Какой из русских художников прославился изображениями. Примеры картин известных русских художников в жанре исторической живописи

Самые знаменитые и значимые для истории искусства картины мира для вашего вдохновения.

Бессмертными картинами великих художников восхищаются миллионы людей. Искусство, классическое и современное, это один из самых главных источников вдохновения, вкуса и культурного воспитания любого человека, а уж творческого и подавно.

Всемирно известных картин безусловно больше, чем 33. Их несколько сотен, и все они бы не поместились в один обзор. Поэтому для удобства просмотра мы отобрали несколько, наиболее значимых для мировой культуры и часто копируемые. Каждая работа сопровождается интересным фактом, объяснением художественного смысла или историей ее создания.

Рафаэль «Сикстинская мадонна» 1512

Хранится в Галерее старых мастеров в Дрездене.

У картины есть маленький секрет: задний фон, издали кажущийся облаками, при тщательном рассмотрении оказывается головами ангелов. А два ангелочка, изображенные на картине внизу, стали мотивом многочисленных открыток и плакатов.

Рембрандт "Ночной дозор" 1642

Хранится в Государственном музее в Амстердаме.

Истинное название картины Рембрандта «Выступление стрелковой роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема ван Рейтенбюрга». Обнаружившим в XIX веке картину искусствоведам показалось, что фигуры выступают на темном фоне, и ее назвали «Ночной дозор». Позднее обнаружилось, что темной картину делает слой копоти, а действие на самом деле происходит днем. Однако в сокровищницу мирового искусства картина уже вошла под названием "Ночной дозор".

Леонардо да Винчи «Тайная вечеря» 1495—1498

Находится в монастыре Санта-Мария делле Грацие в Милане.

За более 500-летнюю историю существования произведения фреска не раз подвергалась разрушениям: через роспись был проделан, а затем заложен дверной проем, трапезную монастыря, где находится изображение, использовали как оружейный склад, тюрьму, подвергали бомбежке. Знаменитую фреску реставрировали не менее пяти раз, причем последняя реставрация заняла 21 год. Сегодня, чтобы посмотреть произведение искусства, посетители должны заказывать билеты заранее и могут провести в трапезной только 15 минут.

Сальвадор Дали «Постоянство памяти» 1931

По признанию самого автора, картина была написана в результате ассоциаций, возникших у Дали при виде плавленого сыра. Вернувшись из кино, куда она ходила в тот вечер, Гала совершенно правильно предсказала, что никто, раз увидевши «Постоянство памяти», уже его не забудет.

Питер Брейгель Старший "Вавилонская башня" 1563

Хранится в Музее истории искусств в Вене.

По мнению Брейгеля в неудаче, постигшей строительство Вавилонской башни, повинны не внезапно возникшие согласно библейскому сюжету языковые барьеры, а ошибки, допущенные в процессе строительства. На первый взгляд огромное строение кажется достаточно прочным, однако при ближайшем рассмотрении видно, что все ярусы положены неровно, нижние этажи либо недостроены, либо уже рушатся, само здание кренится в сторону города, и перспективы всего проекта весьма печальны.

Казимир Малевич «Чёрный квадрат» 1915

По утверждению художника, он писал картину несколько месяцев. Впоследствии Малевич выполнил несколько копий «Черного квадрата» (по некоторым данным, семь). По одной из версий, художник не смог закончить работу над картиной в нужный срок, поэтому ему пришлось замазать работу черной краской. Впоследствии, после признания публики, Малевич писал новые «Черные квадраты» уже на чистых холстах. Малевичем были также написаны картины «Красный квадрат» (в двух экземплярах) и один «Белый квадрат».

Кузьма Сергеевич Петров-Водкин "Купание красного коня" 1912

Находится в Государственной Третьяковской галерее в Москве.

Написанная в 1912 году, картина оказалась провидческой. Красный конь выступает в роли Судьбы России или самой России, которую не в силах удержать хрупкий и юный седок. таким образом, художник символически предсказал своей картиной «красную» судьбу России XX века.

Питер Пауль Рубенс "Похищение дочерей Левкиппа" 1617-1618

Хранится в Старой пинакотеке в Мюнхене.

Картина "Похищение дочерей Левкиппа" считается олицетворением мужественной страсти и телесной красоты. Сильные, мускулистые руки юношей подхватывают молодых нагих женщин, чтобы посадить их на коней. Сыновья Зевса и Леды крадут невест своих двоюродных братьев.

Поль Гоген "Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идём?" 1898

Хранится в Музее изящных искусств в Бостоне.

По указанию самого Гогена картину следует читать справа налево — три основные группы фигур иллюстрируют вопросы, поставленные в названии. Три женщины с ребёнком представляют начало жизни; средняя группа символизирует ежедневное существование зрелости; в заключительной группе, по замыслу художника, «старая женщина, приближающаяся к смерти, кажется примирившейся и предавшейся своим размышлениям», у ее ног «странная белая птица… представляет бесполезность слов».

Эжен Делакруа "Свобода, ведущая народ" 1830

Хранится в Лувре в Париже

Делакруа создал картину по мотивам июльской революции 1830 года во Франции. В письме брату 12 октября 1830 года Делакруа пишет: «Если я не сражался за Родину, то я хотя бы буду для нее писать». Обнаженная грудь женщины, ведущей народ, символизирует самоотверженность французских людей того времени, которые с «голой грудью» шли на врага.

Клод Моне "Впечатление. Восходящее солнце" 1872

Хранится в Музее Мармоттан в Париже.

Название произведения "Impression, soleil levant" с легкой руки журналиста Л. Леруа стало именем художественного направления «импрессионизм». Картина написана с натуры в старом аванпорте Гавра во Франции.

Ян Вермеер "Девушка с жемчужной серёжкой" 1665

Хранится в галерее Маурицхейс в Гааге.

Одну из наиболее известных картин нидерландского художника Яна Вермеера часто называют северной или голландской Моной Лизой. О картине очень мало известно: она не датирована, имя изображенной девушки не известно. В 2003 году по одноимённому роману Трейси Шевалье был снят художественный фильм «Девушка с жемчужной серёжкой», в котором гипотетически восстановлена история создания полотна в контексте биографии и семейной жизни Вермеера.

Иван Айвазовский «Девятый вал» 1850

Хранится в Санкт-Петербурге в Государственном Русском музее.

Иван Айвазовский - всемирно известный российский художник-маринист, посвятивший свою жизнь изображению моря. Им создано около шести тысяч произведений, каждое из которых получило признание при жизни художника. Картина «Девятый вал» включена в книгу «100 великих картин».

Андрей Рублев "Троица" 1425-1427

Икона Святой Троицы, написанная Андреем Рублевым в XV веке, является одной из самых прославленных русских икон. Икона представляет собой доску вертикального формата. Цари (Иван Грозный, Борис Годунов, Михаил Федорович) "обкладывали" икону золотом, серебром и драгоценными камнями. Сегодня оклад хранится в Сергиево-Посадском государственном музее-заповеднике.

Михаил Врубель "Демон сидящий" 1890

Хранится в Третьяковской галерее в Москве.

Сюжет картины навеян поэмой Лермонтова «Демон». Демон — образ силы человеческого духа, внутренней борьбы, сомнений. Трагически сцепив руки, Демон сидит с печальными, направленными вдаль огромными глазами, в окружении невиданных цветов.

Уильям Блейк "Великий архитектор" 1794

Хранится в Британском музее в Лондоне.

Название картины «The Ancient of Days» буквально переводится с английского как «Ветхий днями». Это словосочетание использовалось в качестве имени Бога. Главный персонаж картины — Бог в момент творения, который не устанавливает порядок, а ограничивает свободы и обозначает пределы воображения.

Эдуар Мане "Бар в «Фоли-Бержер»" 1882

Хранится в Институте искусства Курто в Лондоне.

«Фоли-Бержер» — это варьете и кабаре в Париже. Мане часто посещал «Фоли-Бержер» и в итоге написал эту картину — последнюю перед своей смертью в 1883 году. За стойкой бара, посреди пьющей, едящей, разговаривающей и курящей толпы, стоит поглощенная собственными мыслями барменша, наблюдающая за акробатом на трапеции, которого можно заметить в верхнем левом углу картины.

Тициан "Любовь земная и Любовь небесная" 1515—1516

Хранится в Галерея Боргезе в Риме.

Примечательно, что современное название картины не было дано самим художником, а начало употребляться лишь два века спустя. До этого времени у картины были различные названия: «Красота приукрашенная и неприукрашенная» (1613), «Три типа любви» (1650), «Божественная и светская женщины» (1700), и, в конце концов, «Любовь земная и Любовь небесная» (1792 и 1833).

Михаил Нестеров "Видение отроку Варфоломею" 1889—1890

Хранится в Государственной Третьяковской галерее в Москве.

Первая и самая значительная работа из цикла, посвящённого Сергию Радонежскому. До конца своих дней художник был убеждён в том, что «Видение отроку Варфоломею» — самое лучшее его произведение. На старости лет художник любил повторять: "Жить буду не я. Жить будет «Отрок Варфоломей». Вот если через тридцать, через пятьдесят лет после моей смерти он ещё будет что-то говорить людям — значит, он живой, значит, жив и я."

