Откуда и как появился народный театр? Задумывались ли вы над тем, как и когда возник русский театр?Истоки его уходят в глубь веков. Элементы театрального действа содержались в календарных обрядовых играх на святки и масленицу. Их разыгрывали ряженые - люди, переодетые в

Как появился Малый театр? «Прародителем» Малого театра был театр при Московском университете. Его труппа была создана в 1756 году, после Указа Императрицы Елизаветы Петровны, ознаменовавшего рождение профессионального театра в нашей стране: «Повелели мы ныне учредить

Когда появился кукольный театр? Кукольный театр относится к тем видам искусства, которые представлены практически во всех странах мира. Его история насчитывает много тысяч лет и своими корнями уходит в глубокую древность.По-видимому, кукольный театр возник как

Когда и где появился первый человек? В различных местах Земли ученые находили и находят кости древних людей. Широко известны раскопки в долине около селения Неандер (Германия). Позже останки человеческих существ, напоминающие те, что ранее были найдены в Неандере,

Когда в Америке появился первый негр? Вы, наверное, уже слышали, как говорят, что единственные настоящие американцы – это индейцы. Все остальные имеют предков, которые появились здесь из других стран. Негры тоже появились здесь из других стран. Но большинство людей и не

Как появился первый револьвер? В течение долгого времени оружейники разных стран пытались создать многозарядное ручное оружие. Они придумали множество образцов, но самым удачным из них был револьвер, изобретенный американским конструктором С. Кольтом.Изобретатель

Когда появился первый дамский орден? При Петре I было учреждено несколько орденов, но один из них стал первой женской наградой в Российской империи. Он получил название ордена святой великомученицы Екатерины, хотя первоначально назывался орденом Освобождения.Первой

Когда появился первый «толстый» журнал в России? Первым развлекательным журналом принято считать «Библиотеку для чтения», ежемесячный журнал, издававшийся в Петербурге с 1834 по 1865 год. Инициатором издания стал известный книготорговец А. Смирдин.В 1833 году он пригласил

Театр – это вид искусства, основанный на отражении сути вещей при помощи слова, музыки, движения, танца и мимики. Театральная постановка – это необязательно привычный нам спектакль на сцене. К театральному искусству относятся художественная самодеятельность, костюмированные шествия, карнавалы, кукольные и батлеечные представления, интерактивные постановки.

Оперный театр, Чикаго, штат Иллинойс, США

Великий гений У. Шекспир сказал: «Весь мир – театр, а люди в нем актеры!». И оказался прав! Но, театр – это, прежде всего, зрелищная постановка, перевоплощение. Постановка, призванная развлекать, отвлекать и поучать.

Современный детский театр зародился в начале XX века, но его история началась раньше и была непроста.

Начало начал или откуда появился театр

Впервые о театральных представлениях упоминается в истории Древней Греции. Афинский театр V века до н. э. начался с ряженых шествий в честь религиозных праздников и предназначался для небольшой толпы зевак. Но уже тогда это было поучительное зрелище, цель которой – показать величие богов и трагедию святых.

Древний спектакль показывался только один раз! А автор не только писал пьесу, но и был ее участником. Это был тяжелый труд, а постановщики – талантливыми людьми.

Сцена в театральных античных постановках появилась чуть позже, когда представления стали собирать огромное количество народа. Сначала для зрителей были построены деревянные помосты, которые вмещали до 50 тысяч человек. В IV веке до н. э. был построен первый каменный театр.

Античный театр, Афины

Афинский государственный деятель Перикл поощрял заинтересованность малоимущих масс к театральным постановкам. Для этих целей каждому человеку выделялась субсидия для одноразового посещения театра под открытым небом.

В богатых, знатных домах небольшие семейные представления также стали приобретать популярность. В них участвовали все домочадцы: от малышей до взрослых. Такие домашние театры стали показателем высокого просвещения в семье и статуса среди верхушки знати.

Театр «шагает» по планете

С появлением бродячих театральных трупп – театральная «лихорадка» завоевывала территории. Среди простого народа особой популярностью стали пользоваться кукольные постановки, иногда представленные только одним актером. Появились любимые персонажи: например, Полишинель – во французских городах и провинциях, Пульчинелла – на итальянских карнавалах, Витязь Ласло – в венгерских городах, Петрушка – на русских ярмарках. Первые постановки не имели сценария, а действие развивалось в зависимости от обстоятельств, внимания и реакции зрителя.

С развитием кукольного театра религиозная тема стала отходить на второй план. Простые люди охотней шли на представления, где высмеивались власть имущие, а также людские слабости и пороки: лень, жадность, зависть, обжорство, прелюбодеяние. Появились спектакли для детей на основе народных сказок и преданий. На общественных представлениях – это были незатейливые мини-постановки, цель которых была рассмешить зрителя.

Постановки с использованием кукол

Так постепенно, наряду с драмой и трагедией появилось еще одно направление – комедийное. В богатых домах, вместе с незатейливой шуточной постановкой бродячие артисты показывали и серьезные спектакли по народным балладам и великим произведениям.

В России первые спектакли называли игрищами, а актерами были скоморохи. С точки зрения церкви – развлекательная деятельность скоморохов была постыдная и острая сатира не приветствовалась, но и не запрещалась. Первое упоминание о скоморохах датируется 1068 годом.

Первый детский театр в России

Сегодня детский театр – это театральная постановка для юных зрителей по мотивам народных сказок, старинных преданий и современных историй. Причем представления могут быть разными: от классических спектаклей до интерактивных игр. Но в далеком 1779 году все выглядело совершенно не так…

Свою задумку о детском театре гениальный ученый Андрей Тимофеевич Болотов лелеял давно, но осуществить мечту ему удалось только на свое 41-летие. Детский театр, в интерпретации А. Болотова, представлял собой постановку, где в роли артистов выступали юные жители Богородицкого дворца, в т. ч. и его сын – Павел Болотов.

Главной целью детского театра Болотова было обучение юных душ основным принципам морали, различию между: добром и злом, искренностью и фальшью, щедростью и жадностью, трудолюбием и ленью.

Для собственного детского театра А. Болотов сам написал многие пьесы, которые носили воспитательный и назидательный характер. И они не были детскими! Среди них наиболее известны: «Несчастные сироты», «Честохвал», «Награжденная добродетель». Болотов считал, что такие серьезные постановки помогут подготовить ребенка к взрослой жизни. И поэтому никаких поблажек для юных актеров! Дети не играли в постановках – это был труд, тяжелый ежедневный труд, наравне со взрослыми.

Представления первого детского театра в Богородицком дворце собирали аншлаг. На спектакли съезжались люди со всей округи и других городов.

Первый детский театр А. Болотова стал прототипом привычного нам театра: со сценой, зрительным залом, суфлерской будкой, поднимающимся занавесом. А. Т. Болотов был хорошим художником, поэтому все декорации он рисовал сам. Им же были изобретены двойные кулисы, позволяющие быстро сменять декорации.

Вскоре на основателя детского театра начались нападки. Главным обвинением было то, что дети совершенно забросили учебу и трудятся наравне со взрослыми. А. Т. Болотов вынужден был покинуть Богородицк, и с его отъездом театр перестал существовать.

Детский театр для детей

Творческие круги интеллигенции по всему миру обсуждали вопрос о создании театра для детей, но дальше споров и дебатов дело долго не продвигалось. Первый театр для детей был открыт в 1903 году в Нью-Йорке.

Этот опыт американцев переняли только спустя 15 лет и создали первый театр для детей в России при поддержке А. В. Луначарского. Первые репертуары были по мотивам русских народных сказок и классической литературы. В годы советской власти появились школьные и студенческие спектакли на актуальные темы, воспитывающие в молодом поколении дух патриотизма, пионерский героизм, комсомольское мышление.

Сегодня детский театр для детей претерпел многие изменения. Расширился репертуар, ушел в прошлое советский патриотизм, но главная идея А. Болотова сохранилась: через игру, сказку и приключения донести до детей понятия добра и зла, взаимопомощи и безразличия, щедрости и жадности, лени и трудолюбия.

