У даній публікації розглянемо такі напрями в мистецтві, як Реалізм, Імпресіонізм, Фовізм, Модерн, Експресіонізм, Кубізм, Футуризм, Абстракціонізм, Дадаїзм, Супрематизм, Метафізичний живопис, Сюрреалізм і Мінім.

Але спочатку колаж:)

Натисніть на картинку для збільшення

Тепер коротко розглянемо зазначені напрями мистецтва.

Реалізм - (лат. речовий, дійсний) – напрямок у мистецтві, що ставить за мету правдиве відтворення дійсності в її типових рисах.

Імпресіонізм- напрям у мистецтві останньої третини XIX - початку XX століть, представники якого прагнули найбільш природно і неупереджено сфотографувати реальний світу його рухливості та мінливості, передати свої скороминущі враження.

Фовізм- напрям у французького живописукінця XIX - початку XX століття, характеризується яскравістю кольорів та спрощенням форми.

Модерн - художній напряммистецтво, найпопулярніше у другій половині ХІХ - початку ХХ століття. Його відмінними рисами є відмова від прямих ліній і кутів на користь більш природних, «природних» ліній.

Експресіонізм- Течія в європейському мистецтві, що отримала розвиток приблизно на початку 1905-1920 років, що характеризується тенденцією до вираження емоційної характеристики образів (зазвичай людини або групи людей) або емоційного стану самого художника.

Кубізм- авангардистський напрямок в образотворчому мистецтві, насамперед у живопису, що зародився на початку XX століття і характеризується використанням підкреслено геометризованих умовних форм, прагненням «розробити» реальні об'єкти на стереометричні примітиви.

Футуризм- загальна назва художніх авангардистських рухів 1910-х - початку 1920-х років, перш за все в Італії та Росії. Головні художні принципи- Швидкість, рух, енергія, які деякі футуристи намагалися передати досить простими прийомами. Для їх живопису характерні енергійні композиції, де фігури роздроблені на фрагменти і перетинаються гострими кутами, де переважають миготливі форми, зигзаги, спіралі, скошені конуси, де рух передається шляхом накладання послідовних фаз на одне зображення - так званий принцип симультанності.

Абстракціонізм- Напрямок нефігуративного мистецтва, що відмовився від наближеного до дійсності зображення форм у живописі та скульптурі. Одна з цілей абстракціонізму - досягнення «гармонізації», створення певних поєднань кольорів і геометричних форм, щоб викликати у споглядача різноманітні асоціації

Дадаїзм, або так Так - модерністська течіяу літературі, образотворчому мистецтві, театрі та кіно. В образотворчому мистецтві найпоширенішою формою творчості дадаїстів був колаж - технічний прийом створення твору з певним чином скомпонованих і наклеєних на плоску основу (полотно, картон, папір) шматочків різноманітних матеріалів: папери, тканини тощо.

Супрематизм- Напрямок в авангардистському мистецтві, заснований в 1-й половині 1910-х рр.. Малевичем. Як різновид абстракціонізму, супрематизм виражався в комбінаціях різнокольорових площин найпростіших геометричних обрисів (у геометричних формах прямої лінії, квадрата, кола і прямокутника). Поєднання різнокольорових та різновеликих геометричних фігур утворює пронизані внутрішнім рухом урівноважені асиметричні супрематичні композиції.

Метафізичний живопис- Напрямок в італійського живописупочатку XX ст. У метафізичному живописі метафора і мрія стають основою для виходу думки за рамки звичайної логіки, а контраст між реалістично точно зображеним предметом та дивною атмосферою, в яку він поміщений, посилював ірреальний ефект.

Сюрреалізм- Напрямок у мистецтві, що сформувалося до початку 1920-х у Франції. Відрізняється використанням алюзій та парадоксальних поєднань форм.

Активний живопис- ташизм ( різновид абстрактного мистецтва: нанесення фарб по інтуїції) - течія в західноєвропейському абстракціонізмі 1950-60-х років, найбільшого поширення набуло в США. Являє собою живопис плямами, які відтворюють образів реальності, а виражають несвідому активність художника. Мазки, лінії та плями в ташизмі наносяться на полотно швидкими рухами руки без заздалегідь обдуманого плану.

Поп-арт(англ. pop-art, скорочення від popular art, етимологію також пов'язують із англ. рор- уривчастий удар, бавовна) - напрям у образотворчому мистецтві 1950-1960-х років, що виник як реакція на абстрактний експресіонізм, що використовує образи продуктів споживання.

Образ, запозичений у масовій культурі, міститься в інший контекст:

• змінюються масштаб та матеріал;
• оголюється прийом чи технічний метод;
• виявляються інформаційні перешкоди та ін.

Мінімалізм- художня течія, що виникла в Нью-Йорку в 1960-х роках. Мистецтво мінімалізму зазвичай включало геометричні форми, повторюваність, нейтральні поверхні, промислові матеріали і спосіб виготовлення.

Багатьом здається непосильним завданням запам'ятати художників та його картини. За сотні років історія вписала імена багатьох художників, імена яких на слуху, на відміну від картин. Як запам'ятати особливість художника та його стиль? Ми підготували коротку характеристикудля тих, хто хоче знатися на образотворчому мистецтві:

Якщо на картинах зображені люди з великими дупами, будьте певні - це Руббенс

Якщо люди в гарних шатах відпочивають на природі – Ватто

Якщо чоловіки схожі на кучерявих жінок, з волоокими очима – це Караваджо

Якщо на картині з темним заднім фоном зображено людину з блаженним виразом обличчя або мученик – Тиціан

Якщо картина містить багатофігурні композиції, безліч людей, об'єктів, християнські та сюрреалістичні мотиви – це Босх

Якщо картина містить багатофігурні композиції і складні сюжети, але вони виглядають реалістичніше ніж картини Босха, будьте впевнені - це Брейгель.

Якщо ви бачите портрет людини на темному тлі у тьмяному, жовтому світлі – Рембрант

Біблійні та міфологічні сюжети із зображенням кількох пухленьких амурів – Франсуа Буше

Голі, накачані тіла, ідеальні форми- Мікеланджело

Намальовані балерини, це Дега

Контрастне, різке зображення з виснаженими та бородатими обличчями – Ель Греко

Якщо на картині зображено дівчину з монобровою – це Фріда

Швидкі та світлі мазки, яскраві фарби та зображення природи – Моне

Світлі фарби і люди, що радіють – Ренуар

Яскраво, квітчасто та насичено – Ван Гог

Похмурі кольори, чорні контури та сумні люди – Мане

Заднє тло як з фільму "Володар Перстнів", з легким синім туманом. Хвилясте волосся та аристократичний ніс Мадонни – Да Вінчі

Якщо зображене тіло на картині має незвичайну форму - Пікассо

Кольорові квадрати, як exel-івський документ – Мондріан

Дехто вважає, що розумітися на мистецтві можуть лише обрані. Інші дотримуються протилежної точки зору – справжнє мистецтво зрозуміле всім. Треті вважають, що не потрібно в мистецтві розбиратися, адже його завдання лише дарувати людям естетичне задоволення. Ми ж вважаємо, що розумітися на мистецтві, звичайно, потрібно, а навчитися цьому може кожен. Ось кілька нехитрих порад.

Поповнюйте свій багаж знань

Для початку вивчіть інформацію про мистецтво різних епох. Адже для того, щоб відрізняти картини одного художника від полотен іншого, треба хоч трохи підтягнути теоретичну базу. Запам'ятайте хоча б кілька видатних майстрів з кожної епохи та найвідоміші їхні твори. Також вивчіть різні напрямки у живописі. Непогано було б запам'ятати їх назви: бароко, класицизм, імпресіонізм, дадаїзм і т. д. Постарайтеся зв'язати між собою історичний період та напрямок у живописі – це допоможе структурувати ваші знання.

Постарайтеся побачити чудове

Після того, як ви вивчили теорію, саме час попрактикуватися. Не обов'язково йти до музею. Візьміть до рук альбом із репродукціями картин з якоїсь художньої галереї. Погортавши альбом, спробуйте самостійно назвати епоху написання полотна, його напрямок, може, навіть згадайте ім'я автора. Якщо щодня хоча б по кілька хвилин приділяти цьому тренуванню, через деякий час ви всіх здивуєте своїми знаннями в мистецтві. Тільки тренування мають бути чесними, підглядати відповіді не потрібно!

Почуття прекрасного можна натренувати

Тепер можна сміливо вирушати до музею. Якщо в найближчі вихідні ви потрапите на виставку картин, ви побачите, що багато полотна стали для вас набагато зрозумілішими.

Вчіться виділяти хороші картини і не зациклюватися на поганих

Щоб ще краще розумітися на мистецтві, вам потрібно буде навчитися відрізняти хороші і погані картини. Але ці знання приходять лише з досвідом. Якщо ви станете постійним відвідувачем музеїв і виставок, а на вашій тумбочці буде лежати альбом з репродукціями, який ви переглядатимете перед сном, результат не змусить себе чекати. Незабаром, потрапивши на будь-яку виставку, ви зможете оцінити представлені роботи.

