В жизни человека наберется немного часов, которые были бы приятнее, чем время, посвященное вечернему чаю.
Генри Джеймс, американский писатель

Вы никогда не должны отказываться от чашки чая при следующих обстоятельствах: если на улице жарко; если на улице холодно; если вы устали; если кто-то думает, что вы устали; если вам не по себе; прежде чем выйти из дома; если вы не дома; если вы только что пришли домой; если вам хочется чайку; если вам не очень хочется чайку, но вы могли бы; если вы уже давно не пили чая; если вы только что перехватили чашечку.
Джордж Майкс (венгерский журналист),

«Как быть британцем»
Чай поднимает тонус мышц, делая тело сильным. Он помогает при головной боли и головокружении, поднимает настроение и прогоняет сплин. Чай очищает почки от камней и песка, если его употреблять с медом вместо сахара, он облегчает дыхание при простудах. Этот напиток помогает улучшить зрение. Чай снимает усталость, делая человека жизнерадостным.
Томас Гарвэй, владелец первой в Англии чайной

Маковский К.Е. За чаем.

Русское слово «чай» происходит от китайского слова «ча» или «чае» — в северном, пекинском произношении, тогда как английское слово «tea» (чай), как и, соответственно, французское, итальянское, немецкое, датское и др., происходит от китайского слова «тэ» (чай) — в южном, фуцзяньском произношении.

В 1638 году русский посол Стариков привез от монгольского хана в подарок государю Московскому Михаилу Федоровичу четыре пуда чая. Поначалу терпкий и горький напиток не понравился царю и боярам. Однако было замечено, что он «отвращает от сна» во время долгих церковных служб и утомительного сидения в Думе боярской.

Богданов-Бельский Н.П. Чаепитие.

Когда весь запас дареного чая был выпит и вкус его уже стали забывать при московском дворе, вновь свою роль сыграли дипломаты: посол наш — грек Сапфарий — привез чай из Китая. Теперь уже чай встретили в Москве, как старого знакомого, и в 1679 году был заключен с Китаем договор о поставках в Россию сушеной китайской травы.

Кустодиев Б.М. Московский трактир.

Васнецов В.М. Чаепитие в таверне.

В начале XVIII века вошел чай в русский быт и стал нашим национальным напитком. Само чаепитие стало не просто утолением жажды, а своеобразным проявлением общественной жизни. За чаем решали семейные дела, заключали торговые сделки и брачные союзы, без чашки чая не обсуждали, кажется, ни один серьезный вопрос.
Гиляровский оставил прекрасное описание старых московских трактиров. Где-нибудь в «Коломне» или «Лондоне» за чаем грелись извозчики, а крупные коммерсанты заключали сделки на десятки и сотни/тысяч рублей. Любимые трактиры были у артистов, писателей, художников. Встречи за чайным столом у Л.Н.Толстого в Ясной Поляне и Хамовниках вошли в историю русской культуры. В «Толковом словаре живого великорусского языка» В. Даля глагол «чаевать» означает «проклажаться за чаемъ, пить его въ раздольи».

Кустодиев Б.М. Купчиха за чаем.

Повсеместное распространение чая уже в начале XIX века привело к возникновению на Руси своеобразного и колоритного ритуала чаепития. Так как чай в те времена был недешев, очень важно было, кроме умения заварить вкусный чай, еще и не меньшее умение «не спить чай», т.е. разлить его так, чтобы каждый из присутствующих на чаепитии получил свою порцию чая одинаковой крепости, и плюс к этому хозяйка не допустила бы большой расход сухой заварки.

Что такое самовар? В Словаре русского языка (М., 1981г., т.4) говорится: "Самовар - металлический прибор для кипячения воды с топкой внутри, наполняемый углями". В Толковом словаре живого великорусского языка В.И. Даля (СПб-М., 1912г., т.4) сказано: "Самовар - водогрейный для чаю сосуд, б.ч. медный с трубою и жаровнею внутри".
Глухая тоска без причины
И дум неотвязный угар.
Давай-ка наколем лучины -
Раздуем себе самовар!
За верность старинному чину,
За то, чтобы жить не спеша!
Авось, и распарит кручину
Хлебнувшая чаю душа!

Б. Кустодиев.Извозчики. 1920

Шампанов Сергей Чаепитие.

В чем заключается притягательная сила самовара, почему он остался наиболее устойчивым атрибутом домашнего уюта, можно понять, только поняв особенности русской традиции - чаепития.
Общеизвестно, что чай пришел в Россию с Востока. Это не означает, что до этого Россия пила только водку. Крепкие напитки были в России в почете, ее жители варили брагу, сбитень. Чай также был свой: из листьев, плодов, кореньев трав, в огромном ассортименте собираемых, высушиваемых и заготавливаемых для различного назначения - лечебных и тонизирующих.
Например, в качестве заварки использовался соцветия иван-чая, листья вишни, мяты, смородины и т.д.
Но, самое главное, новое, что пришло с Востока вместе с чаем как заваркой - это особое ритуальное действие, своего рода праздник. Внедрение и распространение чая в России происходило на подготовленной почве, и основная особенность, причина популярности чая была в самой церемонии, правда, адаптированной к психологии русского человека.

Б. Кустодиев.На террасе. 1906

Переверзева А. К. Интерьер. Север.

Маковский К.Е. Алексеич.

Попов А. А. Мастеровой за чаепитием.

Коровин К.А. За чайным столом.

