Cele mai bune naturi moarte cu flori ale unor artiști celebri. Naturi moarte ale marilor maeștri

Natura statică în pictură - imagini cu obiecte statice neînsuflețite combinate într-un singur ansamblu. O natură moartă poate fi prezentată ca o pânză independentă, dar uneori devine parte a compoziției unei scene de gen sau a unui întreg tablou.

Ce este natura încă?

O astfel de pictură este exprimată în atitudinea subiectivă a unei persoane față de lume. Aceasta arată înțelegerea inerentă a frumuseții a maestrului, care devine întruchiparea valorilor sociale și idealul estetic al vremii. Natura moartă în pictură s-a transformat treptat într-un gen semnificativ separat. Acest proces a durat mai mult de o sută de ani, iar fiecare nouă generație de artiști a înțeles pânzele și culoarea în funcție de tendințele epocii.

Rolul naturii moarte în compoziția unui tablou nu se limitează niciodată la simple informații, o adăugare accidentală la conținutul principal. În funcție de condițiile istorice și de cerințele sociale, obiectele pot juca un rol mai mult sau mai puțin activ în crearea unei compoziții sau a unei imagini de hotel, ascundând unul sau altul. Natura statică în pictură ca gen independent este concepută pentru a transmite în mod fiabil frumusețea lucrurilor care înconjoară zilnic o persoană.

Uneori, un singur detaliu sau element capătă brusc un sens profund, capătă propriul său sens și sunet.

Poveste

Fiind un gen vechi și venerat, natura moartă din pictură și-a cunoscut suișurile și coborâșurile. Severă, ascetică și minimalistă au contribuit la crearea unor imagini eroice nemuritoare, monumentale, generalizate, înalte. Sculptorii cu o expresivitate extraordinară se bucurau de imaginea obiectelor individuale. Tipuri de natură moartă în pictură și tot felul de clasificări au apărut în timpul formării istoriei artei, deși pânzele au existat cu mult înainte de scrierea primului manual.

Pictura cu icoane tradiții și naturi moarte

În pictura antică a icoanelor rusești, acele câteva lucruri pe care artistul a îndrăznit să le introducă în laconismul strict al lucrărilor canonice au jucat un rol important. Ele contribuie la manifestarea a tot ceea ce este imediat și demonstrează exprimarea sentimentelor într-o lucrare dedicată unei intrigi abstracte sau mitologice.

Tipuri de natură moartă în pictură există separat de lucrările de pictură cu icoane, deși un canon strict nu interzice reprezentarea unor obiecte inerente genului.

natură moartă renaștere

Cu toate acestea, lucrările din secolele XV-XVI joacă un rol important în Renaștere. Pictorul a atras mai întâi atenția asupra lumii din jurul său, a căutat să determine semnificația fiecărui element în slujba omenirii.

Pictura modernă, natura moartă ca gen popular și îndrăgit își are originea în perioada Tricento. Obiectele de uz casnic au dobândit o anumită noblețe și semnificație a proprietarului pe care îl slujeau. Pe pânze mari, o natură moartă, de regulă, arată foarte modestă și discretă - un borcan de sticlă cu apă, argintul unei vaze elegante sau crini delicati pe tulpini subțiri, adesea înghesuiți într-un colț întunecat al imaginii, ca săraci și uitați. rude.

Cu toate acestea, în imaginea lucrurilor frumoase și apropiate era atât de multă dragoste în formă poetică, încât pictura modernă, natura moartă și rolul ei în ea priveau deja timid prin golurile din peisaje și perdele grele ale scenelor de gen.

Moment crucial

Subiectele au căpătat un element real în picturi și un nou sens în secolul al XVII-lea - o epocă în care natura moartă cu flori predomina și domina. Pictura de acest fel a câștigat numeroși admiratori în rândul nobilimii și al clerului. În compoziții complexe cu o poveste literară pronunțată, scenele și-au luat locul alături de personajele principale. Analizând operele epocii, este ușor de observat că rolul important al naturii moarte s-a manifestat în mod similar în literatură, teatru și sculptură. Lucrurile au început să „acţioneze” şi să „trăiască” în aceste lucrări – au fost arătate ca personaje principale, demonstrând cele mai bune şi mai benefice aspecte ale obiectelor.