Вчіться захоплюватися роботами майстрів

Звичайній людині іноді складно зрозуміти, чим та чи інша картина захоплює знавців мистецтва. Наприклад, той самий «Чорний квадрат» Казимира Малевича, котрий досі викликає бурхливі суперечки. Тож які ж картини викликають захоплення? Щоб це зрозуміти, потрібно полотно, яке ми аналізуємо, поділити на три складові: об'єм, колір та лінія. Що із цих трьох елементів у картині переважає? Що може прикувати увагу глядача у цьому полотні? Відповіді на ці питання дадуть вам інформацію про головні переваги картини. Але основне у творі художника – це загальне враженнявід картини, її краси. У різні часи були різні уявлення про красу. Якщо XIX в честі були пишні форми, в XX столітті на п'єдестал краси піднесли худорлявість і підліткову незграбність. Як ви зрозуміли, краса в мистецтві – поняття неоднозначне. Але є деякі нюанси, що дозволяють глядачеві вловити красу картини - бездоганність ліній, легкі або злиті мазки, першорядність об'єму або гамма кольорів, що виходить на перший план.

Вчитеся розуміти абстрактне мистецтво

Навчитися розумітися на мистецтві без розуміння абстракціонізму неможливо. Це картини, що завжди викликають бурхливі дискусії. Так у чому краса абстрактних картин? Комусь ці картини здаються схожими на дитячу мазню, у них важко знайти сюжет. Але краса цих полотен у тому, що вони змушують глядача поринути у свій внутрішній світзнайти красу всередині себе. Але не всі здатні побачити цю красу, адже вона зображена абстрактно. Вчіться розумітися на мистецтві, щоб побачені вами картини викликали у вас справжні емоції, дарували почуття прекрасного. Нижче наведений короткий курс молодого мистецтвознавця допоможе вам підтримати світську бесіду.

• Якщо сюжет полотна намальований на похмурому тлі і обличчя героя виражає муки, то перед вами Тіціан.

• Якщо на полотні намальовані оголені люди з дуже пишними формамиі целюліт, який є навіть у чоловіків, перед вами Рубенс.

• Якщо герой сюжету полотна - чоловік з жіночою особою, перед вами Караваджо.

Караваджо

• Якщо у сюжеті твору безліч дрібних чоловічків, перед вами Брейгель.

Брейгель

• Якщо знову в сюжеті безліч дрібних чоловічків плюс багато дрібних незрозумілих деталей, перед вами Босх.

• Якщо на полотні можна побачити чоловіків із фігурами культуристів, і все чудово, перед вами Мікеланджело.

Мікеланджело

• Якщо на полотні ви бачите балерину, то перед вами Дега.

• Якщо на полотні худі персонажі з голеними обличчями, перед вами Ель Греко.

Ель Греко

• Якщо всі герої полотна, у тому числі жінки, нагадують вам Путіна перед вами Ян ван Ейк.

Ян ван Ейк

Ян ван Ейк

• Якщо полотно надто яскраве та кольорове, перед вами ван Гог.

• Якщо полотно складається із плям, перед вами Моне.

• Якщо на полотні намальовані люди, буйство фарб природи перед вами Мане.

Хто вони такі – любителі живопису

Буваючи на художніх виставках, багато хто з нас бачив людей, застиглих, ніби в очікуванні, перед якоюсь картиною. З першого погляду це видається смішним. Що справді можна так довго розглядати? І взагалі, як мовиться у відомому анекдоті, навіщо дивитись на те, як люди «в давнину» без «Полароїда» мучилися? Так, темп життя постійно зростає, і люди, щоб встигнути за часом, дедалі більше стають прагматиками, що оцінюють усе, що їх оточує, з погляду вкладень та прибутку. Звичайно, милуючись картиною, жодної матеріальної вигоди Ви не отримаєте. Однак якщо уважно придивитися, можна помітити вражаючий зв'язок між глядачами і самою картиною: їхні обличчя освітлюються невідомим світлом, що йде від полотна, ніби вони потрапляють під дію загадкової аури картини.

Живопис - це особливий світ, двері до якого завжди відчинені, але увійти туди може не кожен. Знання, які несуть картини, це не та інформація, до якої ми всі звикли, не ті відомості, які ми отримуємо у школі, і не той потік фактичних даних, що обрушується на нас щодня із засобів масової інформації. Це духовні знання. Усвідомлення їх приходить поступово - у міру того, як глядач, крок за кроком, знаходить готовність долучитися до духовного досвіду. Тому висунуте колись більшовиками гасло: «Мистецтво - в маси» докорінно невірне. Мистецтво нічого не може дати масам, якщо маси не готові дати мистецтву щось натомість. І в цьому сенсі мистецтво – елітарне. Однак воно не закрите для допитливих і страждаючих, і завжди готове зустріти прибулого, щоб, взявши його тихенько за руку, провести потім по стежці пізнання у світ простих істин. Не можна сказати про це краще, ніж колись сказав Ю.Візбор про світ музики: Яка музика була, яка музика звучала. Вона зовсім не повчала, а лише тихесенько кликала. Звала добро вважати добром, і хліб вважати благодіянням, страждання вилікувати стражданням, а душу гріти вином чи вогнем.

Як художник втілює у картині свої ідеї

Очі нас часто підводять. Ось і в живописі зображене на картині далеко не завжди рівнозначно тому, що хотів сказати автор. Так, любителям телевізійних програм, що обожнює дивитися гарні картинкилежачи на дивані, це не сподобається. Вдаючись до використання техніки живопису, художник передає свої думки та почуття через якийсь інформаційний код.

По-перше, автор (будь то автор художнього творуабо будь-якого ще) завжди виступає «заручником» свого часу. Тому ідея картини обов'язково має «прив'язку» до історичної доби, в якій творив митець. Так, наприклад, у середньовічному живописі зображення людського тілаі все, що з ним пов'язане, вважалося гріховним. Тому непідготовлена ​​людина, дивлячись на ці полотна у світлі сьогоднішніх уявлень, вирішить, що це « дитячий малюнокі, не зачеплений побаченим, пройде повз.

По-друге, це код самого послання автора. Формулюючи свою ідею, художник намагається викладати її мовою живопису, користуючись законами образотворчого мистецтва, головним у тому числі є закон композиції. Крім мови законів побудови зображення, живопис має ще й іншу мову. З Середніх віків - коли живопис тяжів до алегоричної інтерпретації предметів - в образотворчому мистецтві виробилася мова символів, використовуючи яку автор міг укласти свою ідею в суворі рамки дозволених сюжетів. Ця мова отримала свою подальший розвитоку 17-18 століттях, коли для створення картин часто використовувалися сцени з давніх міфів.

По-третє, свідомий вибір різноманітних художніх прийомівформує у художника неповторний «почерк», знаючи який легко можна встановити авторство невідомих творів.

Навіщо ж потрібні всі ці «коди», невже не можна просто взяти і намалювати те, що найбільше сподобалося, щоб усі зрозуміли, як це справді гарно. На жаль, наука поки що не може відповісти на це питання. Справа в тому, що ця проблема пов'язана з проблемою походження мови. Ми не знаємо, чому люди поступово перейшли умовною мовою спілкування, відмовившись від мови жестів і тварин криків. Можна лише припустити, що це було пов'язано з розвитком культури. І хоча дух реалізму в сучасній культурі, як видно, взяв гору, мені здається, що, так чи інакше, автори реалістичних картин завжди переходять на мову «таємнопису» або ж йдуть у примітивізм.

Основні закони живопису

Можна полегшити собі сприйняття картини, звернувшись до основних законів живопису, з яких художник спілкується з нами, перекладаючи на полотно свої думки та почуття. Основний закон живопису - створення правильної композиції, тобто. врівноваження різних частин картини. Основна функція композиції – привернення уваги глядачів до головного об'єкта, передача грою форм, ліній та фарб певного душевного настрою.

Так, наприклад, суворі прямі лінії добре передають вагу та обсяг, надають формам закінченості та досконалості, народжують відчуття гармонії, душевного спокою. Досконалість форм передбачає використання чистих насичених кольорів. Картина стає "звучною". Приміром, дуже «звучні» картини в Н.Рериха. Добре знали цей прийом іконописці; чудово вдавалося передати "звучання" фарб Феофану Греку.

Навпаки, вигнуті лінії породжують у душі відчуття руху, мінливості. Так, наприклад, петляюча дорога в блакитному серпанку на задньому плані картини Леонардо да Вінчі «Мона Ліза» створює відчуття хисткості, швидкоплинності, легкої невагомості самого портрета. Дуже часто митці використали задній план для того, щоб підкреслити умонастрій персонажа картини та повідомити глядача певну емоцію. Поширений був такий прийом у написанні парадних портретів.