Питер Брейгель Старший "Притча о слепых" 1568

Хранится в Музее Каподимонте в Неаполе.

Другие названия картины — «Слепые», «Парабола слепых», «Слепой ведет незрячего». Считается, что сюжет картины основан на библейской притче о слепых: «Если слепой ведет слепого, то оба они упадут в яму».

Виктор Васнецов "Аленушка" 1881

Хранится в Государственной Третьяковской галерее.

За основу взята сказка «О сестрице Алёнушке и братце Иванушке». Изначально картина Васнецова называлась «Дурочка Алёнушка». «Дурочками» в то время называли сирот. "Аленушка", - рассказывал впоследствии сам художник, - "как будто давно жила в моей голове, но реально я увидел ее в Ахтырке, когда встретил одну простоволосую девушку, поразившую мое воображение. Столько тоски, одиночества и чисто русской печали было в ее глазах... Каким-то особым русским духом веяло от нее".

Винсент ван Гог «Звёздная ночь» 1889

Хранится в Музее современного искусства в Нью-Йорке.

В отличие от большинства картин художника, "Звездная ночь" была написана по памяти. Ван Гог находился в то время в лечебнице Сен-Реми, терзаемый приступами безумия.

Карл Брюллов «Последний день Помпеи» 1830-1833

Хранится в Государственном Русском музее в Санкт-Петербурге.

На картине изображено известное извержение вулкана Везувий в 79 году н. э. и разрушения города Помпеи близ Неаполя. Изображение художника в левом углу картины является автопортретом автора.

Пабло Пикассо «Девочка на шаре» 1905

Хранится в Пушкинском музее, Москва

Картина оказалась в России благодаря промышленнику Ивану Абрамовичу Морозову, который в 1913 г. приобрел ее за 16 000 франков. В 1918 г. личная коллекция И. А. Морозова была национализирована. В настоящий момент картина находится в собрании Государственного музея изобразительных искусств имени А.С. Пушкина.

Леонардо да Винчи "Мадонна Литта" 1491

Хранится в Эрмитаже в Санкт-Петербурге.

Первоначальное название картины — «Мадонна с младенцем». Современное название картины происходит от имени её владельца — графа Литта, владельца фамильной картинной галереи в Милане. Существует предположение, что фигура младенца была написана не Леонардо да Винчи, а принадлежит кисти одного из его учеников. Об этом свидетельствует необычная для авторской манеры поза младенца.

Жан Энгр "Турецкие бани" 1862

Хранится в Лувре в Париже.

Энгр закончил писать эту картину, когда ему было уже за 80 лет. Этой картиной художник подводит своеобразный итог изображения купальщиц, тематика которых давно присутствовала в его творчестве. Изначально полотно было в форме квадрата, однако через год после его завершения художник превратил его в круглую картину - тондо.

Иван Шишкин, Константин Савицкий "Утро в сосновом лесу" 1889

Хранится в Третьяковской галерее в Москве

«Утро в сосновом лесу» — картина русских художников Ивана Шишкина и Константина Савицкого. Савицкий нарисовал медведей, но коллекционер Павел Третьяков, когда приобрел картину, стер его подпись, так что сейчас автором картины указывается один Шишкин.

Михаил Врубель "Царевна-Лебедь" 1900

Хранится в Государственной Третьяковской галерее

Картина написана на основе сценического образа героини оперы Н. А. Римского-Корсакова «Сказка о царе Салтане» по сюжету одноименной сказки А. С. Пушкина. Врубель создал премьеры оперы 1900 года эскизы для декораций и костюмов, а партию Царевны-Лебеди пела его жена.

Джузеппе Арчимбольдо "Портрет императора Рудольфа II в образе Вертумна" 1590

Находится в Замке Скоклостер в Стокгольме.

Одна из немногочисленных сохранившихся работ художника, который составлял портреты из фруктов, овощей, цветов, ракообразных, рыб, жемчужин, музыкальных и иных инструментов, книг и так далее. «Вертумн» - это портрет императора, представленного в виде древнеримского бога времен года, растительности и преобразования. На картине Рудольф полностью состоит из плодов, цветов и овощей.

Эдгар Дега "Голубые танцовщицы" 1897

Находится в Музее искусств им. А. С. Пушкина в Москве.

Дега был большим поклонником балета. Его называют художником балерин. Произведение "Голубые танцовщицы" относится к позднему периоду творчества Дега, когда его зрение ослабело, и он стал работать большими цветовыми пятнами, придавая первостепенное значение декоративной организации поверхности картины.

Леонардо да Винчи «Мона Лиза» 1503—1505

Хранится в Лувре, Париж.

"Мона Лиза" возможно не получила бы всемирную известность, если бы ее не похитил в 1911 году работник Лувра. Картину нашли спустя два года в Италии: вор отозвался на объявление в газете и предложил продать «Джоконду» директору галереи Уффици. Все это время, пока шло следствие, "Мона Лиза" не сходила с обложек газет и журналов всего мира, став объектом копирования и поклонения.

Сандро Боттичелли «Рождение Венеры» 1486

Хранится во Флоренции в галерее Уффици

Картина иллюстрирует миф рождения Афродиты. Обнаженная богиня плывет к берегу в раскрытой раковине, подгоняемая ветром. В левой части картины Зефир (западный ветер) в объятиях своей супруги Хлориды дует на раковину, создавая ветер, наполненный цветами. На берегу богиню встречает одна из граций. «Рождение Венеры» хорошо сохранилось благодаря тому, что Боттичелли нанес на картину защитный слой из яичного желтка.

Микеланджело "Сотворение Адама" 1511

Находится в Сикстинской капелле в Ватикане.

Практически в каждом значимом произведении искусства есть загадка, «двойное дно» или тайная история, которую хочется раскрыть.

Музыка на ягодицах

Иероним Босх, "Сад земных наслаждений", 1500-1510.

Фрагмент части триптиха

Споры о значениях и скрытых смыслах самой известной работы голландского художника не утихают с момента ее появления. На правой створке триптиха под названием «Музыкальный ад» изображены грешники, которых истязают в преисподней при помощи музыкальных инструментов. У одного из них на ягодицах оттиснуты ноты. Студентка Христианского университета Оклахомы Амелия Хэмрик, изучавшая картину, переложила нотацию XVI века на современный лад и записала "песню с задницы из ада, которой исполнилось 500 лет".

Обнаженная Мона Лиза

Знаменитая "Джоконда" существует в двух вариантах: обнаженная версия называется "Монна Ванна", ее написал малоизвестный художник Салаи, который был учеником и натурщиком великого Леонардо да Винчи. Многие искусствоведы уверены, что именно он был моделью для картин Леонардо «Иоанн Креститель» и «Бахус». Существуют также версии, что переодетый в женское платье Салаи послужил образом самой Моны Лизы.

Старый Рыбак

В 1902 году венгерский художник Тивадар Костка Чонтвари написал картину «Старый Рыбак». Казалось бы, ничего необычного в картине нет, но Тивадар заложил в нее подтекст, при жизни художника так и нераскрытый.

Мало кому пришло в голову прикладывать зеркало к середине картины. В каждом человеке может быть как Бог (продублировано правое плечо Старика), так и Дьявол (продублировано левое плечо старика).

А был ли кит?

Хендрик ван Антониссен «Сцена на берегу».

Казалось бы, обычный пейзаж. Лодки, люди на берегу и пустынное море. И только рентгеновское исследование показало, что люди собрались на берегу не просто так - в оригинале они рассматривали тушу кита, выброшенного на берег.

Однако художник решил, что никто не захочет смотреть на мертвого кита, и переписал картину.

Два "Завтрака на траве"

Эдуард Мане, "Завтрак на траве", 1863.

Клод Моне, "Завтрак на траве", 1865.

Художников Эдуарда Мане и Клода Моне иногда путают - ведь они оба были французами, жили в одно время и творили в стиле импрессионизма. Даже название одной из самых известных картин Мане «Завтрак на траве» Моне позаимствовал и написал свой «Завтрак на траве».

Двойники на "Тайной вечере"

Леонардо да Винчи, "Тайная вечеря", 1495-1498.

Когда Леонардо да Винчи писал «Тайную вечерю», он придавал особое значение двум фигурам: Христа и Иуды. Он очень долго искал натурщиков для них. Наконец, ему удалось найти модель для образа Христа среди юных певчих. Подобрать натурщика для Иуды Леонардо не удавалось в течение трех лет. Но однажды он наткнулся на улице на пьяницу, который валялся в сточной канаве. Это был молодой мужчина, которого состарило беспробудное пьянство. Леонардо пригласил его в трактир, где сразу же начал писать с него Иуду. Когда пьяница пришел в себя, он сказал художнику, что однажды уже позировал ему. Это было несколько лет назад, когда он пел в церковном хоре, Леонардо писал с него Христа.

"Ночной дозор" или "Дневной"?