Obiectele de artă realizate de meșteri harnici și talentați poartă amprenta personală a gândurilor, dorințelor și înclinațiilor unei anumite persoane. Pictura mai bună decât toate testele psihologice ajută la urmărirea stării psiho-emoționale și la atingerea armoniei și integrității interioare.

Lucrurile servesc cu fidelitate o persoană, adoptându-și entuziasmul pentru articolele de uz casnic și inspirând proprietarii să cumpere lucruri mici, frumoase și elegante.

Renașterea flamandă

Pictura guașă, natura moartă ca gen, oamenii nu au acceptat imediat. Istoria apariției, dezvoltării și implementării pe scară largă a diferitelor idei și principii servește ca o reamintire a dezvoltării constante a gândirii. Natura moartă a devenit faimoasă și la modă la mijlocul secolului al XVII-lea. Genul a început în Țările de Jos, în Flandra luminoasă și festivă, unde natura în sine este propice frumuseții și distracției.

Pictura guașă, naturile moarte au înflorit într-o perioadă de schimbări grandioase, o schimbare completă a instituțiilor politice, sociale și religioase.

curentul flandrei

Direcția burgheză de dezvoltare a Flandrei a fost o noutate și un progres pentru întreaga Europă. Schimbările din viața politică au dus la inovații similare în cultură – orizonturile care s-au deschis înaintea artiștilor nu se mai limitau la interdicții religioase și nu erau susținute de tradiții adecvate.

Natura moartă a devenit nava amiral a noii arte, care a glorificat totul natural, strălucitor și frumos. Canoanele stricte ale catolicismului nu mai rețin zborul imaginației și curiozității pictorilor și, prin urmare, știința și tehnologia au început să se dezvolte odată cu arta.

Lucrurile și obiectele obișnuite de zi cu zi, considerate anterior de bază și nedemne de menționat, s-au ridicat brusc la obiectele unui studiu atent. Pictura decorativă, natura moartă și peisajele au devenit o adevărată oglindă a vieții - rutina zilnică, alimentație, cultură, idei despre frumusețe.

Proprietăți de gen

De aici, dintr-un studiu conștient și aprofundat al lumii înconjurătoare, s-a dezvoltat un gen separat de pictură de zi cu zi, peisaj și natură moartă.

Arta, care a dobândit anumite canoane în secolul al XVII-lea, a determinat principala calitate a genului. Imaginea, dedicată lumii lucrurilor, descrie principalele proprietăți inerente obiectelor care înconjoară o persoană, arată atitudinea maestrului și a contemporanului său ipotetic față de ceea ce este arătat, exprimă natura și completitudinea cunoașterii despre realitate. Artistul a transmis în mod necesar existența materială a lucrurilor, volumul, greutatea, texturile, culorile lor, scopul funcțional al obiectelor de uz casnic și legătura lor vitală cu activitatea umană.

Sarcini și probleme ale naturii moarte

Pictura decorativă, natura moartă și scenele domestice au absorbit noile tendințe ale epocii - abaterea de la canoane și păstrarea simultană a naturalismului conservator al imaginii.

Natura moartă a erei revoluționare în timpul victoriei complete a burgheziei reflectă respectul artistului pentru noile forme de viață națională a compatrioților săi, respectul pentru munca simplilor artizani, admirația pentru imaginile frumoase ale frumosului.

Problemele și sarcinile genului formulate în secolul al XVII-lea nu au fost discutate în general în școlile europene decât la mijlocul secolului al XIX-lea. Între timp, artiștii și-au propus în mod constant sarcini noi și noi și nu au continuat să reproducă mecanic soluții compoziționale gata făcute și scheme de culori.