Далі, картина завжди має точку зору - те становище, з якого автор показує нам об'єкт. Вона безпосередньо з законами побудови перспективи, т.к. є точкою сходження паралельних ліній зображених предметів. Існує кілька видів перспективи. Найбільш поширені - це звичайна пряма перспектива (з точкою сходу, розташованої за об'єктом), що показує зменшення розмірів предметів при віддаленні від очей спостерігача, і зворотна перспектива (точка сходу знаходиться попереду об'єкта), предмети в якій у міру віддалення від спостерігача збільшуються. В іконописі митці часто вдавалися до використання зворотної перспективи для того, щоб подібним чином реалізувати ідею про наближення далеких ідеалів. Крапка сходу дозволяє художникам, ніби граючи простором, привертати увагу глядача до найбільш значущих об'єктів і планів картини. Наприклад, у картині Леонардо да Вінчі таємна вечеря», ми легко можемо визначити композиційний центр завдяки точці сходу перспективи зображення, розташованої відразу за Христом.

Велике значення сприйняття картини має лінія горизонту. Лінія горизонту дозволяє передавати масштаб зображуваних подій відповідно до умоглядного сприйняття художника. Наприклад, лінія горизонту, розташована в нижній частині картини, може породжувати відчуття причетності до дії, тоді як навпаки, перебуваючи у верхній частині полотна, вона змушує нас оцінювати зображене на картині з «висоти пташиного польоту».

Крім гармонії ліній та форм у картині ще має бути присутня гармонія світла та кольору. Світлові плями застосовуються для надання картині емоційної напруги, що переростає у певний уявний настрій. Дія цього ефекту пояснюється концентрацією уваги глядачів на найважливіших, значимих деталях картини. Прекрасно вміли працювати зі світлом Тіціан, Рембрандт, К. Брюллов, І. Куїнджі. Наприклад, на картині І. Куїнджі « місячна нічна Дніпрі» ми бачимо лише дві яскраві світлові плями посеред непроглядної ночі - місяць і вузьку смужку води під нею. Такий світловий контраст породжує в душі почуття спокою та умиротворення. Подібні світлові контрасти широко використовуються у портретах. Прекрасний приклад тому – «Портрет чоловіка в червоному» кисті Рембрандта або «Портрет Ф.М. Достоєвського» В. Перова. У них світлові акценти на обличчі та на кистях рук народжують відчуття зануреності у роздуми, внутрішньої сили персонажа.

Передача картини має ту ж мету, що і світлові акценти, - привертати увагу глядача до найбільш значним деталямтвори. Контраст кольорів керує вибірковістю сприйняття. Насамперед погляд вихоплює найяскравіші кольори картини, та був мимоволі перетворюється на фрагменти, контрастують цьому кольору. Якщо уважно подивитися на картину, можна помітити, що контрасти кольорів розташовуються навколо композиційного центру, таким чином, створюючи на ньому додатковий акцент. Крім цього, вони народжують відчуття внутрішнього руху, картина ніби оживає, перестає бути статичною.

Композиційні закони живопису є гарною ілюстрацією закону діалектики про боротьбу та єдність протилежностей. Вся композиція картини будується на єдності та контрасті об'єкта та фону, ліній та форм, світла та кольору. Поєднуючи ці різні елементи, протиставляючи їх іншим групам композиції, автор робить картину більш ємною та багатозначною.

Зорко одне лише серце

Картина - це книга, але не намагайтеся відразу знайти в ній останній аркуш зі змістом. Картина - це та сама печера Алі-Баби, звідки можна взяти лише стільки золота, скільки можна віднести за один раз. Але до картини можна завжди повернутися, коли духовні сили знову вимагатимуть насичення. Адже навіть, приходячи на виставку в різному настрої, можна отримати різне сприйняття картини.

Одну й ту саму картину люди можуть сприймати по-різному. Достатньо лише згадати невгамовні дискусії на тему «Мони Лізи», щоб зрозуміти це. Однією із чудових особливостей живопису і те, що вона здатна породити незліченну кількість багатошарових реакцій сприйняття, і, водночас, виявити «загальний знаменник», - той важливий зміст, закладений основою картини, - який розуміють і бачать все.

Живопис завжди буде нагадувати нам про те, що, як казав Лис у романі А. Сент-Екзюпрі Маленький принц»: «... пильно одне лише серце. Найголовнішого очима не побачиш». І, може, справді, тільки завдяки мистецтву, одного разу світ буде врятований.

Колеги, велика удача: нещодавно купив на вуличному букіністичному розвалі книгу Беллу Аронівни Еренгросс "За законами краси", 1961 року видання. Книга написана для підлітків, але запевняю вас - книга далеко не дитяча. Ця книга з розряду тих книг, які дають правильну "точку входу" у нову предметну область. Написана дуже просто і зрозуміло. Я дозволив собі незначні скорочення тексту. Давайте вчитися розуміти живопис, графіку, скульптуру. Книжка буде опублікована на нашому сайті частинами.

Про автора

Белла Аронівна Еренгросс – ректор, професор Російського університету культури молоді "Культура на порозі третього тисячоліття", лауреат Державної премії СРСР, автор численних книг з мистецтва для юнацтва.

Від автора

Мистецтво навчить тебе бачити та розуміти природу, людей, захоплююче розповість про життя. Послухай, як каже про цю здатність мистецтва іспанський письменник Сервантес, автор знаменитого роману "Дон-Кіхот": "Ні корабель, ні коляска, ні верховий кінь, ні твої власні ноги не дозволять тобі так далеко і так глибоко проникнути в чужі країни, як Це робить гарна книга". У "чужі країни" веде тебе не лише книга, а й картина, і кінофільм, і спектакль, і музика.

Ми говоримо "мистецтво", але ти добре знаєш, що мистецтвом називається художня літератураі кіно, і театр, і живопис, н скульптура, і графіка, і музика, і т. д. У кожного є свої особливості, свої відмінні риси. Щоб краще розуміти кожне мистецтво, щоб краще його відчувати і отримати задоволення від його сприйняття, треба навчитися розуміти його особливості, його мову.

В цій книзі мова йдетільки про мистецтво образотворче - про живопис, про графік, про скульптуру. А чи ти бачив твори образотворчого мистецтва-картини, малюнки, скульптури?

"Бачив", - скажеш ти, не замислюючись над тим, ЯК ти бачив.

Ти прийшов у картинну галерею. Повільно пройшов залами, затримався біля деяких полотен і скульптур. Подумав про себе: "Ну так, ось ця - відома, де Іван Грозний вбиває сина... Цікаво..." І пішов далі. Так за годину ти обійшов багато залів, і хоч мало що привабило твоя увага, ти потім говоритимеш: "Був у картинній галереї Бачив картини".

А коли тобі зустрічаються невідомі твориабо автори, тоді справа ще простіша. Тут ще немає визнаних людством картин, перевірених часом та знавцями. І, подивившись таку виставку, ти скажеш: "Так, був, бачив. Але нічого особливого. Так собі".

Ні,. ти не бачив! Ти лишень дивився на картини, скульптури, малюнки. Дивився, але ще не бачив.

А чи знаєш ти, що за кожним полотном, за кожною роботою художника стоїть величезна праця, напружені пошуки, радість знахідок та гіркота невдач? Чи знаєш ти, що художник і поет Тарас Шевченко, відданий у солдати і засланий у степу, мало не збожеволів від радості, коли друзі прислали йому фарби, якими він знову міг працювати? А митець Павло Андрійович Федотов? Він працював до знемоги, на ніч прикладав компреси до очей, щоб вони відпочили, але вважав себе щасливим, бо міг бачити і писати картини. Цілий рікФедотов витратив лише на те, щоб написати комод із червоного дерева, а над маленькою картиною "Вдова", де всього одна жіноча фігура, працював два роки. Два роки! Ти закінчив за цей час два класи, з'їздив улітку до табору, зробив багато різних справ. А він? А він два роки весь час з ранку до ночі писав, спостерігав, переробляв і знову писав.

Та хіба Федотов! А Рембрандт? А Мікеланджело? Будь-який з людей, які віддали життя мистецтву, міг би разом з талановитим пейзажем Ф. А. Васильєвим, який рано помер, сказати: "Кожну картину я пишу не фарбами, а потім і кров'ю".

А чи знаєш ти, що І. Н. Крамський та І. К. Айвазовський померли з пензлем у руках, а В. І. Суріков мріяв про таку смерть? Та що там! Кожен справжній митець живе своєю творчістю, віддає своєму твору усі думки, все серце, увесь свій час. Так невже ж подвижницька праця художника заслуговує на те, щоб ти подивився його роботи, його картини, в які він вклав свою живу душу, і при цьому байдуже сказав: "Дуже мило. Як добре написано плаття! Прямо справжнє, навіть помацати хочеться". Або ще щось таке.