Рембрандт, "Ночной дозор", 1642.

Одна из самых известных картин Рембрандта «Выступление стрелковой роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема ван Рёйтенбюрга» около двухсот лет провисела в разных залах и была обнаружена искусствоведами только в XIX веке. Поскольку казалось, что фигуры выступают на тёмном фоне, её назвали «Ночной дозор», и под этим названием она и вошла в сокровищницу мирового искусства.

И только при реставрации, проведённой в 1947 году, обнаружилось, что в зале картина успела покрыться слоем копоти, исказившим её колорит. После расчистки оригинальной живописи окончательно выяснилось, что сцена, представленная Рембрандтом, на самом деле происходит днём. Положение тени от левой руки капитана Кока показывает, что время действия - не более 14 часов.

Перевернутая лодка

Анри Матисс, "Лодка", 1937.

В Нью-Йоркском Музее современного искусства в 1961 году была выставлена картина Анри Матисса «Лодка». Только через 47 дней кто-то обратил внимание на то, что картина висит вверх ногами. На полотне изображены 10 фиолетовых линий и два голубых паруса на белом фоне. Два паруса художник нарисовал не просто так, второй парус - это отражение первого на глади воды.
Для того, чтобы не ошибиться в том, как должна висеть картина, нужно обратить внимание на детали. Больший парус должен быть верхом картины, а пик паруса картины должен быть направлен в правый верхний угол.

Обман в автопортрете

Винсент ван Гог, "Автопортрет с трубкой", 1889.

О том, что ван Гог якобы сам отрезал себе ухо, ходят легенды. Сейчас наиболее достоверной считается версия о том, что ухо ван Гог повредил в небольшой потасовке с участием другого художника - Поля Гогена.

Автопортрет же интересен тем, что отражает реальность в искаженном виде: художник изображен с перевязанным правым ухом, потому что он при работе использовал зеркало. На самом деле пострадало левое ухо.

Чужие мишки

Иван Шишкин, "Утро в Сосновом лесу", 1889.

Знаменитая картина принадлежит не только кисти Шишкина. Многие художники, дружившие между собой, частенько прибегали к «помощи друга», а Иван Иванович, всю жизнь рисовавший пейзажи, опасался, что трогательные медведи не получатся у него так, как нужно. Поэтому Шишкин обратился к знакомому художнику-анималисту Константину Савицкому.

Савицкий нарисовал едва ли не лучших мишек в истории российской живописи, а Третьяков повелел смыть его фамилию с холста, поскольку все в картине «начиная от замысла и кончая исполнением, все говорит о манере живописи, о творческом методе, свойственных именно Шишкину».

Невинная история "Готики"

Грант Вуд, "Американская готика", 1930.

Работа Гранта Вуда считается одной из самых странных и угнетающих в истории американской живописи. Картина с мрачными отцом и дочерью переполнена деталями, которые указывают на суровость, пуританство и ретроградство изображенных людей.
На самом деле художник не задумывал изображать никаких ужасов: во время поездки по штату Айова и он заметил небольшой дом в готическом стиле и решил изобразить тех людей, которые, по его мнению, идеально подошли бы в качестве обитателей. В виде персонажей, на которых так обиделись жители Айовы, увековечены сестра Гранта и его дантист.

Месть Сальвадора Дали

Картина "Фигура у окна" написана в 1925 году, когда Дали был 21 год. Тогда в жизнь художника еще не вошла Гала, и его музой была сестра Ана Мария. Отношения брата и сестры испортились, когда он на одной из картин написал "порой я плюю на портрет собственной матери, и это доставляет мне удовольствие". Ана Мария не смогла простить такой эпатаж.

В своей книге 1949 года "Сальвадор Дали глазами сестры" она пишет о брате без всякого восхваления. Книга привела Сальвадора в бешенство. Еще лет десять после этого он гневно вспоминал ее при каждом удобном случае. И вот, в 1954 появляется картина "Молодая девственница, предающаяся содомскому греху при помощи рогов собственного целомудрия". Поза женщины, ее локоны, пейзаж за окном и цветовая гамма картины явно перекликаются с "Фигурой у окна". Есть версия, что так Дали отомстил сестре за ее книгу.

Двуликая Даная

Рембрандт Харменс ван Рейн, "Даная", 1636 - 1647.

Многие тайны одной из самых известных картин Рембрандта были раскрыты только в 60-е годы ХХ века, когда полотно просветили рентгеновскими лучами. Например, съемка показала, что в ранней версии лицо царевны, которая вступила в любовную связь с Зевсом, было похоже на лицо Саскии - супруги живописца, умершей в 1642 году. На финальном варианте картины оно стало напоминать лицо Гертье Диркс - любовницы Рембрандта, с которой художник жил после смерти жены.

Желтая спальня Ван Гога

Винсент Ван Гог, "Спальня в Арле", 1888 - 1889.

В мае 1888 года Ван Гог обзавелся небольшой мастерской в Арле, на юге Франции, куда он сбежал от не понимающих его парижских художников и критиков. В одной из четырех комнат Винсент обустраивает спальню. В октябре все готово, и он решает нарисовать «Спальню Ван Гога в Арле». Для художника очень важен был колорит, уют комнаты: все должно было наводить на мысли об отдыхе. При этом картина выдержана в тревожных желтых тонах.

Исследователи творчества Ван Гога объясняют это тем, что художник принимал наперстянку - средство от эпилепсии, которое вызывает у пациента серьезные изменения в восприятии цвета: вся окружающая действительность окрашивается в зелено-желтые тона.

Беззубое совершенство

Леонардо да Винчи, "Портрет госпожи Лизы дель Джокондо", 1503 - 1519.

Общепризнанное мнение состоит в том, что Мона Лиза - совершенство и улыбка ее прекрасна своей загадочностью. Однако американский искусствовед (и по совместительству стоматолог) Джозеф Борковски считает, что, судя по выражению лица, героиня потеряла много зубов. Изучая увеличенные фотографии шедевра, Борковски обнаружил также шрамы вокруг ее рта. «Она так «улыбается» именно из-за того, что произошло с нею, - считает эксперт. - Выражение ее лица типично для людей, потерявших передние зубы».

Майор на фейсконтроле

Павел Федотов, "Сватовство майора", 1848.

Публика, впервые увидевшая картину "Сватовство майора", смеялась от души: художник Федотов наполнил ее ироничными деталями, понятными зрителям того времени. Например, майор явно не знаком с правилами дворянского этикета: он явился без положенных букетов для невесты и ее матери. А саму невесту ее родители-купцы разрядили в вечернее бальное платье, хотя на дворе день (все светильники в комнате потушены). Девушка явно впервые примерила декольтированное платье, смущена и пытается убежать в свою светелку.

Почему Свобода обнажена

Фердинан Виктор Эжен Делакруа, "Свобода на баррикадах", 1830.

По мнению искусствоведа Этьена Жюли, Делакруа писал лицо женщины со знаменитой парижской революционерки - прачки Анны-Шарлотты, которая вышла на баррикады после гибели брата от рук королевских солдат и убила девятерых гвардейцев. Художник изобразил ее с обнаженной грудью. По его замыслу, это символ бесстрашия и самоотверженности, а также торжества демократии: нагая грудь показывает, что Свобода, как простолюдинка, не носит корсета.

Неквадратный квадрат

Казимир Малевич, "Черный супрематический квадрат", 1915.

На самом деле «Черный квадрат» вовсе не черный и совсем не квадратный: ни одна из сторон четырехугольника не параллельна ни одной другой его стороне, и ни одной из сторон квадратной рамки, которой обрамлена картина. А темный цвет - это результат смешения различных красок, среди которых не было черной. Считается, что это была не небрежность автора, а принципиальная позиция, стремление создать динамическую, подвижную форму.

Специалисты Третьяковской галереи обнаружили авторскую надпись на известной картине Малевича. Надпись гласит: «Битва негров в темной пещере». Эта фраза отсылает к названию шутливой картине французского журналиста, писателя и художника Альфонса Алле «Битва негров в темной пещере глубокой ночью», представлявшей собой абсолютно черный прямоугольник.

Мелодрама Австрийской Моны Лизы

Густав Климт, "Портрет Адели Блох-Бауэр", 1907.

На одном из самых значительных полотен Климта запечатлена жена австрийского сахарного магната Фердинада Блох-Бауэра. Вся Вена обсуждала бурный роман Адели и знаменитого художника. Уязвленный муж захотел отомстить любовникам, но выбрал очень необычный способ: он решил заказать Климту портрет Адели и заставить его сделать сотни эскизов, пока художника не начнет выворачивать от нее.

Блох-Бауэр хотел, чтобы работа продлилась несколько лет, и натурщица могла видеть, как угасают чувства Климта. Он сделал художнику щедрое предложение, от которого тот не смог отказаться, и все сложилось по сценарию обманутого мужа: работа была закончена за 4 года, любовники давно остыли друг к другу. Адель Блох-Бауэр так никогда и не узнала, что муж был в курсе ее отношений с Климтом.