Pânze moderne

Fotografii cu naturi moarte pentru pictură, pregătite în studiouri moderne, demonstrează clar diferența dintre percepția lumii de către un contemporan și o persoană din Evul Mediu. Dinamica obiectelor de azi depășește toate limitele imaginabile, iar statica obiectelor era norma pentru acea vreme. Combinațiile de culori din secolul al XVII-lea se caracterizează prin luminozitate și puritatea culorii. Nuanțele saturate se potrivesc armonios în compoziție și subliniază ideea și ideea artistului. Absența oricăror canoane nu a avut cel mai bun efect asupra națiunilor moarte ale secolelor 20 și 21, uneori lovind imaginația cu urâțenia sau pestrița lor deliberată.

Metodele de rezolvare a problemelor naturii moarte se schimbă rapid în fiecare deceniu, metodele și tehnicile nu țin pasul cu imaginația unor maeștri recunoscuți și nu atât.

Valoarea picturilor de astăzi constă în exprimarea realității prin ochii artiștilor contemporani; prin întruchiparea de pe pânză, apar noi lumi care pot spune multe despre creatorii lor oamenilor viitorului.

Influența impresionismului

Următoarea piatră de hotar în istoria naturilor moarte a fost impresionismul. Întreaga evoluție a direcției s-a reflectat în compoziții prin culori, tehnică și înțelegere a spațiului. Ultimii romantici ai mileniului au transferat viața pe pânză așa cum este - mișcări rapide, strălucitoare și detalii expresive au devenit pietrele de temelie ale stilului.

Tablourile, naturile moarte ale artiștilor moderni poartă cu siguranță amprenta inspiratorilor impresioniști prin culoare, modalități și tehnici de imagine.

Abaterea de la canoanele standard ale clasicismului - trei planuri, compoziția centrală și personaje istorice - a permis artiștilor să-și dezvolte propria percepție a culorii și luminii, precum și să demonstreze publicului zborul liber al emoțiilor într-un mod accesibil și vizual. cale.

Principalele sarcini ale impresioniștilor sunt de a schimba tehnica picturală și conținutul psihologic al tabloului. Și astăzi, chiar cunoscând situația acelei epoci, este greu de găsit răspunsul corect la întrebarea de ce peisajele impresioniste, la fel de vesele și nesofisticate ca poezia, au provocat respingere ascuțită și ridicol grosolan din partea criticilor pretențioși și a unui public luminat.

Pictura impresionistă nu s-a încadrat în cadrul general acceptat, așa că naturile moarte și peisajele au fost percepute ca ceva vulgar, nedemn de recunoaștere, alături de alte dărâmături ale artei înalte.

Expoziția de artă, care a devenit un fel de activitate misionară pentru artiștii celebri ai vremii, a putut ajunge la inimi și să demonstreze frumusețea și grația Imaginile obiectelor și obiectelor prin toate mijloacele disponibile au devenit banale chiar și între zidurile unor instituții formidabile care profesează numai principiile artei clasice. Procesiunea triumfală a picturilor cu natură moartă nu s-a oprit de la sfârșitul secolului al XIX-lea, iar varietatea de genuri și tehnici de astăzi face posibil să nu ne fie frică de niciun experiment cu culoare, texturi și materiale.

Într-o vară fierbinte la țară sau într-un viscol prelungit. Din confortul casei tale, te poți inspira în fructe obișnuite sau flori neobișnuite. Subiectul nu încearcă să întoarcă capul, ca într-un portret, și nu schimbă umbrele în lumină în fiecare secundă, ca într-un peisaj. Acesta este ceea ce face genul naturii moarte atât de bun. Iar „natura moartă” în franceză sau „viața liniștită a lucrurilor” în versiunea olandeză, însuflețește cu adevărat interiorul. Natalia Letnikova prezintă primele 7 naturi moarte ale artiștilor ruși.

„Violete de pădure și nu-mă-uita”

Violete de pădure și nu-mă-uita

Tabloul lui Isaac Levitan este ca un cer albastru și un nor alb - de la cântărețul naturii rusești. Numai pe pânză nu sunt spații deschise native, ci un buchet de flori sălbatice. Păpădii, liliac, flori de colț, nemuritoare, ferigi și azalee... După pădure, atelierul artistului s-a transformat în „fie seră, fie florărie”. Levitan iubea naturile moarte cu flori și și-a învățat elevii să vadă atât culoarea, cât și inflorescențele: „Este necesar ca acestea să nu mirosească a vopsea, ci a flori”.