Ні! Мистецтво, в яке художник вкладає все найкраще з того, що йому дала природа, - таке мистецтво не можна дивитися байдужими очима. Його треба вміти бачити, відчувати, розуміти. А цьому треба вчитися. Підемо залами виставок і картинних галерей. Уважно дивитимемося картини, малюнки, скульптури. Намагатимемо дізнатися, що хотів передати нам автор, чому робив так, а не інакше. Ходімо разом вулицями міста; там також чимало творів образотворчого мистецтва. Але не поспішатимемо.

Тож почнемо!

Який колір туман?

І ось ми в залі, де розміщені твори живопису, графіки та скульптури. тварин. Це – скульптури. Картини, малюнки, скульптури – різні види образотворчого мистецтва.

І все ж у всіх цих різних видівмистецтва є дуже багато спільного: вони зображують різні предмети, події, явища життя, сприймаються зором. А ми бачимо дуже багато. На вулиці – будинки та інші будівлі, автобуси, тролейбуси, трамваї; виїжджаючи за місто - ліс та річку, шосейні дороги та квітучі чи посипані плодами дерева; у кімнаті - столи, стільці, книги, шафи та різні речі. І скрізь на вулиці, за містом та вдома – ми бачимо людей. Вони працюють, відпочивають, розмовляють чи просто кудись поспішають.
Ось увесь цей світ, що оточує нас, можна зобразити на площині та просторі. Мистецтво, що передає на площині та в просторі видимі явища життя, називаються образотворчими.

Але ж різні події та явища життя ми бачимо в кіно та в театрі, дізнаємося про них із літератури. Чим вони відрізняються від тих, які нам показує образотворче мистецтво?

У літературі, в кіно та в театрі всі події відбуваються у дії та розвиваються у часі. Наприклад, у кіно зображення постійно змінюється. Можна побачити все життя людини з його народження і до смерті. Але якщо раптом зіпсується апарат і зображення перестане рухатися, тобі скоро набридне дивитися на екран. Людина як би перестає бути живою, вона застигає в нерухомій, а іноді й безглуздій позі, а якщо це природа, то весь час дивитися на хмари та квіти стане просто нудно.

А на картині може бути зображене якесь явище природи або навіть просто покладені на стіл фрукти або ваза з квітами. І. хоча нічого, крім фруктів чи букету квітів, на полотні немає. люди дивляться на картину із задоволенням та знаходять у цьому зображенні щось цікаве для себе.

На відміну від інших видів мистецтва, де розвиток відбувається за часом, образотворче мистецтво може показати лише одну мить із життя людини або в стані природи. У цьому його Головна особливість, але у цьому та її складність.

Але яким чином в одному зображеному на картині моменті можна зобразити життя, природу і людей, що вічно рухається і змінюється так, щоб цей момент розповів багато про що?
Адже цікавіше дізнатися все про людину чи хоча б якісь найважливіші епізоди з її життя. А тут немає жодних епізодів та жодної історії життя. Просто зображено одну якусь мить. Але якщо в кінокадрі, що зупинилося, людина здається неживою, якщо незакінченість її рухів викликає сміх, то тут...

Подивися на зображення людини, природи, на сцену з життя, і ти побачиш, що рух людини природний, природа не застигла, не мертва і водночас і людина. І природа схожі і водночас не схожі на справжні. Коли художник зображує людину, він прагне знайти такий стан, який найбільш характерний для даної людиниколи всі його творчі сили найбільш повно розкриваються. Тоді ми, побачивши відображений у творі образотворчого мистецтва лише один такий момент життя, зможемо по ньому дізнатися, що це за людина і що вона займається. Сила та особливість образотворчого мистецтва в тому, що воно відразу доводить до розуму та серця своїх глядачів те, що в книзі буде розказано на багатьох сторінках, у кіно-в тисячах кадрів кінострічки.

Ось перед нами невелика за розміром картина. Основна подія, яка тут зображена, зрозуміла відразу.

Світла залита сонцем кімната. До неї щойно увійшла людина. Він дивно одягнений. Втомлені, глибоко запалі очі дивляться. У повороті голови, у всьому його образі є якась невпевненість. Він зупинився у нерішучості. Його ніхто не чекав, і прихід його – несподіванка. Це видно з того, як поставилися до його появи всі люди, які перебувають у кімнаті. Підвілася з крісла жінка похилого віку в чорному. Сповнена подиву і переляку покоївка, що впустила прибульця. З цікавістю виглядає з передньої бабусі. Втрачена і зраділа жінка, що сидить біля рояля. Спідлоба, серйозно і суворо дивиться на нього дівчинка. Цілком очевидно, що вона його не знає чи не пам'ятає. А хлопчику! Подивися, з яким захопленням він дивиться на того, хто увійшов. Він упізнав його. радий. Ще мить і з криком захоплення він кинеться до нього.

Художник так усе зобразив, що не потрібні пояснення: цілком ясно, що несподівано до своєї родини повернувся після довгої відсутності її голова. Картина так і називається: "Не чекали", і написана вона Іллею Юхимовичем Рєпіним. І, хоча ми все зрозуміли з першого погляду, давай все ж таки подивимося уважніше.

Чоловік, що увійшов до кімнати, повернувся з заслання. Про це говорить не тільки його одяг, але змучене обличчя і глибоко запалі очі Вірно, дуже він змінився, якщо навіть рідні не одразу впізнали його. Жінка, що сидить біля рояля, дружина засланця, здається слабкою, хворобливою. Її погляд виражає радість та деяку розгубленість. Фігуру матері художник помістив спиною до глядача. Варто тільки побачити цю сутулу спину, як одразу стає ясно, що не тільки старість, а й юре та труднощі зігнули її.

Так, поступово розглядаючи кожне дійова особа, можна дізнатися та помітити ще дуже багато. Від цього зміст картини стає глибшим, повнішим. Душевне стан кожного, передане через вираз обличчя, позу, рухи, жести, відчувається тонше. Все так правдиво, життєво, переконливо, що здається, ніби зображене відбувається на наших очах. І ми – мимовільні, незримі свідки того, що сталося.

Написати картину з такою граничною простотою та переконливістю дуже і дуже нелегко. Художник повинен вибрати такий момент, у якому характер кожної з дійових осіб проявився особливо повно. Уяви собі, що він вибрав не цей момент, а інший. Усі вже впізнали прибульця. Син підбіг спритнішим за інших і повис на шиї батька. Мати підійшла з одного боку, дружина – з іншого. Ось дівчинка, напевно, як і раніше дичиниться і дивується та покоївка продовжує стояти біля дверей. А може, її вже немає: зрозуміла, що прийшла своя людина, і пішла, щоб не заважати. Якби все було так, зрозуміли б ми, що сталося? Чому радіє хлопчик, чому спідлоба дивиться дівчинка, а мати і дружина поспішають до того, хто увійшов?

Або художник зобразив би ще пізніший момент: прибулець вмився, переодягся і в родинному колі розповідає про щось пережите. Знову все було б не так ясно, як зараз. Ми подумали б, що вся справа саме в цікавій розповіді, яку всі так уважно слухають. Хіба можна дізнатися в такому сюжеті складну драму, яку переживає родина? Звичайно, ні. Ось чому вибір моменту, який буде зображений у картині, настільки надзвичайно важливий. Іноді навіть кажуть: "Знайдено момент – є картина, не знайдено – ні". Ти думаєш, знайти цей момент просто? Ні. Дуже важко.

Ось Рєпін, наприклад, скільки бився над цим. Та й не лише він. Кожен митець. В тому і полягає майстерність художника, що він вміє вибрати такий момент, таку подію, яка дає можливість краще побачити характери людей, їхню сутність. Більше того: митець так зображує цю подію, що глядач легко може собі уявити, що було до зображеного моменту, що станеться згодом. І то. що ми так легко і просто зрозуміли і сприйняли, стебило художнику величезної напруги та праці. Як добре треба було знати людей, яких він пише, обстановку, в якій вони живуть, щоб усе це відтворити на полотні! А скільки треба було витратити часу та праці, щоб знайти відповідних людей, зображуючи яких найкраще можна було розкрити основну ідею твору!

Адже ідею твору розкриває як людина, а й будь-яка деталь у картині. У художника Павла Андрійовича Федотова є невелика за розміром картина "Сватання майора". Ти, звісно, ​​знаєш її.

