Илке Кутлуй (Ilke Kutlay) - турецкий художник. Родился в Измире, в 1982 году. Учился в высшей школе изобразительных искусств в городе Измир. В 2001 году выиграл конкурс и получил стипендию для поступления в университет Мимар Синан на факультет изобразительных искусств. После окончания университета продолжил образование в мастерской Деврим Эрбиль, во главе с известными турецкими художниками Ялчин Караягиз и Айдын Аян.

Постигал основы живописи в мастерской Эрбиле 2 года, закончил обучение в 2007 году, после чего работал в частной студии. Показывал свои работы в провинции, в художественной галерее Casa Dell Arte, провёл две персональные выставки. В настоящее время живёт в городе Кутлуй и работает в собственной мастерской.

Турецкий художник. Ilke Kutlay

Портреты, как торжество человеческой формы. Mertim Gokalp

Мертим Гокалп (Mertim Gokalp) современный турецкий художник, родился в 1981 году, в Стамбуле и прожил там большую часть своей жизни. После окончания (с отличием) Академии изобразительных искусств Мимара Синана, он переехал в Австралию. В настоящее время живет в Сиднее и работает в студии "OnePlus 2 Studios".

"Для меня живопись - это синтез моих чувств, озарений, реакций и внутренней борьбы, это способ вдыхать и выдыхать... Мои картины, чаще всего, отражают различные психологические состояния людей. Живопись вообще и портретная живопись в частности, является одной из моих страстей, так как это отличный способ изучить основы человеческой психологии. Мои портреты, торжество человеческой формы. Как художник, я обучался в академии изобразительных искусств и всегда ценю и стараюсь жить в соответствии с научными стандартами, установленными мастерами живописи прошлого.

Я побывал во многих крупных музеях по всему миру, таких как Метрополитен в Соединенных Штатах, Уффици в Турции и Лувр во Франции и нигде не упускал возможности детально изучить великие шедевры. В течении многих лет живя в Стамбуле, городе, где Западные художественные идеи встречаются с Восточными, я в в равной степени проявлял интерес к восточному и западному изобразительному искусству, я изучил множество величайших произведений искусства Востока, в таких странах, как Египет, Корея или Сингапур. Вдохновение, полученное от этих работ стало, наряду с моими наблюдениями причиной рождения моего неповторимого стиля".

Портреты, как торжество человеческой формы. Mertim Gokalp

Современные художники Турции. Mustafa Orkun Muftuoglu

"В своих картинах, в качестве основной формы, я использую человеческую фигуру. Больше всего меня интересует сложение человека, детали его тела. Я пытаюсь увидеть реалии жизни и показать их публике, познакомить людей с окружающим миром, взяв человека как основу.
В моей живописи он проявляется иногда как определение, иногда в качестве эталона, а иногда и просто как сторонний наблюдатель".

Родился Мустафа Оркун Мафтуоглу (Mustafa Orkun Muftuoglu) в Турции, в 1973 году. В 1995 получил степень бакалавра на кафедре живописи факультета изобразительных искусств в университете Мимара Синана. Затем учился на факультет живописи в университете Мимар Синан, в окончил его в 1997 году со степенью магистра в области социологии. В настоящее время художник живет и работает в Стамбуле, Турция.

Современные художники Турции. Mustafa Orkun Muftuoglu

Фото-реалистичные картины. Comert Dogru

Мустафа Озбакир, талантливый турецкий художник , родился в Адане. Окончил мастерскую Джебраил Отгана на факультете изящных искусств в университете Мерсине в 2005 году. В том же году он выиграл приз на 66-ом государственном конкурсе живописи и скульптуры. В 2006 году он получил первую премию на втором конкурсе живописи имени мэра Умрание. В 2008 году он получил премию на 69-ом конкурсе живописи и скульптуры. В настоящее время Озбакир продолжает писать в своей мастерской в родном городе Адане.

Туна родился в 1976 году, в настоящее время живет в Кайсери, Турция. Работает на факультете графического дизайна университета Erciyes в городе Кайсери в качестве инструктора, передает студентам свои знания об иллюстрации. Также последние 5 лет работает внештатным медицинским иллюстратором. Взгляните на его потрясающие рисунки , выполненные карандашом .