„Mere și frunze”

mere și frunze

Lucrările lui Ilya Repin au pus în evidență organic decorul strălucit al Muzeului Rus. Artistul itinerant a compus o compoziție pentru elevul său - Valentin Serov. S-a dovedit atât de pitoresc, încât însuși profesorul a luat pensula. Șase mere dintr-o grădină obișnuită - piure și cu „butoaie”, și un morman de frunze acoperite cu culori de toamnă ca sursă de inspirație.

"Buchet de flori. Phloxes»

Buchet de flori. Phloxes

Pictură de Ivan Kramskoy. „O persoană talentată nu va pierde timpul înfățișând, să zicem, bazine, pești etc. Este bine pentru oamenii care au deja totul și avem mult de lucru”, i-a scris Kramskoy lui Vasnetsov. Și totuși, la sfârșitul vieții, cunoscutul portretist nu a ignorat genul naturii moarte. La cea de-a XII-a expoziție itinerantă a fost prezentat un buchet de phloxe într-o vază de sticlă. Tabloul a fost cumpărat înainte de deschiderea vernisajului.

"Natură moartă"

Natură moartă

Kazimir Malevici în drum spre „Piața Neagră” prin impresionism și cubism, ocolind realismul. O vază cu fructe este rodul cercetării creative, chiar și în cadrul unei singure imagini: linii groase și negre ale tehnicii franceze cloisonné, feluri de mâncare plate și fructe voluminoase. Toate componentele imaginii sunt unite doar prin culoare. Particular artistului - strălucitor și saturat. Ca o provocare pentru culorile pastelate din viața reală.

„Hering și lămâie”

Hering și lămâie

Patru copii și pictură. Această combinație în viața artistului dictează fără greșeală genul. Așa s-a întâmplat cu Zinaida Serebryakova. Numeroase portrete de familie și naturi moarte, conform cărora puteți face un meniu: „Coș cu fructe”, „Sparanghel și căpșuni”, „Struguri”, „Pește pe verdeață”... În mâinile unui adevărat maestru, „hering și lămâie” va deveni o operă de artă. Poezie și simplitate: o coajă de lămâie în spirală și un pește fără bibelouri.

„Natura moarta cu samovar”

Natura moartă cu un samovar

Un student al lui Serov, Korovin și Vasnetsov, „Jack of Diamonds” - Ilya Mashkov îi plăcea să înfățișeze lumea din jurul său, dar mai strălucitoare. Figurine și begonii de porțelan, dovleci... Carne, vânat - în spiritul vechilor maeștri, și pâinea de la Moscova - schițe din piața Smolensk a capitalei. Și conform tradiției ruse - unde fără samovar. O natură moartă din tărâmul vieții festive cu fructe și feluri de mâncare strălucitoare este completată de un craniu - o amintire a fragilității vieții.

„Studiu cu medalii”

Studiază cu medalii

Natura moartă în stil sovietic. Artistul secolului al XX-lea Anatoly Nikich-Krilichevsky a arătat într-o singură imagine întreaga viață a primului campion mondial sovietic la patinaj viteză - Maria Isakova. Cu cupe, fiecare dintre ele - ani de antrenament; medalii care au fost acordate într-o luptă acerbă; scrisori și buchete uriașe. O poză frumoasă pentru un artist și o cronică artistică a succesului sportiv. poveste de natură moartă.

Ca gen independent de pictură, natura moartă a apărut în secolul al XVII-lea în lucrările artiștilor flamanzi și olandezi. Până atunci i-a fost recunoscută doar funcția utilitară, decorativă, și era exclusă posibilitatea de a da imaginii un sens mai profund, filozofic.

Naturile moarte timpurii sunt caracterizate de alegorie, al cărui element principal de compoziție este adesea un craniu uman - un simbol al vieții trecătoare și muritoare, înlocuit inevitabil de moarte. Sticla descrisă în imagine era întruchiparea gândurilor despre fragilitatea vieții, iar pipa fumegătoare amintea de momentan și evazivitatea plăcerilor pământești. Dar chiar și în această perioadă, atenția artiștilor față de pitorească „natura moartă”: flori, fructe, articole de uz casnic - nu a slăbit.

