Трагедія життя та творчості рембрандта. Рембрандт – все, що треба знати про знаменитого голландського художника

Рембрандт Харменс ван Рейн (1606-1669) - голландський художник, малювальник та гравер, великий майстер світлотіні, найбільший представник золотого віку голландського живопису.

Біографія Рембрандта ван Рейна

Рембрандт Харменс ван Рейн народився у голландському місті Лейден у 1606 році 15 липня. Батько Рембрандта був заможним мірошником, мати – добре пекла, була дочкою пекаря. Прізвище "ван Рейн" означає дослівно "з Рейну", тобто з річки Рейн, де у прадідів Рембрандта стояли млини. З 10 дітей у сім'ї Рембрандт був наймолодшим. Інші діти пішли стопами батьків, а Рембрандт обрав інший шлях - художній, і здобув освіту в Латинській школі.

У віці 13 років Рембрандт почав навчатися малювати, а також вступив до міського університету. Вік тоді нікого не бентежив, головне на той час були знання на рівні. Багато вчених припускають, що Рембрандт вступив до університету не для того, щоб навчатися, а щоб отримати відстрочку від армії.

Першим учителем Рембрандта був Якоб ван Сваненбюрх. У його майстерні майбутній художникпровів близько трьох років, потім переїхав до Амстердама на навчання до Пітера Ластмана.

З 1625 по 1626 р. Рембрандт повернувся до свого рідного міста, і завів знайомства з художниками та деякими учнями Ластмана.

Все ж таки після довгих роздумів Рембрандт вирішив, що кар'єру художника треба робити в столиці Голландії, і знову перебрався в Амстердам, і одружився з багатою городянкою Саскії ван Ейленбург, а полотно «Урок анатомії доктора Тюлпа» принесло молодому живописцю загальне визнання.

Творчість Рембрандта ван Рейна

Для майстра почалося найблагополучніше у житті десятиліття. У нього з'явилося багато учнів (школа Рембрандта).

У цей період ним написані такі шедеври, як «Автопортрет із Саській» (1635) і Дана (1636).

Надзвичайно життєрадісне мистецтво Рембрандта 30-х років. поєднує в собі досвід майстрів Відродження та бароко та новаторський підхід до класичних сюжетів.

Період успіхів раптово завершився в 1642 р.: чудова робота «Нічна варта» - груповий портрет членів Стрілецької гільдії Амстердама - була відкинута замовниками, які не оцінили новацій художника і піддали його різкій критиці.

Рембрандт практично перестав отримувати замовлення, його залишили майже всі учні. Того ж року померла Саськія.

З 40-х років. Рембрандт відмовився у творчості від театральних ефектів, у його живописі посилився містичний, споглядальний початок. Нерідко художник звертався до образу своєї другої дружини – Хендрік'є Стоффельса.

Глибиною, спокоєм та емоційною насиченістю відзначені картина «Святе сімейство» (1645 р.), серія автопортретів, найкращі пейзажі. Але невдачі продовжували переслідувати Рембрандта: в 1656 р. він був оголошений неспроможним боржником, майно розпродано з аукціону, а сім'я перебралася до скромного будинку в єврейському кварталі Амстердама.

Замовлене ратушею полотно «Змова Юлія Цивіліса» (1661) розділило долю «Нічного дозору». У 1663 р. митець поховав дружину та сина.

Незважаючи на погіршення зору Рембрандт продовжував писати картини. Своєрідним підсумком його творчості стало полотно "Повернення блудного сина" (1668-1669 рр.).

Автопортрети Рембрандта відобразили майже всі етапи його життя та стадії творчого шляху. Вони чудові самі по собі, оскільки дозволяють нам простежити розвиток майстра, а також тому, що багато пізніших художників – від сера Джошуа Рейнолдса до Марка Шагала – намагалися наслідувати приклад Рембрандта в надії зрозуміти щось про себе.

Картина Рембрандта «Портрет Якоба де Гейна III» занесена до Книги рекордів Гіннеса як найчастіше викрадений витвір мистецтва у світі. Картина була вкрадена та знайдена чотири рази. Їй навіть дали прізвисько Рембрандт на виніс. Портрет зберігається у Лондоні, у галереї Далвіч.

Частина картин художника Рембрандта, у тому числі відомі «Дана», «Жертвопринесення Авраама» та «Німилість Амана», зберігаються в Державному Ермітажі(Санкт-Петербург). 1985 року психічно хворий хлюпнув на «Данаю» сірчану кислоту. Реставрація тривала довгих 20 років. Тепер "Данаю" можна побачити лише за товстим шаром захисного скла.

