentă decât prudentă a lui Rembrandt, cu greu se poate presupune că a fost condus doar de mândrie și interes propriu. Mai degrabă, o persoană atât de mândră și imperioasă ca Rembrandt, care, chiar și de dragul pâinii zilnice în zilele de sărăcie și nevoie extremă, nu și-a compromis deloc părerile și obiceiurile, pur și simplu nu s-a putut supune capriciilor modelelor și modelelor. .

În foarte scurt timp, atelierul său a devenit centrul lumii artistice din Amsterdam. Cetățenii bogați s-au îndreptat constant la el cu ordine, în ciuda faptului că, potrivit contemporanilor săi, nu numai că trebuia să plătească mulți bani pentru muncă, ci și să ceară, să-l implore să o asume.

lectie de anatomie

La un an după mutarea sa la Amsterdam, Rembrandt a creat una dintre cele mai mari lucrări ale sale, Lecția de anatomie. Dacă creatorul „Vizorului de noapte”, „Coborârea de pe cruce” și alte picturi remarcabile ar fi scris doar această „Lecție”, ar fi suficient pentru gloria unuia dintre primii pictori ai epocii.

În secolul al XVII-lea, în Olanda, unde pictura a înflorit încă de la începutul Renașterii, membrii corporațiilor individuale au comandat de bunăvoie portrete colective. Acest obicei a fost urmat în special de chirurgi. Înainte de Reformă, chirurgia a vegetat sub jugul despotismului religios medieval. Abia la mijlocul secolului al XVI-lea medicii au primit dreptul de a-și studia specialitatea în mod deschis, fără teama de pedepse și persecuții. În 1555 a fost promulgată o lege care autoriza disecția corpurilor umane pentru cercetarea anatomică. Pentru autopsiile cu lanț științific au fost alocate camere speciale; erau numite teatre anatomice.

În 1632, secția de anatomie din Amsterdam a fost ocupată de medicul și omul de știință Nicholas Tulp.Dorând să-și obțină portretul ca amintire a iubitului lor profesor, membrii corporației de chirurgi s-au adresat pictorului cu cererea de a prelua această lucrare. . Astfel de portrete, conform obiceiului epocii, erau pictate după modelul acceptat: toată lumea era așezată în jurul mesei sau stătea pe un rând, astfel încât fiecare față să fie la fel de vizibilă pentru public.

Dar orice rutină era străină de geniu. Până acum, niciunul dintre frații săi nu a reușit în portrete acea naturalețe neconstrânsă și adevăr care uimesc la Lecția de anatomie. Această pictură de gen respiră prospețime, vivacitate și putere. A fost creat de mâna nu numai a unui mare maestru, ci și a unui psiholog profund și cunoscător al sufletului uman.

Prin expresia fețelor din portret este ușor să ghiciți caracterul fiecăruia, să citiți sentimentele și gândurile care îl entuziasmează. Dr. Tulip stă în picioare deasupra corpului, care stă întins pe masa de operație. El demonstrează mușchii goi ai mâinii și, involuntar, conform obiceiului caracteristic anatomiștilor, își mișcă propriile degete, ca și cum ar confirma explicațiile pentru activitatea mușchilor. Fața medicului este serioasă și calmă; el transmite conștient și cu încredere ascultătorilor săi concluzii științifice care sunt deja destul de clare și neîndoielnice pentru el.

Șapte chirurgi s-au înghesuit în jurul lectorului într-un cerc strâns. În prim plan, alături de Tulip, sunt trei tineri. Unul dintre ei, aparent miop, examinează cu atenție mușchii expuși; al doilea, parcă izbit de argumentele profesorului, ridică privirea spre el; în cele din urmă, al treilea, încercând să distingă mișcarea mâinii Lalelei, urmează încordat explicațiile lectorului.