Махир Атес талантливый турецкий художник , который работает в сюрреалистической манере, но с отпечатком высокой степени реализма, накладываемым на свои произведения. Трудно поверить, что когда-то он изучал химию и несколько лет проработал инженером, прежде чем окончательно решил посвятить свою жизнь живописи.

Д. Еремеев

В 19 в. Османская империя, давно ставшая полуколонией западных держав, все больше приходит в упадок, теряя остатки экономической и политической независимости. В то же время, особенно с середины 19 в., в Турции усиливаются тенденции капиталистического развития, хотя засилье духовенства в жизни страны мешает освоить достижения науки, техники и культуры Запада. Поэтому наиболее дальновидные представители правящего класса начинают сознавать необходимость реформ. В «период танзимата» (период реформаторства 20-70-х гг. 19 в.) реформы в области экономики, культуры и просвещения приобретают довольно широкий размах, объективно расчищая путь.тенденциям капиталистического развития. Появляются зачатки светского образования. Переживает подъем турецкая литература и искусство. Растет тяга к знакомству с идеями, культурой и искусством буржуазного Запада. Султан Абдул-Азиз (1861-1876), меценатствующий монарх и любитель живописи, впервые посылает во Францию специально для изучения европейского искусства нескольких турецких художников.

В 1876 г. принимается первая турецкая конституция. Однако в 1878 г. силы реакции на время одерживают победу: султан Абдул-Хамид II отменяет конституцию. Все же и мрачные годы «зулюма» -абдул-хамидовского абсолютизма - турецкое искусство хоть и медленно, но продолжало развиваться. Функционировала открытая в 1877 г. Школа изящных искусств, выпускники которой совершенствовали свое мастерство в Европе. В 1908 г. буржуазная младотурецкая революция кладет конец «зулюму». Младотурки осуществляют прогрессивные реформы, но в целом их деятельность носит ограниченный характер, и страна остается во власти духовенства и феодалов.

Драматизм истории турецкого искусства состоял в том, что до 19 в. оно было отгорожено стеной религиозных предрассудков от достижений западного искусства- «богопротивного дела гяуров», парализовано догматикой суннитского ислама. На протяжении нескольких веков поиски художника, скованного запретом изображать людей и животных, замыкались в безликой красоте орнамента и декоративной каллиграфии. В турецком изобразительном искусстве не было таких блестящих достижений, какими отмечены архитектура, ковроделие и керамика Турции. Исключение составляли немногочисленные миниатюры.

Образовавшийся разрыв между традициями средневекового турецкого искусства и достижениями западноевропейских пластических искусств был огромен. Турецкий художник как бы неожиданно оказался перед богатством этих достижений, увидел, какие безграничные возможности таятся в искусстве, воспевающем человека, его духовную красоту, прекрасное многообразие природы. Кроме того, без всякого перехода от плоскостной трактовки форм и орнаментального декоративизма он должен был овладеть техникой живописи маслом, графикой, акварелью, темперой, гуашью, перспективой, светотенью, заново научиться ваянию и т. д. и т. п. Это был настоящий переворот в турецком изобразительном искусстве.

Еще в начале 19 в. в турецкой миниатюре отчетливо сказывается влияние европейской живописи: появляются элементы перспективы и светотень. А с середины 19 в. миниатюра окончательно уступает место западным жанрам - пейзажу, натюрморту, даже портрету. С этого времени в турецком искусстве начинается непрерывная борьба между подражанием западноевропейским образцам («европеисты») и исканием оригинальных национальных форм («регионалисты»),

В начале 20 в. борьба за самобытное национальное искусство пробудила внимание к средневековому искусству Турции и особенно к турецкому народному творчеству, национальное своеобразие которого было неоспоримо. В связи с этим возникла новая проблема, явившаяся до некоторой степени камнем преткновения. Это было ярко выраженное стремление соединить уже освоенные достижения западноевропейского искусства со своеобразием турецких средневековых и фольклорных произведений. Однако ни содержание, ни формы, ни даже техника последних не укладывались, естественно, в рамки новых задач. Как бы ни были искусны усилия многих талантливых художников, они часто порождали лишь эклектические работы, возникшие, казалось, в результате добросовестной компиляции. К тому же еще были живучи каноны ислама. Многие художники избегали изображать человека и животных. Их главная тема - природа, излюбленный жанр - пейзаж. В пейзажах и натюрмортах - любопытный сплав западных и восточных приемов передачи действительности: художники преодолели плоскостную трактовку форм, умело подчеркивали перспективу. В то же время для них характерна скрупулезная манера письма в традициях миниатюристов. Такое сочетание нередко приводило к слащавому натурализму.