«Дослідний проект Рембрандт» – це група вчених, які аналізують спадщину великого художника. Проект працює з 1968 року.

Досі вважалося, що пензля художника належить 800 картин. Проект цю цифру спростував: після ретельних досліджень виявилося, що їх близько 350.

Інші написані учнями Рембранда, а також художниками, на яких вплинув Рембрандт. Наприклад, знаменитий «Чоловік у золотому шоломі» з Берлінської картинної галереї, який тривалий час вважався роботою майстра, виявився картиною іншого невідомого художника.

При написанні цієї статті було використано матеріали таких сайтів:place-fact.com ,

Якщо ви знайшли неточності або бажаєте доповнити цю статтю, надсилайте нам інформацію на електронну адресу admin@сайту, ми і наші читачі будемо вам дуже вдячні.

Творчість Рембрандта Харменса ван Рейна(1606-1669) знаменує найвищий розквіт голландського мистецтва XVIIстоліття та одну з вершин світового мистецтва взагалі. Демократична і істинно гуманна, пройнята гарячою вірою в торжество справедливих життєвих почав, вона втілила в собі найпередовіші і життєствердні ідеї свого часу. Художник підняв образотворче мистецтво на новий щабель, збагативши його небувалою життєвістю та психологічною глибиною. Рембрандт створив нову мальовничу мову, у якій головну роль грали тонко розроблені прийоми світлотіні та насичений, емоційно напружений колорит. Духовне життя людини стало відтепер доступним зображенню засобами реалістичного мистецтва.

Рембрандт виступив новатором у багатьох жанрах. Як портретист, він став творцем своєрідного жанру портрета-біографії, де довге життя людини та її внутрішній світ розкривалися у всій своїй складності та суперечливості. Як історичний живописець, він втілив далекі античні та біблійні легенди в зігріту високим гуманізмом розповідь про реальні земні людські почуття та стосунки.

Середина 1630-х років – час найбільшої близькості Рембрандта до загальноєвропейського стилю бароко, пишного та галасливого, насиченого театральним пафосом та бурхливим рухом, контрастами світла та тіні, суперечливим сусідством натуралістичних та декоративних моментів, чуттєвості та жорстокості.

Убарочний період написано «Зняття з хреста»(1634). Картина ілюструє євангельську легенду про те, як Йосип Аримафейський, Никодим та Інші учні та близькі Христа, отримавши дозвіл Пілата, зняли вночі тіло Христа, загорнули його у багату плащаницю та поховали.

Легенда розказана Рембрандтом із приголомшливою життєвою правдою. Трагічна смерть вчителя та сина призвела учасників події в глибоке горе. Художник вдивляється в обличчя, намагаючись проникнути в душі людей, прочитати реакцію кожного на те, що відбувається. Схвильовано передає він непритомність Марії, матері Христа, плач і стогнання жінок, страждання та скорбота чоловіків, переляк та цікавість підлітків.

У цьому вся творі Рембрандт відштовхувався від відомої картини Рубенса тієї самої назви, використовуючи окремі композиційні мотиви великого фламандця і прагнучи перевершити їх у вираженні душевних рухів героїв.

Іншим важливим досягненням цієї картини, поряд з індивідуалізацією почуттів дійових осіб, стало використання світла задля досягнення цілісності багатофігурної композиції. Три основні моменти легенди - зняття з хреста, непритомність Марії і розстилання плащаниці - освітлені трьома різними джерелами світла, інтенсивність яких зменшується відповідно до зменшення значення сцени.

Початок нового періоду в житті та творчій діяльності майстра було відзначено двома важливими подіями, які відбулися в 1642 році: передчасною смертю Саскії, коханої дружини, що залишила йому однорічного сина, і створенням картини «Нічна варта» - великого групового портрета амстердамських стрільців, найзнаменитішого твори майстра.

Сімейна трагедія та завершення відповідального замовлення поставили Рембрандта перед складними проблемами особистої та творчого життя. Художник виходить із цієї кризи змужнілим і навченим. Його мистецтво стає серйознішим, зібранішим і глибшим, а головне, в ньому все виразніше проступає інтерес до внутрішнього життя людини, до того, що коїться в його душі.