Картина, вернувшая Гогена к жизни

Поль Гоген, "Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идём?", 1897-1898.

Самое известное полотно Гогена имеет одну особенность: оно "читается" не слева направо, а справа налево, как каббалистические тексты, которыми интересовался художник. Именно в этом порядке разворачивается аллегория духовной и физической жизни человека: от зарождения души (спящий ребенок в правом нижнем углу) до неизбежности смертного часа (птица с ящерицей в когтях в левом нижнем углу).

Картина была написана Гогеном на Таити, куда художник несколько раз сбегал от цивилизации. Но в этот раз жизнь на острове не задалась: тотальная бедность привела его к депрессии. Закончив полотно, которое должно было стать его духовным завещанием, Гоген взял коробочку с мышьяком и отправился в горы, чтобы умереть. Однако он не рассчитал дозу, и суицид не удался. Наутро он, качаясь, добрел до своей хижины и заснул, а когда проснулся, то ощутил забытую жажду жизни. А в 1898 году его дела пошли в гору, и в творчестве начался более светлый период.

112 пословиц на одной картине

Питер Брейгель - старший, «Нидерландские пословицы», 1559

Питер Брейгель - старший изобразил землю, населённую буквальными изображениями нидерландских пословиц тех дней. В написанной картине присутствуют приблизительно 112 распознаваемых идиом. Некоторые из них используются и по сей день, например, такие, как: «плыть против течения», «биться головой о стену», «вооружен до зубов» и «большая рыбка ест маленькую».

Другие пословицы отражают человеческую глупость.

Субъективность искусства

Поль Гоген, «Бретонская деревня под снегом», 1894

Картина Гогена «Бретонская деревня в снегу» была продана после смерти автора всего за семь франков и, к тому же, под названием «Ниагарский водопад». Человек, проводивший аукцион, случайно повесил картину вверх ногами, разглядев в ней водопад.

Скрытая картина

Пабло Пикассо, «Голубая комната», 1901

В 2008 году инфракрасное излучение показало, что под «Голубой комнатой» скрыто еще одно изображение - портрет мужчины, одетого в костюм с бабочкой и положившего голову на руку. «Как только у Пикассо появлялась новая идея, он брался за кисть и воплощал ее. Но у него не было возможности покупать новый холст каждый раз, когда его посещала муза», - объясняет возможную причину этого искусствовед Патриция Фаверо.

Недоступные марокканки

Зинаида Серебрякова, «Нагая», 1928

Однажды Зинаида Серебрякова получила заманчивое предложение - отправиться в творческое путешествие, чтобы изобразить обнаженные фигуры восточных дев. Но оказалось, что в тех местах найти натурщиц просто невозможно. На помощь пришел переводчик Зинаиды - он привел к ней своих сестер и невесту. Никому до этого и после этого не удавалось запечатлеть закрытых восточных женщин обнаженными.

Спонтанное озарение

Валентин Серов, «Портрет Николая II в тужурке», 1900

Долгое время Серов не мог написать портрет царя. Когда художник совсем сдался, он извинился перед Николаем. Николай немного расстроился, сел за стол, вытянув руки перед собой... И тут художника осенило - вот он образ! Простой военный в офицерской тужурке с чистыми и грустными глазами. Этот портрет считается лучшим изображением последнего императора.

Опять двойка

© Федор Решетников

Знаменитая картина «Опять двойка» - это всего лишь вторая часть художественной трилогии.

Первая часть - «Прибыл на каникулы». Явно обеспеченная семья, зимние каникулы, радостный ученик-отличник.

Вторая часть - «Опять двойка». Небогатая семья с рабочей окраины, разгар учебного года, понурый обалдуй, опять схвативший двойку. В левом верхнем углу видна картина «Прибыл на каникулы».

Третья часть - «Переэкзаменовка». Сельский дом, лето, все гуляют, один злостный неуч, проваливший годовой экзамен, вынужден сидеть в четырёх стенах и зубрить. В левом верхнем углу видна картина «Опять двойка».

Как рождаются шедевры

Джозеф Тёрнер, «Дождь, пар и скорость», 1844

В 1842 году миссис Симон путешествовала на поезде по Англии. Внезапно начался сильный ливень. Пожилой джентльмен, сидевший напротив нее, встал, открыл окно, высунул голову и так смотрел минут десять. Не в силах сдержать свое любопытство, женщина тоже открыла окно и стала смотреть вперед. Через год она обнаружила картину «Дождь, пар и скорость» на выставке в Королевской академии художеств и смогла узнать в ней тот самый эпизод в поезде.

Урок анатомии от Микеланджело

Микеланджело, «Сотворение Адама», 1511

Пара американских экспертов в области нейроанатомии считают, что Микеланджело на самом деле оставил некоторые анатомические иллюстрации в одной из его самых известных работ. Они полагают, что в правой части картины изображен огромный мозг. Удивительно, но можно найти даже сложные его компоненты, такие как мозжечок, зрительные нервы и гипофиз. А броская зеленая лента идеально совпадает с местонахождением позвоночной артерии.

«Тайная вечеря» Ван Гога

Винсент Ван Гог, «Ночная терраса кафе», 1888

Исследователь Джаред Бакстер полагает, что на полотне Ван Гога «Ночная терраса кафе» зашифровано посвящение «Тайной вечере» Леонардо да Винчи. В центре картины стоит официант с длинными волосами и в белой тунике, напоминающей одежды Христа, а вокруг него ровно 12 посетителей кафе. Также Бакстер обращает внимание на крест, расположенный прямо за спиной официанта в белом.

Образ памяти у Дали

Сальвадор Дали, «Постоянство памяти», 1931

Не секрет, что мысли, посещавшие Дали во время создания его шедевров, всегда были в виде очень реалистичных образов, которые художник затем переносил на холст. Так, по признанию самого автора, картина «Постоянство памяти» была написана в результате ассоциаций, возникших при виде плавленого сыра.

О чем кричит Мунк

Эдвард Мунк, "Крик", 1893.

Мунк так рассказывал о появлении у него идеи одной из самых загадочных картин в мировой живописи: "Я шёл по тропинке с двумя друзьями - солнце садилось - неожиданно небо стало кроваво-красным, я приостановился, чувствуя изнеможение, и опёрся о забор - я смотрел на кровь и языки пламени над синевато-чёрным фьордом и городом - мои друзья пошли дальше, а я стоял, дрожа от волнения, ощущая бесконечный крик, пронзающий природу". Но что за закат мог так напугать художника?

Есть версия, что идея "Крика" родилась у Мунка в 1883 году, когда произошло несколько сильнейших извержений вулкана Кракатау - настолько мощных, что они изменили на один градус температуру атмосферы Земли. Обильное количество пыли и пепла распространилось по всему земному шару, добравшись даже до Норвегии. Несколько вечеров подряд закаты выглядели так, будто бы вот-вот настанет апокалипсис - один из них и стал источником вдохновения художника.

Писатель в народе

Александр Иванов, "Явление Христа народу", 1837-1857.

Десятки натурщиков позировали Александру Иванову для его главной картины. Один из них известен не менее самого художника. На заднем плане, среди путников и римских всадников, еще не слышавших проповедь Иоанна Предтечи, можно заметить персонажа в корчиневом хитоне. Его Иванов писал с Николая Гоголя. Писатель тесно общался с художником в Италии, в частности по религиозным вопросам, и давал ему советы в процессе написания картины. Гоголь считал, что Иванов "уже давно умер для всего мира, кроме своей работы".

Подагра Микеланджело

Рафаэль Санти, "Афинская школа", 1511.

Создавая знаменитую фреску "Афинская школа", Рафаэль увековечил своих друзей и знакомых в образах древнегреческих философов. Одним из них стал Микеланджело Буонаротти "в роли" Гераклита. Несколько столетий фреска хранила тайны личной жизни Микеланджело, а современные исследователи сделали предположение, что странно угловатое колено художника свидетельствует о наличии у него болезни суставов.

Это вполне вероятно, если учесть особенности образа жизни и условий работы художников эпохи Возрождения и хронический трудоголизм Микеланджело.

Зеркало четы Арнольфини

Ян ван Эйк, "Портрет четы Арнольфини", 1434 г.

В зеркале позади супругов Арнольфини можно увидеть отражение еще двух человек, находящихся в комнате. Скорее всего, это свидетели, присутствующие при заключении договора. Один из них - ван Эйк, о чем свидетельствует и латинская надпись, помещенная, вопреки традиции, над зеркалом в центре композиции: «Ян ван Эйк был здесь». Так обычно скрепляли контракты.

Как недостаток превратился в талант

Рембрандт Харменс ван Рейн, "Автопортрет в возрасте 63", 1669.

Исследователь Маргарет Ливингстон изучила все автопортреты Рембрандта и обнаружила, что художник страдал косоглазием: на изображениях его глаза смотрят в разные стороны, чего не наблюдается на портретах других людей кисти мастера. Недуг привел к тому, что художник лучше мог воспринимать реальность в двух измерениях, чем люди с нормальным зрением. Это явление называется "стереослепота" - неспособность видеть мир в 3D. Но так как живописцу приходится работать с двухмерным изображением, именно этот недостаток Рембрандта мог быть одним из объяснений его феноменального таланта.