Несмотря на развитие детских каналов на TV, дети с удовольствием приходят на театральные постановки. Если ты один раз побывал в детском театре, то его волшебную атмосферу не забудешь никогда!

Театр для самых маленьких

Все постановки делятся на возрастные категории, например, малыши легко высиживают спектакли малой формы, не более 1 часа. А если еще можно потрогать героя, помочь ему, а также поучаствовать в играх, то восторгу и вовсе нет предела. Да, существуют и такие театры, и называются они интерактивными театрами для детей.

Что же такого необычного несет интерактивный спектакль? Дети – это самые непосредственные, самые любопытные существа на нашей планете. Им мало наблюдать, а надо потрогать, поучаствовать, спеть и даже потанцевать. Но не будем заставлять детей, как А. Т. Болотов, трудиться день и ночь. А просто дадим им возможность очутиться в сказке, поучаствовать в незабываемых приключениях, поиграть в интерактивные игры, научиться быть в составе команды.

Интерактивный спектакль в Бэби театре

Интерактивный детский театр – это первый шаг ребенка на пути к искусству, культуре и просвещению!

С недавнего времени появился новый формат интерактивного детского театра – для самых маленьких. Все спектакли, рассчитанные на столь юный возраст, легки в восприятии, занимательны, кратки, а дополнительный бонус в виде мамы (папы, бабушки…) на заднем плане, недалеко от сцены, поможет малышу быстрее адаптироваться. Да, и еще несколько слов про сцену, кулисы и ровные ряды кресел… В интерактивном театре их нет! Малыш прямо с порога окунается в сказочный мир, где он может проявить себя или остаться просто наблюдателем.

3. Театр и театральные представления в Древней Греции.

4. Трагедии и комедии в древнегреческом театре.

5. Творцы театра.

6. Заключение.

Возникновение театра.
Театр возник в Древней Греции примерно две с половиной тысячи лет назад.
Само слово «театр» греческого происхождения и означает «место для зрелищ».
Театральные представления были любимыми зрелищами древних греков.
Зарождение театра было связано с религией древних греков, а именно с
празднествами в честь бога Диониса – покровителя виноделов. В одном из
мифов рассказывается, что Дионис странствует по всей земле вместе с толпой
своих спутников. Это сатиры – лесные боги, полулюди, полукозлы. У сатиров
длинные хвосты, заострённые уши и копытца. Когда под звуки флейт и свирелей
Дионис приходит в Грецию, то в этой стране начинается весна, теплее
пригревает солнце, расцветают цветы, вся жизнь возрождается заново.
В конце марта в Греции отмечался главный праздник бога виноделия – Великие
Дионисии. Изображая сатиров, греки надевали козлиные шкуры, привязывали
длинные бороды из дубовых листьев, раскрашивали лица или закрывали их
козлиными масками. Весёлое шествие ряженых двигалось по улицам города и
останавливалось где-нибудь на площади. Вперёд выходил запевала. Он нараспев
рассказывал о странствиях Диониса, о его встрече с пиратами и других
приключениях, а остальные ряженые хором подпевали ему. Запевала изображал
то кого-нибудь из героев мифа, то самого Диониса, то одного из сатиров. Сценки,
разыгрываемые участниками праздника, и были первыми театральными
зрелищами: запевала и ряженые являлись актёрами, а зрителями – всё
население города.

Театр и театральные представления в Древней Греции.
В греческих городах с конца 6 в. до н. э. строили для театральных представлений
специальные здания. Почти в каждом греческом городе, включая колонии на
берегахСредиземного и Черного морей, был свой театр, а иногда несколько (так,
в Аттике было больше десяти театров). Каждый из древних театров вмещал по
нескольку тысяч зрителей. Например, театр Диониса в Афинах имел около 17
тысяч мест.
Театр был любимым зрелищем в Древней Греции, все жители стремились
попасть на праздник Диониса, но эти празднества (частью которого и были
театральные представления) устраивались не ежедневно, а лишь дважды в году.
Вечерних спектаклей в Древней Греции не было. В театрах Греции представления
начинались часов в семь утра и продолжались до захода солнца: ставили подряд
несколько спектаклей.
«Древнегреческие театральные билеты»: за вход в театр брали небольшую плату
(в Афинах власть принадлежала простому народу, демосу, поэтому
государство, заботясь о беднейших гражданах, выдавало им деньги на покупку
билетов). Билет был из свинца или обожженной глины. На билете видны буквы
«бета» (В) и «эпсилон» (Е). Буквой указывался один из «клиньев», на которые
театр делился лестницами, расходящимися лучами. В указанном на билете
«клине» можно было занять любое место, начиная со второго ряда. Чтобы не
сидеть на самом верху, греки шли в театр до рассвета. Брали с собой узелок с
пирожками и фляжку с вином, теплый плащ, подушку, которую подкладывали под
себя на каменною скамью. Театр редко бывал полупустым.
Большую часть зрителей составляли мужчины – граждане и приезжие греки.
Женщины, постоянно занятые домашними делами, посещали театр значительно

реже мужчин. Рабы попадали в театр только в качестве слуг, сопровождавших

ростом. Поскольку черты лица актёров были плохо видны из последних рядов

Аристофан выражает интересы аттического крестьянства и средних слоев

Театральные представления наряду с Олимпийскими играми были любимыми
зрелищами эллинов.

Софокл (р. ок. 497-ум. 406 до н.э.) – великий древнегреческий драматург. Творил
в эпоху высшего расцвета афинской рабовладельческой демократии и ее
культуре. Вместе с Периклом Софокл был избран в стратеги (440-439 до н. э.), т.е.
военачальники. Наряду с Эсхилом и Еврипидом Софокл создал и развил
классическую древнеаттическую трагедию ; он увеличил в пьесах количество
актеров с 2 до 3, сократил хоровые части по сравнению с диалогом и действием,
ввел декорации, усовершенствовал маски. Из написанных Софоклом более 120
пьес сохранились 7 трагедий и более 90 отрывков, среди них - фрагмент
сатировской драмы «Следопыты». Популярность Софокла в Афинах
подтверждается тем, что на драматических состязаниях он 18 раз получал первую
награду и никогда не занимал третьего места. Тема трагедий Софокла, тесно
связанные с мифологическими сюжетами. Для драм Софокла характерны
композиционная стройность, соразмерность частей, строгое подчинение частного
общему - художественной идее. Софокл психологически правдиво раскрывает
внутренний мир своих героев. Творчество Софокла оказало большое влияние на
мировую литературу начиная с эпохи Возрождения.
Заключение.
Важнейшим этапом развития театра была театральная культура античности,
В Древней Греции был создан театр, основанный на народных традициях и новой
гуманистической идеологии. Театр занимал важное место в общественной жизни
древнегреческих демократических городов – государств. Его развитие было
неразрывно связано с расцветом греческой драмы. Спектакли греческого театра,
являвшиеся частью народных праздневств, устраиваемых государством,
отражали важнейшие вопросы общественной жизни.

Для любого современного человека театры стали неотъемлемой частью запланированного культурного досуга. И многих интересует история возникновения театра, ведь был же период, когда не было театров? Сложно вспомнить, когда это было, ведь самые первые театры появились еще в первобытных общинах.

В те далекие времена люди еще не понимали, почему идет дождь, отчего вдруг похолодало и, чем они провинились перед Всевышним, что он послал снег или сильный дождь. Чтобы им ничего не угрожало, они старались перед каждым важным событием провести театрализованный обряд. Информация о подобных событиях подарила нам возможность понять, как появился театр и почему ему уделялось такое внимание.

От первобытности к современности

Первобытный театр, естественно, не был похож на современные постановки. Здесь не шла речь о профессионализме или таланте – люди старались театрализовать события так, как они чувствовали, вкладывая в каждое событие, душу и все свои переживания. Они искренне верили, что, чем более эмоционально они смогут представить свою преданность, тем лучше будет, например, урожай. Все это сопровождалось импровизированной музыкой и песнями.