În spatele acestui prim grup se află încă patru chirurgi. Puțin în spatele profesorului, un bărbat de vârstă mijlocie înregistrează cu sârguință prelegerea; mâna i s-a oprit la mijlocul propoziției: se pare că se gândea cum să-și exprime gândul mai corect. Chiar la masă, sprijinit de ea cu mâna, pe jumătate întors spre public, a fost așezat un tânăr frumos. Este un sceptic, cu un zâmbet aproape batjocoritor pe buze. Dintre celelalte figuri, cea extremă este plină de expresie: persoana este deja matură, probabil că a întâmpinat multe dificultăți și sarcini nerezolvate în activitatea sa de medic. Stă scris din profil: fixându-și ochii pe Lalea, se pare că s-a transformat în auz, încercând să nu rateze niciun cuvânt.

O lumină strălucitoare și în același timp blândă este turnată peste imagine: tonurile sumbre pe care Rembrandt i-a plăcut mai târziu să le folosească nu se văd nicăieri. Această iluminare, așa cum spune, personifică strălucirea științei, alungând orice întunericul și pătrunzând în cele mai îndepărtate colțuri.

Timp de aproape două sute de ani, „Lecția de anatomie” a fost amplasată în clădirea în care vocea științei libere a răsunat pentru prima dată în Olanda liberă. În 182 regele William I a cumpărat această perlă a școlii olandeze pentru 32.000 de florini (Rembrandt a primit doar 700 de florini) și a donat-o unei galerii de artă din Haga.

Vestea că portretul tocmai terminat al lui Tulip și al ascultătorilor săi fusese deja predat clienților și decora pereții teatrului de anatomie s-a răspândit rapid în tot orașul. Mulțimi de curioși au asediat publicul, grăbindu-se să admire noua operă a lui Rembrandt. Faima lui a crescut, și odată cu ea și numărul comenzilor: fiecare dintre locuitorii orașului, care aveau măcar ceva venituri, dorea să obțină un portret al operei sale, cel puțin gravat pe cupru.

Portretul lui Silvius

Unul dintre primii care au apelat la artist a fost faimosul predicator Jan Cornelis Silvius. Chiar de la prima întâlnire, Rembrandt a simțit un profund respect și simpatie pentru venerabilul pastor. S-a pus imediat pe treabă la depozit și a fost deosebit de sârguincios în executarea comenzii.

În curând s-au copt primele imprimeuri, dar nu l-au mulțumit pe tânărul artist. I s-a părut că fața noului său prieten s-a dovedit a fi prea rece și lipsită de viață, că nu a reușit să prindă acea combinație de severitate gânditoare și bunătate cordială care îi plăcea atât de mult la pastor.

Din nou a trebuit să iau depozitul. Rembrandt a intensificat umbrele: a mai multa viata, a devenit mai proeminentă, dar subtilitatea lucrării, integritatea impresiei au suferit. Cu toate acestea, artistul a decis să predea lucrarea clientului: i-a trimis toate cele patru imprimeuri cu cea mai sinceră scrisoare. Bătrânul a fost foarte mulțumit de portret. A fost atins de delicatețea maestrului, care i-a dat patru foi în loc de una. Captivat de caracterul vesel, plin de viață al tânărului, predicatorul strict i-a fost prietenos și l-a prezentat familiei, unde Rembrandt a devenit curând propria lui persoană. Aici l-a cunoscut pe Saskia, în vârstă de doisprezece ani.

Frumoasa Danae

Mitul despre această prințesă de basm a ajuns până la noi din trecutul îndepărtat, iar pensula marelui artist a creat una dintre cele mai pânze poeticeîn arta mondială.

Un oracol grec i-a prezis regelui Acrisie că va muri din mâinile nepotului său. Regele, care se temea de moarte, auzind o astfel de predicție tragică, a decis să-și încheie singura fiică Danae în turn, iar cei mai feroci câini din regat plantați să o păzească. Dar puternicul Zeus a văzut fata, s-a îndrăgostit de ea și, transformându-se într-o ploaie de aur, a intrat în temniță...

Un flux jubilant de culoare aurie luminează cu strălucire figura Danaeului gol. Fata își așteaptă iubitul, bucuroasă și în același timp timidă în fața lui Zeus, întinde mâna spre iubire, iar în ochii ei este o chemare, o presimțire a fericirii... Un gol atât de perfect. corp feminin, tremurând, cald, vioi și frumos, nu putea fi scris decât de o persoană orbită de iubire.