Один із друзів Федотова розповідає, як художник збирав матеріал для цієї картини: "При оздобленні "Сватання" Федотову, перш за все, знадобився зразок кімнати, пристойної сюжету картини. Під різними приводами він ходив у багато купецьких будинків, вигадував, виглядав і залишався незадоволеним. Там гарні були тільки стіни, але речі з ними не ладнали, там підходила обстановка, але кімнати були надто світлі й великі... Одного разу, проходячи біля якогось російського трактиру, митець помітив крізь вікна головної кімнати люстру з закопченими скельцями. зайшов він у таверну і з невимовним задоволенням знайшов те, що шукав так довго: Стіни, вимащені темно-бурою фарбою, картини найнаївнішого оздоблення, стеля, прикрашена розписними "пукетамни". в уяві Федотова".
Сам Федотов розповідає про роботу над своєю картиною наступне: "Коли мені знадобився тип купця для мого "майора", я часто ходив по Гостиному та Апраксиному двору, придивляючись до осіб купців. Прислухаючись до їхньої говірки та вивчаючи їх бою, гуляв Невським проспектом з тією ж метою, але довго не міг знайти те, що мені хотілося.
Нарешті одного разу біля Анічкова мосту я зустрів здійснення мого ідеалу, і жоден щасливець, якому було призначено на Невському найприємніше рандеву, не міг більше зрадіти своїй красуні, як я зрадів моїй рудій бороді та товстому череві.
Я проводив мою знахідку до дому, потім знайшов нагоду з ним познайомитися, волочився за ним цілий рік, вивчав його характер, отримав дозвіл списати з мого поважного тітоньки портрет (хоча він вважав це гріхом і поганою ознакою) і тоді тільки вніс його в свою картину .
Цілий рік я вивчав одну особу, а що мені коштували інші!

Так працює митець над картиною. Так вибирає, вивчає кожен її персонаж. Адже в житті митець напише не одну, а багато картин. І їхні теми будуть різні, і люди і все буде різне. А щоб картини були правдивими, переконливими, щоб глядач засвоював і усвідомлював головне, як багато треба знати, розуміти, вивчати! З усіх життєвих обставин митець обирає найхарактерніші. Адже, показуючи не випадкові, а типові характери і поміщаючи їх не у випадкові, а в типові обставини, художник у своїх творах розкриває правду життя. У житті митець побачив сюжети, знайшов прообрази для своїх героїв, життя дало йому зміст для його картин. Він дивиться в "обидва очі", але цього мало. Він увесь час не лише в пам'яті, а й на папері намагається зафіксувати побачене.

Якось поцікався, візьми альбоми художників Федотова. Сурікова. Рєпіна, Сєрова. Скільки в них схожих і не схожих, однакових та різних начерків, малюнків!
У Федотова, наприклад, є лист "Як люди сідають", де зображені найрізноманітніші рухи, які робить людина, коли сідає на стілець. Такі альбоми - записники - є у кожного художника. Якщо письменник словами записує свої спостереження, найбільш запам'яталися йому висловлювання, характерні слова, художник робить усе це, відтворюючи постаті, пози, жести, руху. А може, тобі доводилося колись бачити художника на зборах чи на вечорі серед інших людей? Якщо ні. Придивися, і ти завжди його дізнаєшся. Ось він слухає доповідь, але раптом його рука потяглася за папером, швидко забігав нею олівець. Дивишся - він зробив накидку з доповідача або з когось зі своїх сусідів. В одного він помітив цікаву манеру підкреслювати жестом особливо важливі місця своєї мови, в іншого. як він тягнеться до склянки із водою. Жести, повороти, рухи, особливості міміки – все це зображує митець. Навіщо? Може, ніщо з цих спостережень потім точно у такому вигляді не увійде до майбутньої роботи, але постійні замальовки розвивають спостережливість і є наслідком спостережливості. І потім, все це-матеріал, необхідний художникудля подальшої роботи. Якщо він сотні разів зробить нариси оратора, то вони стануть у нагоді йому, коли він буде створювати твір на цю тему. З численних спостережень у нього складеться одне ціле, яке дасть йому можливість правдиво і переконливо зобразити людину, яка виступає на трибуні. Звісно, ​​потім художник ще неодноразово перевірить свої враження, але життєві спостереження йому необхідні.
Але буває і так, що жоден із зроблених начерків не увійде безпосередньо до його роботи. Все одно – праця художника не проходить для нього безвісти. Він зможе вільно передавати все бачене і багато разів відтворене. І, крім того, самі спостереження підказують художнику і тему та сюжет.

Художник живе у певному суспільстві. У нього є свої погляди на життя, на людей, на людські стосунки, свої погляди на хороше і погане, гарне і негарне, свій смак, як і в інших людей. Це і є погляд на світ - світогляд. Мимо чогось художник проходить, не помічаючи, а щось його приваблює, цікавить, хвилює і захоплює його уяву. художника йдезовсім не так просто, як може здатися на перший погляд. Подумав і вирішив: "Напишу я про це". Ні, коли народжується задум, у художника виникає не тільки та подія (сюжет), яку він хоче передати, а й ті засоби, якими він думає висловити свою ідею: основне розташування фігур та основні колірні співвідношення. Здавалося б, тепер усе - йди в майстерню, сідай та пиши! Але до цього ще дуже далеко. На основі зроблених спостережень художник складає перший, попередній нарис своєї майбутньої роботи - ескіз. Потім вже збирає матеріал і веде спостереження безпосередньо для цієї роботи, шукає людей та обстановку, які йому потрібні для картини. Наприклад, якщо події відбуваються у приміщенні, то відповідне приміщення, якщо на вулиці, треба знайти і прямо з натури написати це місце. Та не просто його скопіювати, а дати його зображення у певну пору року, у певний час дня та за певного освітлення. Від цього залежить, як виглядатиме все зображене та які почуття та думки викличе у майбутніх глядачів. Для цього художник пише, малює та ліпить, безпосередньо дивлячись на природу та людину, тобто з натури.

Невеликі підготовчі роботи, написані безпосередньо з натури, називаються етюдами.У кожному етюді художник вирішує якусь одну певну і необхідну для даної роботи завдання: знаходить певний рух-людини, необхідне для картини розташування фігур або предметів, певний стан природи. коли зібрано весь необхідний підготовчий матеріал, він приступає до безпосередній роботінад ним. І те ще не одразу. Адже, перш ніж приступити до роботи, кожна людина має ще раз обміркувати і перевірити.

Ось робітник отримав матеріал, з якого він повинен зробити деталь, верстат та інструмент. Але він не одразу почне деталь обробляти. Подивіться, що і де треба прибрати, що залишити, якими інструментами зробити одну роботу, якими іншу. І інструмент розташує так. щоб потрібніший був у нього під рукою, а менш необхідний лежав подалі.
Так само робить і архітектор. Перш ніж приступити до будівництва, він спочатку робить проект будинку, в якому планує загальний вигляд, розташування кімнат, поверхів, сходів.
Письменник складає план свого майбутнього твору. Художник теж, перш ніж перейти до остаточної роботи, складає план твору, але пише його не словами, а повністю зображує на полотні чи папері. Для цього спочатку він намічає загальний план: що має бути в центрі і зображено велико, що з одного боку, що з іншого, що має насамперед звернути увагу і куди погляд має йти потім. Розташовуються всі елементи твору не випадково, а відповідно основною думкою, яку митець хоче висловити у своєму творі.

Загальна побудова твору та поєднання в ньому всіх елементів, що дозволяє з найбільшою повнотою висловити ідейний задум, називається композицією(Від латинського слова composition - складання).

Прагнення найбільшої виразності породжує іноді й нові варіанти картини. Так, працюючи над картиною "Не чекали", І. Є. Рєпін перебрав кілька варіантів. Спочатку вона була задумана як раптове повернення курсистки (студентки).

Курсистками на той час були найпрогресивніше і навіть революційно налаштовані дівчата. Часто проти волі батьків вони виїжджали з дому, щоб здобути освіту. Тому приїзд курсистки до рідного дому міг бути подією, яка давала матеріал для твору. Рєпін навіть написав такий варіант картини. Але потім, працюючи над картиною, художник змінив її, поглибивши зміст. І вже не курсистка приїжджає додому, а революціонер повертається із заслання. У картині з'явилися нові деталі - ошатна покоївка, яка впустила засланця, яка всім своїм виглядом ще більше підкреслює, як незвичайний прихід такої людини в цей будинок. В остаточному варіанті характер кожного персонажа, ставлення до засланого суалі гранично ясними, і картина набула зовсім іншого змісту.

А скільки художник працює над кожним чином, скільки разів переробляє, змінює! У Рєпіна довго не виходив революціонер. Художник не міг знайти його позу, вірніше рух, був невдоволений собою, мучився, переробляв і навіть говорив про те, щоб кинути роботу над картиною. Рєпін прагнув до того, щоб революціонер у його картині був героєм і водночас простим, звичайною людиною. Він хотів у його позі показати і деяку нерішучість - якось приймуть?
Ти подумай тільки, адже такі складні почуття - радість повернення і нерішучість через те, як його прим* т. миттєво з'явилося невиразне почуття - зрозуміли, прийняли, раді, ще деяка настороженість: такі складні почуття і словами описати важко, а зобразити ще складніше. Ось і бився над цим Рєпін цілих чотири роки.
І навіть після того, як картина була закінчена та показана глядачам, він неодноразово повертався до образу революціонера та дописував його. Ось як митці працюють майже над кожним чином картини.