* * *

La începutul secolului al XVIII-lea, în Rusia a apărut și natura moartă ca gen independent, dar „inferior”. Și dacă inițial a fost considerată o producție educațională, atunci deja un secol mai târziu a început să dobândească o plinătate semantică mai mare. Interesul autentic și plin de viață pentru ea apare la sfârșitul secolului al XIX-lea - începutul secolului al XX-lea, când naturile moarte ale artiștilor ruși devin întruchiparea unei noi viziuni și înțelegeri a genului. Pânzele create reflectă căutarea pictorilor de oportunități nefolosite anterior în domeniul intrării și compoziției, formei și culorii.

Unul dintre principalele nume asociate cu genul naturii moarte rusești aparține lui I.I. Levitan, care a abordat în mod repetat subiectul „natura moartă”. Dar dacă lucrările sale sunt încă destul de tradiționale, atunci naturile moarte ale artiștilor celebri K.A. Korovin și V.A. Serov au fost deja scrise sub influența unor noi vederi și au devenit un mijloc de transmitere a viziunii asupra lumii a unui individ.

O ilustrare a acestei afirmații este imaginea lui K.A. Korovin „La masa de ceai”, în care limitele genului sunt practic șterse. Imaginea felurilor de mâncare și a altor articole ale mesei este combinată cu pricepere cu peisajul, portretul și interiorul. Natura moartă cu fructe „Fata cu piersici” de V.A. Serov. Fructele de pe ea, ramanand esential un accesoriu, sunt elementul definitoriu pentru intreaga intriga picturala si emotionala a tabloului.

Alți reprezentanți proeminenți ai genului în momente diferite au fost I.E Grabar, K.S. Petrov-Vodkin, P.P. Konchalovsky, I.I. Mashkov, A.T. Zverev, R.R. Falk.

Și în arta modernă, natura moartă nu își pierde relevanța, lăsând maeștrilor loc de inspirație creativă.

O viziune individuală și extrem de personală asupra genului este întruchipată în picturile lui G.A. Leman: armonios frumos, aerisit, aproape lipsit de greutate.

Alături de peisaje, natura moartă din opera artistului ocupă unul dintre locurile importante. Se naște ca urmare a observării îndeaproape și constantă a naturii de către pictor, a alegerii atentă a motivelor și a semnificațiilor, a neobositei dispoziții de a întruchipa frumusețea evazivă a lumii înconjurătoare pe pânză. Fiecare poză a artistului este plină de prospețime, parfum, aer și lumină solară, motiv pentru care un sentiment de lumină și bucurie se instalează în suflet.

Naturi moarte cu flori

Pentru G.A. Naturile moarte ale lui Leman cu flori sunt o directie cu totul speciala si in acelasi timp personala in creativitate. Picturile au fost pictate exclusiv la casa maestrului din Tarusa din regiunea Kaluga, unde de mulți ani vine să se odihnească și să lucreze.

Fiecare natură moartă are propria sa mică istorie de familie. Toate florile reprezentate pe pânze au fost cultivate de mâinile grijulii ale soției artistului, Tatyana Georgievna Leman, cu care Georgy Alexandrovich a trăit fericit timp de mai bine de jumătate de secol.

Atenția maestrului este concentrată tocmai asupra culorilor care înconjoară o persoană de-a lungul vieții și simbolizează ceva semnificativ și personal pentru el.

Pentru G.A. Leman nu este doar o sărbătoare a culorilor și nuanțelor naturale, ci o comoară de amintiri și sentimente prețioase. Luminoase, saturate și pastelate, culorile delicate, buchetele luxuriante de primăvară-vară și toamnă reînvie amintirea momentelor fericite și amabile de care este plină viața fiecărui om.