Această imagine este un imn pentru tinerețe și frumusețe, un imn pentru Femeie. Privind pânza, începi să înțelegi cât de frumoase și eterne sunt Femeia și Iubirea. Dar puțini oameni știu cât de complexă și dramatică este soarta imaginii și soarta geniului care a scris-o...

1631. Amsterdam. Tânărul necunoscut Rembrandt van Rijn cutreieră străzile pietruite ale capitalei. Are doar douăzeci și cinci de ani și este copleșit de ambiții tinerești - fiul morarului din Leiden Harmen van Rijn a trecut prin școala maeștrilor din Leiden din Swaneburg și Layman și visează să cucerească capitala, văzând deja mulțimi de fani entuziaști la piciorul lui.

În mod surprinzător, reușește, deși nu imediat. La început, comenzile nu merg - burghezii bogați nu vor și nu le place să risipească bani, pentru că în Amsterdam nimeni nu-l cunoaște încă pe Rembrandt. Dar situația se schimbă brusc. A fost nevoie de doar un an pentru ca tânărul artist să fie admirat.

În 1632 își expune a lui poza noua„Lecția de anatomie a doctorului Tulip”, care îi aduce un adevărat succes! Rembrandt devine instantaneu un artist la modă - acum nu îi lipsesc clienții, iar printre aceștia se numără mulți oameni înstățiți și oameni cu influenta.

Totul merge foarte bine: tinerețe, succes, bani și o dorință nestăpânită de a desena...

Odată, Rembrandt a fost invitat în casa negustorului de artă Hendrik van Uylenburgh.

Într-o companie zgomotoasă și veselă de tineri, l-a văzut pe cel care i-a lovit pentru totdeauna inima - tânăra Saskia, verișoara lui Hendrik.

Deși Saskia nu era o frumusețe în sensul deplin al cuvântului - un gât scurt, ochi mici, obraji plinuți, dar felul ei de a comunica cu oamenii, vocea ei blândă și melodioasă și doar o tinerețe proaspătă și fermecătoare o făceau neobișnuit de fermecătoare în ochii tinerilor. În plus, Rembrandt a fost uimit de inteligența și vioicitatea ei și a început să o curteze intens pe fată, în plus, ea provenea dintr-o familie foarte bogată, printre rudele ei se aflau funcționari și păstori de rang înalt, negustori și armatori.

Apoi au mai avut loc câteva întâlniri în cea mai înaltă societate din Amsterdam, iar Rembrandt a făcut în cele din urmă alegerea. Nu și-ar putea imagina fără această fată. Artista îi face o propunere oficială, care este acceptată cu bucurie, iar în 1634 tinerii sunt căsătoriți legal.

Așa a început cel mai mult ani fericiti viata lui Rembrandt. Saskia nu numai că și-a oferit dragostea ei altruistă soțului ei, dar a adus și o zestre semnificativă și l-a introdus în cercuri superioare burghezi din Amsterdam.

Comenzile au plouat una după alta, numele lui Rembrandt a fost menționat cu admirație în aproape fiecare casă și, până atunci, el însuși devenise deja o persoană înstărită și și-a putut înconjura soția cu splendoare și lux - a cumpărat-o scump. rochii, bijuterii și a făcut totul pentru ca familia Saskia să nu considere căsnicia lor inegală.

Nu s-au păstrat arhive despre viața lor de familie - nici jurnale, nici note, nici scrisori unul altuia, nici relatări ale martorilor oculari, dar că a fost plin de fericire este dovedit de numeroasele portrete, desene și gravuri realizate de Rembrandt.

Banii i-au permis tânărului soț să nu fie zgârcit, iar el a început cu entuziasm să adune în casa lui o mare varietate de rarități antice, picturi, gravuri, gravuri, covoare, vaze japoneze - care nu se aflau în colecția sa.

Dar, desigur, principala comoară a lui Rembrandt este Saskia. Și ea a fost cea care l-a inspirat pe artist să creeze una dintre cele mai bune lucrări ale sale - să creeze Danai.

Există atât de mult personal în această imagine, atât de multă dragoste și sinceritate, încât artistul a decis să nu vândă niciodată această pânză - la urma urmei, era un simbol al iubirii lor nemărginite și al fericirii lor extraordinare.