Безгрешная Венера

Сандро Боттичелли, "Рождение Венеры", 1482-1486.

До появления "Рождения Венеры" изображение нагого женского тела в живописи символизировало только идею первородного греха. Сандро Боттичелли первым из европейских живописцев не нашел ничего греховного в нем. Более того, искусствоведы уверены, что языческая богиня любви символизирует на фреске христианский образ: ее явление - аллегория возрождения души, прошедшей обряд крещения.

Лютнист или лютнистка?

Микеланджело Меризи да Караваджо, "Лютнист", 1596.

Долгое время картина экспонировалась в Эрмитаже под названием «Лютнистка». Только в начале ХХ века искусствоведы сошлись во мнении, что на полотне изображен все-таки юноша (вероятно, Караваджо позировал его знакомый художник Марио Миннити): на нотах перед музыкантом видна запись басовой партии мадригала Якоба Аркадельта «Вы знаете, что я люблю вас». Женщина вряд ли могла сделать такой выбор - это просто тяжело для горла. Кроме того, лютня, как и скрипка у самого края картины, в эпоху Караваджо считалась мужским инструментом.

«Каждый портрет, написанный с чувством, есть, в сущности, портрет художника, а не того, кто ему позировал» Оскар Уайльд

Что нужно для того, чтобы быть художником? Простую имитацию работы нельзя считать искусством. Искусство это то, что идет изнутри. Авторская идея, азарт, поиски, желания и печали, которые воплощаются на полотне художника. За всю историю человечества написано сотни тысяч, а, может, и миллионов картин. Некоторые из них, действительно, шедевры, известны по всему миру, их знают даже люди, не имеющие отношения к искусству. Можно ли среди таких картин выделить 25 самых выдающихся? Задача очень сложная, но мы попытались…

✰ ✰ ✰

«Постоянство памяти», Сальвадор Дали

Благодаря этой картине Дали стал знаменит в довольно молодом возрасте, ему было 28 лет. Картина имеет еще несколько названий — «Мягкие часы», «Твердость памяти». Этот шедевр привлек внимание множества искусствоведов. В основном, их заинтересовала интерпретация картины. Говорят, что идея полотна Дали связана с теорией относительности Эйнштейна.

✰ ✰ ✰

«Танец», Анри Матисс

Анри Матисс не всегда был художником. Он обнаружил у себя любовь к живописи после получения ученой степени в области юриспруденции в Париже. Он изучал искусство так рьяно, что стал одним из величайших художников в мире. У этой картины очень мало негативной критики искусствоведов. В ней отражено сочетание языческих ритуалов, танца и музыки. Люди танцуют в трансе. Три цвета — зеленый, синий и красный, символизируют Землю, Небо и Человечество.

✰ ✰ ✰

«Поцелуй», Густав Климт

Густава Климта часто критиковали за обнаженность на его картинах. «Поцелуй» был замечен критиками, так как в нем слились все формы искусства. Картина могла бы быть изображением самого художника и его возлюбленной, Эмилии. Климт написал это полотно под влиянием византийской мозаики. Византийцы в своих картинах использовали золото. Точно так же Густав Климт смешивал золото в своих красках, чтобы создать свой собственный стиль живописи.

✰ ✰ ✰

«Спящая цыганка», Анри Руссо

Никто, кроме самого Руссо не смог описать эту картину лучше. Вот его описание — «кочующая цыганка, которая поет свои песни под мандолину, спит на земле от усталости, рядом лежит ее кувшин с питьевой водой. Лев, проходящий мимо, подошел обнюхать ее, но не тронул. Все залито лунным светом, очень поэтичная атмосфера». Примечательно то, что Анри Руссо – самоучка.

✰ ✰ ✰

«Страшный суд», Иероним Босх

Без лишних слов – картина просто великолепна. Этот триптих – самое большое из сохранившихся полотен Босха. На левой створке показана история Адама и Евы. Центральная часть – это «страшный суд» со стороны Иисуса — кто должен идти на небеса, а кто должен отправиться в ад. Земля, которую мы здесь видим, горит. На правой створке изображен отвратительный образ ада.

✰ ✰ ✰

Всем знаком Нарцисс из греческой мифологии — человек, который был одержим своей внешностью. Дали написал свою собственную интерпретацию Нарцисса.

История такая. Прекрасный юноша Нарцисс легко разбивал сердца многим девушкам. Боги вмешались и, чтобы наказать его, показали ему его отражение в воде. Нарцисс влюбился в себя и в итоге умер, потому что так и не смог себя обнять. Потом Боги пожалели, что сделали это с ним, и решили его увековечить в виде цветка нарцисса.

На левой части картины изображен Нарцисс, смотрящий на свое отражение. После чего он и влюбился в самого себя. Правая панель показывает события, развернувшиеся после, в том числе и получившийся цветок — нарцисс.

✰ ✰ ✰

Сюжет картины основан на библейском избиении младенцев в Вифлееме. После того, как от волхвов стало известно о рождении Христа, царь Ирод поручил убить всех маленьких детей мужского пола и младенцев в Вифлееме. На картине бойня находится на своем пике, последние несколько детей, которых отобрали у матерей, ждут своей беспощадной смерти. Также видны трупы детей, для которых уже все позади.

Благодаря использованию богатой цветовой гаммы, картина Рубенса стала всемирно известным шедевром.

✰ ✰ ✰

Работы Поллока очень отличаются от других художников. Он размещал свое полотно на земле и двигался вокруг холста и ходил по нему, капая краску сверху на полотно с помощью палок, кисточек и шприцов. Благодаря такой уникальной технике в художественных кругах его прозвали «Джек-разбрызгиватель». Некоторое время эта картина удерживала звание самой дорогой картины в мире.

✰ ✰ ✰

Также известная как «Танцы в Ле Мулен де ла Галетт». Эта картина считается одной из самых радостных картин Ренуара. Идея картины в том, чтобы показать зрителям веселую сторону парижской жизни. При детальном изучении картины, можно увидеть, что Ренуар поместил на полотно несколько своих друзей. Поскольку картина кажется слегка размытой, сначала она подвергалась критике со стороны современников Ренуара.

✰ ✰ ✰

Сюжет взят из Библии. На картине «Тайная вечеря» изображен последний ужин Христа до ареста. Он только что говорил со своими апостолами и сказал им, что один из них предаст его. Все апостолы опечалены и говорят ему, что это, конечно, не они. Именно этот момент красиво изобразил да Винчи благодаря своему живому изображению. Великому Леонардо потребовалось четыре года, чтобы закончить эту картину.

✰ ✰ ✰

«Водяные лилии» Моне можно встретить повсюду. Вы, наверное, видели их на обоях, постерах и обложках художественных журналов. Дело в том, что Моне был одержим лилиями. Прежде чем он начал их рисовать, он вырастил бесчисленное количество этих цветов. Моне построил мост в японском стиле в своем саду над прудом из лилий. Был насколько доволен тем, что у него получилось, что нарисовал этот сюжет семнадцать раз в течение одного года.

✰ ✰ ✰

В этой картине есть что-то зловещее и таинственное, вокруг нее ощущается аура страха. Только такой мастер, как Мунк смог изобразить страх на бумаге. Мунк сделал четыре версии «Крика» маслом и в технике пастель. Согласно записям в дневнике Мунка, довольно очевидно, что он сам верил в смерть и духов. На картине «Крик» он изобразил себя в момент, когда однажды, гуляя с друзьями, ощутил страх и волнение, которые и захотел нарисовать.

✰ ✰ ✰

Картина, которая обычно упоминается как символ материнства, не должна была им стать. Говорят, что модель Уистлера, которая должна была позировать для картины, не пришла, и он решил вместо нее нарисовать свою мать. Можно сказать, что здесь изображена грустная жизнь матери художника. Это настроение обусловлено темными цветами, которые использованы в этой картине.

✰ ✰ ✰

Пикассо встретил Дору Маар в Париже. Говорят, что она была интеллектуально более близка к Пикассо, чем все его предыдущие любовницы. Используя кубизм, Пикассо оказался в состоянии передать движение в своем произведении. Кажется, что лицо Маар, поворачивается направо, к лицу Пикассо. Художник сделал присутствие женщины почти реальным. Может быть, он хотел чувствовать, что она рядом, всегда.

✰ ✰ ✰

Ван Гог написал «Звездную ночь» находясь на лечении, где ему разрешалось рисовать только во время улучшения состояния. Ранее, в этом же году он отрезал себе мочку левого уха. Многие считали художника безумным. Из всей коллекции работ Ван Гога «Звездная ночь» получила самую большую известность, возможно, за счет необычного сферического света вокруг звезд.

✰ ✰ ✰

В этой картине Мане воссоздал «Венеру Урбинскую» Тициана. Художник имел дурную славу, изображая проституток. Хотя господа в то время посещали куртизанок довольно часто, они не думали, что кому-то взбредет в голову рисовать их. Тогда для художников предпочтительнее было рисовать картины на исторические, мифические или библейские темы. Однако Мане, идя наперекор критике, продемонстрировал зрителям их современницу.