Georgy Leman „Buchet de toamnă” 2005.
natură moartă ulei pe pânză

Natura moartă G.A. „Buchetul de toamnă” al lui Leman a fost scris în 2005, în timpul uneia dintre excursiile artistului la casa din Tarusa. Vederea privitorului deschide două planuri ale imaginii: un fundal cald portocaliu-maro, pe care ies în evidență capetele de flori roșii și galbene, și o suprafață rece de masă alb-albastru cu fructe suculente și un ulcior de sticlă pentru un buchet.

Nimic nu distrage atenția privitorului de la contemplarea unui motiv confortabil de toamnă. Buchetul este oarecum neglijent, iar unul dintre mere este smuls împreună cu o crenguță verde, ceea ce dă impresia că au fost aduse în cameră cu doar o clipă în urmă. În această ușoară inexactitate, există naturalețe și un farmec deosebit de casnic pe care atât de vrei să-l admiri.

În arta picturală rusă, natura moartă a fost aproape întotdeauna un gen secundar. Și doar criticii de artă sofisticați vor putea numi un pictor de natură moartă autohtonă. Dar, într-un fel sau altul, natura moartă ca gen independent a început să se dezvolte în secolul al XIX-lea. Primele „rîndunele“ au fost mici acuarele și guașe ale lui F.P. Tolstoi și opera lui I.T. Hruțki. Acestea erau naturi moarte clasice europene, cu buchete luxuriante de flori de grădină și coșuri cu fructe. Cu tot farmecul lor artistic, aceste lucrări au avut o valoare foarte limitată pentru dezvoltarea picturii rusești.

Interesul pentru natura moartă ca gen independent de pictură apare în 80 ai secolului al XIX-lea. Picturile joacă un rol important aici. I.I. Levitan (1860-1900). Ele sunt de obicei simple ca design și nu sunt mari ca dimensiuni și reprezintă buchete de grădină familiară sau flori sălbatice. Într-o natură moartă Violete de pădure și nu-mă-uita (1889) artista a trădat cu sensibilitate fragilitatea violetelor de noapte și aerisirea nu-mă-uita albastre, armonia lor cu un simplu balon rustic. Aproape în motiv Păpădii” și „Liliac alb”. Primele sunt concepute într-o gamă caldă, care arată foarte organic cu argila vasului de lapte și capete de flori galbene. Aceste naturi moarte ale lui Levitan sunt destul de tradiționale: buchetele sunt reprezentate pe un fundal neutru și izolate de spațiul înconjurător. Semnificația acestor picturi este foarte simplă - să transmită cât mai precis posibil frumusețea naturii alese. Cu toate acestea, în același timp în creativitate V.A. Serov și K.A. Korovin au început să apară noi tendințe care își au originea pe pânzele impresioniștilor francezi. Impresioniștii au încercat să conecteze natura moartă cu mediul, atât în ​​complot, cât și în pictură. Pentru a face acest lucru, „natura moartă” este scoasă în aer liber, asociată cu peisajul sau conectată la interiorul camerei. Cu ajutorul naturii moarte, ei încearcă să creeze o reflectare a atitudinii unei persoane, a dispoziției sale și a modului de viață.

Toate aceste tendințe sunt vizibile în pictura lui Korovin „La masa de ceai” (1888). Pânza înfățișează o societate prietenoasă din țară V.D. Polenova. Tabloul a fost pictat pe terasa unei case de țară. Artistul încearcă să transmită sentimentul unei zile de vară, farmecul unei conversații amicale. Prospețimea care emană din verdeață și fețele tinere este creată într-o anumită măsură și de natura moartă - contrastul fructelor de pădure roșii turnate într-o farfurie albă, laptele în pahare înalte transparente și albul unei fete de masă proaspete. Unitatea emoțională a tabloului se realizează în primul rând prin soluția picturală a pânzei. Tot ceea ce este descris este scris luând în considerare lumina și mediul aerian din jur. În faimoasa pictură a lui Serov " Fata cu piersici" (1887) natura moartă cu piersici în prim plan la prima vedere nu joacă un rol important în compoziția pânzei. Toată atenția artistei este concentrată pe V. Mamontova, iar fructele nu fac decât să completeze imaginea creată. Dar piersicile îl ajută pe Serov să rezolve o problemă artistică importantă. Fructele, potrivit artistului, servesc ca o cheie de culoare pentru construcția coloristică a imaginii. Serov își alege propria culoare galbenă pentru piersici și o pune în contrast cu albul feței de masă, cu verdeața frunzelor de arțar și cu galbenul luminii care se revarsă de la fereastră în grădină. Artistul distinge tonuri galben-lămâie, verzui și galben-auriu pe părțile neuniforme ale fructului. Lumina tangibilă a unei zile de vară, care pare să formeze piersici, determină întreaga structură emoțională și picturală a tabloului.