Dar fericirea s-a dovedit a fi de scurtă durată, averea s-a îndepărtat la un moment dat de familie și au început o serie de evenimente tragice; la începutul anului 1636 moare primul fiu nou-născut Rumbarthus, apoi aceeași soartă tristă se întâlnește pe cele două fiice născute una după alta,

Domnea doliu în casă: era greu să desenezi, era greu să te uiți la plânsul continuu, dar totuși iubit și dragă Saskia, banii curgeau treptat. Dar exista credința că într-o zi fericirea se va întoarce în casă, iar Dumnezeu va avea milă de ei.

Și așa s-a întâmplat totul: Saskia a rămas din nou însărcinată și în 1641, în cele din urmă, a născut un copil sănătos - fiul lui Titus.

Dorința de a crea se întoarce la fericitul tată, iar în această perioadă apare un întreg ciclu de desene, precum și celebrul tablou - Saskia, după ce a născut, se joacă în pat cu Titus.

Artistul a fost plin de această temă - tema mamei și copilului.

Părea că totul se îmbunătățește, norocul era din nou de partea lui, dar din nou fericirea nu a zăbovit - nașterea frecventă a subminat sănătatea Saskiei, a început să se îmbolnăvească, aproape că nu s-a ridicat din pat și la nouă luni după nașterea ei. fiule, tânăra a murit, avea doar treizeci de ani!

Rembrandt a căzut într-o depresie severă - la urma urmei, Saskia a luat cu ea toate culorile lumii.

Dar într-o zi, când artistul stătea în atelierul lui, iar inima lui era deosebit de tristă și bolnavă, a auzit vocea feminină a cuiva:

Bea, stăpâne, te vei simți imediat mai bine.

În fața lui stătea asistenta lui Titus, pe care Saskia o angajase în timpul vieții. Și Rembrandt, în mod neașteptat pentru el însuși, a simțit brusc că îi place această femeie - inima a început să-i bată cu putere, ca o dată la întâlnirea cu Saskia.

Gertje Dirks, văduva unui trompetist de corabie, era o femeie tânără, sănătoasă și destul de atrăgătoare și nu lipsită de viclenie. Treptat, ea sa stabilit ferm nu numai în dormitorul maestrului, ci și-a luat toată puterea în casa lui.

Gertier nu semăna deloc cu aristocrata Saskia - era o femeie din popor, în care fierbeau patimile pământești. Dar lui Rembrandt părea să-i facă plăcere. Gertier a apărut din ce în ce mai mult pe pânzele sale și gol. Carnea ei magnifică, densă, așa pământească a umplut pânzele de senzualitate și poftă.

Și a venit momentul când Rembrandt a decis să rescrie Danae. În poza anterioară, Danae era înfășurată în cea mai subțire pânză - la urma urmei, iubita, atât de blândă și pură Saskia a pozat pentru artistă, și nu a vrut ca nimeni altul decât el să poată admira frumusețea corpului ei. Dar simplul, nepoliticos Gertier, care a reușit să trezească în el pasiuni carnale, ar putea bine să fie expus în fața ochilor străinilor.

Așa că pe pânza lui Rembrandt ia naștere o nouă Danae - gata de mângâieri și jocuri de dragoste, senzuală, înflăcărată, își așteaptă iubitul dorind să-i ofere toate plăcerile pământești. Și această nouă Danae are trăsăturile lui Gertier (Saskia nu putea fi atât de sexy).

Au trecut anii. Rembrandt a muncit din greu. Fiul său Titus creștea. Iar Gertier, care se încrustase pe larvele stăpânului, se simțea ca o stăpână suverană și era chinuit de un singur gând - de ce stăpânul nu s-ar căsători cu ea? Ea i-a dat întreaga viață lui Rembrandt, iar el, se pare, nu avea de gând să-i spună soția lui.