Восточная чайная церемония в своей основе направлена на само углубление человека, общение со своим внутренним миром. Она как бы вырывает его из будничной суеты. Способы самой заварки чая и его подачи на стол - это подготовка почвы для отстранения от всего суетного.
Русская же церемония чаепития направлена на получение абсолютно противоположного эффекта - объединения духовного мира людей, собранных за столом, раскрытия каждой отдельной души перед обществом, семьей, друзьями, получение новых знаний. Чаепитие создает условия для задушевного разговора.

Б. Кустодиев.Осень в провинции. Чаепитие. 1926

Откровенный разговор непосредственно с собеседником, а тем более с несколькими собеседниками, всегда сложен психологически. Это усугубляется еще тем, что за столом находятся, как правило, несколько возрастных групп - от детей до прадедушек и прабабушек. Детей сдерживает традиция почтения к взрослым, их родителей - почитание своих родителей. Неосторожное замечание, столкновение двух мнений подчас разрушает доверительность беседы, и говорящий замолкает и уходит "в себя". Для создания духа демократичности был необходим некий "молчаливый собеседник", глядя на которого, и, обращаясь к которому, можно было бы высказать самое сокровенное, не боясь быть непонятым. Эта роль отводится в русском чаепитии самовару.

Б. Кустодиев.Чаепитие. 1913

Смеркалось. На столе, блистая,
Шипел вечерний самовар,
Китайский чайник нагревая,
Под ним клубился легкий пар…
А.С.Пушкин

Такой предмет на столе был необходим для русской церемонии чаепития. И его изобрели на рубеже XVIII века русские мастера. Самовар вошел в каждый дом. Самовар стал символом добра и домашнего уюта. Дети получали знания, впитывали традиции, учились говорить и слушать у самовара. Этот предмет вошел в классику русской литературы и искусства как непременный атрибут семейного покоя. Он сам стал объектом художественного интереса, и целый ряд мастеров декоративно-прикладного искусства принимал участие в создании его декоративного убранства.
Что такое самовар? В Словаре русского языка (М., 1981г., т.4) говорится: "Самовар - металлический прибор для кипячения воды с топкой внутри, наполняемый углями". В Толковом словаре живого великорусского языка В.И. Даля (СПб-М., 1912г., т.4) сказано: "Самовар - водогрейный для чаю сосуд, б.ч. медный с трубою и жаровнею внутри".
Его устройство просто, как все гениальное. Он состоит из цельнотянутого тонкостенного сосуда. Его вертикально протыкает труба, начинающаяся от топки снизу и завершающаяся конфоркой. Последняя служит как для установки на ней чайника для заварки, так и для осуществления тока воздуха, когда конфорка закрыта крышкой.

И. Грабарь. За самоваром. 1905

От других приборов для кипячения воды, известных задолго до появления самовара и которыми люди пользуются сейчас, самовар отличается в первую очередь тем, что он объединил в себе весь практический опыт человечества по экономии энергии.
Все тепло, поднимающееся по трубе, отдается окружающей его воде. Большая поверхность трубы быстро доводит воду до кипения и поддерживает температуру. Естественный ток теплого воздуха вверх создает идеальную тягу в топке. Топка прикреплена снизу к сосуду (тулову) самовара на необходимом расстоянии от поверхности стола, на который ставится самовар. Расстояние это отрегулировано ножками самовара, которые придают ему устойчивость и пожарную безопасность.
Труба, являясь конструктивным стержнем, служит основой для надеваемой на нее крышки сосуда, конфорки, крышки самой трубы. Через трубу закладывается топливо и разжигается самовар. Топливом служат сосновые шишки, ветки, щепки, Их расход минимален.

К. Коровин. За чаем. 1888

Для вливания воды снимается крышка сосуда. Для наполнения стакана есть удобный кран с притертыми поверхностями. Кран расположен на некотором расстоянии от дна самовара, что позволяет не попадать взвеси в чашки.
Такие элементы, как кран (ветка), ручка для переноса самовара, ножки, на которых он стоит, изготавливаются с помощью литья и припаиваются к сосуду. Эти элементы имеют разнообразную форму и декоративные украшения. Их отдаленность от источника нагрева сохраняет пайку веками. Самовары использовались как для приготовления чая, так и для приготовления супа, каши, сбитня. В таких самоварах сосуды разделялись на два или три отсека и блюда готовились одновременно.
Пользоваться самоваром может даже ребенок - наливается вода, закладывается топливо и в трубу опускается подожженная щепка. В сырую погоду или при сыром топливе самовар нужно раздувать. Это делают или через отверстия в стенках топки, или "крестьянским" способом - с помощью надеваемого на трубу сапога, который выполняет функцию меха в кузнечном горне. При закипании воды на конфорку устанавливается заварочный чайник, керамический или фарфоровый, в зависимости от вкуса, привычки или состоятельности заваривающего чай. Тяга замедляется, и самовар медленно доводит воду до кипения, качественно заваривая чай. Чай из самовара обычно пьют вприкуску, то есть сахар подается отдельно.

В. Нестеренко. Конфетки, бараночки. 1997

Самовар стоит всегда в центре стола. Он добрый - по своему образу, по округлости форм. Он добродушно попыхивает дымком и булькает кипящей водой. Он отражает в своих боках окружающих его людей и природу, придавая некоторую ирреальность происходящему.