Осман Хамди (1842-1910) уже смело начинает изображать людей. Широко известны его картины «У писца» (Турция, частное собрание), «У оружейника» (Лондон, Британский музей), «Женщины во дворе мечети» (Турция, собрание Махмуда Джелялэддина), «Женщины в гареме», в которых он сочетает реалистический метод с отдельными приемами миниатюры, в частности композицию строит на резком сопоставлении контрастных цветов и изолированности фигур. Осман Хамди - крупный портретист. Его «Автопортрет в костюме араба» написан в реалистической манере, с любовью к мельчайшим деталям. Но в портретах чувствуются отголоски миниатюры, особенно в сочетании цветовых планов.

В 1908-1910 гг. большая группа турецких художников по окончании Школы изящных искусств была послана в Париж и Мюнхен. Здесь художники познакомились с импрессионизмом, который произвел на них огромное впечатление. С этого момента ряд художников надолго попадает под влияние импрессионизма, совершенно подавившего у них попытки поисков национальных форм. Правда, выразительные средства импрессионистической техники хорошо передавали «турецкий колорит», в экзотике которого черпали вдохновение эти художники,- романтику старого Стамбула, патриархальную тишину кофеен, мечетей и полузаброшенных кладбищ. Но все-таки это было подражание, а не оригинальное искусство. Импрессионистическое течение возглавляли Назми Зия (1881-1937) и Авни Лифиж (1886-1927). Впоследствии часть «турецких импрессионистов» перешла на позиции реализма (Ибраим Чаллы (р. 1884), Намык Исмаиль (1890-1935) и другие, а само это течение постепенно исчезло.

В первой мировой войне Османская империя потерпела поражение и распалась. Над самой Турцией нависла угроза раздела между державами Антанты. Турецкий народ поднялся на борьбу. Антиимпериалистическое национально-освободительное движение 1919-1923 гг., опиравшееся на помощь Советской России, завершилось победой. В Турции произошла буржуазная кемалистская революция. Страна была объявлена республикой.

Буржуазные преобразования сильно ударили по власти духовенства, ликвидировали многие патриархальные и феодальные пережитки. Они окончательно освободили художника от запрета ислама изображать человека. Многие художники участвовали своим творчеством в национально-освободительной борьбе, создав первый в истории страны оригинальный турецкий плакат, отражавший победы на фронте и самоотверженный труд в тылу. В строгом смысле слова это не был плакат - в нем сочетались черты лубка, миниатюры, массовой полиграфической картины, станковой живописи и собственно плаката. В дальнейшем турецкий плакат пропагандировал буржуазные преобразования в быту, успехи культурной революции. По приемам он стал более графичным.

В 20-30-х гг. в турецком изобразительном искусстве противоречиво сочетались различные творческие направления. В связи с ростом национального самосознания усилилось стремление избавиться от иноземных воздействий, обрести свою национальную форму в искусстве. Тем не менее не прекращалось активное взаимодействие с различными, порой прямо противоположными по идейно-художественному содержанию направлениями зарубежного искусства. С одной стороны, турецкое искусство испытывало влияние сезаннизма, кубизма и других формалистических течений, вплоть до абстракционизма, поборниками которых была Стамбульская Академия художеств с ее преподавателями-иностранцами. С другой стороны, на творчество ряда художников в эти годы сильное и благотворное влияние оказывало советское реалистическое искусство и прогрессивное искусство Запада.

Влияние советского искусства объяснялось не только тем, что в те годы существовали дружеские отношения между СССР и Турцией и художники этих стран знакомились с достижениями друг друга, но в какой-то мере и перекличкой тематики. Подобно тому как многие советские полотна того периода воспевали героику гражданской войны, так и турецкие картины отражают преимущественно события национально-освободительной борьбы. «Партизаны» и «Артиллеристы» Ибраима Чалды привлекают внимание реализмом своих образов. В «Последнем снаряде» Намыка Исмаиля драматично, без ложного пафоса передан напряженнейший батальный момент на фоне сдержанно-сурового, полного беспокойства пейзажа. Халиль Ибраим (р. 1906) в картине «Женщина на фронте» показал женщину-бойца; такое изображение женщины как бы приравнивало ее к мужчине, а это отражало громадный сдвиг в общественной жизни Турции.