Позже, где-то в третьем тысячелетии до н.э. в Египте уже проводились более организованные театральные сценки о покровителях ремесленников и земледельцев. Греция стала родиной карнавальных представлений, которые организовывались преимущественно под открытым небом. Здесь были популярны народные театры. Актеры практически всегда должны были быть в масках.

Эпоха Возрождения – в этот период ставились преимущественно комедийные представления. Их устраивали на городских площадях, и посмотреть зрелище собиралось множество людей.

Где-то в конце 16 ст. – начале 17 столетия мир узнал оперу, а уже позже, к середине 18 века появился балет, первые оперетты появились только в середине 19 столетия.

Постановки прошлых лет сегодня

Говоря о театре 18-19 столетия, мы уже рассуждаем о представлениях и постановках, в которых принимали участие талантливые актеры. Они ставились на сцене и сами сооружения театров кардинально отличались от первобытных и эпохи Возрождения. Так, еще с конца 19 века к нам пришла великолепная постановка балета «Щелкунчик». И в те времена, и сейчас были доступны не всем. Это связано, конечно же, с большой и постоянно растущей популярностью постановки. Если раньше позволить себе такую роскошь, как театр могли лишь избранные, знатные дамы и господа, то сегодня они доступны каждому. Несмотря на ажиотаж, связанный с билетами, люди продолжают находить альтернативные способы приобретения билетов. Так, к примеру, вы их можете заказать на нашем сайте. Это избавит вас от очередей и непредвиденных неприятных ситуаций.

Сегодня театр приобрел иной облик. Он стал символом и гордостью в каждой стране. Архитектурные ансамбли, декоративное оформление и просторные залы, портреты известных поэтов, постановщиков и создателей театров, как правило, всегда украшают холл. На современной сцене мы часто видим представления, которые впервые ставились еще при Царе. Да, они претерпели некоторые коррективы, возможно, в некоторые были внесены более реальные события, а где-то художественные руководители решили добавить музыкальное оформление, объединив оперу с балетом. Но, тем не менее, это все еще раз подтверждает, что театр был всегда и в прошлом, и в будущем он будет привлекать внимание зрителей, пусть даже на сцене будет представлен спектакль прошлого столетия – это наша история и для многих это важная составляющая формирования культуры и традиций.

Теа́тр (греч. θέατρον - основное значение - место для зрелищ, затем - зрелище, от θεάομαι - смотрю, вижу) - зрелищный вид искусства, представляющий собой синтез различных искусств - литературы, музыки, хореографии, вокала, изобразительного искусства и других и обладающий собственной спецификой: отражение действительности, конфликтов, характеров, а также их трактовка и оценка, утверждение тех или иных идей здесь происходит посредством драматического действия, главным носителем которого является актёр.

Родовое понятие «театр» включает в себя различные его виды: драматический театр, оперный, балетный, кукольный, театр пантомимы и др.

Во все времена театр представлял собой искусство коллективное; в современном театре в создании спектакля, помимо актёров и режиссёра (дирижёра, балетмейстера), участвуют художник-сценограф, композитор, хореограф, а также бутафоры, костюмеры, гримёры, рабочие сцены, осветители.

Развитие театра всегда было неотделимо от развития общества и состояния культуры в целом, - с особенностями общественного развития были связаны его расцвет или упадок, преобладание в театре тех или иных художественных тенденций и его роль в духовной жизни страны.

ТЕАТР (от греч. theatron – места для зрелища, зрелище), основной род зрелищного искусства. Родовое понятие театра подразделяется на виды театрального искусства: драматический театр, оперный, балетный, театр пантомимы и т.д. Происхождение термина связано с древнегреческим античным театром, где именно так назывались места в зрительном зале (от греческого глагола «теаомай» – смотрю). Однако сегодня значение этого термина чрезвычайно многообразно. Его дополнительно употребляют в следующих случаях:

1. Театром называют здания, специально построенные или приспособленные для показа спектаклей («Театр уж полон, ложи блещут» А.С.Пушкин).

2. Учреждение, предприятие, занимающееся показом спектаклей, а также весь коллектив его сотрудников, обеспечивающих прокат театральных представлений (Театр Моссовета; гастроли Театра на Таганке и т.п.).

3. Совокупность драматургических или сценических произведений, структурированных по тому или иному принципу (театр Чехова, театр эпохи Возрождения, японский театр, театр Марка Захарова и т.д.).

4. В устаревшем значении (сохранившемся только в театральном профессиональном арго) – сцена, подмостки («Благородная бедность хороша только на театре» А.Н.Островский).

5. В переносном значении – место каких-либо происходящих событий (театр военных действий, анатомический театр).

Как и любой другой вид искусства (музыка, живопись, литература), театр обладает своими, особыми признаками. Это искусство синтетическое: театральное произведение (спектакль) складывается из текста пьесы, работы режиссёра, актёра, художника и композитора. В опере и балете решающая роль принадлежит музыке.

Театр - искусство коллективное. Спектакль - это результат деятельности многих людей, не только тех, кто появляется на сцене, но и тех, кто шьёт костюмы, мастерит предметы реквизита, устанавливает свет, встречает зрителей. Недаром существует определение "работники театрального цеха": спектакль - это и творчество, и производство.

Театр предлагает собственный способ познания окружающего мира и, соответственно, собственный на бор художественных средств. Спектакль - это и особое действие, разыгранное в пространстве сцены, и особое, отличное, скажем, от музыки образное мышление.

В основе театрального представления лежит текст, например пьеса для драматического спектакля. Даже в тех сценических постановках, где слово как таковое отсутствует, текст бывает необходим; в частности, балет, а иногда и пантомима имеет сценарий - либретто. Процесс работы над спектаклем состоит в перенесении драматургического текста на сцену - это своего рода "перевод" с одного языка на другой. В результате литературное слово становится словом сценическим.

Первое, что видит зритель после того, как откроется (или поднимется) занавес, - это сценическое пространство, в котором размещены декорации. Они указывают место действия, историческое время, отражают национальный колорит. При помощи пространственных построений можно передать даже настроение персонажей (например, в эпизоде страданий героя погрузить сцену во мрак или затянуть её задник чёрным). Во время действия с помощью специальной техники декорации меняют: день превращают в ночь, зиму - в лето, улицу - в комнату. Эта техника развивалась вместе с научной мыслью человечества. Подъёмные механизмы, щиты и люки, которые в давние времена приводились в действие вручную, теперь поднимает и опускает электроника. Свечи и газовые фонари заменены на электролампы; часто используют и лазеры.

Ещё в античности сформировалось два типа сцены и зрительного зала: сцена коробка и сцена амфитеатр. Сцена коробка предусматривает ярусы и партер, а сцену амфитеатр зрители окружают с трёх сторон. Сейчас в мире используют оба типа. Современная техника позволяет изменять театральное пространство - устраивать помост посреди зрительного зала, сажать зрителя на сцену, а спектакль разыгрывать в зале.Большое значение всегда придавали театральному зданию. Театры обычно строились на центральной площади города; архитекторы стремились, чтобы здания были красивыми, привлекали внимание. Приходя в театр, зритель отрешается от по вседневной жизни, как бы поднимается над реальностью. Поэтому не случайно в зал часто ведёт украшенная зеркалами лестница.

Усилить эмоциональное воздействие драматического спектакля помогает музыка. Иногда она звучит не только во время действия, но и в антракте - чтобы поддержать интерес публики. Главное лицо в спектакле - актёр. Зритель видит перед собой человека, таинственным способом превратившегося в художественный образ - своеобразное произведение искусства. Конечно, произведение искусства - не сам исполнитель, а его роль. Она творение актёра, созданное голосом, нервами и чем то не уловимым - духом, душой. Чтобы действие на сцене воспринималось как цельное, необходимо его продуманно и последовательно организовать. Эти обязанности в современном театре выполняет режиссёр. От таланта актёров в спектакле зависит, конечно, многое, но тем не менее они подчинены воле руководителя - режиссёра. Люди, как и много веков назад, приходят в театр. Со сцены звучит текст пьес, преображённый силами и чувствами исполнителей. Артисты ведут свой диалог - и не только словесный. Это беседа жестов, поз, взглядов и мимики. Фантазия художника декоратора с помощью цвета, света, архитектурных сооружений на площадке заставляет пространство сцены "заговорить". И всё вместе заключено в строгие рамки режиссёрского замысла, что придаёт разнородным элементам завершённость и цельность.