Император белых чашек,
Чайников архимандрит,
Твой глубокий ропот тяжек
Тем, кто миру зло дарит.
(Н. Заболоцкий)

А.Герасимов.Семейный портрет

Завтрак русского помещика XIX в. - это как бы соединение принятых во Франции того времени первого и второго завтраков. "Напившись, чаю, приступают к завтраку: подадут битого мяса со сметаной, сковородку грибов или каши, разогреют вчерашнее жаркое, детям изготовят манный суп - всякому найдут что-нибудь по вкусу" (Гончаров И.А. "Фрегат "Паллада").
К чаю подавали сахар-рафинад (песок покупали только для кухни - от него чай становился мутным), бисквит, сухари "англицкие", булочки, калачи и к ним варенье клубничное, земляничное или малиновое. Иногда брали бриоши (французскую сдобную хрустящую булочку в форме рогалика) и Ревельский хлеб (пеклеванный хлеб с тмином). На столе ставили серебряный самовар, серебряные же чайник, ситечко, в сахарнице - щипчики, и, кроме того, чайницу - "хрустальную в серебряной оправе и при ней особливой формы ложечка, для накладывания чаю" (Е.Авдеева "Полная хозяйственная книга").

И. Грабарь. Утренний час, подснежники. 1939

О том, какой чай пили в России этого времени, подробно рассказывает И.А.Гончаров: "Мы называем хорошими нежные, душистые цветочные чаи. Не для всякого носа и языка доступен аромат и букет этого чая: он слишком тонок. Эти чаи называются… пекое (Pekoe flower). Англичане хорошим чаем, да просто чаем (у них он один), называют особый сорт грубого черного или смесь его с зеленым, смесь очень наркотическую. От чая требуют того же, чего от индийских сой и перцев, то есть чего-то вроде яда" ("Фрегат "Паллада"). Под цветочным чаем, разумеется, понимается не чай из цветов (Гончаров китайскую манеру класть в черный чай жасминные, а в желтый розовые лепестки называет "следствием пресыщенности"), а именно сорт чая, приготовленный из верхушечной почки растения - с особенно тонким и изысканным ароматом.

Современная живопись. Долгая Ольга Петровна.

Trisha Hardwick.Натюрморты.

Чаепитие по-русски отличалось не только сортом и качеством используемого чая. Конечно, чудаки и оригиналы в России пили чай с гвоздикой на японский манер, и по-китайски с цветами, и зеленый чай, как пьют настоящие американцы. Однако, пить русский чай означало пить чай заваренный (англичане, как замечает Гончаров, "варят его по своему обыкновению, как капусту") и с сахаром - для иностранца русский чай "какой-то приторный напиток".
Дюма-отец, автор кулинарного словаря, писал: "Лучший чай пьют в Санкт-Петербурге и в целом по всей России", и объяснял это тем, что чай чрезвычайно страдает от длительных морских перевозок и из всех европейских стран только Россия может ввозить чай по суше прямо из Китая. В это время именно Китай, где чай был известен с доисторических времен, основной поставщик чая, в Индию же и на Цейлон чай был завезен только в 1865 году. "Обычаи странны в России, так что иностранцы находят их необычайно шокирующими, когда впервые встречают", - писал в своем словаре Дюма. Так, например, он находит удивительным, что "мужчины пьют чай из стаканов, тогда как женщины используют чашки китайского фарфора".

Глухая тоска без причины
И дум неотвязный угар.
Давай-ка наколем лучины -
Раздуем себе самовар!
За верность старинному чину,
За то, чтобы жить не спеша!
Авось, и распарит кручину
Хлебнувшая чаю душа!
А.Блок, русский поэт

Основные тенденции в развитии живописи в XIII - XV веках

Развитие живописи в $XIII$ - $XV$ веках продолжалось в русле развития искусства Руси в домонгольский период. После татаро-монгольского нашествия центры живописи переместились с юга в северные города Ярославль, Ростов, Псков и Новгород. В которых сохранились не только памятники старого искусства, но и выжили носители культурных традиций. Изоляция Руси от Византии, а также феодальная раздробленность русских земель стимулировали расцвет местных тенденций в искусстве. В $XIII$ в. произошло окончательное оформление новгородской, а в $XIV$ в. - московской школ живописи. Расцвет живописи в $XIII$ - $XV$ вв. более наглядно прослеживается в новгородских памятниках, которые сохранилось в большем, чем в других городах количестве. В новгородских иконах рисунок приобретает, колорит, становился графичнее и строился на контрасте ярких цветов. Настоящим «бунтом» против византийских традиции стали созданные в Новгороде краснофонные иконы («Спас на престоле с этимасией» и «Святые Иоанн Лествичник, Георгий и Власий» ).

Новгородская школа. Феофан Грек

XIV в. - время расцвета живописи Новгорода, огромное влияние на который оказал Феофан Грек прибывший в $70$-е гг. $XIV$ в. на Русь из Византии. В $1378$ г. он закончил работу над росписью церкви Спаса на Ильине. По сохранившимся фрагментам этой росписи можно сказать что для этого мастера характерны широкие удары кисти, уверенные блики, преобладание желтых и красно-коричневых красок. Влияние Феофана, например, прослеживается во фресках церкви Федора Стратилата, созданных русскими мастерами в конце $70$-х - $80$-х годов.

В отличие от фрески, медленнее развивалась в $XIV$ - $XV$ вв. новгородская иконопись. Все дошедшие до нас памятники того времени характерезуются архаичным стилем, берущем начало в $XIII$ веке.

Пример 1

В иконам, где уже прослеживаются черты местного стиля, можно отнести икону «Отечество» , в «новозаветном» варианте трактующая Троицу - не в образе трех ангелов, а антропоморфно, т.е. Бога-отца как седого старца, Бога-сына в виде отрока, а святого Духа как голубя.

Новая иконографическая форма появилась в Новгороде когда церковь повела борьбу с ересью, отвергающей христианский догмат Святой Троицы. Новый тип иконы в которой отражались исторические сюжеты, появляется в $XV$ веке.