În aceste lucrări, Serov și Korovin deschid o nouă etapă în dezvoltarea naturii moarte rusești. Natura analitică a acestor picturi este fundamental diferită de conceptul de natură moartă de salon care exista la acea vreme. Principalul avantaj al unor astfel de lucrări a fost considerată asemănarea maximă a imaginii cu subiectul. Studiul ușurinței în manieră sau finisarea atentă a suprafeței pitorești a fost, de asemenea, foarte apreciat. Cel mai exact, toate aceste principii sunt întruchipate în imaginea de ansamblu. K. E. Makovsky „În atelierul artistului” (1881). Lucrarea impresionează cu o grămadă de detalii „natură moartă”: fructe exotice, țesături bogate, rarități antice. Un câine uriaș și un băiețel nu par a fi creaturi vii, ci simple exponate ale acestei expoziții de bunuri de lux. Noul concept de natură moartă a presupus o extindere cuprinzătoare a granițelor genului și fuziunea sa cu portretul, peisajul, interiorul și pictura casnică. Natura moartă încetează să mai fie o simplă imagine a „naturii moarte” și se transformă într-un mijloc de dezvăluire a imaginii.

Noile tendințe sunt vizibile în faimoasa pictură V.D. Polenov „bolnav” (1886). Interiorul și figura eroinei sunt scufundate într-o umbră adâncă - sunt doar un fundal, iar semnificația a ceea ce se întâmplă este dezvăluită cu ajutorul unui grup compact de obiecte, care este luminat puternic de o lampă cu un verde. umbră. Această natură moartă este foarte informativă. Un abajur pe jumătate ars este smuls din întuneric de pernele și cearșafurile mototolite, un decantor de sticlă, un pahar cu apă, flacoanele cu medicamente și rețetele medicului. În stânga sunt vizibile cărți ponosite în coperți roșii și albastre, poate acestea sunt remedii casnice sau albume care au distrat pacientul. O astfel de compoziție este un simbol al faptului că întreaga viață a acestui pacient este centrată în jurul acestei mese și a obiectelor care stau pe ea. La locul de muncă, natura moartă are un rol activ în crearea stării de spirit. De asemenea, destul de caracteristică este natura moartă, care este evidențiată în imagine K. Makovsky "Alekseich". În imagine, figura unui bărbat este deja înfățișată pe fundal, în spatele unei naturi moarte. Imaginea unui bătrân binevoitor se dezvăluie în bucuria sinceră cu care își anticipează ceaiul singuratic. O crustă de pâine, un samovar care fierbe, gem într-un borcan de sticlă, o cutie de zahăr și ceai acoperite cu grijă cu un prosop - toate acestea creează un sentiment de pace și căldură, care mulțumește sincer o persoană fără pretenții.

Natură moartă(franceză nature morte - „natura moartă”) - imaginea obiectelor neînsuflețite din artele vizuale, în contrast cu temele de portret, gen, istoric și peisaj.

Punctul de plecare al naturii moarte timpurii poate fi găsit în secolele XV-XVI, când era considerată ca parte a unei compoziții istorice sau de gen. Multă vreme, natura moartă a rămas legată de pictura religioasă, încadrând figurile Maicii Domnului și ale lui Hristos cu ghirlande de flori și, de asemenea, adesea situate pe reversul imaginii altarului (ca în Tripticul lui Rogier van der Weyden). familia căsătoriei). Tot în secolul al XVI-lea a fost răspândită tradiția de a crea portrete cu imaginea unui craniu, de exemplu, portretul lui Jean Carondel de Jan Gossaert (vezi vanitas). Naturile moarte timpurii au îndeplinit adesea o funcție utilitară, cum ar fi decorarea ușilor dulapurilor sau mascarea unei nișe de perete.