Зритель сознательно (а порой и бессознательно, будто против воли) оценивает игру актёров и режиссуру, соответствие решения театрального пространства общему замыслу. Но главное - он, зритель, приобщается к искусству, непохожему на другие, творимому здесь и сейчас. Постигая смысл спектакля, он постигает и смысл жизни. История театра продолжается.

Виды и жанры театрального искусства

ВОДЕВИЛЬ - вид комедии положении с песнями-куплетами и танцами. Возник во Франции; с начала XIX в. получил общеевропейское распространение. Лучшим произведениям присуши задорное веселье, злободневное отображение действительности.

ДРАМА - один из ведущих жанров драматургии, начиная с эпохи Просвещения, в котором изображается мир реального человека в его остроконфликтных, но не безысходных отношениях с обществом или собой. В XX в. драма отличалась серьезным содержанием, отражала различные аспекты жизни человека и общества, исследовала человеческую психологию.

КОМЕДИЯ - вид драмы, в котором действие и характеры трактованы в формах комического. Как и трагедия, родилась в Древней Греции из обрядов, сопровождавших шествия в честь бога Диониса. Комедия, трезво исследуя человеческую природу, высмеивала пороки и заблуждения людей. Лучшие образцы этого жанра отличаются бескомпромиссность» анализа, остротой и смелостью в высмеивании пороков общества. В разных странах возникали свои варианты комедии. Известны «ученая» комедия итальянских гуманистов и испанская комедия Лопе де Вега и Кальдерона, английская комедия эпохи Возрождения, французская классицистская комедия эпохи Просвещения, русская реалистическая комедия. По принципу организации действия различают комедию характеров, положений, идей. По типу Сюжетов комедии могут быть бытовыми и лирическими, по характеру комического - юмористическими, сатирическими.

МЕЛОДРАМА - пьеса с острой интригой, преувеличенной эмоциональностью, резким противопоставлением добра и зла, морально-поучительной тенденцией. Возникла в конце XVII в. во Франции, в России - в 20-е гг. XIX в.

МИМ - комедийный жанр в античном народном театре, короткие импровизационные сценки сатирического и развлекательного характера.

ОПЕРА - жанр музыкально-драматического искусства, в котором содержание воплощается средствами музыкальной драматургии, главным образом посредством вокальной музыки. Литературная основа оперы - либретто. В этом музыкальном жанре слиты в единое целое поэзия и драматическое искусство, вокальная и инструментальная музыка, мимика, танцы, живопись, декорации и костюмы.

МИСТЕРИЯ - жанр средневекового западноевропейского религиозного театра. Мистерии представлялись на площадях городов. Религиозные сцены в них чередовались с интермедиями.

МОНОДРАМА - драматическое произведение, исполняемое одним актером.

МОРАЛИТЕ - жанр западно-европейского театра XV-XVI вв., назидательная аллегорическая драма, персонажи которой олицетворяли различные добродетели и пороки.

МЮЗИКЛ - музыкально-сценическое произведение, главным образом комедийного характера, в котором используются средства эстрадной и бытовой музыки, драматического, хореографического и оперного искусств, жанр сформировался в США в конце XIX в.

ПАРОДИЯ - 1) жанр в театре, на эстраде, сознательная имитация в сатирических, иронических и юмористических целях индивидуальной манеры, стиля, стереотипов речи и поведения; 2) искаженное подобие чего-либо.

ПАСТОРАЛЬ - опера, пантомима или балет, сюжет которых связан с идеализированным изображением пастушеской жизни.

СОТИ - комедийно-сатирический жанр французского театра XV-XVII вв., разновидность фарса.

ТРАГЕДИЯ (в переводе с греческого - «песнь козлов») - вид драмы, проникнутый пафосом трагического. В античности отображал непосредственную жизнь персонажей трагических событий, действие преобладало над рассказом. В эпоху Возрождения в пьесах было отброшено считавшееся обязательным единство действия, трагическое часто соединялось с комическим. В дальнейшем трагедия строго регламентируется: опять преобладает единство действия, места и времени; наблюдается размежевание комического и трагического. В современном театре трагедия в чистом виде встречается редко. Основу трагедии составляют острые общественные конфликты, коренные проблемы бытия, столкновения личности с судьбой и обществом. Трагическая коллизия обычно разрешается гибелью героя.

ТРАГИКОМЕДИЯ - драматическое произведение, обладающее признаками как комедии, так и трагедии. В основе ее лежит ощущение относительности существующих критериев жизни; одно и то же явление драматург видит и в комическом, и в трагическом освещении, характерна для XX в.

ФАРС - 1) вид средневекового западно-европейского народного театра бытового комедий но-сатирического характера, существовавший в XIV-XVI вв. Близок немецкому фастнахтшпилю, итальянской комедии дель арте и др.; 2) в театре XIX-XX вв. комедия-водевиль легкого содержания с чисто внешними комическими приемами.

ФЕЕРИЯ - жанр театральных спектаклей, в которых для фантастических сцен применяются постановочные эффекты. Возник в Италии в XVII вв.

ФЛИАКИ - народные театральные представления в Древней Греции, особенно распространенные в III-IV вв. до н.э. в греческих колониях: короткие импровизационные шутки-сценки из повседневной жизни о веселых похождениях богов и героев.

2. Театр Древней Греции .

Возникновение театра в древней Греции.

Театр - одно из древнейших искусств. Его истоки теряются в первобытном обществе. Театр возник из народных охотничьих и земледельческих игр, носящих магический характер. Веря, что подражание животному, его внешности и повадкам может повлиять на результат охоты, первобытные люди устраивали пляски одетых в звериные шкуры людей.

С возникновением земледелия появились празднества, отмечавшие сбор урожая. На празднике в честь бога виноделия Диониса виноградари в козлиных шкурах изображали различные эпизоды из жизни Диониса, воспевали силу виноградной лозы, дающей радость.

Из этой песни людей в козлиных шкурах возникла трагедия (трагос - по-гречески «козел»).

Из этих же праздников, посвященных Дионису, возникла и комедия (от слова комос - необузданное веселье). Комедия в отличие от серьезных и скорбных трагедий возбуждала смех.

Со временем греческие театральные зрелища утратили связь с почитанием бога Диониса, они рассказывали о жизни других греческих богов, героев, а также об обыкновенных людях.

Устройство театра в древней Греции .

Театры в Древней Греции строились под открытым небом, на склоне гор и холмов. Они были рассчитаны на несколько тысяч, а то и на несколько десятков тысяч зрителей. Зрители сидели на поднимавшихся уступами каменных скамьях лицом к широкой круглой или квадратной площадке - орхестре.

Греческий театр. В центре - орхестра. На ней справа и слева - хор, посередине - статуя Диониса. Орхестру замыкает скёнэ - крытое помещение ДЛЯ переодевания актеров. Перед скенэ - три актера. Рисунок современного художника по данным раскопокГреческий театр. В центре - орхестра. На ней справа и слева - хор, посередине - статуя Диониса. Орхестру замыкает скёнэ - крытое помещение ДЛЯ переодевания актеров. Перед скенэ - три актера. Рисунок современного художника по данным раскопок

На орхестре находились актеры и хор, одетые в соответствии С пьесой.

Позади орхестры имелось помещение для переодевания актеров- скещ (отсюда современное название-сцена). В нем актеры надевали одежды и большие ярко раскрашенные маски. Первоначально маски изготовлялись из дерева, а затем из полотна, пропитанного гипсом и покрытого краской. Маски позволяли всем зрителям, даже сидящим очень далеко, видеть соответствующее действию «выражение лица» - скорбное, страдальческое, строгое, веселое. Помимо этого, широко раскрытый рот маски создавал нечто вроде рупора, усиливая голос актера.