Замечание 1

Например, икона «Чудо от иконы Знамения пресвятой Богородицы» (или «Битва суздальцев с новгородцами» ), на которой изображена победа новгородцев над превосходящими силами суздальцев в $1169$ г., отражает определенную свободу новгородских иконописцев, интересовавшихся не только священной историей, но и своей собственной.

Московская школа. Андрей Рублев

Подъем московской живописи $XIV$ - $XV$ вв. не знал себе равных по размаху и разветвленности. Приблизительно в $1390$ г. в Москву из Новгорода переехал Феофан Грек.

При его непосредственном участии были созданы главные памятники живописи: росписи церкви Успения Богородицы, Архангельского и Благовещенского соборов Московского Кремля и др. Самой достоверной работой самого Феофана в Москве являются $7$ икон Благовещенского собора нач. $XV$ в. («Спас», «Богоматерь», «Иоанн Предтеча» и др). Несколько икон иконостаса Благовещенского собора связывают с именем одного из величайших иконописцев Руси Андрея Рублева . Сохранилось мало достоверной информации о его творческой жизни.

Пример 2

Например, впервые Андрей Рублев был упомянут в $1405$ г., тогда он вместе с Феофаном Греком и Прохором с Городца работал над росписью Кремлевского Благовещенского собора. Кроме того имя Рублева упомянуто в $1408$г., когда иконописец вместе с Даниилом Черным создавал роспись Успенского собора во Владимире, из фресок которого до наших дней лучше всех сохранились сцены изображающие Страшный суд.

Тема страшного суда , оказала значительное влияние на творчество русских иконописцев. Однако в ее толковании художниками московской школы отмечается просветленный мотив, наиболее характерный для Андрея Рублева. Он изображал страшный суд с нетрадиционным оптимизмом свойственным для русского исихазма. Это обуславливалось как народными ожиданиями (вера во всеобщее прощение, свойственная для значительного числа верующих), так и мироощущением самого художника, предсказавшего грядущее возрождение Руси, после татаро-монголького нашествия. Изображенный Андреем Рублевым и Даниилом Черным «Страшный суд» не порождает чувства страха и грядущего возмездия. Это не суд в ожидании кары, а окончательное торжество добра, победа справедливости, вознаграждение человечеству за пережитые страдания. Кроме того, для Успенского собора иконописцы содали грандиозный трехрядный иконостас включающий в себя $61$ икону, среди которых - «Владимирская Богоматерь» . Самое главное свое произведение - икону «Троица », Рублев создал в $10$-е - $20$-е гг. $XV$ в. для Троицкого собора Троице-Сергиева монастыря. Глубоко переоценив византийскую композицию, Андрей Рублев отказался от жанровых подробностей и сконцентрировал внимание на изображениях ангелов. Помещенная в центр иконы чаша с головою тельца символизирует искупительную жертву Иисуса Христа. Изображенные Рублевым три ангела - едины, но не одинаковы. Их согласие достигается единым ритмом, круговым движением. Круг, с древности символизирующий гармонию, образован позами, движениями ангелов, соотносительностью их фигур. Таким образом, Рублеву удалось решить труднейшую творческую задачу, выразив две сложные богословские идеи о таинстве евхаристии и триединстве божества. Умер Андрей Рублев между $1427$ и $1430$ г. и похоронен в Спасо-Андрониковом монастыре в Москве.

В $XIV$ -$XV$ вв. в сложнейших условиях национально-освободительной борьбы, и сильнейшего патриотического подъема осуществлялось объединение Северо-Восточной Руси. Москва становится, политическим и религиозным центром поднимающегося единого Российского государства, центром формирования великорусской народности. Подъем народного самосознания, идея единства, тенденция к преодолению центробежных тенденций в общественной мысли, литературе, искусстве - все это свидетельствовало о зарождении общерусской (великорусской) культуры.

— это один из основных видов изобразительного искусства; представляет собой художественное изображение предметного мира цветными красками на поверхности. Живопись подразделяют на: станковую, монументальную и декоративную.

— в основном представлена работами, выполненными масляными красками на холсте (картоне, деревянных досках или оголите). Представляет собой самый массовый вид живописи. Именно этот вид обычно и применяют к термину "живопись ".

— это техника рисования на стенах при оформлении зданий и архитектурных элементов в зданиях. Особенно распространена в Европе фреска - монументальная живопись по сырой штукатурке водорастворимыми красками. Эта техника рисования хорошо известна ещё со времён античности. Позже, такая техника использована при оформлении многих христианских религиозных храмов и их сводов.

Декоративная живопись — (от латинского слова от decoro - украшать) это способ рисования и нанесения изображений на предметы и детали интерьера, стены, мебель и другие декоративные предметы. Относится к декоративно-прикладному искусству.

Возможности живописного искусства особенно ярко раскрывает станковая живопись с 15 века, с момента массового использования масляных красок. Именно в ней доступно особое многообразие содержания и глубокой разработанности формы. В основе живописных художественных средств лежат цвета (возможности красок), в неразрывном единстве со светотенью, и линия; цвет и светотень разработаны и развиты техниками живописи с полнотой и яркостью, недоступной другим видам искусства. Этим обусловлено присущее реалистической живописи совершенство объёмной и пространственной моделировки, живая и точная передача действительности, возможности реализации задуманных художником сюжетов (и способов построения композиций) и другие изобразительные достоинства.

Ещё одним отличием в различиях видов живописи является техники исполнения по разновидностям красок. Не всегда достаточно общих признаков для определения. Границу между живописью и графикой в каждом отдельном случае: например, произведения, выполненные акварелью или пастелью, могут относиться и к той и к другой области, в зависимости от подхода художника и поставленных им задач. Хотя рисунки на бумаге и относятся к графике, применение различных техник рисования красками иногда стирает различия между живописью и графикой.