Реализм нашел воплощение не только в батальных сценах. Много прекрасных произведений вышло из-под кисти Намыка Исмаиля, вообще очень внимательно относящегося к реальному миру. Его «Молотьба» (1930-е гг.; Стамбул, Музей) почти эпическая сцена сельского труда. Он любит красочность и солнечность пейзажей родной страны. В «Анкарской крепости» (Стамбул, Музей) художник ярко передал свое глубокое ощущение турецкой природы. Красоту ландшафтов Анатолии воспевают и реалистические пейзажи интересного живописца Халиля Дикмена.

Намык Исмаиль. Молотьба. 1930-е гг. Стамбул, Музей.

Халиль Дикмен. Анатолийский пейзаж.

Развитие республики выдвинуло совершенно новые для турецких художников темы и задачи. Появились картины, отражающие процесс преобразования культуры: «Пишущий крестьянин», «Революция в письменности», «Женщина за учебой» художников Хасана Фахри и Шерефа. II хотя трактовка образов звучала еще подчас наивно-сентиментально, сама идея - новаторская для турецкого искусства - придавала свежесть творческим замыслам этих картин.

В 1928 г. турецкий художник и искусствовед Нуруллах Берк (р. 1904) создал «Союз независимых художников», переименованный в 1933 г. в «Группу Д». Первоначально целью группы была борьба за самобытность турецкого искусства, против «академистов» как проводников западного влияния. В поисках национальных форм «Группа Д» обратилась к старинным миниатюрам и росписям, к турецкому народному творчеству. Эти поиски дали ряд произведений, отмеченных своеобразной оригинальностью. Так, в работах Тургута Займа (р. 1906) сочетаются традиции декоративного плоскостного искусства с тенденциями реалистического проникновения в тему. Выразительна цветовая гамма. Но типаж несколько Эстетизирован (триптих «Крестьяне», картина «Ковровщицы»). Иногда же традиция у него совсем заслоняет реалистическое видение мира. Например, в «Театре на, открытом воздухе» подражание миниатюре выразилось в вертикальной композиции, расположении персонажей фризообразными рядами, в статичности и угловатости поз.

Этому художнику близок по форме Джеват Дерели (р. 1899; «Анатолийская композиция»). Другой член «Группы Д», Джемаль Толлу (р. 1899), пытается использовать в своем творчестве пластику хеттских барельефов и скульптур. Нарочито примитивными, огрубленными формами своих произведений он подражает тяжелым и шероховатым, но пластически великолепным образцам этого древнейшего искусства («Бог земли»).

В «Группу Д» входили также график Абидин Дино (р. 1913) и скульптор Зюхтю Мюридоглу (р. 1906), давшие ряд интересных работ.

«Группа Д» сыграла определенную положительную роль в развитии турецкого искусства, особенно на первом этапе. Однако в 40-50-х гг. многие ее участники стали на позиции формализма в искусстве (Пуруллах Берн, Абидин Дино), а некоторые пришли к абстракционизму - Сабри Беркель (р. 1908), Бедри Рахми Эйюбоглу (р. 1913). Этому способствовало усиление влияния американских и европейских модернистских течений, чему в свою очередь благоприятствовала политическая обстановка в Турции после второй мировой войны (усиление реакции, отход от кемализма, сближение с империалистическими державами).

В 50-60-е гг. турецкое искусство развивается крайне противоречиво, что выражает обострение борьбы двух культур - прогрессивной и реакционной идеологии. Одна часть художников совершенно подавлена буржуазным модернизмом и рабски подражает ему, другая - внимательно относится к достижениям демократического искусства Европы и Америки. «Европеисты», главным образом художники Стамбула, слепо увлекаются западным, в основном модернистским искусством, а «регионалисты», группирующиеся в Анкаре, упорно ищут национальные турецкие формы, заимствуя в то же время и некоторые черты современного европейского искусства. Лучшие художники из среды «регионалистов» стремятся найти органическое сочетание национальных традиций, достижений мирового искусства и живых образов современности. Они черпают вдохновение в повседневности, в суровой жизни простых людей Турции (например, «Ловцы губок» Салиха Аджара (р. 1927), «Рыбаки» Дурана Караджи и другие произведения). Такое сочетание оказалось наиболее удачным в графике.