Рост актера увеличивался при помощи так называемых котурнов - сандалий с очень толстой подошвой. Женские роли в греческом театре исполнялись мужчинами.

Трагические и комические поэты в древней Греции.

В Афинах устраивались состязания трагических и комических поэтов. Каждый из них должен был написать и поставить три пьесы. Победитель награждался венком из вечнозеленого лавра. Знаменитые греческие трагические поэты V в. до н. э. - Эсхйл, Софокл и Эврипид. Участник греко-персидских войн Эсхил в трагедии «Персы» осудил персидского деспота Ксеркса за жестокость и своеволие, воспел отвагу греков в борьбе за свободу родины. Герои многих трагедий Эсхила - боги и полубоги. В трагедии «Прикованный Прометей» герой мифа, титан Прометей, изображен бескорыстным другом и благодетелем человечества, смелым борцом против произвола и насилия, воплощенного в образе Зевса.

В трагедиях Софокла действуют не столько боги, сколько люди. В трагедии «Антигона» изображена смелая женщина, выступившая против несправедливого решения царя и за это приговоренная к казни. Антигона мужественно встретила приговор. Погибнув, она одержала победу, так как сам царь впоследствии раскаялся и отменил, хотя и поздно, свой приговор. Трагедия «Антигона» была страстным призывом к человечности, к верности долгу, к справедливости.

Эврипид приблизил трагедию к зрителю, сделал ее более понятной и актуальной. Поэт смело поднимает волнующие многих современников вопросы о несправедливости неравенства женщины. Он изображает людей со всеми их страстями, чувствами и стремлениями, показывает иДревнегречес¬кий актер. На лице его - трагическая маска. На ногах-котурны. Статуэтка из слоновой кости, раскрашенная краскамиДревнегречес¬кий актер. На лице его - трагическая маска. На ногах-котурны. Статуэтка из слоновой кости, раскрашенная краскамих такими, какими они есть в жизни.

Крупнейшим комическим поэтом был Аристофан. В своих произведениях он зло разоблачал недостатки современной ему афинской демократии, выставляя в смешном виде многих ее руководителей. Аристофан резко выступал против войн между греками, выгодных лишь кучке рабовладельцев, прославлял людей мирного труда. Во многих комедиях Аристофана высмеиваются лживость, жадность и несправедливость олимпийских богов. Так, в комедии «Птицы» он изображает Зевса вором и обманщиком, Посейдона - взяточником, Геракла - обжорой. Комедии Аристофана пользовались в народе заслуженным успехом.

Значение греческого театра.

Театр был величайшей силой в греческих государствах. Авторам трагедий и комедий внимал весь народ. Песня хора из трагедии «Антигона» - «Много есть чудес на свете, человек их всех чудесней» - стала любимой песней афинян.

Театр называли «школой для взрослых». Он воспитывал любовь к родине, уважение к труду, мужество и другие замечательные качества, подмечал недостатки в устройстве общества.

Греческий театр оказал огромное влияние на развитие театрального искусства народов современной Европы. Театр нашего времени заимствовал не только терминологию греческого театра, но и обязан грекам многими своими особенностями и приемами. Пьесы древнегреческих драматургов, созданные более двух тысяч лет назад, оказали влияние на творчество многих великих драматических писателей нового времени. В нашей стране и некоторых других странах до сих пор ставятся на сцене пьесы Эсхила, Софокла и Эврипида. По специальному решению Всемирного Совета Мира все прогрессивное человечество недавно отметило юбилей Аристофана. Мысли и чувства людей отдаленной эпохи, выраженные в трагедиях и комедиях греков, волнуют нас.

3. Творчество Эсхила, Софокла, Еврипида, Аристофана .

Эсхил

Подлинным основоположником трагедии стал Эсхил. Он автор более семидесяти произведений, из которых до нас дошли только семь: «Персы», «Умоляющие», «Семеро против Фив», «Прикованный Прометей», «Агамемнон», «Хоэфоры», «Эвмениды». Все пьесы Эсхила пронизаны сильным религиозным чувством, в их основе - конфликт между человеческими страстями и духовностью.

Эсхил был основоположником гражданской по своему идейному звучанию трагедии, современником и участником греко-персидских войн, поэтом времени становления демократии в Афинах. Главный мотив его творчества – прославление гражданского мужества, патриотизма. Один из самых замечательных героев трагедий Эсхила – непримиримый богоборец Прометей – олицетворение творческих сил афинян. Это образ несгибаемого борца за высокие идеалы, за счастье людей, воплощение разума, преодолевающего власть природы, символ борьбы за освобождение человечества от тирании, воплощенной в образе жестокого и мстительного Зевса, рабскому служению которому Прометей предпочел муки.

Софокл

Софокл написал 125 драмы, из которых сохранились семь трагедий: «Антигона», «Аякс», «Эдип-царь», «Электра» и др. По мнению Аристотеля, Софокл изображал людей идеальных, тогда как Еврипид - таких, какие они есть на самом деле. Еврипид являлся скорее комментатором, а не участником событий, глубоко интересовался женской психологией. Наиболее известными из 19 дошедших до нас произведений являются «Медея» и «Федра».

Особенностью всех древних драм был хор, который пением и танцами сопровождал все действие. Эсхил ввел двух актеров вместо одного, уменьшив партии хора и сосредоточив основное внимание на диалоге, что стало решительным шагом для превращения трагедии из чисто мимической хоровой лирики в подлинную драму. Игра двух актеров давала возможность усилить напряженность действия. Появление третьего актера – нововведение Софокла, которое позволило обрисовать различные линии поведения в одном и том же конфликте.

Еврипид

В своих трагедиях Еврипид отразил кризис традиционной полисной идеологии и поиски новых основ мировоззрения. Он чутко откликался на животрепещущие вопросы политической и социальной жизни, и его театр представлял собой своеобразную энциклопедию интеллектуального движения Греции во второй половине V в. до н. э. В произведениях Еврипида ставились разнообразные общественные проблемы, излагались и обсуждались новые идеи.

Античная критика называла Еврипида «философом на сцене». Поэт не являлся, однако, сторонником определенного философского учения, и его взгляды не отличались последовательностью. Двойственным было его отношение к афинской демократии. Он прославлял ее как строй свободы и равенства, вместе с тем его пугала неимущая «толпа» граждан, которая в народных собраниях решала вопросы под влиянием демагогов. Сквозной нитью, через всё творчество Еврипида проходит интерес к личности с ее субъективными устремлениями. Великий драматург изображал людей с их влечениями и порывами, радостями и страданиями. Всем своим творчеством Еврипид заставлял зрителей раздумывать над своим местом в обществе, над отношением к жизни.

Аристофан

Самым известным автором комедии был Аристофан, умевший направлять свои сатирические «стрелы» против современных ему политических деятелей, писателей, философов. Наиболее яркие его произведения - «Осы», «Лягушки», «Облака», «Лисистрата». Герои комедий Аристофана - не легендарные личности, а жители современных Аристофану Афин: торговцы» ремесленники, рабы. В комедиях нет такого почтения к богам, как в трагедиях. Их иногда даже высмеивали.

Аристофан дает смелую сатиру на политическое и культурное состояние Афин в то время, когда демократия начинает переживать кризис. В его комедиях представлены различные слои общества: государственные деятели и полководцы, поэты и философы, крестьяне и воины, городские обыватели и рабы. Аристофан достигает острых комических эффектов, соединяя реальное и фантастическое и доводя осмеиваемую идею до абсурда. У Аристофана гибкий и живой язык, то приближающийся к обыденному, подчас очень грубый и примитивный, то пародийно-приподнятый и богатый неожиданными комедийными словообразованиями.