Необходимо учитывать, что сам семантический термин "живопись" является словом русского языка. Оно взято для использования как термин в период формирования в России изобразительного искусства в эпоху барокко . Использование слова "живопись" в то время применялось только к определённому виду реалистичного изображения красками. Но изначально оно происходит от церковной техники рисования икон, в которой использовано слово "писать" (относящееся к письменности) потому, что это слово является переводом значения в греческих текстах (вот такие "трудности перевода"). Развитие в России собственной художественной школы и наследование европейских академических знаний в области искусства, развило область применения русского слова "живопись", вписав его в образовательную терминологию и литературный язык. Но в русском языке так и образовалась особенность значения глагола "писать" в отношении письменности и рисования картин.

Жанры живописи

В ходе развития изобразительного искусства сформировались несколько классических жанров картин, которые обрели свои особенности и правила.

Портрет — это реалистичное изображение человека, в котором художник пытается добиться сходства с оригиналом. Один из самых популярных жанров живописи. Большинство заказчиков использовали талант художников, чтобы увековечить собственное изображение или, желая получить изображение близкого человека, родственника и т.п. Заказчики стремились получить портретное сходство (или даже приукрасить его) оставив в истории зрительное воплощение. Портреты различных стилей являются самой массовой частью экспозиции большинства художественных музеев и частных коллекций. Данный жанр включает в себя и такую разновидность портрета, как автопортрет — изображение самого художника, написанное им самим.

Пейзаж — один из популярных живописных жанров, в котором художник стремится отобразить природу, её красоту или особенность. Различные виды природы (настроение времени года и погоды) оказывают яркое эмоциональное влияние на любого зрителя - это психологическая особенность человека. Стремление получить эмоциональное впечатление от пейзажей сделало этот жанр одним из самых популярных в художественном творчестве.

— этот жанр во многом похож на пейзаж, но имеет ключевую особенность: на картинах изображаются пейзажи с участием архитектурных объектов, зданий или городов. Особое направление - уличные виды городов, передающие атмосферу места. Ещё одним направлением этого жанра является изображение красоты архитектуры конкретного здания - его внешнего вида или изображения его интерьеров.

— жанр, в котором основным сюжетом картин является историческое событие или его интерпретация художником. Что интересно - к этому жанру относится огромное количество картин на библейскую тему. Так как в средневековье библейские сюжеты считались "историческим" событиями и основными заказчиками этих картин была церковь. "Исторические" библейские сюжеты присутствуют в творчестве большинства художников. Второе рождение исторической живописи происходит во времена неоклассицизма, когда художники обращаются к известным историческим сюжетам, событиям из времён античности или национальным легендам.

— отражает сцены войн и сражений. Особенностью является не только желание отразить историческое событие, но и донести зрителю эмоциональное возвышение подвига и героизма. В последующем, этот жанр становится ещё и политическим, позволяя художнику доносить зрителю свой взгляд (своё отношение) на происходящее. Подобный эффект политического акцента и силу таланта художника мы можем видеть в творчестве В. Верещагина .

— это жанр живописи с композициями из неодушевлённых предметов, с использованием цветов, продуктов, посуды. Этот жанр один из самых поздних и сформировался в голландской школе живописи. Возможно, его появление вызвано особенностью голландской школы. Экономический расцвет 17 века в Голландии привёл к стремлению к доступной роскоши (картинам) у значительного количества населения. Эта ситуация привлекла в Голландию большое количество художников, вызвав острую конкуренцию среди них. Бедным художникам были недоступны модели и мастерские (люди в соответствующих одеждах). Рисуя картины на продажу, они использовали подручные средства (предметы) для композиций картин. Эта ситуация в истории голландской школы является причиной развития жанровой живописи.

Жанровая живопись — сюжетом картин являются бытовые сцены повседневной жизни или праздников, обычно - с участием простых людей. Так же как и натюрморт, получает распространение у художников Голландии в 17 веке. В период романтизма и неоклассицизма этот жанр обретает новое рождение, картины стремятся не столько отразить повседневный быт, сколько романтизировать его, внести в сюжет определённый смысл или мораль.

Марина — вид пейзажа, в котором изображаются морские виды, прибрежные пейзажи с видом на море, восходы и закаты на море, корабли или даже морские сражения. Хотя существует и отдельный батальный жанр, но морские сражения всё равно относятся к жанру "марина". Развитие и популяризация этого жанра также можно отнести к голландской школе 17 века. Пользовался популярностью в России благодаря творчеству Айвазовского .

— особенностью этого жанра является создание реалистичных картин, изображающих красоту животных и птиц. Одной из интересных особенностей этого жанра является наличие картин, изображающих несуществующих или мифических животных. Художники, которые специализирующиеся на изображениях животных называются анималистами .

История живописи

Потребность в реалистичном изображении существовала с древнейших времён, но имела ряд недостатков из-за отсутствия технологий, систематизированной школы и образования. В древности чаще можно встретить примеры прикладной и монументальной живописи с техникой рисования по штукатурке. Во времена античности, большее значение придавалось таланту исполнителя, художники были ограничены в технологии изготовления красок и возможности получить систематизированное образование. Но уже в античности сформировались специализированные знания и труды (Витрувий), которые будут основой нового расцвета европейского искусства в эпоху Возрождения. Декоративная живопись получала существенное развитие во времена греческой и римской античности (школа утеряна в средние века) уровень которой был, достигнут только после 15 века.