✰ ✰ ✰

Эта картина – историческое полотно, на котором изображено завоевание Наполеоном Испании.

Получив заказ на картины, отображающие борьбу народа Испании с Наполеоном, художник не стал рисовать героическо-патетические полотна. Он выбрал момент расстрела испанских повстанцев французскими солдатами. Каждый из испанцев переживает этот момент по своему, кто-то уже смирился, а для кого-то главное сражение только настало. Войну, кровь и смерть, вот что на самом деле изобразил Гойя.

✰ ✰ ✰

Считается, что изображенная девушка — это старшая дочь Вермеера, Мария. Ее черты присутствуют во многих его работах, но их сложно сравнивать. Книгу с тем же названием написала Трейси Шевалье. Но версия о том, кто же изображен на этой картине, у Трейси совсем другая. Она утверждает, что она взяла эту тему, потому что о Вермеере и его картинах очень мало информации, а конкретно от этой картины веет таинственной атмосферой. Позже, по ее роману был снят фильм.

✰ ✰ ✰

Точное название картины «Выступление стрелковой роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема ван Рёйтенбюрга».Стрелковое общество представляло собой гражданское ополчение, которое было призвано защищать город. Кроме ополченцев Рембрандт добавил в композицию несколько лишних людей. Учитывая, что во время написания этой картины он купил дорогой дом, вполне может быть правдой то, что он получил огромный гонорар за «Ночной дозор».

✰ ✰ ✰

Хотя на картине есть изображение самого Веласкеса, это не автопортрет. Главная героиня полотна — инфанта Маргарита, дочь короля Филиппа IV. Здесь изображен момент, когда Веласкес, работающий над портретом короля и королевы, вынужден остановиться и посмотреть на инфанту Маргариту, которая только что вошла в помещение вместе со своей свитой. Картина выглядит почти живой, пробуждая в зрителях любопытство.

✰ ✰ ✰

Это единственная картина Брейгеля, которая была написана маслом, а не темперой. До сих пор существуют сомнения в подлинности картины, главным образом, по двум причинам. Во-первых, он не писал маслом, а во-вторых, последние исследования показали, что под слоем живописи содержится схематичный рисунок плохого качества, который не принадлежит Брейгелю.

На картине изображена история Икара и момент его падения. Согласно мифу, перья Икара были прикреплены с помощью воска, и поскольку Икар поднялся очень близко к солнцу, воск растаял и он упал в воду. Этот пейзаж вдохновил Уистена Хью Одена, написать свое самое известное стихотворение на эту же тему.

✰ ✰ ✰

«Афинская школа», пожалуй, самая известная фреска итальянского художника эпохи Возрождения, Рафаэля.

На этой фреске в Афинской школе под одной крышей собрались все великие математики, философы и ученые, они делятся своими теориями и учатся друг у друга. Все герои жили в разное время, но Рафаэль поместил их всех в одном зале. Вот некоторые из фигур — Аристотель, Платон, Пифагор и Птолемей. При ближайшем рассмотрении видно, что есть на этой картине и автопортрет самого Рафаэля. Каждый художник хотел бы оставить свой след, единственное отличие заключается в форме. Хотя может он и себя считал одной из этих великих фигур?

✰ ✰ ✰

Микеланджело никогда не считал себя художником, он всегда думал о себе больше как о скульпторе. Но, ему удалось создать удивительную изысканную фреску, перед которой благоговеет весь мир. Этот шедевр находится на потолке Сикстинской капеллы в Ватикане. Микеланджело получил заказ нарисовать несколько библейских историй, одна из которых — создание Адама. В этой картине как раз и виден скульптор в Микеланджело. Человеческое тело Адама передано с невероятной точностью с помощью ярких цветов и точной мышечной формы. Так что, с автором можно и согласиться, все-таки он больше скульптор.

✰ ✰ ✰

«Мона Лиза», Леонардо да Винчи

Хотя это и наиболее изученная картина, «Мона Лиза» до сих пор остается самой загадочной. Леонардо говорил, что никогда не переставал работать над ней. Только его смерть, как говорят, завершила работу над полотном. «Мона Лиза» первый итальянский портрет, на котором модель изображена до пояса. Кожа Моны Лизы как будто бы светится из-за использования нескольких слоев прозрачных масел. Будучи ученым Леонардо да Винчи применил все свои знания, чтобы сделать изображение Джоконды реалистичным. Что касается того, кто именно изображен на картине, это по-прежнему остается загадкой.

✰ ✰ ✰

На картине изображена Венера, богиня любви, плывущая на ракушке по ветру, который раздувается Зефиром, богом западного ветра. На берегу ее встречает Ора, богиня сезонов, она готова одеть новорожденное божество. Моделью для Венеры считается Симонетта Каттанео де Веспуччи. Симонетта Каттанео умерла в 22 года, и Боттичелли пожелал быть похороненным рядом с ней. С нею его связывала неразделенная любовь. Эта картина – самое изысканное произведение искусства, из когда-либо созданных.

✰ ✰ ✰

Заключение

Это была статья ТОП-25 самых известных картин в мире . Спасибо за внимание!

Русские художники-портретисты появились в начале 14 века нашей эры. Мастера кисти того времени располагали ограниченными средствами, поэтому зачастую прибегали к стилизованным рисункам. Это нельзя было назвать сюрреализмом, но картины, безусловно, страдали от недостаточной проработки деталей. Позднее русские художники-портретисты и их работы были переориентированы на оформление храмов. Мастера живописи сакрального характера расписывали стены и потолки церквей и соборов.

Раннее портретное искусство

Русские художники-портретисты и их картины имели свои отличительные признаки, они были узнаваемы - у каждого живописца прослеживался собственный стиль в работе, к тому же, он был почитаем как священниками, так и прихожанами.

Самый яркий представитель того времени - Андрей Рублев (1370-1428), который оставил после себя нетленные произведения: "Спас вседержитель", "Архангел Михаил", "Троица", и другие шедевры иконописи.

Современником Рублева был знаменитый иконописец Феофан Грек (1340-1410). Долгое время они работали вместе. В 90-х годах 14 века художники расписали Благовещенский собор Московского кремля. В работе участвовали и другие русские художники-портретисты. Объем работы был достаточно большим. Главные иконы деисусного ряда написал а "пророческий" и часть верхнего "праотеческого" ряда принадлежат кисти Андея Рублева. Достоверных данных, подтверждающих, что им были написаны клейма больших икон нижнего ряда, нет, однако рука талантливого иконописца узнаваема и в этих работах.

Ранние мастера портретной живописи

В начале 14-го века техника рисунка маслом несколько улучшилась за счет появления тонкотертых красок.

Русские художники-портретисты более позднего времени:

Дионисий (1440-1502), фаворит царя Ивана III. Монарх имел обыкновение поручать художнику роспись какого-нибудь храма, а потом периодически навещал иконописца и наблюдал за работой.
Зубов Алексей (1682-1750) - крупнейший мастер русского граверного искусства эпохи Петра Первого. Работал совместно с отцом, выдающимся иконописцем Федором Зубовым. Вместе они расписывали Оружейную палату Московского Кремля.
Никитин Иван (1680-1742) - русский художник, один из первых российских мастеров портретной живописи, получивший образование в Европе. Находился в особом расположении у Петра Первого. Наиболее известные работы художника - польского короля Августа II и герцога Мекленбургского.

Русские художники-портретисты 18 века

Мастера кисти прошлых столетий, как правило, занимались церковной живописью. Однако 18 век стал временем зарождения портретного искусства в чистом виде, когда живописец отражает на холсте образ конкретного человека. Русские художники-портретистытого времени придерживались классической школы изобразительного искусства, предполагающей точное воспроизведение мельчайших деталей. В портретной живописи эта методика как нельзя лучше отвечала задачам, поставленным перед исполнителем - добиться такого изображения, чтобы оно носило все признаки художественного стиля и было максимально достоверным. Работа представлялась достаточно кропотливой и ответственной. Тем не менее известные русские художники-портретистывеликолепно с ней справлялись. Заказов было более чем достаточно, вся придворная знать, а также члены купеческих гильдий наперебой заказывали портреты себе и своим близким.

Состоятельные люди предпочитали приглашать живописцев к себе на дом, поскольку в этом случае вся семья могла наблюдать за процессом, и это считалось хорошим тоном. Русский художник-портретист обычно жил небогато, поэтому старался принять как можно больше заказов. Если по окончании работы изображение главы семьи нравилось всем домочадцам, то живописец получал следующий заказ в том же доме. Таким образом, русский художник-портретистбыл востребован в высшем обществе и не оставался без работы. Наиболее успешные мастера приглашались в царские покои для выполнения особо важных поручений.

Расцвет портретного искусства

Когда в искусстве живописи наступил период Возрождения, на Руси появилось много талантливых мастеров.