Науки и литература Древней Греции создавались свободными людьми, одаренными поэтически-мифологическим восприятием мира. Во всем, что постигал грек, он открывая гармонию, будь мироздание или человеческая личность. В своем мифологическом восприятии грек одухотворял все, чего касалось его сознание. Гармоничность и одухотворенность- вот что определяет органичность и целостность греческой культуры и в первую очередь - искусство.

4. Театр Древнего Рима .

В III--II веках до н. э. большую роль в Риме занимает театр, сюжеты пьес заимствованы у греков, но действующие лица имеют римское происхождение.

Римский театр возник, когда разложился патриархально-родовой строй. Он не знал общественно-хороводных форм греческого театра и не опирался на самодеятельность городского населения. Римский театр сразу был профессиональным.

Римский театр не был связан с культом божества, как в Греции, поэтому он не имел того же общественного значения. Актёры были не уважаемыми, а презираемыми людьми. Их набирали из числа рабов и вольноотпущенников и за плохое исполнение могли побить. Спектакли ставились в честь государственных праздников, а также в любое другое время по инициативе кого-либо из знатных граждан.

Долгое время в Риме не существовало постоянных театральных зданий.

Для представлений строились специальные временные деревянные сооружения, которые по окончании представления ломались. Сценической площадкой был деревянный помост, поднятый над землёй на половину человеческого роста. К нему вели три узких лесенки в несколько ступеней - по ним поднимались персонажи, приехавшие (по сюжету) из другого города. Фоном служила задняя стена балагана с занавеской. Для зрителей ставили скамьи, но иногда смотреть спектакли разрешалось только стоя.Так играли довольно долго, в том числе и комедии Плавта.

Однако с развитием драматургии вырастала необходимость вносить изменения и в исполнение. Необходимость постройки постоянного специального театрального здания в Риме обсуждалась сенатом. Однако сенат считал, что театр изнеживает юношество и развращает женщин - и в 154 году прекратил начатое несколько лет назад строительство каменного театра.

Первый постоянный каменный театр был сооружён около 55 г. до н.э. полководцем Гнеем Помпеем Великим и вмещал 17 тысяч зрителей.

Римский театр отличался от греческого. Размеры орхестры уменьшились наполовину, она превратилась в полукруг. (в эллинистическом театре орхестра занимала три четверти круга).

У этрусков и римлян, как и у всех народов, существовали обрядовые и культовые песни и игры, бытовал и театр народной комедии, идущий от этрусков театр гистрионов, к греческому миму был близок народный театр ателана (от города Ателлы) с постоянно действующими лицами-масками: глупец Буккон, дурак Макк, простак Папп, хитрец Доссен. Поскольку театральное представление не было связано с культом божества, а приурочивалось к праздникам, цирковым представлениям, гладиаторским боям, триумфам и погребениям государственных деятелей, освящениям храмов, то римский театр носил прикладной функциональный характер. Римская республика, а тем более империя, была государством олигархического типа, поэтому развитие культурной жизни также пошло по-другому, что сказалось и на театре. Он не мог пустить глубокие корни при таких условиях. Иным, чем в Греции, был статус актера. В отличие от греческого, он не был полноправным членом общества и его профессия презиралась.

Организация римского театра имела свою специфику. Хор не участвовал в представлении, актеры не носили масок. Проблематика римской драматургий не поднималась до нравственной высоты древнегреческой. До нашего времени полностью дошли сочинения лишь двух драматургов: Плавта и Теренция, комедиографов, один из которых происходил из низших слоев общества, а другой был рабом, отпущенным хозяином на волю за талант. Сюжеты их комедий были почерпнуты из пьес новоаттической комедии, их главный герой - ловкий пронырливый раб. Трагический жанр представлен только произведениями Сенеки, философа-стоика, который писал пьесы на мифологические сюжеты для узкого круга избранных, и они, строго говоря, не имеют отношения к театру.

С утверждением Римской империи большое распространение получают пантомимы. Тем не менее римская драматургия оказала большое влияние на драматургию нового времени периода классицизма: Корнеля, Расина (в послеантичной Европе греческий язык был известен немногим).

5. Организация театральных представлений в Древней Греции и Древнем Риме .

В Риме, так же как и в Греции, театральные представления происходили нерегулярно, а приурочивались к определенным праздникам. Вплоть до середины 1в. до.н.э. в Риме не было построено каменного театра. Спектакли проходили в деревянных сооружениях, которые после их окончания разбирались. Особых мест для зрителей в Риме первоначально не устраивали, и они смотрели "сценические игры" стоя или сидя на склоне примыкавшего к сцене холма.

Первый каменный театр в Риме был построен Помпеем во второе его консульство, в 55 г. до н.э. После него в Риме были построены и другие каменные театры.

Особенности римского театрального здания были следующие: места для зрителей представляли собой точный полукруг; полукруглая орхестра предназначалась не для хора (его в римском театре уже не было), а была местом для привилегированных зрителей; сцена была низкой и глубокой.

Постановки римского театра отличались зрелищностью и предназначались главным образом для плебейских зрителей. "Хлеба и зрелищ" этот лозунг был очень популярен среди простых людей в Риме. У истоков римского театра стояли люди низкого звания и вольноотпущенники.

Одним из источников театральных представлений в Риме были народные песни. К их числу относятся фесценины - едкие, злые стишки, которыми перебрасывались ряженые сельские жители во время праздников урожая. Многое пришло в театр от ателланы - народной комедии масок, зародившейся у племен осков, живших на территории Италии близ города Ателлы.

Ателлана принесла в римский театр установившиеся маски, берущие свое начало в древних этрусских сатурнинских играх, проводимых в честь древнеиталийского бога Сатурна. В ателлане были четыре маски: Макк - дурак и обжора, Букк - глупый хвастун, пустослов и простак, Папп - простоватый дурашливый старичок и Доссен - уродливый ученый-шарлатан. Эта милая компания на протяжении длительного времени веселила честной народ.

Следует назвать и еще древнейший вид драматического действия - мим . Первоначально это была грубоватая импровизация, исполнявшаяся на итальянских праздниках в частности на весеннем празднике Флоралий, а впоследствии мим стал литературным жанром.

В Риме было известно несколько жанров драматических представлений. Еще поэт Гней Невий создал так называемую претекстату-трагедию, действующие лица которой носили претексту - одежду римских магистратов.

Комедия в Риме была представлена двумя видами; комедия тогата и комедия паллиата. Первая - веселая пьеса, основанная на местном ителийском материале. Ее персонажами были люди простого звания. Свое название тогата получила от верхней римской одежды - тоги. Авторы таких комедий Титиний, Афраний и Атта известны нам лишь по отдельным сохранившимся фрагментам. Название комедии паллиата было связано с коротким греческим плащом - pallium. Авторы этой комедии обращались прежде всего к творческому наследию греческих драматургов, представителей новоаттической комедии - Менандру, Филемону и Дифилу. Римские комедиографы часто в одной комедии соединяли сцены из разных греческих пьес.

Самыми известными представителями комедии паллиата являются римские драматурги Плавт и Теренций.

Плавт, которому мировой театр обязан многими художественными открытиями (неотъемлемой частью действия стала музыка, она звучала и в лирических, и в острокомедийных сценах), был личностью универсальной: он писал текст, играл в спектаклях, которые сам же ставил ("Ослы", "Горшок", "Хвастливый воин", "Амфитрион" и др.). Он был подлинно народным художником, как и его театр.

Теренция более всего интересуют семейные конфликты. Он изгоняет из своих комедий грубый фарс, делает их утонченными по языку, по формам, в которых выражаются человеческие чувства ("Девушка с Андоса", "Братья", "Свекровь"). Не случайно в эпоху Возрождения опыт Теренция так пригодился новым мастерам драматургии и театра.

Нарастание кризиса привело к тому, что древнеримская драматургия либо пришла в упадок, либо реализовалась в формах, не связанных собственно с театром. Так крупнейший трагический поэт Рима Сенека пишет свои трагедии не для представления, а как "драмы для чтения". Зато ателлана продолжает развиваться, число ее масок пополняется. В ее постановках нередко затрагивались политические и социальные проблемы. Традиции ателланы и мима, по сути дела, никогда не умирали в народе они продолжали существовать в эпоху средневековья и в эпоху Возрождения.