Один из талантливейших графиков - Мустафа Аслыэр, гравюры которого завоевали известность даже за пределами Турции. Его любимая тема - сельский быт Анатолии. Гравюры Аслыэра просты и впечатляющи по форме. В них преобладают резкие контуры, лаконичные, порой геометризированные фигуры, смело, ритмично, иногда симметрично расположенные. Художник опирается на народное творчество, широко используя четкий и контрастный рисунок турецких ковров и вышивок. Но при этом всегда для него на первом месте реальное содержание, живой образ.

Мустафа Аслыэр. Гравюра. 1950-е гг.

Невзат Акорал. Буйволы в воде. Гравюра. 1950-е гг.

Творческой манере Аслыэра близок стиль графики Невзата Акорала, Дурана Караджи, Салиха Аджара. Интересна графика Эрдогана Муииса. Ему присущи броские, смелые, как бы небрежно сделанные штрихи. Он живо откликается на все события внутри страны. Его рисунки на общественно-гражданские темы звучат как призывы к борьбе за прогресс, они плакатны в лучшем смысле этого слова. Например, в «Прогрессе и отсталости» символически показана борьба между старым и новым, реакционным и прогрессивным. В «Песнях свободы» изображены демонстранты, падающие под пулями, но не сломленные.

Турецкие художники прогрессивного реалистического направления своим творчеством борются против космополитической безликости абстракционизма и других формалистических течений, нивелирующих национальные особенности искусства. Они борются за самобытное турецкое искусство, отражающее жизнь народа и использующее богатые традиции народного творчества. Этим они вносят свой вклад в мировую культуру.

В архитектуре Турции в первые два десятилетия 20 в. наблюдались робкие попытки «турецкого ренессанса», не выходившие, однако, за рамки возврата к старым формам. Здания банков, министерств, правительственных учреждений строились в виде мечетей и дворцов. Их интерьеры приспосабливались к новым потребностям, а внешний вид воспроизводил старые формы.

После кемалистской революции начались поиски новых форм, которые сочетали бы национальное турецкое своеобразие с достижениями современной западноевропейской и американской архитектуры. При строительстве новой столицы Турции - Анкары впервые была произведена общая планировка города. Однако, несмотря на это, город был застроен разнохарактерно, так как в условиях буржуазного общества оказалось трудно противостоять стихийному потоку строительства. Среди хибар и лачуг, которых особенно много в старой части Анкары, разбросаны новые дома, в большинстве одноэтажные. Зданий в 5-8 этажей мало, а более высоких вообще нет.

Лучшие турецкие архитекторы имеют свой творческий почерк; в своих работах они сочетают конструктивизм с национальными и историческими традициями, увлекаются строгостью форм сельджукской архитектуры. Новые здания имеют скромный и простой облик: гладкие стены, оштукатуренные цементной крошкой, широкие окна и большие лоджии, удобные в южном климате, традиционные плоские крыши. Широко распространены балконы и эркеры. Умело используется декоративная керамика. Особняки украшены гладкими колоннами без баз и капителей, отделаны поливной глазированной мозаикой традиционных цветов - голубого, зеленого» бирюзового, изумрудного.

Бесспорным достижением турецких зодчих Эмина Оната и Орхана Арды является мавзолей Ататюрка - строгий, торжественный, впечатляющий по своей архитектуре.

Многие европейцы запоем рисовали Восток. Но их Восток - это обнажённые женщины в гаремах и банях. У итальянца Фаусто Дзонаро совсем другое видение темы. Это базар, чадры, городские улицы и лица людей. Дзонаро жил в Турции и рисовал для последнего её султана.

Мальчик, который хотел стать художником

Фаусто родился в семье каменщиков. Поколение за поколением его предки работали на стройках, и своему сыну Дзонаро-старший собирался обеспечить такую же карьеру. Но мальчик больше всего на свете хотел рисовать. И… никакого скандала. Нежно любивший его отец согласился. Фаусто стал ходить на учёбу каждый день в училище, расположенное в соседнем городке - за 12 километров. Чтобы обучение было не так разорительно для семьи, ходил он пешком, повесив ботинки на шею - чтобы не стирались. Так что отцу приходилось тратиться только на краски и бумагу.