Русские художники-портретисты 18 века:

Антропов Алексей (1716-1795) - известный русский портретист, участвовал в декоративном оформлении Зимнего дворца в 1744-м и Царскосельского в 1749 году. Под его руководством художники расписывали Андреевскую церковь в Киеве. С 1761 года Антропов был введен в Православный Синод в качестве главного надзирателя иконописных работ. В историю русского искусства художник вошел как талантливый портретист петровского периода.
Боровиковский Владимир (1757-1825) родился в Миргороде. Стал знаменитым после встречи с Екатериной II, которая проезжала в Крым в 1787 году. Художник расписал один из дворцов на пути императрицы и был ею замечен. Екатерина выразила свое восхищение и наградила Боровиковского деньгами, на которые он впоследствии отправился в Петербург.
Венецианов Алексей (1780-1847) - русский художник, основоположник сюжетного бытового жанра в портретной живописи. Известность ему принесла работа "Портрет матери", написанная в 1801 году. Учился искусству рисования у
Кипренский Орест (1782-1836) - выдающийся художник, дебютировал в 1804 году с портретом А. К. Вальбе, который был написан в манере Рембрандта. Известная работа "Е. В. Давыдов", созданная в 1809 году, упрочила реноме художника. Многие полотна Кипренского хранятся в Третьяковской галерее.
Тропинин Василий (1776-1857) - русский художник, который прославился после того, как написал портрет А.С. Пушкина по заказу самого поэта. Картина предназначалась для С. А. Соболевского, приятеля Александра Сергеевича. Портрет стал классическим изображением великого поэта на все времена.

Портретное искусство в 19 веке

Русские художники-портретисты 19 века - это целая плеяда талантливых живописцев, обратившихся к жанру изображения человеческого лица. Наиболее известные из них:

Нефф Тимофей (1805-1876) - последователь академического стиля в искусстве, исторический портретист. Обучался живописи в Дрезденской художественной высшей школе. В 1826 году переехал в Петербург, где сразу приобрел известность, написав серию портретов известных людей. В 1837-м отправился в длительное путешествие по России для ознакомления с фольклорной глубинкой и бытом простого народа. После возвращения расписывал церковь Зимнего дворца, в число этих работ вошла знаменитая "Тайная Вечеря". Получил профессорское звание за роспись Исаакиевского собора, одновременно стал хранителем галереи живописи Эрмитажа.
Захаров Петр (1816-1846) - русский портретист-живописец с непростой судьбой. Трехлетний мальчик был найден в заброшенном чеченском ауле Дади-юрт. Русский генерал Ермолов взял ребенка на воспитание. Заметив способности приемного сына к рисованию, он отдал маленького Петю на обучение к портретисту Льву Волкову. В 1836 году Захаров окончил курс в Академии художеств и получил звание свободного художника.
(1822-1897) - русский живописец, за долгую творческую жизнь написал множество картин. Работы художника, и портреты в том числе, созданные им в разное время, находятся в Третьяковской галерее, Русском музее, Академии художеств и выставочных залах по всей России. В 1844 году Макаров переехал в Санкт-Петербург, где завоевал признание столичной публики.

Живописец-портретист Тыранов

Русский портретист (1808-1859), занимался иконописным творчеством. В 1824 году познакомился с художником Венециановым, который определил юношу в свою школу живописи, а когда тот закончил обучение, устроил Тыранова слушателем в Академию художеств. Дальнейшая судьба молодого живописца сложилась удачно, он получил малую золотую медаль от Академии, в 1836 стал учеником у маститого Карла Брюллова. За свою работу "Девушка с тамбурином" был пожалован званием академика. Будучи в Риме написал свои главные полотна: "Девушка, выжимающая воду из волос", "Ангел с масличной ветвью", "Мать Моисея на берегу Нила". Затем, по возвращении художника в Петербург, художника постигла полоса неудач, и он превратился в нищего. Приют нашел в доме брата в городе Кашине. Там Тыранов и умер в возрасте 51 года.

Непревзойденная техника портрета

Зарянко Сергей (1818-1870) - замечательный русский портретист, прославившийся непередаваемой игрой света и тени на своих полотнах. Техника художника настолько выражена, что внутренний мир человека, изображенного на холсте, как бы теряется в богатстве оттенков и полутонов. Всего Зарянко написал около сотни портретов, большинство которых посвящены императору, его семье и высшей придворной знати.

Ученик мэтра

Жодейко Леонид (1827-1879) - русский портретист-живописец, ученик московского художника Зарянко и петербургского мастера Маркова, преподавателя Академии искусств. Писал в основном женские портреты. Получил звание академика за картину "Девушка за умыванием". Был постоянным участником ежегодных выставок, проходящих под эгидой Академии художеств Санкт-Петербурга.

Художник драматического стиля

Крамской Иван Николаевич (1837-1887) - выдающийся мастер портретной живописи, религиозных настенных росписей, жанрового рисунка. Автор полотен с изображением известных писателей, художников, артистов, в числе которых были: Л. Н. Толстой (год 1883-й), М. Е. Салтыков-Щедрин (год 1879-й), И. И. Шишкин (год 1873-й), С. П. Боткин (год 1880-й), П. М. Третьяков (год 1876-й).

Художник всю жизнь придерживался философско-драматического подтекста в своих работах, особенно это заметно в портретных картинах: "Неизвестная", "Н.А. Некрасов", "Неутешное горе", которые были созданы в период с 1877 по 1884 гг. Эти шедевры находятся в Третьяковской галерее.

Художественные портреты в 20 веке

Двадцатый век был непростым периодом для России. Политические потрясения, две кровопролитные войны наложили свой отпечаток на развитие страны. И тем не менее искусство было живо, в послевоенные годы возрождалась живопись, в том числе и портретная. Художников было немного, но все они прошли хорошую школу.

Русские художники портретисты 20 века:

Козлов Энгельс - советский художник-портретист, родился в 1926 году, окончил Ярославское художественное училище, затем поступил на курс живописи Ленинградского института имени Репина. В 1956 году представил выпускной комиссии свою дипломную работу "Будет жить!" Является членом Союза художников с 1957 года. Основная тематика творчества Козлова - портреты современников.
Ломакин Олег - портретист-живописец советского периода, родился в 1924 году. Занимался в Ленинградской художественной школе, затем - во Всероссийской Академии искусств. В 1942 году был призван в Красную армию, воевал под Курском, где получил тяжелое ранение и был отчислен из армейских рядов. Портреты, написанные художником, выставлялись на выставках начиная с 1952 года.
Невельштейн Самуил (1904-1983) - портретист-живописец, окончил ВХУТЕМАС. На счету художника несколько десятков работ. Основной тематикой творчества Невельштейна были портреты современников. Портретист провел пять персональных выставок, все они прошли в Ленинграде, первый показ состоялся в 1944 году.
Орешников Виктор (1904-1987) - советский живописец и портретист. Народный художник Советского Союза, лауреат двух Сталинских премий. В творчестве доминировали сюжеты, посвященные достижениям в народном хозяйстве, и портреты современников.
- русский портретист-живописец, родился в 1943 году. Создатель уникальных направленности. Активно участвует в общественной жизни, член Общественного совета при президенте России.

Знаменитые художники портретного жанра

За шестьсот лет, прошедших со времени появления живописного искусства, сменилось не одно поколение художников. Кроме живописцев, уже упомянутых, существовало достаточно много других мастеров.

Кто же они - художники-портретисты русские? Список их представлен далее.

Мусикийский Григорий Семенович, придворный художник-портретист.
Гзель Георг, швейцарский живописец, долгое время работал в России.
Никитин Иван Никитич, придворный художник.
Вишняков Иван Яковлевич, портретист для аристократии.
Колокольников Мина Лукич, крепостной художник.
Матвеевич, придворный портретист.

Угрюмов Григорий Иванович, крестьянский художник.
дворянский портретист-живописец.
Орловский Александр Осипович, художник дворянский.
Соколов Петр Федорович, портретист для аристократии.

Если вы думаете, что все великие художники остались в прошлом, то вы даже не представляете, насколько сильно ошибаетесь. В этой статье вы узнаете о самых известных и талантливых художниках современности. И, поверьте, их работы засядут в вашей памяти не менее глубоко, чем работы маэстро из прошлых эпох.

Wojciech Babski

Войцех Бабски – современный польский художник. Закончил учебу в Силезском политехническом институте, но связал себя с . В последнее время рисует, в основном, женщин. Фокусируется на проявлении эмоций, стремится к получению как можно большего эффекта простыми средствами.

Любит цвет, но часто использует оттенки черного и серого, для достижения наилучшего впечатления. Не боится экспериментировать с разными новыми техниками. В последнее время набирает всё большую популярность за рубежом, в основном, в Великобритании, где с успехом продает свои работы, которые уже можно найти во многих частных коллекциях. Кроме искусства интересуется космологией и философией. Слушает джаз. В настоящее время живет и работает в городе Катовице.