Curând, artistul a fost chemat la „Camera certurilor de familie” (o astfel de instituție a existat în Amsterdam în secolul al XVII-lea) și a fost obligat să-i plătească doamnei Dirks 200 de guldeni anual. Pentru acele vremuri - o sumă considerabilă, dar Rembrandt este pregătit pentru orice, doar pentru a scăpa de femeia urâtă și scandaloasă. Toate sentimentele tandre pentru ea au dispărut de mult, mai ales că în casă a apărut o nouă servitoare - Hendrikje Stoffels, fiica unui soldat care a slujit la granița cu Westfalia. S-a dovedit a fi modestă, dulce, bună și, în curând, această liniște, fată devotată a cucerit nu numai inima artistului, ci toți cei din casă.

Rembrandt s-a îndrăgostit sincer de ea și pentru prima dată după Saskia a vrut să legitimeze relația. Dar, din păcate, acest lucru a fost imposibil - conform termenilor testamentului lui Saskia, după ce s-a căsătorit, a fost privat de dreptul de a administra proprietatea fiului său Titus și de a-și folosi veniturile.

Dar Hendrickje nu se aștepta și nu cere nimic, principalul lucru este că erau împreună și ea i-a putut oferi lui Rembrandt tinerețea, pacea și fericirea, iar în 1654 - fiica ei, iubita Cornelia.

Rembrandt nu a rămas îndatorat, cu toate acestea, nu și-a putut uda iubitul cu bijuterii sau bani - acestea au devenit din ce în ce mai puține în acești ani, dar a scris o galerie uimitoare a portretelor ei.

Și într-o zi, într-o seară liniștită și calmă, când stăteau în atelier și vorbeau despre ceva, el s-a ridicat brusc, s-a dus la Danae și, aruncând o privire spre ea, a luat vopsele și o pensulă, dându-i imediat prințesa de basm prezintă Hendrickier.

Așa că a apărut a treia versiune a acestei pânze misterioase și frumoase.

Între timp, societatea din Amsterdam clocotea - burgherii erau revoltați de stilul de viață al artistului devenit de mult celebru. Slujnica lui, curvă și adulteră, trăiește cu el în păcat! Însă adevăratul scandal a izbucnit după ce s-au răspândit zvonuri că Hendrikje, însărcinată, a pozat pentru artistă pentru tabloul Bathsheba Bathsheba,

Fata a fost chemată la consistoriul calvinian și a cerut să-l părăsească pe artist, amenințând, în caz contrar, că va fi excomunicată.

Acum este greu de imaginat ce a însemnat pentru o tânără să fie excomunicată de la comuniunea de seară - a fost o rușine groaznică.

Dar Hendrickje, în ciuda dispoziției ei tăcute și flexibile, a refuzat brusc - la urma urmei, nimic nu putea concura cu iubirea ei nemărginită și ea a continuat să trăiască cu Rembrandt.

Familia a avut o perioadă grea. S-au dus anii prosperi și bine hrăniți, nimeni nu a cumpărat tablourile lui Rembrandt și, treptat, au fost nevoiți să vândă toate comorile - covoare, arme, vaze, tablouri pe care le-a adunat cu atâta dragoste.

În 1656, Rembrandt a fost în cele din urmă declarat faliment. „Inventarul de tablouri, mobilier și ustensile de uz casnic aparținând lui Rembrandt van Rijn, care locuiește pe Breestraat lângă ecluza Sf. Antonie”, au descris cu conștiință funcționarii fiscali proprietatea lui Rembrandt. Într-unul dintre paragrafele inventarului, alături de piei de leu și de leoaică și două rochii colorate, se află un „tablou mare” Danae”.

Pânza, de care artistul nu s-a despărțit niciodată, a intrat în mâinile indiferente ale altora.

Și atunci familia a pierdut casa în sine - a fost cumpărată de un vecin cizmar - și s-a mutat într-unul dintre cele mai sărace cartiere din Amsterdam.

Nenorocirea și pierderea au continuat să-i bântuie. Incapabil să reziste acestor încercări grele ale vieții, Hendrickje moare în 1663, urmat de Titus - s-a căsătorit recent cu fermecătoarea Magdalena van Lo, care nu a putut trăi fără soțul ei și nu i-a supraviețuit mult timp.

Toți cei pe care Rembrandt i-a iubit au părăsit artistul, au rămas doar două fete - fiica Cornelia și nepoata mică Titya.