Мальчик оказался одарён. Стало ясно, что живопись - его призвание. После училища он поступил в Академию изящных искусств в Вероне. Ему помогла меценатка, дворянка Стефания Омбони, поддержавшая немало юных дарований из глубинки. Курс, на котором учился Фаусто, можно назвать золотым - многие из студентов стали потом знаменитыми художниками.

Художник Дзонаро: один из сотен

Образование получают, чтобы потом работать. Вакансии великого или выдающегося художника в газетах не было, и Дзонаро открыл собственную школу рисования, уехав из Вероны в Венецию. Сам он много писал, стараясь найти свой собственный стиль на стыке гладкого линиями итальянского реализма и «неряшливого» французского импрессионизма.

Рисовал всё, что видел. Жанровые сценки с улиц, из мастерских и лавочек; детей, девушек, юношей, мужчин, женщин, стариков; дома, стены, каналы, мостовые. Такие картины разлетались у туристов, как горячие пирожки, и все венецианские художники писали их чуть ли не конвейерным методом. Дзонаро был классом выше большинства коллег, много выставлялся на родине и за границей, получал одобрительные отзывы критиков, но туристы всё равно не отличили бы его полотна от десятков других выставленных на продажу картин со всё теми же мальчишками, цветочницами, лавочниками и праздными барышнями.

В своей школе он познакомился с девушкой по имени Элизабетта Панте. Молодые люди влюбились, женились и съездили в Париж - именно там Фаусто с творчеством импрессионистов и познакомился. Художницы из Элизы не вышло, зато она стала неплохим фотографом.

Дзонаро очень поддерживал герцог Паоло Камерини, как скупая его картины, так и делая крупные заказы, например, на несколько пастельных пейзажей для оформления гостиной. Вообще умение Дзонаро писать выразительные пейзажи послужило на руку его потомкам. Он успел сделать несколько картин, изображающих Пендино, один из самых старых и самых неблагополучных районов Неаполя, за несколько лет до того, как его снесли. В общем, всё шло а тому, что в истории Дзонаро останется как один из множества певцов в Италии. Но случай в лице российского посла в Турции всё изменил.

Улицы Стамбула и дворец султана

В 1892 году Фаусто вместе с семьёй переехал в Стамбул, чувствуя, что в Италии закисает. Жене и детям на новом месте понравилось, да и сам художник воспрял. Как всегда, он немедленно влюбился в улицы нового города. Полотно за полотном заполнялись фигурами людей, составляющих жизнь этих улиц. В Турции было не так много европейских художников, так что, когда послу России Нелидову понадобилось заказать картину, он обратился именно к Дзонаро.

Картина должна была стать подарком султану Абдулу Хамиду. На ней, по желанию заказчика, Дзонаро изобразил турецких кавалеристов, проходящих по мосту под восхищённые взгляды горожан. Полотно султану несказанно понравилось, и в 1896 году Дзонаро был приглашён на должность придворного живописца.

Позже, после переворота, о Фаусто будут вспоминать как о художнике последнего султана Турции. Но тогда ничто, казалось, не предвещало султану печальной судьбы, и Дзонаро рисовал Абдула Хамида и его семью, запечатлевая довольные жизнью, цветущие лица. И, конечно, параллельно писал улицы, улицы, улицы - полные бородачей и женщин в платках. Никто столько не сделал, чтобы оставить портрет самой Турции на рубеже веков, сколько этот итальянец. Неудивительно, что турки его до сих пор обожают.

) прошел в Париже курс обучения портретной живописи, основанный на классическом понимании фигуры, рисунка и анатомии. Но он был художником, картины которого говорят о том, что он был живописцем, предпочитающим пейзаж и натюрморт.

Шекер Ахмет Паша, натюрморт “Айва и гранаты”, 1902

Художник вместо того, чтобы углубляться в детали и отображать реалистичность объектов, предпочитал интерпретировать своё понимание формы и света, экспериментировал на контрастных цветах, использовал для передачи формы резкие переходы светотени, варьировал разными кистями. Объекты ассиметрично располагаясь на холсте, обретали сказочный, романтический и магический отблеск.

Шекер Ахмет Паша “Лесник в лесу”

Хотя автопортрет и был написан согласно канонам французской школы живописи, всё же работа считается выполненной в соответствии с традициями живописцев Османской империи.