Warren Chang

Уоррен Чанг – современный американский художник. Родился в 1957 году и вырос в Монтерее, штат Калифорния, с отличием окончил колледж дизайна Арт-центр в Пасадене в 1981 году, где получил степень бакалавра изобразительных искусств в области . В течение следующих двух десятилетий он работал в качестве иллюстратора для различных компаний в Калифорнии и Нью-Йорке, прежде чем в 2009 году начать карьеру профессионального художника.

Его реалистичные картины можно разделить на две основные категории: биографические интерьерные картины и картины, изображающие работающих людей. Его интерес к подобной манере живописи уходит своими корнями к творчеству художника 16-го века Яна Вермеера, и распространяется на предметы, автопортреты, портреты членов семьи, друзей, учеников, интерьеры студии, класса и дома. Его цель заключается в том, чтобы в своих реалистичных картинах создать настроение и эмоции с помощью манипуляции светом и использовании приглушенных цветов.

Чанг стал известен после перехода к традиционному изобразительному искусству. За последние 12 лет он заработал множество наград и почетных званий, самая престижная из них – Master Signature от ассоциации художников маслом Америки, крупнейшего сообщества художников маслом в Соединенных Штатах. Лишь один человек из 50, удостаивается возможности получить эту награду. В настоящее время Уоррен живёт в Монтерее и работает в своей студии, также он преподаёт (известен как талантливый педагог) в Академии искусств Сан-Франциско.

Aurelio Bruni

Аурелио Бруни – итальянский художник. Родился в городе Блера, 15 октября 1955 года. Получил диплом по специальности сценография в институте искусства в Сполето. Как художник он самоучка, так как самостоятельно “возводил дом знаний” на фундаменте, заложенном ещё в школе. Рисовать маслом начал в возрасте 19 лет. В настоящее время живёт и работает в Умбрии.

Ранняя живопись Бруни уходит своими корнями в сюрреализм, но со временем он начинает ориентироваться на близость лирического романтизма и символизма, усиливая это сочетание изысканной утонченностью и чистотой своих персонажей. Одушевленные и неодушевленные объекты приобретают равное достоинство и выглядят, почти, гиперреалистично, но, при этом, не скрываются за занавесом, а позволяют увидеть суть своей души. Многогранность и изысканность, чувственность и одиночество, задумчивость и плодотворность являются духом Аурелио Бруни, питаемым великолепием искусства и гармонией музыки.

Alekasander Balos

Алкасандр Балос – современный польский художник, специализирующийся в области масляной . Родился 1970 года в Гливице, Польша, но с 1989 года живёт и работает в США, в городе Шаста, штат Калифорния.

В детстве он изучал искусство под руководством своего отца Яна, художника-самоучки и скульптора, поэтому уже с раннего возраста, художественная деятельность получила полную поддержку со стороны обоих родителей. В 1989 году, в возрасте восемнадцати лет, Балос уехал из Польши в США, где его школьный учитель и по совместительству художник Кэти Гагглиарди побудила Алкасандра поступить в художественную школу. Затем Балос получил полную стипендию университета в Милуоки Висконсин, где он учился живописи у профессора философии Гарри Розина.

После завершения учёбы в 1995 году и получения степени бакалавра Балос переехал в Чикаго, чтобы поступить на учёбу в школе изобразительного искусства, чьи методы основываются на творчестве Жака-Луи Давида. Фигуративный реализм и портретная живопись составляли большую часть работ Балоса в 90-х и начале 2000-х годов. Сегодня Балос использует человеческую фигуру для того, чтобы подчеркнуть особенности и показать недостатки человеческого бытия, не предлагая, при этом, никаких решений.

Сюжетные композиции его картин предназначены для того, чтобы быть самостоятельно интерпретированными зрителем, только тогда полотна приобретут свой истинный временной и субъективный смысл. В 2005 году художник переехал в Северную Калифорнию, с тех пор тематика его работ значительно расширилась и теперь включает в себя более свободные методы живописи, включая абстракцию и различные мультимедийные стили, помогающие выражать идеи и идеалы бытия через живопись.

Alyssa Monks

Алисса Монкс – современная американская художница. Родилась в 1977 году, в Риджвуде, Нью-Джерси. Начала интересоваться живописью, когда была ещё ребенком. Училась в Новой Школе в Нью-Йорке и Государственном университете Монклер, а окончив в 1999 году Бостонский колледж, получила степень бакалавра. Одновременно она изучила живопись в академии Лоренцо Медичи во Флоренции.

Затем продолжила учёбу по программе на степень магистра в нью-йоркской Академии Искусства, на кафедре Фигуративного Искусства, окончила его в 2001 году. В 2006 году она закончила колледж Фуллертона. Некоторое время читала лекции в университетах и образовательных учреждениях по всей стране, преподавала живопись в нью-йоркской Академии Искусства, а также Государственном университете Монклер и Колледже Академии Искусств Лайма.

“Используя фильтры, такие как стекло, винил, вода и пар, я искажаю человеческое тело. Эти фильтры позволяют создавать большие площади абстрактного дизайна, с проглядывающими сквозь них островами цвета – частями человеческого тела.

Мои картины меняют современный взгляд на уже сложившиеся, традиционные позы и жесты купающихся женщин. Они могли бы многое рассказать внимательному зрителю о таких, казалось бы, самих собой разумеющихся вещах, как польза плаванья, танцев и так далее. Мои персонажи прижимаются к стеклу окна душевой кабины, искажая собственное тело, осознавая, что тем самым влияют на пресловутый мужской взгляд на обнажённую женщину. Толстые слои краски смешаны так, чтобы издалека подражать стеклу, пару, воде и плоти. Однако вблизи становятся очевидны восхитительные физические свойства масляной краски. Экспериментируя со слоями краски и цветом, я нахожу момент, когда абстрактные мазки становятся чем-то еще.

Когда я только начала рисовать человеческое тело, я сразу была очарована и даже стала одержима им и считала, что должна была делать свои картины как можно более реалистичными. Я “исповедовала” реализм, пока он не начал распутывать и вскрывать противоречия в самом себе. Сейчас я исследую возможности и потенциал манеры письма, где встречаются представительская живопись и абстракция – если оба стиля могут сосуществовать в один и тот же момент времени, я это сделаю”.

Antonio Finelli

Итальянский художник – “Наблюдатель времени ” – Антонио Финелли родился 23 февраля 1985 года. В настоящее время живет и работает в Италии между Римом и Кампобассо. Его работы были выставлены в нескольких галереях в Италии и за рубежом: Риме, Флоренции, Новара, Генуя, Палермо, Стамбуле, Анкаре, Нью-Йорке, также их можно найти в частных и государственных коллекциях.

Рисунки карандашом “Наблюдателя времени ” Антонио Финелли отправляют нас в вечное путешествие по внутреннему миру человеческой временности и связанному с ним скрупулезным анализом этого мира, главным элементом которого является прохождение сквозь время и наносимые им на кожу следы.

Финелли пишет портреты людей любого возраста, пола и национальности, выражения лиц которых свидетельствуют о прохождении сквозь время, также художник надеется отыскать свидетельства беспощадности времени на телах своих персонажей. Антонио определяет свои произведения одним, общим названием: “Автопортрет”, потому что на своих карандашных рисунках он не просто изображает личность, но позволяет зрителю созерцать реальные результаты прохождения времени внутри человека.

Flaminia Carloni

Фламиния Карлони – итальянская художница 37-ми лет, дочь дипломата. У нее трое детей. Двенадцать лет жила в Риме, три года в Англии и Франции. Получила диплом в области истории искусства в школе искусств BD. Затем получила диплом по специальности реставратор произведений искусства. Прежде чем найти свое призвание и полностью посвятить себя живописи, она работала как журналист, колорист, дизайнер, актриса.

Страсть к живописи у Фламинии возникла ещё в детстве. Её основная среда – масло, потому что она любит “coiffer la pate” и также играть с материалом. Подобную технику она узнала в работах художника Паскаля Торюа. Фламиния вдохновлена великими мастерами живописи, такими как Бальтюса, Хоппер, и Франсуа Легран, а так же и различными художественными движениями: стрит-арт, китайский реализм, сюрреализм и реализм эпохи Возрождения. Её любимый художник Караваджо. Её мечта открыть терапевтическую силу искусства.

Denis Chernov

Денис Чернов – талантливый украинский художник, родился в 1978 году в Самборе, Львовская область, Украина. После окончания Харьковского художественного училища в 1998 году остался в Харькове, где в настоящее время живет и работает. Также он учился в Харьковской государственной академии дизайна и искусств, кафедра график, окончил её в 2004 году.

Он регулярно участвует в художественных выставках, на данный момент их состоялось более шестидесяти, как в Украине, так и за рубежом. Большинство работ Дениса Чернова хранятся в частных коллекциях в Украине, России, Италии, Англии, Испании, Греции, Франции, США, Канаде и Японии. Некоторые работы были проданы на “Кристис”.

Денис работает в широком диапазоне графических и живописных техник. Рисунки карандашом – один из самых любимых им методов живописи, список тем его карандашных рисунков также весьма разнообразен, он пишет пейзажи, портреты, ню, жанровые композиции, книжные иллюстрации, литературные и исторические реконструкции и фантазии.