В Риме достигло очень высокого уровня мастерство актеров. Любовью и уважением публики пользовались трагический актер Эзоп и его современник комический актер Росций (1 в. до н.э.).

Театр античного мира стал неотъемлемой частью духовного опыта всего человечества, заложил многое в основу того, что мы сегодня зовем современной культурой.

6. Театр эпохи Средневековья . Религиозный и народный театр

История средневекового театра - это культурный срез целой эпохи (средневековье - эпоха феодального строя, V-XVII вв.), по которому можно изучать сознание средневекового человека. В сознании этом противоречиво соединялись здравый народный смысл и самые причудливые суеверия, истовость веры и насмешка над церковными догматами, стихийное жизнелюбие, тяга к земному и суровый, насаждаемый церковью аскетизм. Нередко народные, реалистические начала вступали в конфликт с идеалистическими религиозными представлениями и «земное» брало верх над «небесным». И сам средневековый театр зародился в глубинных пластах народной культуры.

Еще на исходе раннего средневековья на площадях и улицах городов и в шумных тавернах появлялись странствующие забавники - гистрионы. Во Франции их называли жонглерами, в Англии - менестрелями, на Руси - скоморохами. Искусный гистрион являл собой театр одного актера. Он был фокусником и акробатом, плясуном и музыкантом, мог показать номер с обезьянкой или медведем, разыграть комическую сценку, пройтись колесом или рассказать удивительную историю. В этих рассказах и представлениях жил веселый дух ярмарки, вольной шутки.

Еще более дерзостным было искусство вагантов. Здесь царили пародия и сатира. Ваганты, или «бродячие клирики», - это недоучившиеся семинаристы и расстриги-попы. На мотивы церковных гимнов они распевали хвалу «Бахусу всепьющему», пародировали молитвы и церковные службы. Гистрионы и ваганты, гонимые церковью, объединялись в братства, притягивая к себе самый разный люд. Таким, например, было во Франции «Братство беззаботных ребят» во главе с Принцем Дураков. «Ребята» разыгрывали потешные «дурацкие» действа (соти́), в которых высмеивалось всё и вся, а церковь представала в облике Матери-Дурехи.

Церковь преследовала гистрионов и вагантов, но уничтожить любовь народа к театральным зрелищам была бессильна. Стремясь сделать церковную службу - литургию более действенной, духовенство начинает само использовать театральные формы. Возникает литургическая драма на сюжеты из Священного писания. Её разыгрывали в храме, а позже на паперти или церковном дворе. В XIII-XIV вв. появляется новый жанр средневекового театрального представления - миракль («чудо»). Сюжеты мираклей заимствуются из легенд о святых и деве Марии. Один из самых известных - «Миракль о Теофиле» французского поэта XIII в. Рютбефа.

Вершина средневекового театра - мистерия .

Расцвет этого жанра приходится на XV в. В мистериях участвовало практически все население города: одни - в качестве актеров (до 300 и более человек), другие - зрителей. Представление приурочивалось к ярмарке, к торжественному случаю и открывалось красочным шествием горожан всех возрастов и сословий. Сюжеты брали из Библии и Евангелия. Действа шли с утра до вечера в течение нескольких дней. На деревянном помосте сооружались беседки, в каждой из которых происходили свои события. На одном конце помоста находился богато украшенный Рай, на противоположном - Ад с разверстой пастью дракона, орудиями пыток и огромным котлом для грешников. Декорации в центре были предельно лаконичны: надписи над воротами «Назарет» или золоченого трона было достаточно, чтобы обозначить город или дворец. На подмостках появлялись пророки, нищие, черти во главе с Люцифером... В прологе изображали небесные сферы, где Бог-отец восседал в окружении ангелов и аллегорических фигур - Мудрости, Милосердия, Справедливости и т. д. Потом действие перемещалось на землю и дальше - в Ад, где сатана поджаривал грешные души. Праведники выходили в белом, грешники - в черном, черти - в красных трико, разрисованных страшными «рожами».

Наиболее патетические моменты в представлениях были связаны со скорбящей Богоматерью и страданиями Иисуса. В мистерии были и свои комические персонажи: шуты, нищие, черти, которых побаивались, но частенько дурачили. Патетическое и комическое сосуществовали, не смешиваясь друг с другом. События развивались при самом пристальном внимании и вмешательстве высших и низших сил. Небо, земля и преисподняя составляли один огромный мир, а человек в этом мире был и песчинкой и центром - ведь за его душу боролись силы куда более могущественные, нежели он сам. Наиболее популярными были мистерии Арну́ля Греба́на, а также одно из редких произведений на мирскую тему - «Мистерия об Осаде Орлеана», в которой воссоздавались события Столетней войны (1337-1453) между Англией и Францией и подвиг Орлеанской девы - Жанны д"Арк, возглавившей борьбу французского народа с английскими захватчиками и затем преданной французским королем, которому она вернула трон. Будучи площадным действом, обращенным к массовой аудитории, мистерия выражала и народные, земные начала, и систему религиозно-церковных представлений. Эта внутренняя противоречивость жанра привела его к упадку, а впоследствии послужила причиной его запрещения церковью.

Другим популярным жанром были моралите́. Они как бы отпочковались от мистерии и стали самостоятельными пьесами назидательного характера. Разыгрывались притчи о «Благоразумном и Неблагоразумном», о «Праведнике и Гуляке», где первый берет себе в спутники жизни Разум и Веру, второй - Непослушание и Беспутство. В этих притчах страдание и кротость вознаграждаются на небесах, а жестокосердие и скупость приводят в Ад.

Играли моралите́ на балаганных подмостках. Имелось нечто вроде балкона, где представляли живые картины небесных сфер - ангелов и бога Саваофа. Аллегорические фигуры, поделенные на два лагеря, появлялись с противоположных сторон, образуя симметричные группы: Вера - с крестом в руках, Надежда - с якорем, Скупость - с кошельком золота, Наслаждение - с апельсином, а у Лести был лисий хвост, которым она поглаживала Глупость.

Моралите́ - это диспут в лицах, разыгранный на подмостках, конфликт, выраженный не через действие, а через спор персонажей. Подчас в сценках, где говорилось о грехах и пороках, появлялся элемент фарса, социальной сатиры, в них проникало дыхание толпы и «вольный дух площади» (А. С. Пушкин).

В площадном театре, будь то мистерия, моралите, соти́ или выступление гистрионов, отразились жизнелюбие средневекового человека, его веселая дерзость и жажда чуда - вера в победу добра и справедливости.

И не случайно в XX в. интерес к средневековому театру возрастает. Драматургов, режиссеров привлекает в нем обращенность к массам, четкое, присущее народному сознанию разграничение добра и зла, «вселенский» охват событий, склонность к притче, яркой «плакатной» метафоре. Поэтику этого народного зрелища использует В. Э. Мейерхольд при постановке пьесы В. В. Маяковского «Мистерия-Буфф». В Германии пьесу-притчу утверждает Б. Брехт. На рубеже 60-70-х гг., во времена студенческого движения протеста, Л. Ронкони в Италии ставит на площади «Неистового Роланда» Л. Ариосто, а во Франции А. Мнушкина - спектакли Великой французской революции («1789», «1791»). Древняя театральная традиция как бы обретает новую жизнь, соединяясь с исканиями современных деятелей театра.

Жанры средневекового религиозного театра

В IX в. зарождается первый жанр средневекового религиозного театра –литургическая драма . Это театральное действо входило в состав богослужения (литургии).

Причины появления этого жанра, скорее всего, связаны с желанием священников привлечь как можно больше людей к религии, сделать богослужение (в Средние века христианская служба велась на латыни) более понятным для малограмотного простонародья.