Осман Хамди Бей (1842-1910) Девочка с раскосыми глазами, 1882

Осман Хамди Бей, “Девочка с раскосыми глазами”

Намик Исмаил “Медиха Ханым”, 1920

Ибрагим Чаллы “Портрет Фатьмы Джимджоз”, 1933

Авни Лифиж “Портрет великолепной жены Сирель Лифиж”

Шереф Акдик “Портрет отца Кемаль Акдика”

Получив навык каллиграфии от своего отца, знаменитого каллиграфа Камиля Акдика (Kamil Akdik ), в этом деле Шереф (Şeref Akdik ) не просто научился красиво выводить линии, но даже стал мастером. Но призвание и талант привели его в искусство, и он выбрал профессию художника несмотря на то, что быть в то время каллиграфом считалось более престижным. Он создавал крупномасштабные композиции, состоящие из портретных сюжетов, натюрмортов, пейзажей и разных фигур. Темой его картин была жизнь людей Анатолии; в портретах он придерживался академического реалистичного понимания искусства. Однако в его пейзажах разных уголков Анатолии и Стамбула, выполненных техникой акварельной живописи, прослеживался импрессионистский стиль.

Фейхаман Дуран (1886-1970) Портрет супруги Гюзин Дуран, 1921

Фейхеман Дуран “Портрет Гюзин Дуран”, 1921

Портреты Фейхаман Дурана (Feyhaman Duran ) привлекают особенностью – что, имея бросающийся в глаза интерьер, выводят на первый план фигуру модели и делают в картине выразительным лицо.
В картинах раннего периода Фейхаман Дюран уделяет больше внимания деталям: детали одежды, форма волос, аксессуары, выражение лица. В более поздних видно, что он выводит на первый план сущность портрета, используя для этого подробные описательные способы добавленных деталей.

Симпатия в период учёбы между Гюзин Ханым и Фейхаманом Дураном завершилась браком в 1922 году. Картины с образом жены, создаваемые с большой любовью, были символом живописца как портретиста. Фейхаман Дуран в своих портретах задавался целью выразить образ личности и передать состояние внутреннего мира модели. Он говорил: «В портрете есть форма, а есть смысл. Одного из них недостаточно. Сила портрета в этом.»

Если говорить о современной турецкой живописи, то Фейхаман Дуран один из самых сильных мастеров этого направления. Искусство владения кистью, острая чувствительность к добру и злу, чувство цвета, умение с полной силой передавать эмоции человеческого лица можно обозначить его словами: «По-моему, цвет что-то такое же сладкое как конфета. Из глаз светится сладость!»

Нури Ийем (1915-2005) Портрет женщины, 1975

Нури Йем “Портрет женщины”, 1975

Фахрелниса Зейд “Портрет мадам Карон”

Сабри Беркель “Автопортрет”, 1931

Турецкий художник Сабри Беркель (Sabri Berkel ) последователь модернистского направления в живописи, некоторое время увлекался кубизмом, мастер гравюры.

В картинах Сабри Беркеля предметы, даже не проявляя жизни и эмоций на пути к совершенству со всем реализмом противостоят своей природе, а при необходимости превращаются в индивидуальные объекты. Он один из тех художников, в автопортретах которых наблюдается вот эта способность абстрагироваться от реальности и это свойство передает состояние внутреннего мира автора. В этом автопортрете, мы видим в зеркале мужчину с сумасшедшим взглядом. Он запечатлел себя застывшим в одной позе, задержавшим дыхание, сфокусировавшись на одну точку, так, как будто рисунок это всего лишь действие фотографа, который щёлкнул свой кадр и выдал моментальное изображение. Этот автопортрет может напомнить один из автопортретов Ваг Гога. Однако связывать Беркеля с другими художниками не стоит. В этой картине отсутствует эмоциональная составляющая, в ней нет никакого личного сообщения, в ней не передается переживаний, печалей или радостей. По авторской задумке никакие человеческие эмоции не должны перевешивать силу красоты.

Сабри Беркель “Рыбаки”

Хасан Веджихи Берекетоглу (1835-1971) Портрет жены Лейлы Берекетоглу

Хасан Веджихи Берекетоглу

Наджи Калмукоглу “Женский портрет”

Так же в это время он начал подписывать свои картины под псевдонимом Наджи Калмукоглу. Никола сдружился с другими иностранными художниками, волею судьбы оказавшихся в Турции.