А іноді буває так. Художник довго працює над якоюсь фігурою, а потім виявляється, що вона зайва, і... він прибирає її з полотна, тому що фігури або предмети, що нічого не говорять, можуть відвернути увагу глядачів від головного. Наприклад, у картині "Не чекали" Рєпін прибрав фігуру старого, що входить зліва з балкона. А скільки праці було витрачено, щоб її написати!

Подивимося ще одну картину. Це теж дуже відомий твір, написаний Василем Івановичем Суріковим, "Меншиков у Березові".

Хто такий Меншиков, ти пам'ятаєш із історії. Соратника та друга Петра I художник зобразив у засланні, куди він потрапив після смерті Петра. У темній, холодній хаті сидить Меншиков серед своїх дітей Молодша дочка читає. Але ніхто не слухає її. Кожен думає про своє. Меншиков, похмурий, зосереджений, пішов на спогади. Він знову переживає минуле. Зовні він спокійний, але не примирився зі своєю долею. Владна, горда постава, стиснута в кулак рука видають бурхливу силу. Він, як величезна важка брила, височіє над іншими. Біля його ніг примостилася старша дочка. Худенька, зябко кутаючись у шубу, вона поглядом дивиться і... нічого не бачить. Такий небачить погляд буває у людини, що глибоко замислилася. Син Меншикова теж не помічає оточуючого, не чує голосу молодшої сестри. Пальці його машинально зчищають віск із свічника. З замерзлого вікна скупо пробивається світло, низька стеля, здається, тисне на них.

Якщо навіть не знати, хто ці люди і що з ними сталося, не можна залишатися спокійним, розглядаючи картину. І знову, як у "Не чекали" Рєпіна, чим більше дивишся, тим більше помічаєш, більше відкриваєш, починаєш бачити те, на що спочатку не звернув уваги. Тісно, ​​майже торкаючись один одного, сидить родина Меншикова, але як одинокий кожен із них! Які далекі вони один від одного. Кожен думає про своє. А як суперечить їхній одяг, кура ведмедя на підлозі і дорога скатертина убогій, нетопленій хаті!

Подивися на обох сестер. Старша, бліда, з розпущеним, а може, й неприбраним волоссям, закуталася в шубу. Молодша акуратно причесана, одягнена ошатно. Помітиш це і зрозумієш: старша вже ні у що не вірить, ні на що не сподівається, а її сестра ще не втратила колишніх звичок до розкоші. Чим більше ти вдивлятимешся в картину, тим більше ти побачиш у ній, і сенс того, що відбувається, стане ще глибшим. Але скільки б ми не дивилися, погляд наш весь час повертається до Меншикова, а звідси переходить на тендітну фігурку, що притиснулася до нього. старшої дочки, від них - до сина, молодшій дочціі знову до нього, до Меншикова. І це невипадково. Художник свідомо так будує свій твір, щоб погляд глядача переходив від однієї постаті до іншої, від предмета до іншого. В умінні написати твір так, щоб глядач спочатку отримував загальне враження від картини, а потім переходив до розгляду деталей, які б допомогли йому глибше розкрити зміст, складається одна з основ композиційної майстерності.

Як це досягається?

Можливо, головна дійова особа художник пише більший чи наближає його до глядача? Якби існувало таке просте правило, всі картини були б дуже схожі одна на одну. І їх дивитись було б зовсім не цікаво. Але все ж таки є якась причина, яка змушує глядача звертати увагу на головне в картині, а від нього йти до частковостей.
Звичайно, художник має в своєму розпорядженні на картині фігури так, щоб одні були помітні відразу, а інші як би відходили на другий план. Для того щоб головне весь час залишалося в полі зору, існує одне правило: в картині не повинно бути нічого зайвого, нічого випадкового. Художник вводить у картину різні подробиці не просто тому, що йому захотілося вписати їх у картину, а для того, щоб за допомогою їх ще більше розкрити ідею твору. Інакше всі ці деталі відволікали б глядача від головного. Але так у добрих творах не буває. Справжній художник не вводить в картину нічого випадкового, а якщо він під час роботи і ввів щось не дуже суттєве, то це обов'язково прибере.

Звісно, ​​у кожному творі є не лише головне, а й другорядне. Адже люди, що зображуються на картині, живуть не на порожньому місці, а в певній обстановці і все, що відбувається між ними, відбувається вдома, на вулиці, в полі, в лісі, на роботі. І митець показує таку обстановку, яка ще краще допомагає зрозуміти людей та їхні стосунки.
Згадаймо знову картину Рєпіна "Не чекали". На стінах кімнати ми бачимо портрети Некрасова та Шевченка. Обидва поети були співаками та заступниками народу. Значить, у кімнаті, де висять їхні портрети, живуть люди, котрі люблять і поважають простий народ. Уяви собі, що замість цих портретів висіли б просто зображення якихось незнайомих нам людей, тоді зникла б та певність, яка допомогла нам краще усвідомити сенс.

Подивися на покоївку. Вона ще тримається за дверну ручку. Думаєш випадково? Ні. Цей жест ще більше підкреслює її переляк і здивування: вона злегка прочинила двері, але не відчинила її і несміливо впустила в кімнату незнайому людину. А гімназист? Шия у нього худа, тонка, одяг трохи завелика, куплена на виріст. Хіба не говорить це про убогість коштів сім'ї? Ти переконався, що художник уводить у картину лише такі деталі, які допомагають усвідомити сенс. І як би не була гарна сама по собі якась деталь, подробиця, але, якщо вона не сприяє глибшому осмисленню змісту, вона лише шкодить твору. щоб головне було помітно, щоб другорядне не вилазило вперед, а допомагало зрозуміти головне, щоб деталі не порушували цілісності сприйняття. І навіть невипадковий розмір картини, побудована вона по вертикалі чи витягнута вшир.

Кожна картина має не лише певний розмір, строгу композицію, а й написана фарбами, забарвлена.

Живопис тому і отримав свою назву, що означає живопис, тобто зображення на площині різних предметів за допомогою кольору.
Те, що зображення дається за допомогою кольору, - суттєва відмінність живопису. Для сприйняття мальовничого твору колір дуже важливий, але важливий він у живопису.

Уяви собі, що перед тобою на досить великій відстані багато людей. На кого ти насамперед звернеш увагу? Звичайно, на того, хто яскраво одягнений, особливо якщо кольори чергуються один з одним: чорне - з білим, червоне - з синім, і т.д. не кожної людини окремо, а колону загалом. Ось ці ж закони, тільки, звісно, ​​у складнішому поєднанні, застосовує художник.

У картині Рєпіна "Не чекали" спочатку погляд зупиняється на матері, бо вона одягнена в чорне та її велика фігурау чорному особливо помітна на тлі світлих стінок кімнати.
У картині Сурікова сиві голова Меншикова виділяється на тлі похмурої хати та її брудних стін. Вся картина Сурікова побудована на гострих контрастах кольорів. Світлі плями вікна, обличчя, книги, шкіри білого ведмедя виділяються на тлі темних тонів стіни та шубки старшої дочки.

Отже, художник будує композицію як на послідовному розвитку сюжету, а й у контрасті колірних плям. І все це разом розкриває зміст.
Уяви собі, що митець розташував би всі фігури на картині випадково, зробив би їх однаковими за розміром і одягнув би однаково яскравий одяг. Тоді погляд глядача неспокійно перебігав би від однієї постаті до іншої, не знаючи, на чому зупинитися. Все приваблювало б однаковою мірою, і сенс твору не став би для нас очевидним.
Для того щоб виявити ідею свого твору, художник не тільки фігури і предмети, але й кольорові плями в картині має в своєму розпорядженні дуже продумано, відповідно до задуму твору.

Ось коли все це враховано, зібрано, коли все розмістилося, остаточно стало на свої місця, тоді твір стає напрочуд цілісним, і здається, що все так і має бути і не може бути інакше. І тепер уже не можна з твору нічого прибрати і нічого до нього додати, щоб не змінити його змісту.
А ми, глядачі, підійдемо, подивимося, постоїмо десять-п'ятнадцять хвилин, і до того нам все здасться добре і просто, що у нас навіть і не виникне думка про те, скільки праці, роздумів, хвилювань та почуттів вклав художник у своє дітище. І найвірніша ознака того, що твір досконалий, те, що ми не помічаємо, як воно зроблено. Дивимося, насолоджуємося, картина тішить око, будить думки, змушує щось відчувати і щось думати. Ми бачимо та помічаємо зміст, майже не звертаючи уваги на виконання. І, якщо це так, то мети художника досягнуто.