Роспись римской фрески (Помпеи I век до н.э.), пример уровня техники античной живописи:

"Тёмные века" средневековья, воинствующее христианство и инквизиция приводят к запретам на изучение художественного наследия античности. Огромный опыт античных мастеров, знания в области пропорций, композиции, архитектуры и скульптуры оказываются под запретом, а многие художественные ценности уничтожаются из-за их посвящения античным божествам. Возвращение к ценностям искусства и науки в Европе происходит только в период Ренессанса (возрождения).

Художникам раннего Ренессанса (возрождения) приходится навёрстывать и возрождать достижения и уровень античных художников. То, чем мы восхищаемся в работах художников раннего Возрождения, было уровнем мастеров Рима. Наглядный пример потери нескольких веков развития европейского искусства (и цивилизации) в период "тёмных веков" средневековья, воинствующего христианство и инквизиции - разница между этими картинами 14 веков!

Возникновение и распространение технологии изготовления масляных красок и техники рисования ими в 15 веке порождает развитие станковой живописи и особый вид продукции художников - цветные картины масляными красками на грунтованном холсте или дереве.

Огромный скачок в качественном развитии живопись получает в эпоху Ренессанса , во многом благодаря труду Леона Баттиста Альберти (1404-1472 гг.). Он впервые изложил основы перспективы в живописи (трактат "О живописи" 1436 г.). Ему (его трудам по систематизации научных знаний) европейская художественная школа обязана появлению (возрождению) реалистичной перспективы и естественности пропорций в картинах художников. Знаменитый и знакомый многим рисунок Леонардо да Винчи "Витрувианский человек " (пропорции человека) 1493 года, посвящённый систематизации античных знаний Витрувия о пропорциях и композиции, был создан Леонардо на полвека позже трактата Альберти "О живописи". И труд Леонардо является продолжением развития европейской (итальянской) художественной школы Эпохи Ренессанса.

Но яркое и массовое развитие живопись получила, начиная с 16-17 веков, когда стала распространенной техника масляной живописи, появились различные технологии изготовления красок и сформировались школы живописи. Именно система знаний и художественного образования (техника рисования), в сочетании со спросом на произведения искусства у аристократии и монархов приводит к бурному расцвету изобразительного искусства в Европе (период барокко).

Неограниченные финансовые возможности европейских монархий, аристократии и предпринимателей стали прекрасной почвой для дальнейшего развития живописи в 17-19 веках. А ослабление влияния церкви и светский образ жизни (помноженные на развитие протестантизма) позволили родиться множеству сюжетов, стилей и направлений в живописи (барокко и рококо).

В ходе развития изобразительного искусства, художниками сформировано множество стилей и техник, которые приводят к высочайшему уровню реализма в произведениях. К концу 19 века (с приходом модернистских течений) в живописи начинаются интересные трансформации. Доступность художественного образования, массовая конкуренция и высокие требования к мастерству художников у публики (и покупателей) порождают новые направления в способах выражения. Изобразительное искусство уже не ограничено только уровнем техники исполнения, художники стремятся внести в произведения особые значения, способы "взгляда" и философию. Что часто идёт в ущерб уровню исполнения, становится спекуляцией или способом эпатажа. Разнообразие возникающих стилей, оживлённые обсуждения и даже скандалы порождают развитие интереса к новым формам живописи.

Современные компьютерные (цифровые) технологии рисования относятся к графике и не могут называться живописью, хотя многие компьютерные программы и оборудование позволяют полностью повторять любые техники рисования красками.

Во второй половине ХVIII века в русском искусстве формируется стиль классицизм . Своеобразие русского классицизма заключалось в том, что его мастера обращались не только к античности, но и к родной истории, что они стремились к простоте, естественности и человечности. В классицизме нашли свое художественное воплощение идеи абсолютистского государства, пришедшего на смену феодальной раздробленности. Абсолютизм выражал идею твердой власти, пропагандировалась вечность абсолютистского строя. Во второй половине XVII столетия вместе с другими видами искусства в России, живопись переживает серьезные изменения. В определенной мере они подготавливают те коренные реформы, которые происходят в ней в начале XVIII века. Вступая на позиции искусства нового времени со значительным запозданием по сравнению с другими передовыми в художественном отношении европейскими странами, русская живопись по-своему отражает общие закономерности этой стадии развития. На первый план выдвигается светское искусство. Первоначально светская живопись утверждается в Петербурге и Москве, но уже со второй половины XVIII века получает значительное распространение в других городах и усадьбах. Традиционное ответвление живописи - иконопись по-прежнему широко бытует во всех слоях общества.

Русская живопись развивалась на протяжении всего XVIII века в тесном контакте с искусством западноевропейских школ, приобщаясь к всеобщему достоянию - произведениям искусства эпохи Ренессанса и барокко, а также широко используя опыт соседних государств. Вместе с тем. как уже давно установили исследователи, искусство в целом и живопись в частности, на протяжении всего XVIII века связаны единой направленностью и имеют ярко выраженный национальный характер. В этот период в России творили величайшие мастера своего дела - представители отечественной художественной школы и иностранные живописцы. Наиболее интересным явлением в искусстве петровской эпохи стал портрет. У истоков портретной живописи нового времени стоит И.Н.Никитин (ок. 1680 - 1742).