Литургическая драма родилась из церковного тропа – диалогизированного переложения евангельского текста, который обычно завершался пением. После него литургия продолжала идти своим чередом

Первая литургическая драма – сцена трёх Марий, которые приходят к гробу Господню. Эта драма разыгрывалась на Пасху. Её сюжет заключался в том, что Марии (священники, надевшие на голову надплечные платки, обозначавшие женские одежды) приходили ко гробу, в котором должно было лежать тело распятого Христа, чтобы обмазать его миром. Однако в гробнице они встречались с ангелом (молодой священник в белом одеянии). В этой сцене уже появлялся диалог и индивидуальные ответы (между ангелом и Мариями), что и позволяет говорить о том, что это действо являлось первой литургической драмой.

Организацией постановки литургической драмы занимались сами священники. Представления происходили в храме.

На начальном этапе своего существования литургическая драма тесно примыкала к мессе, текст её полностью совпадал с текстом богослужения, как по содержанию, так и по стилю. Литургическая драма исполнялась на латыни, была проникнута торжественным настроением, как и месса. «Актёры» напевно декламировали свои слова.

Постепенно драма всё больше обособляется от службы. Появляются два самостоятельных цикла литургической драмы – рождественский (включал эпизоды: шествие пастухов, предвещавших рождение Христа, поклонение волхвов, сцена гнева царя Ирода, приказавшего убить всех младенцев в Вифлееме) и пасхальный (в его состав входили эпизоды, связанные с воскресением Христа).

Со временем литургическая драма развивается также от статичности и символичности к действенности. В неё начинают внедряться бытовые элементы.

Изначально созданная для того, чтобы сделать богослужение более понятным для прихожан, литургическая драма опрощала религиозные идеи, что, однако, таило в себе большую опасность для религии, так как вело к её профанации.

В 1210 г. указом папы Иннокентия III были запрещены представления литургической драмы внутри зданий церквей. На этом литургическая драма как жанр перестаёт существовать.

Однако религиозный театр не исчезает. Литургическая драма выходит из церкви на паперть и становится полулитургической драмой.

Мирских мотивов в этом представлении становится ещё больше. Она утрачивает свою прочную связь со службой и с церковным календарём, следовательно, выбор дня для проведения спектакля становится более свободным. Полулитургическая драма разыгрывается и в дни ярмарки. Вместо латыни спектакли начинают проходить на народных языках.

«Божественные» роли по-прежнему исполнялись церковнослужителями. В представлении использовались церковные одеяния и утварь. Действо сопровождалось пением хора, исполнявшего религиозные гимны на латыни.

Церковнослужители принимали огромное участие в организации представлений полулитургической драмы (предоставление территории для спектакля (паперть), исполнение главных ролей, подбор репертуара, подготовка «костюмов» и «реквизита»).

Однако религиозные сюжеты начинают активно переплетаться со светскими. Театральная культура стремится отмежеваться от религии, что, однако, полностью на протяжении всей эпохи средневековья так и не произойдёт.

Мистерия

Ещё один жанр, имеющий отношение к религиозному театру. Мистерия произошла из процессий в честь церковных праздников.

Название происходит от лат. ministerium – церковная служба

Расцвет мистериального театра приходится на XV-XVI вв.

Представления организовывались городскими цехами и муниципалитетами, а не церковью. Участвовали в мистериях все жители города.

Представления мистерий часто организовывались в ярмарочные дни.

Утром в день открытия ярмарки свершался церковный молебен, затем организовывалось торжественное шествие, в котором принимал участие весь город. После него разыгрывалаь непосредственно мистерия.

Мистерии делились на три цикла – ветхозаветный (ветхий завет, от сотворения мира до рождения Христа), новозаветный (новый завет, рождение, жизнь, смерть, воскресение и вознесение Христа)и апостольский (жития святых).

В организации и представлении мистерии принимали участие представители различных городских цехов. Каждый цех получал в действе свой самостоятельный эпизод.

Представление длилось целый день, а иногда и несколько дней.

Существовало три типа организации сценического пространства и соответственно три типа представления мистерий.

Передвижной (характерный в первую очередь для Англии). Отдельные эпизоды мистерий показывались в фургонах с высоким помостом, открытым со всех сторон. Фургоны эти назывались педженты. После показа определённого эпизода фургон переезжал на соседнюю площадь, а на его место подъезжал новый с актёрами, отыгрывавшими очередной эпизод. И так далее до конца мистерии.

Кольцевой. На площади располагался один помост. Сваи для него располагались кольцеобразно. На помосте существовало несколько обособленных отделений, изображавших различные места действия. Зритель располагались вокруг помоста.

Беседочный. На площади одновременно изображалось несколько мест действия. Это был ряд беседок, расположенных на едином помосте по прямой линии и обращённых к зрителям фронтально. В каждой беседке разыгрывались отдельные эпизоды в зависимости от того, какое место действия эта беседка изображала. Публика переходила от одной беседки к другой.

Такая организация сценического пространства связана с важнейшим для средневекового театра принципом – симультанностью (одновременностью). Принцип этот подразумевал одновременность нахождения на площади нескольких мест действия и соответственно одновременность действий, происходящих в них. Симультанность восходит к средневековым представлениям о времени.

При организации представлений активно использовалась машинерия, декорациям, особенно тем, которые изображали рай или ад, уделялось огромное внимание. Зрелищная сторона был чрезвычайно важна.

В мистерии соседствовали натурализм (особенно проявлявшийся в представлении различных кровавых сцен) и условность.

Несмотря на то, что организовывалась мистерия светскими лицами, она являлась своеобразной религиозной службой, которую творил целый город.

Участие в мистерии считалось делом благочестивым. Очень многие роли были настолько популярны среди соискателей, что организаторы устраивали аукцион, с которого эти роли продавались.

Мистерия включала в себя совершенно разнородные элементы. Несмотря на то, что основным содержанием её был какой-либо эпизод из Библии, в мистерию очень активно проникали бытовые элементы. Кроме того, иногда мистериальное представление разбавлялось целыми фарсовыми сценками, представлявшими собой практически отдельный спектакль никак по сюжету не связанный с мистерией. Кроме того, очень большой популярностью пользовались эпизоды с участием чертей. А также зачастую в мистериях появлялся такой персонаж как шут.

Изначально организацией мистерий занимались любители, впоследствии начинают создаваться целые союзы, обязанностью которых являлась постановка мистерии. Как правило, они назывались братствами по аналогии с другими средневековыми братствами.

Наиболее известной такой организацией было Братство Страстей Господних во Франции, которое с 1402 г. получило даже монополию на организацию в Париже не только мистерий, но и мираклей и «прочих религиозных моральных пьес» (как гласил патент, выданный членам братства королём).

Миракль

Название этого жанра происходит от латинского слова miraculum (чудо).

Возникает во Франции в XIIIв.

Миракль происходит из гимнов в честь святых и чтений их житий в церкви. Поэтому основой для сюжетов служили истории о чудесах, совершённых Девой Марией и святыми.

Организацией представлений мираклей во Франции занимались особые сообщества – пюи (puys). Название их происходит от слова podium.

Моралите

Ещё один жанр, имеющий отношение к религиозному театру Средних веков.

Появляется в XV-XVI вв.

Это аллегорическая пьеса, в которой действуют персонажи-аллегории. Каждый из них является олицетворением какого-либо отвлечённого понятия (греха, добродетели, качества и т.д.). Суть сюжета сводилась к истории о том, как человек оказывается перед выбором между добром и злом.

Люди, выбиравшие добродетель, в конце были вознаграждены, а предавшиеся пороку – наказаны. Таким образом, каждое моралите было проникнуто дидактизмом.

Прямой связи с сюжетами библейскими у моралите нет, однако, его нравоучительность позволяет причислять этот жанр к религиозному театру средневековья.

Сценической площадкой для моралите были подмостки, сооружавшиеся на площади.

Персонажи-аллегории носили надписи на груди, которые разъясняли зрителям, кто находится перед ними. Кроме того, каждый из них имел свой неотъемлемый атрибут, с которым всегда появлялся на сцене и который также символически пояснял, что это за аллегория.