А от якби щось у картині не вийшло, ми раптом стали б звертати увагу на якісь подробиці або нам було б незрозуміло, що зображено, про що хотів сказати художник. Або просто люди дивилися б, захоплювалися, але... зовсім не тим, що має захоплювати.
Тобі, напевно, доводилося чути, як глядачі, стоячи біля картини, кажуть: "Ах, яка чарівність! Подивіться, як чудово написано ось цей ґудзичок: просто помацати хочеться. А плаття? Ну прямо справжнє". Або, повернувшись додому, радять знайомим та сусідам обов'язково подивитися картину, але хвалять твір за виконання в ньому якоїсь деталі, якоїсь дрібниці.
А може, ти сам іноді так дивився картини і так про них говорив?

Що ж, тут дві причини: або художник не зумів передати головне і деталі заслонили від тебе сутність, або ти не вмієш дивитись картини. А скоріше, і те, й інше.
Згадай "Меншикова у Березові". З якою неперевершеною майстерністю написані оксамитова шубка, облямована білим хутром, парча спідниця, світло лампади в кутку, вікно, що заіндевіло! Та будь-який шматок картини. чи це обличчя людини чи одяг, обстановка хати, - усе написано з граничною досконалістю.
Але ж нікому не спаде на думку сказати: "Піди в Третьяковську галерею, Подивися, як написана парчова спідниця у дочки Меншикова! Скажеш інакше: Подивися картину Сурікова. Що за сильна особистістьМеншиков – просто лев у клітці! Яку трагедію пережила людина!
А хіба ми не захоплюємося тим, як написано цю картину? Звісно, ​​захоплюємося. Підходячи до неї вже не вперше, іноді довго розглядаємо, як тонко все зроблено, дивуємося з того що поблизу фарби здаються змішаними зовсім випадково, строкатими незрозумілими мазками, але. варто тільки відійти, ці ж фарби на цій картині начебто стають на своє місце і вже не здаються ні фарбами, ні мазками, а точно передають колір різних предметів.

Чим же митець досягає такої виразності, переконливості своїх творів?
Ми вже говорили про те, що у своєму творі він має в своєму розпорядженні людей і предмети так, щоб деталі були підпорядковані головному. Але також і зазначили, що і в житті і в картині нам впадає в око те, що виділяється за яскравістю, за кольором. І цю особливість художник теж враховує, компонуючи картину.
І спостереження, і пошуки, і вибір героїв майбутнього твору, і добір обстановки, в якій вони діятимуть, і підпорядкування всього твору ідейному задуму- все це притаманне кожному виду мистецтва, в тому числі і образотворчим мистецтвам.

Далі ми говоритимемо про скульптуру та графіку, і ти побачиш, що основна відмінність живопису від цих видів образотворчого мистецтва – те, що художник створює картину кольором. Кольором він досягає того, що кожен предмет у картині схожий на свій прообраз насправді.
Художник бере звичайнісінькі фарби з тюбика та. розташовуючи їх на полотні певним чином, досягає того, що обличчя і руки людини мають тілесний колір, дерево виглядає деревом, і кожна тканина буде виглядати важкою або легкою, прозорою або блискучою.

Але як це художник звичайними олійними фарбами, тобто складеними на рослинних оліях, Якими кожен може писати, досягає такого незвичайного результату? Є безліч найтонших прийомів, способів, законів, але ми розповімо лише про найголовніші.
Можна сказати, що художник так змішує фарби, що вони набувають того особливого забарвлення, яке притаманне предмету, що зображується. Тоді фарба з тюбика перестає бути просто синьою чи білою, а стає цвсюм білого снігу чи синього неба.

Ймовірно, ти здивуєшся і подумаєш:
"А що ж тут такого? І навіщо треба змішувати фарби? Біле є біле, синє – синє, блакитне – блакитне".
Виявляється, це не так. Синє небо – це одне, а блакитне плаття – зовсім інше. Білий сніг, біла хутряна шапочка, білий халат лікаря, білі хмари та багато інших явищ природи та предмети білого верби – все це різне.
І не тому, що сніг пухнастий, а халат гладкий, тобто не тільки через якість самого матеріалу, а й за кольором.

Поспостерігай якось, як виглядають білі чашки на білій скатертині. Або біла шубка дитини на снігу. І ти не зможеш не помітити, що існує багато відтінків одного білого кольору. Біла шубка на снігу може здатися дещо темнішою, ніж сніг, а вдома, серед інших пальто, вона здається надзвичайно білою.
І так само сніг: вранці він одного кольору, вдень буде іншим, увечері – третім. І не тому, що він за день забрудниться, а тому, що вранці, вдень і ввечері буде різне освітлення і від цього здаватиметься іншим за кольором.
І так кожен предмет має свій колір, але в різний часдня. при різному освітленні, залежно від того, якого кольору предмети його оточують, колір його здаватиметься різним.
Тому щоб написати просто шматок білого полотна, недостатньо взяти білу фарбу і розфарбувати нею зображення тканини. Буде фарба, а кольору не буде.
"Так що ж потрібно, - запитаємо знову, - щоб фарба стала кольором на картині художника?"
Потрібно, щоб фарба поєднувалася з іншими, які є в картині, бо кожен пофарбований предмет надає іншому свого відтінку.
Потрібно, щоб фарби у картині поєднувалися так. щоб усі разом створювали мальовниче ціле.

Візьми будь-який шматок картини та відгороди його від інших її частин. Що трапилося?
Чорне перестало бути чорним, а стало наче сірим. А біле стало якимось тьмяним, брудним і зовсім не схожим на те дивне. біле платтяЯким здавалося, коли ми дивилися всю картину загалом.
Тепер відкрий решту картини, і все знову стане на свої місця: біле стало білим, чорне - чорним.

Знайти єдність колірних відносин - значить почати перетворювати фарбу на колір. Це поєднання різних кольорів у картині, що утворюють єдине зорове враження, має свою спеціальну назву. Воно називається колоритом(Від латинського слова color – колір).

Художник повинен точно визначити, знайти колір предмета, показати, як він виглядатиме залежно від освітлення.
І ще треба враховувати, якщо одна частина предмета освітлена, а інша ні. то вони будуть різними, хоча колір їх один.
Так як художник створює свій твір за допомогою кольору, то від вірного відтворення квітів, від уміння знайти їх відповідність н взаємини багато в чому залежать не лише художні якості, а й правдивість твору.

Все, про що ми зараз говорили, можна простежити на будь-якому мальовничому творі і тих, які ми з тобою розглядали. Але давай подивимося ще й інші картини. Дивись, що це таке?

Чоловік у чорній шкіряній куртці та матроській. смугастої тільнику, із закладеними за спину руками спокійно стоїть, широко розставивши ноги. Біля нього дівчина в кожусі. Це підпільники, котрі працювали в тилу у білих. Їх зловили та допитують. Картина так і називається. "Допит комуністів", і написав її відомий радянський живописний Б. В. Йогансон.
Матрос і дівчина не просто стоять, а протистоять групі білогвардійців, що їх допитують. Допитують старий генерал та двоє молодих
офіцера.

Тепер подивимося уважніше на допитуваних.
Чоловік тримається спокійно, дівчина стримує хвилювання. Вона стиснула руки (так роблять люди, коли хочуть вгамувати внутрішнє тремтіння, щоб її ніхто не помітив) і злегка примружила очі.
А білі?
Генерал майже не помітний через крісло, в якому він сидить, видно тільки його потилицю та багряну шию.
Злісно дивиться молодий офіцер у черкесці, зі стеком у руці. Третій, офіцер з гладко причесаним на прямий проділ волоссям, розглядає якийсь папірець.
Що їх так обурило - чи мовчання комуністів чи різка відповідь матроса, невідомо. Та й не так це важливо. Важливо інше: комуністи сильніші за цих людей. Вони витримали, вистояли.
І, хоча відчувається, що шалені їхні стійкістю офіцери можуть розстріляти їх, ти знаєш, що сила і справді - на боці комуністів. Вони такі спокійні, бо впевнені у собі, у правоті своєї справи. І ми не можемо не захоплюватися ними та їх подвигом.

Ми побачили з тобою, що написано на картині "Допитування комуністів", ми говорили про її зміст.
Тепер подивимося, як художник написав свою картину, якими образотворчими засобами він передав її зміст, і на цьому зупинимося докладніше, бо нам з тобою потрібно навчитися розуміти особливості живопису і, зокрема, ще краще усвідомити, що таке колір і яку роль він відіграє. у мальовничому творі.
Наша увага зосереджена на комуністах, тому що світло, що падає зверху, з найбільшою силою осяює їхні обличчя та фігури. На групу офіцерів світло падає не так різко, вони ніби в тіні, і тому помічаєш їх потім.
Все, що не має прямого відношеннядо цього зіткнення двох сил. дано художником лише настільки, щоб визначити предмет, але з затримувати у ньому уваги глядача. Ледве помітне вікно з синім від вечірнього освітлення снігом, що видно за ним, злегка написані стіни кімнати.