И.Н.Никитин ярко воплощает силу человеческих возможностей, открытых петровской эпохой. Крупнейший реформатор русской живописи, он разделяет с ним триумфы, а под конец - трагические невзгоды. Портреты, созданные Никитиным в ранний период, уже представляют собой вполне европейские по характеру изображения, наиболее близкие произведениям французской школы начала XVIII века. Используя общеевропейский опыт, русский художник реализует свои собственные представления о мире, красоте и индивидуальных особенностях модели. Так возникает свой вариант портрета- общепонятный и вполне неповторимый. К кисти этого великого художника принадлежат такие произведения, как: портрет цесаревны Анны Петровны и царевны Прасковьи Иоанновны (предположительно 1714 г.). Пожалуй, самым сильным произведением, после возвращения Никитина из Италии, является портрет государственного канцлера Г.И.Головкина (1720-е.г.). Помимо возросшей грамотности в рисунке и технике живописи он демонстрирует духовность выражения и взаимодействие образа со зрителем. Не меньшая серьезность присуща и “Портрету напольного гетмана” (1720-е.г.) . Авторская самостоятельность проявляется и в портрете С.Г.Строганова (1726 г.) и в картине “Петр-I на смертном ложе” (1725 г.). Со смертью Петра трагично закончилась и жизнь самого художника - он был судим по ложному обвинению и сослан в Тобольск. К петровской эпохе по духу принадлежит и творчество другого русского живописца - Андрея Матвеева (1701-1739). По указу Петра он был послан в Голландию учиться, что обеспечило необходимый уровень знаний. Еще в период прохождения обучения им были созданы картины - “Аллегория живописи” (1725 г.) и “ Венера и Амур”. Самое известное произведение Матвеева - “ Автопортрет с женой” (1729 г.).Произведение Макеева рисует выгодно отличали этого художника.новую для России культуру отношений. Муж и жена не просто выступают как равные: художник бережно и горделиво представляет зрителю свою супругу. Заинтересованность в делах искусства и трудолюбие. Крупным мастером живописного портрета, сочетавшим разнообразные художественные приемы, был в середине ХVIII века А. Антропов. Сын солдата, он с шестнадцати лет начал учиться у Матвеева, вместе с которым создал ряд декоративных росписей в Петербурге, Москве и других городах. В портрете Петра III нет идеализации, обычной для парадных царских портретов, создаваемых художниками - иностранцами, хотя то же композиционное решение. Антропов написал очень правдивый, острый, почти карикатурный образ царя - узкоплечего, на длинных тощих ногах. Пышное окружение - колонна, балдахин, трон и золоченный столик с царскими регалиями - подчеркивает физическое и духовное ничтожество царя. Многие художники ХVIII века вышли из крепостных крестьян, а некоторые так и остались в крепостной зависимости до конца своих дней. Крепостным графа Шереметьева был Иван Петрович Аргунов - представитель очень талантливой семьи, давший русскому искусству многих художников. Он известен прежде всего как портретист. По приказу хозяина ему приходилось писать портреты петербургской знати, знакомых Шереметьева и членов его семьи. Обычно они не позировали, и Аргунов, как он сам рассказывал, писал их, наблюдая во время торжественных праздников во дворце хозяина. Шереметьев не ценил в Аргунове художника, давал нередко ему самые различные поручения и, наконец, отослал в Москву управлять своим московским домом, тем самым почти лишив художника возможностью заниматься живописью. Творческая деятельность Аргунова развернулась в 1750-1760 годы. Известность ему принесли портреты Б. Шереметьева и В. Шереметьевой - самоуверенных и надменных дворян знатного рода. Аргунов, обучившийся у Гроота, овладел стилем западноевропейского парадного портрета. Не случайно он получил заказ написать портрет новой императрицы - ЕкатериныII. Хотя полной зрелости классицизм достигает в начале ХIХ век, но уже во второй половине ХVIII портретное искусство достигает подлинного расцвета. В это время творят крупнейшие живописцы Ф. Рокотов, Д. Левицкий и В. Боровиковский , создавшие блестящую галерею портретов современников, произведения, полные глубокой мысли, воспевающие красоту и благородство стремлений человека. Эти портреты не только донесли до нас образы многих замечательных людей, но и явились свидетельством высокого артистизма русских художников, их оригинальности, а также зрелости живописно-пластической культуры. Художники умели воссоздавать реальный образ с помощью различных живописных средств: изысканных цветовых оттенков, дополнительных цветов и рефлексов, богатейшей системой многослойного наложения красок. В ряду крупнейших русских портретистов второй половины ХVIII века наиболее своеобразным был Ф. Рокотов. Он уже молодым человеком получил широкую известность как умелый и оригинальный живописец. Его творческое наследие значительно. Рокотов уже в 1760 году ученик Академии художеств, а через три года - ее преподаватель и затем академик. Служба отвлекла художника от творчества, а официальные заказы тяготили. В 1765 году Рокотов покинул Академию художеств и переехал навсегда в Москву. Там начался новый, творческий очень плодотворный период его жизни. Он стал художником просвещенного дворянства в независимой, а порой и вольнодумной Москве. В его произведения отразилось характерное для того времени стремление лучшей, просвещенной части русского дворянства следовать высоким нравственным нормам. Художник любил изображать человека без парадного окружения, не позирующим. Люди в поздних портретах Рокотова становятся более привлекательными в своей интеллектуальности и одухотворенности. Обычно Рокотов использует мягкое освещение и все внимание сосредоточивает на лицах. Люди в его портретах почти всегда чуть-чуть улыбаются, нередко пристально, иногда загадочно глядят на зрителя. Их объединяет нечто общее, какая-то глубокая человечность и душевная теплота. По одухотворенности, живописности, общей изысканности многие портреты Рокотова имеют аналогию в портретной живописи лучших английских мастеров ХVIII века. Когда расцветало творчество Рокотова, началась деятельность другого крупнейшего живописца - Дмитрия Левицкого, создавшего серию правдивых, глубоких по характеристике портретов. Он родился, вероятно, в Киеве и вначале учился изобразительному искусству у своего отца - известного украинского гравера. В 1770 году на выставке в Академии художеств Левицкий выступил с рядом портретов, представ сразу же зрелым и крупным мастером. За один из них - архитектора А. Кокоринова - он был удостоен звания академика. Художник еще опирается на традиции барочного портрета. Вскоре Левицким была создана знаменитая серия портретов смолянок - воспитанниц Смольного института. Выполненная по заказу императрицы Екатерины II она принесла ему подлинную славу. Художник изобразил каждую из воспитанниц этого привилегированного дворянского учебного заведения за любимым занятием, в характерной позе. Левицкий прекрасно передал очарование молодости, счастья юной жизни, разные характеры. Интимные портреты Левицкого эпохи расцвета его творчества, который приходится на 1770-1780-е годы, представляют вершину достижений художника. В Петербурге он написал посетившего русскую столицу французского философа Дени Дидро, нарочито изобразив его в домашнем халате и без парика. Исполнены грации, женственности в своих портретах М. Львова, пустой светской красавицей представляется Урсула Мнишек, расчетливая кокетливость присуща примадонне итальянской комической оперы певице А. Бернуцций. Левицкий по-разному относился к моделям своих портретов: к одним - с теплотой и сочувствием, к другим - как бы безразлично, третьих осуждал. Как и многие русские художники того времени, Левицкий получал за свои портреты намного меньше, чем заезжие иностранные живописцы. Он умер в тяжелой нужде глубоким стариком, до последних дней не оставляя кисти. В.Л.Боровиковский (1757-1825 гг.) как бы замыкает плеяду крупнейших русских портретистов XVIII века. Боровиковский, как и Левицкий, родом с Украины. Уже в первые петербургские годы он сблизился с кружком, возглавляемый Н.А.Львовым, и неоднократно портретировал близких к этому обществу лиц. Довольно быстро при поддержке друзей, знакомых и пользовавшегося успехом при дворе австрийского живописца И.Б.Лампи, Боровиковский становится популярным среди широкого круга петербургского дворянства. Художник портретирует целые семейные “кланы” - Лопухиных, Толстых, Арсеньевых, Гагариных, Безбородко, распространявших его известность по родственным каналам. К этому периоду его жизни относятся портреты Екатерины-II,ее многочисленных внуков, министра финансов А.И.Васильева и его жены. Преобладающее место в творчестве Боровиковского занимают камерные портреты. Полотна художника очень нарядны благодаря грациозной постановке моделей, изящным жестам и умелому обращению к костюму. Герои Боровиковского обычно бездеятельны, большинство моделей пребывает в упоении собственной чувствительностью. Это выражают и портрет М.И.Лопухиной (1797 г.),и портрет Скобеевой (середина 1790-х г.), и изображение дочери Екатерины-II и А.Г.Потемкина - Е.Г.Темкиной (1798 г.). Большое внимание художник уделяет малоформатным и прекрасно удавшимся ему миниатюрным портретам. Так же Боровиковский - автор ряда двойных и семейных групповых портретов, которые появляются уже после 1800-х гг. Из всего вышеперечисленного можно сделать вывод, что на протяжении всего XVIII века русское искусство живописи прошло большой путь становления по законам нового времени. Потребности эпохи получили отражение в преимущественном развитии светской живописи - портрета, пейзажа, исторического и бытового жанров.