Выставка Наджи прошла как фейерверк. Когда он в Анкаре на бульваре им.Ататюрка в бывшей кондитерской Кутлу «Kutlu Pastanesi » выставил 12.02.1942 года 80 своих работ, весь город ахнул. До того времени Анкара такой огромной галереи просто не видела.

Наджи был три раза женат. Все три жены были гречанки. У него один сын от второго брака. Эрол совсем не имеет отношения к искусству. Он переехал жить в Америку.

О смерти Наджи Калмукоглу ходят разные слухи. Он разбился 2 февраля 1951 года, упав с пятого этажа дома на Истекляль Джаддеси, расположенного в центре Стамбула.

Есть несколько версий его нелепой смерти:

• Наджи убила русская разведка.
• Его выкинули с балкона члены неизвестной русской мафиозной группировки.
• Он выбросился сам, увидев кого-то, кого он сильно опасался.
• Он покончил жизнь самоубийством.
• Его выкинул человек, который принадлежал к турецкой разведке.
• Он упал, когда лез через балкон к соседке, с которой он тайно встречался и проникал к ней якобы для того, чтобы рисовать её портрет. Тогда был дождь, и он, говорят, поскользнулся и упал.
• Настоящую причину смерти так никто и не узнал.

) как одного из главных столпов нашего искусства, выбравшего за образец простую и неприхотливую жизнь, приближает его к импрессионистам». Однако сам Эшреф Юрен говорил примерно то, что «сходство между мной и импрессионистами может быть только в том плане, где есть соответствие и принятие цвета. Однако этого не хватает для того, чтобы стать импрессионистом. Луч света в перспективе неба и солнца меня переносит в другое место, и приближает меня к самому себе.»
Эшреф оставил немного портретов. Он больше находил себя в жанре пейзажа, в основном отдавая своё сердце Анкаре. Он отображал город и его окрестности, закаты, снежные мотивы, бульвары и улицы, парки, сверкающий вид фермы под Анкарой.

Джемал Толлу (1899-1968) – Женщина в черном платье, 1930

Джемал Толлу “Портрет женщины в черном”

Джемаль Толлу () в самом начале пути своего творчества работал больше над выполнением фигуры (1932-33). При выполнении своих картин, Джемал Толлу, анализируя портретные модели, создал свой стиль, основанный на понимании деформации фигуры. Видно, что мастер, который хорошо владеет серой палитрой, задает чёткие контуры и светотень для фигуры.

В 1937 году, работая в качестве ассистента в Академии изобразительного искусства под началом профессора искусств Леопольда Леви, художник больше концентрируется на пейзажах.

Hakkı Anlı ). В 1936 году он экспериментировал с фотографией, чтобы понять природу восприятия объектов. Он наполнил свои картины мистизмом, образы его произведений были окутаны таинственностью. Как бы он ни выступал против кубистов, в 1940 примкнул к группе направления кубизма, после чего стал всё больше погружаться в этот жанр, балансируя где-то на грани орфизма.

Фикрет Отьям (1926 -2015) Портрет женщины, 2014

Фикрет Отьям Портрет, 2014

Фикрет Отьям (Fikret Otyam ) один из самых разносторонних людей своего времени. Он работал журналистом, увлекался фотографией, издал несколько книг. Его картины, фотографии и книги - это душевные рассказы о людях юго-восточной Анатолии.

Фикрет Отьям

Из воспоминаний Фикрет Отьяма:
«Моё детство прошло в Анатолии. Поэтому я очень хорошо знаю, кто такие сельские жители. Кстати, когда я поступил в Академию, то и начал рисовать сельских женщин. Даже однажды Халикарнас Балыкчи (Halikarnas Balıkçı известный турецкий писатель), увидев на картинах женщин, воскликнул: “Это что?!!! Как черти!” Конечно, Балычки из Бодрума. Он не знает Малой Азии. «Наши женщины из Анатолии надевают шаровары, скроенные из 8 метров ткани. Вы не можете их знать»,- сказал я. После этого мы подружились. В первой картине я специально акцентировал внимание на глаза. Глаза восточных женщин красивы как глаза маленьких детёнышей ишаков, как глаза прекрасной антилопы. Я их знаю достаточно хорошо, поэтому, друг, не могу сделать другими.»