Timpul a avansat inexorabil, iar sănătatea a plecat inexorabil. Rembrandt slăbea, trăia într-o sărăcie teribilă și umilință. Dar cu cât soarta i-a lovit mai tare, cu atât arta sa dobândește mai multă înțelepciune și profunzime.

Moartea lui nu a trezit niciun interes în Amsterdam - gândiți-vă, sunt mulți astfel de artiști ale căror picturi se vând chiar și în piețe alături de vânat, carne și pește!

Și nimeni nu a crezut atunci că țara și-a pierdut unul dintre cei mai mari fii ai săi...

Dar Danae? În mâinile cui a căzut pictura preferată a lui Rembrandt?

După ce și-a schimbat mai mulți proprietari, la începutul secolului al XVII-lea a ajuns în colecția bancherului francez Pierre Crozat, iar după moartea acestuia a fost moștenit de nepotul baronului Thiers, iar abia în 1770 a fost vândut. Printre noii proprietari ai comorilor lui Crozat s-a numărat împărăteasa rusă Ecaterina a II-a, care și-a adunat colecția de picturi cu mare entuziasm.

În cele din urmă, „Danae” și-a găsit un loc demn pentru sine - în holurile Schitului. Când a ajuns aici, a stârnit imediat dispute aprinse; unde este ploaia de aur, de ce plânge Cupidon pe patul ei, de ce este un inel pe degetul mâinii ei stângi? Atunci nu e deloc Danae! Sau poate Dalila, în așteptarea lui Samson, sau Agar biblică?

Toate întrebările au fost eliminate destul de recent, când capodopera lui Rembrandt a fost studiată cu ajutorul razelor X. După ce au iluminat pânza, oamenii de știință uimiți au văzut o alta sub o poză! În prima versiune, Saskia a fost înfățișată cu un inel pe deget, așa cum ar trebui să fie pentru o doamnă căsătorită, iar corpul ei a fost acoperit cu un văl ușor. Artistul l-a smuls când a apărut Gertier Dirks, motiv pentru care, probabil, Cupidon plânge, deplânge dragostea rătăcită și minunata Saskia.

Dar povestea nu s-a terminat aici. Într-o țâmbă însorită de sâmbătă, 15 iulie 1985, un tânăr Bryunas Maigis, care a sosit la Leningrad din Kaunas, s-a dus la Ermitage: și a mers imediat la Sala Rembrandt. Apropiindu-se de „Danae”, a scos un cuțit și a strigat „Libertate în Lituania!” se năpusti asupra ei. După ce a tăiat poza, a turnat pe ea și un litru de acid sulfuric. Personalul șocat al muzeului a rămas uluit - asta nu s-a întâmplat niciodată într-un muzeu! Vandalul nebun a fost arestat, iar în timpul interogatoriului a spus că a citit un articol în revista Ogonyok în care acesta era „pictura principală din principalul muzeu sovietic”. În mintea pervertită a lituanianului, capodopera lui Rembrandt s-a transformat într-un fel de simbol al Imperiului Rus, care i-a asuprit pe lituanieni.

Și în timp ce poliția îl scotea pe Maigis din Schit, personalul muzeului a privit îngroziți cum curgeau șuvoaie de acid peste tablou, corodând stratul de vopsea și pânza. Au fost chemați de urgență restauratorii și cei mai buni chimiști ai orașului. Imaginea mutilată a fost transferată în laborator, spălată și au început să se gândească ce să facă cu ea - la urma urmei, acidul a lăsat brazde teribile, în plus, coapsele și stomacul lui Danai au fost tăiate cu un cuțit.

În urma unor dezbateri aprinse, au ajuns la o soluție de compromis - ceea ce este complet deteriorat, nu trebuie restaurat, dar ce poate fi restaurat - să fie restaurat. Iar restauratorii au reușit să salveze tabloul după actul nebun de vandalism.

Capodopera lui Rembrandt încă mulțumește vizitatorii Ermitului și toată lumea, care se apropie de el, simte din nou farmecul frumuseții feminine și bucuria așteptării unui miracol. Și, desigur, admiră priceperea marelui olandez Rembrandt von Rhine, a cărui aniversare a 400 de ani a fost sărbătorită anul trecut de toți cunoscătorii de artă nemuritoare.