У тісному зв'язку з еволюцією творчості Рембрандта у 1640-ті роки слід розглядати і один із найголовніших творів художника «Дана», хоча на картині стоїть дата 1636. На створення образу Данаї, легендарної грецької царівни, ув'язненої своїм батьком, щоб уникнути передбачуваної йому загибелі від руки онука, Рембрандта надихнула його перше кохання - Саскія. Але за десять років, як показали новітні дослідження, художник, незадоволений початковим рішенням, значно переробляє образ головної героїні. Моделью для остаточного варіанта картини послужила йому, мабуть, Гертьє Діркс, молода вдова, яка оселилася в будинку Рембрандта після смерті Саскії спочатку як нянька однорічного Титуса, а потім і на правах повної господині. Таким чином, голова, права рука і значною мірою тіло Данаї, яка чекає у своїй в'язниці коханого (за легендою, Зевс, що закохався в Данаю, проник до неї у вигляді золотого дощу), а також фігура старої-служниці виявилися написаними заново, у сміливій широкій манері середини та другої половини 1640-х років. Майже всі інші деталі картини залишилися такими, якими були написані в 1636, характерним для попереднього періоду акуратним, мазком, що малює.

Значних змін зазнав і колорит картини. У початковому варіанті панували холодні тони, типові для середини 1630-х. Замінивши золотий дощ першого варіанта золотим світлом, що ніби провіщає появу закоханого бога, Рембрандт виконує тепер центральну частину картини в теплому тоні з золотистою охрою і червоною кіновар'ю як домінант.

У другому варіанті, тобто в 1646-1647 роках, Дана отримала і поглиблену психологічну характеристику, завдяки якій розкрився потаємний внутрішній світ жінки, вся складна та суперечлива гамма її почуттів та переживань. «Дана», таким чином, наочний конкретний приклад становлення знаменитого рембрандтівського психологізму.

Творчість Рембрандта 1650-х років відзначено передусім досягненнями у сфері портрета. Зовні портрети цього періоду відрізняються, як правило, великим розміром, монументальними формами спокійними позами. Моделі зазвичай сидять у глибоких кріслах, поклавши на коліна руки та повернувшись прямо до глядача. Світлом виділено обличчя та кисті рук. Це завжди літні, навчені довгим життєвим досвідом люди - люди похилого віку і бабусі з печаткою невеселих дум па обличчях і нелегкої праці на руках. Подібні моделі давали художнику блискучі можливості показати як зовнішні прикмети похилого віку, а й духовне обличчя людини. У зборах Ермітажу ці роботи добре представлені незамовними портретами:

«Старий у червоному», «Портрет старенької» та «Портрет старого єврея».

Ми не знаємо імені людини, яка послужила моделлю для портрета «Старий у червоному».Рембрандт писав його двічі: у портреті 1652 року (Національна галерея, Лондон) він зображений сидячим у кріслі з підлокітниками, що в глибокій задумі схилив голову на праву руку; ермітажний варіант трактує ту саму тему- людина віч-на-віч зі своїми думами. Цього разу митець застосовує строго симетричну композицію, зображуючи старого старого, що нерухомо сидить, у фас. Але тим помітнішим є рух думки, ледве вловима зміна виразу обличчя: воно здається то суворим, то м'якшим, то втомленим, то раптом осяяним припливом внутрішньої сили та енергії. Те саме відбувається і з руками: вони здаються то судомно стислими, то знесилено. Художник досягає цього насамперед завдяки блискучій майстерності світлотіні, яка в залежності від її сили та контрастності вносить у зображення елегійну розслабленість чи драматичну напругу. Велику роль відіграє при цьому і манера нанесення фарби на полотно. Вирите зморшками обличчя старого і вузлуваті натруджені руки знаходять художню, виразність завдяки в'язкому місиву фарб, в якому жирні мазки, що переплітаються, передають структуру форми, а тонкі лесування надають їй рух і життя.

Безіменний старий у червоному з підкресленою гідністю, силою духу та шляхетністю став виразом нової етичної позиції художника, який відкрив, що цінність особистості залежить від офіційного становища людини у суспільстві.

До середини 1660-х років Рембрандт завершує свій найпроникливіший твір. "Повернення блудного сина".Його можна розглядати як заповіт Рембрандта-людини та Рембрандта-художника. Саме тут ідея всепрощаючої любові до людини, до принижених і стражденних - ідея, якою Рембрандт служив все своє життя, знаходить найвище, найдосконаліше втілення. І саме в цьому творі ми зустрічаємося з усім багатством та різноманітністю мальовничих та технічних прийомів, які виробив митець за довгі десятиліття творчості.

Обірваний, знесилений і хворий, що промотав свій стан і покинутий друзями, з'являється син на порозі батька і тут, в обіймах батька, знаходить прощення і втіху. Безмірна світла радість цих двох - старого, який втратив усілякі надії на зустріч із сином, і сина, охопленого соромом і каяттю, що ховає обличчя на грудях батька, - становить головний емоційний зміст твору. Мовчки, вражені, завмерли мимовільні свідки цієї сцени.