Natura moartă prinde în sfârșit contur ca un gen independent de pictură în lucrările artiștilor olandezi și flamand din secolul al XVII-lea. Obiectele din pictura cu natură moartă din această perioadă conțin adesea o alegorie ascunsă - fie trecătoarea a tot ceea ce este pământesc și inevitabilitatea morții (Vanitas), fie - într-un sens mai larg, Patimile lui Hristos și Învierea. Acest sens este transmis prin utilizarea obiectelor - în cele mai multe cazuri familiare și întâlnite în viața de zi cu zi, care sunt înzestrate cu semnificații simbolice suplimentare.

Natura moartă olandeză din secolul al XVII-lea

Natura moartă olandeză a fost un fenomen cultural unic al secolului al XVII-lea, care a influențat dezvoltarea ulterioară a întregii picturi europene. „Micii Olandezi” au reflectat în lucrările lor lumea obiectelor care își trăiesc propria viață liniștită, înghețată. Termenul de „viață înghețată” (olandeză stilleven, germană stilleben, engleză still-life) a început să fie folosit pentru a se referi la genul la mijlocul secolului al XVII-lea, inițial în Țările de Jos. Înainte de aceasta, artiștii au numit astfel de picturi, descriind complotul: „Micul dejun”, „Buchet de flori”, „Trofeul de vânătoare”, „Vanity of Vanities”. Principala traducere a termenului specificat, găsită în literatură - „viață liniștită, nemișcată”.

Natura moartă în pictura rusă din secolele XVIII-XX

Natura moartă ca gen independent de pictură a apărut în Rusia la începutul secolului al XVIII-lea. Ideea lui a fost asociată inițial cu imaginea darurilor pământului și mării, lumea diversă a lucrurilor din jurul unei persoane. Până la sfârșitul secolului al XIX-lea, natura moartă, în contrast cu portretul și pictura istorică, era considerată ca un gen „inferior”. A existat în principal ca o producție educațională și a fost permisă doar într-un sens limitat ca pictură cu flori și fructe.

Începutul secolului al XX-lea a fost marcat de înflorirea picturii naturii moarte din Rusia, care a câștigat pentru prima dată egalitatea între alte genuri. Dorința artiștilor de a extinde posibilitățile limbajului pictural a fost însoțită de căutări active în domeniul culorii, formei și compoziției. Toate acestea sunt evidente mai ales în natura moartă. Îmbogățită cu noi teme, imagini și tehnici artistice, natura moartă rusească s-a dezvoltat neobișnuit de rapid: într-un deceniu și jumătate trece de la impresionism la crearea formelor abstracte.

În anii 1930 și 1940, această dezvoltare s-a oprit, dar de la mijlocul anilor 1950, natura moartă a cunoscut o nouă ascensiune în pictura sovietică și, din acel moment, se află în sfârșit și ferm la egalitate cu alte genuri.

naturmoriştii ruşi

• Hruțki Ivan Fomich (1810-1885)
• Grabar Igor Emmanuilovici (1871-1960)
• Petrov-Vodkin Kuzma Sergheevici (1878-1939)
• Konchalovsky Pyotr Petrovici (1876-1956)
• Alberti Petr Filippovici (1913-1994)
• Antipova Evgenia Petrovna (1917-2009)
• Zaharov Serghei Efimovici (1900-1993)
• Kopytseva Maya Kuzminichna (1924-2005)
• Kotyants Gevork Vartanovici (1906-1996)
• Krestovsky Yaroslav Igorevici (1925-2003)
• Osipov Serghei Ivanovici (1915-1985)
• Pozdneev Nikolai Matveevici (1930-1978)
• Rumyantseva Kapitolina Alekseevna (1925-2002)
• Skuin Elena Petrovna (1909-1986)
• Teterin Viktor Kuzmich (1922-1991)
• Shamanov Boris Ivanovici (1931-2008)