Список используемой литературы

• 1. История русского искусства. В 6 т. 1956 г.
• 2. Энциклопедический словарь русского художника. Педагогика. 1983 г
• 3. Альбом “Русские художники от “А” до “Я”” ,М.,Слово 1996
• 4. Детская энциклопедия 12, Москва, Издательство “Педагогика”, 1977
• 5. Г. Островский “Рассказ о русской живописи”, Москва, Изобразительное искусство, 1987

Название : История русской живописи - XVIII век.

Бурное развитие России петровской поры отчасти роднит ее с Западной Европой эпохи Возрождения. Стремительно начало развиваться искусство портрета; к середине столетия благодаря общему подъему культуры российское изобразительное искусство становится профессиональным. После Петра популярной темой живописи стали натюрморты и десюдепорты. Символом царствования Екатерины в искусстве стал классицизм. Развивается историческая живопись, а искусство портрета перестает быть элитарным. В конце века происходят зарождение бытового жанра и выделение пейзажа в отдельное направление.

Название : История русской живописи - Первая половина XIX века.

Скачать и читать История русской живописи - Первая половина XIX века - Майорова Н., Скоков Г.

Название : История русской живописи - Первая половина 19 века.

Для изобразительного искусства первые десятилетия XIX столетия - начало золотого века. Именно в это время российские художники достигли высочайшего мастерства, что позволило им встать в один ряд с лучшими мастерами европейского искусства. Собранные в этом томе произведения отражают расцвет классицизма, распространение романтизма и зарождение реализма во всех аспектах российской живописи.

Скачать и читать История русской живописи - Первая половина 19 века - Майорова Н., Скоков Г.

Название : История русской живописи - Рубеж 19 и 20 веков.

В Лету уходила расстановка сил художественной жизни России второй половины XIX века: с одной стороны - рутинное искусство Академии художеств, с другой - передвижники.
В конце XIX века молодые художники начали искать свои пути в живописи. В то же время образовался Абрамцевский кружок, выдвинувший новые задачи, не присущие программе Товарищества. А следом - в 1900-х годах - впервые в русской художественной жизни возникло обилие различных объединений: все они выступали со своими программами, манифестами, платформами.