Фігури комуністів особливо виразні завдяки їх контрасту з навколишнім оточенням. Пам'ятаєш, ми говорили, що контраст – важливий засіб виразності композиції. Але там ми торкалися лише однієї сторони контрасту – контрасту кольорового. Тепер додамо до сказаного, що контраст може бути психологічним, як. наприклад, у цій картині.
Тут контрастна вся обстановка цих незвичайних у ній, здаються тут чужими людей. Цей контраст допомагає ще більше відчути ту гостру боротьбу, яку відтворив художник. Килим на підлозі, яскраві мундири офіцерів, крісла з гарною оббивкою, з одного боку, і грубі обмотки, шкіряна куртка і тільник матроса, простий кожух і непоказна шапка дівчини - з іншого; ситі, випещені особи офіцерів і прості благородні особидопитуваних - усе це протистоїть одне одному.

Напруженість обстановки підкреслена і колірними контрастами червоного, синього, жовтого, чорного.
За допомогою кольору художник передає освітлення, форму предметів, матеріал, і як не яскраві фарби, якими написана картина, вони узгоджені між собою, пов'язані, складають єдність.
Якби цього не було, кожна фігура в картині сприймалася окремо, картина була б строкатою і дивитися на неї було б дуже важко.

А в картині "Не чекали", про яку ти вже знаєш, зовсім інші фарби: світлі блакитні шпалери, бузкова сукня покоївки, м'який колір оббивки крісел. За таких кольорів строкатості не могло б бути. Проте. якби митець зробив усе трохи менш блакитним, бузковим і т. д., неминуче виникла б безбарвність, білість, як кажуть художники. І не було б того радісного, світлого почуття, яке породжує картина Рєпіна.

Трохи більше, трохи менше - і було б погано, а коли саме - це добре.
Це дуже тонка грань, І невипадково кажуть, що живопис " тримається на чуть-чуть " .
Якщо за допомогою кольору митець передає забарвлення предмета, його форму, матеріал, з якого він зроблений, то колорит робить картину цільною і не тільки розкриває глядачеві все мальовниче багатство світу, а й сприяє виразу змісту. А наскільки важливо знайти потрібний колорит на вирішення картини, на розкриття ідеї, простежимо на роботі Б. У. Йогансона над " Допитом комуністів " .

Коли ясна була ідея картини (порівняння непримиренних класових сил), знайдено сюжет (допит комуністів білогвардійцями), уточнено обстановку (будинок фабриканта) і навіть деталі її (підлоги фарбовані, на них лежить килим, в кутку - ікони, день морозний, вікна заіндевели ), художник почав шукати і саме мальовниче рішення.
В одному з ескізів він спробував дати сцену під час денного освітлення. Вийшло, за його словами, щось веселеньке: "заморожене віконце, через нього світить сонечко", сонячні зайчикибігають по стінах та підлозі.
Хіба таке освітлення здатне було висловити всю гостроту моменту, який мав бути у картині? Звичайно, ні.
І художник в іншому ескізі зобразив цю сцену вночі, під час вечірнього освітлення. Вийшло напруженіше, драматичніше. Одночасно уточнилася і композиція картини. Все це разом - висвітлення та інше розташування фігур - дало інший сенс: комуністи, хоча вони й стоять пов'язаними, ніби наступають на білогвардійців.
Фігура матроса, одягнена в чорне, і дівчина у жовтому виразно видно на червоному килимі у яскравому промені світла. Завдяки освітленню обидві фігури здаються різко окресленими.

Картина Б. В. Йогансона написана в червоно-коричневих тонах, у "гарячому колориті", як сказав би художник. І це потрібно було для створення напруженості, яка потрібна в картині.
Як бачиш, зовсім не все одно для сенсу картини, коли зображено: зити те, що відбувається, вдень чи вночі, у світлій колірній гамічи темної.
Художник не тільки передає бачене, не лише дає свою оцінку подіям, а й самою манерою листа сприяє розкриттю змісту зображеного.

Так колір і особливо колорит сприяють розкриттю змісту мальовничого твору, виразу ідеї. Колорит створює настрій, допомагає передати радість чи смуток, відчуття простору, широти природи та багато іншого, а це має у картині велике смислове значення.

Деякі художники навіть вважають, що колористичне почуття, тобто вміння бачити та поєднувати красу колірних відносин, є найважливішою якістю художника.
"Є колорит - є художник, немає колориту - немає художника", - говорив Суріков.
Можна сказати, що колорит – це колірне бачення світу у художника. Адже, замислюючи новий твір, він знаходить не тільки ту подію, яку хоче зобразити, а й ті колірні відносини, які можуть це мальовничо висловити.
І художник, вміючи бачити, вгадати та передати фарби, з яких складається цей колір, знаходить колорит.
Іноді митець його відчує одразу, іноді довго шукає. І знайти колорит – значить зробити для вирішення образу дуже багато.
Але було б неправильно, якби ти вирішив, що радісну подію треба писати яскравими, світлими фарбами, а трагічне - темними, похмурими. Ні. Якби заздалегідь було відомо, якою фарбою можна виразити якийсь настрій, тоді було б усе просто. Хочеш висловити радість – пиши червоною, горе – чорною. І, хоч справді червоний колір у нас пов'язаний зі святом, а чорний – із жалобою, у живопису все значно складніше.

Ми говорили, що картина Йогансона "Допитування комуністів" написана в коричнево-червоній гамі, в "гарячому колориті", і цей колорит допомагає розкрити драму, зображену художником.
Але інша картина, колорит якої теж можна визначити словом "гарячий". Звичайно, він не зовсім такий, як у "Допиті комуністів", але тут теж переважають коричневі та червоні, гарячі тони. Це "Вечеря трактористів" А. А. Пластова.

Літній вечір. Тієї години, коли сонце, перш ніж сховатися за обрієм, освітлює землю останніми оранжево-червоними променями. Цими променями залита лежача великими жирними пластами і земля, що тягнеться до самого горизонту, і люди на передньому плані. Тракторист у червоній майці та накинутій поверх неї тілогрійці. Стоячи на колінах, він ріже коровай великими скибками. Дівчинка у білій косиночці та білому халаті наливає в миску молоко. Хлопець, мабуть помічник тракториста, лежить на землі і дивиться на молоко, що ллється з бідона.
Тут немає великої, розгорнутої розповіді. Художник показав дуже небагато, але сказав про цих людей багато.

Видно, що це жнива, коли особливо дорогий час. Тракторист тільки на хвилину перервав роботу і тут же, не глушачи мотора трактора, збирається швидко поїсти і знову взятися за справу. У нього робочі, натруджені руки, обличчя заросло жорсткою щетиною, давно не стрижене волосся вибивається з-під кепки. Тепер йому ніколи стежити за своєю зовнішністю. Але у ньому є краса. Це краса самої людини, трудівника, що забуває на роботі про себе. Суворий і мужній образ тракториста ще більше підкреслюється ніжним виглядом дівчинки.
Вся ця група - тракторист, юнак і дівчинка - справляє враження цілісності та поетичності. У створенні поетичного образу тракториста бере участь і природа, що здається особливо великою в яскравому вечірньому світлі, і колорит картини.

Уяви, що митець написав би ту ж групу не в спекотну літню дічу, не у вечірню годину, а в похмурий день або коли сонце вже зайшло. Зникло б це відчуття напруженості праці.
А тут – промені сонця прямо падають на тракториста та його помічника, і це освітлення кидає на їхні обличчя та фігури різкі фарби та тіні.
Дівчинка освітлена інакше, ніж трактористи; вона звернена обличчям до них. і сонце висвітлює її спину, тому на її обличчя лягають вже не такі різкі, а м'які, легкі тіні, і це посилює враження м'якості цього образу і ще різкіше підкреслює контраст: обпалені сонцем та вітром трактористи та дівчинка.
Велика холодна тінь падає від трактора, покриваючи голову дівчинки, її руку, що тримає бідон та миску з молоком. Від цього білий колір, косинки, білий колір халата і молоко набувають різні відтінки. Молоко здається густим і холодним, тому що на косинку ще потрапляють промені, а на молоко вже немає, і тому білий колір холодніший, а білий колір косинки тепліший.

Але, говорячи про картину, ми вжили невідомі, а може, й незрозумілі тобі слова. Ми сказали: "біла косинка тепліша, ніж біле молоко". Але зазвичай поняття теплоти застосовується до того що має температуру. А про фарби кажуть – яскраві чи тьмяні чи просто називають колір: червоний, синій, блакитний.
А ось художник ще розрізняє фарби на теплі: жовта, помаранчева, червона, коричнева і холодні: блакитна, синя, зелена, фіолетова.
Тепер ти розумієш, чому можна сказати: "картина написана в холодному тоні або гарячому колориті".