Художник гранично обмежує себе у кольорі. У картині домінують золотаво-охристі, кіноварпо-червоні та чорно-коричневі тони при нескінченному багатстві найтонших переходів усередині цієї скупої гами. У нанесенні фарб на полотно беруть участь і кисть, і шпатель, і держак пензля; але і це Рембрандту здається недостатнім - він наносить фарби на полотно безпосередньо пальцем (так написана, наприклад, п'ята лівої ноги блудного сина). Завдяки різноманітності прийомів досягається підвищена вібрація барвистої поверхні - фарби то горять, то сяють, то глухо тліють, то ніби світяться зсередини, і жодна деталь, жоден, навіть найменший, куточок полотна не залишає глядача байдужим.

Тільки навчений величезним життєвим досвідом людина і великий, який пройшов великий шлях художник міг створити цей геніальний і простий твір.

Творчість Рембрандта

1. Автопортрети

За своє життя Рембрандт зробив близько вісімдесяти автопортретів – картин, гравюр та малюнків. Для нього це була своєрідна автобіографія, навіть якщо потім портрети продавалися. Один з перших – «Автопортрет» з амстердамського Рейксмузеуму, де розпатланий двадцятидворічний живописець вдивляється в своє обличчя, намагаючись за допомогою світлотіні передати усвідомлення себе художником, що вперше прокинулося.

Мал. 1. "Автопортрет" близько 1628

На автопортреті 1629 яскравий промінь висвічує безбороде допитливе обличчя, відтінене мереживним коміром. А ось автопортрет того ж року, що зберігається в Гаазі, є більш офіційним. На маленькій картині «Художник у своїй майстерні» (1629 р.), яку тривалий час приписували Герріту Доу, наш погляд відкривається лейденська майстерня Рембрандта, зі столом, мольбертом, палітрою і ступкою для розтирання фарб. Себе художник зобразив незвично далеко від картини, немовби бажаючи дати глядачеві відчути, як він сам бачить і розуміє живопис.

У більш зрілих портретах іноді виражена душа художника, а іноді ретельно виписано його вбрання. «Автопортрет» 1640 року, картина надзвичайно вишукана і гармонійна, зобразив тридцятичотирирічного Рембрандта, котрий зайняв міцне становище у Амстердамі. Орієнтирами для художника були тиціановський «Портрет дворянина», що нині зберігається в Лондоні, а на той час перебував у колекції друга Рембрандта португальського єврея Альфонсо Лопеса, і «Портрет Бальдассара Кастільйоне» Рафаеля. У зближенні з італійськими майстрами відчувається виклик з боку Рембрандта, що наче підкреслює незвичним вбранням XVI століття свою духовну близькість із великими попередниками. Він пише себе в костюмах, за звичаєм своєї майстерні, де зберігалися найрізноманітніші вбрання для моделей, перелічені в інвентарних описах, - "Автопортрет" 1658 з нью-йоркської колекції Фріка. Але йому подобається також зображати себе в одязі амстердамського торговця з ланцюгом, підвісками та хутряним оздобленням, або художника, який усвідомлює свою роль і становище в суспільстві, як на «Автопортреті за мольбертом» (1660) або на іншому автопортреті з палітрою та пензлями лондонського Кенвуд-Хауса, - скромний одяг, на голові простий білий берет, вольовий, розумний вираз зморшкуватого обличчя. А погляд владний, гордий і втомлений останніми роками, затьмарені матеріальними негараздами і сімейними негараздами.

Мал. 2. "Автопортрет" 1660

Незвичайний кельнський «Автопортрет», написаний близько 1665, виразний і неупереджений, показує Рембрандта ще здатним посміхатися. Останні ж два автопортрети 1669 року, що зберігаються в Лондоні та Гаазі, один - зі складеними руками, інший - у різнобарвному тюрбані поверх довгих сивого волосся, Передають гіркоту і розчарування людини, відтісненого на задній план своїми ж колишніми учнями, людину, в 1641 славився «одним з найвидатніших живописців свого часу».

2. Ранній період творчості

Рембрандт почав свій шлях У Лейдані – перші його самостійні роботи відносяться до середини 20-х; З 1632 року і до кінця життя Рембрандт працював в Амстердамі – головному художньому центрі країни. Друга половина 20-х і 30-ті роки були часом пошуків Рембрандтом свого шляху та творчого методу.

Рембрандт вивчає реальність, прагне опанувати її різноманітними аспектами (про що свідчать його малюнки), але переважний інтерес викликають індивідуальний людський характер і різноманіття проявів духовного життя.

Увага до внутрішнього життя людини визначає своєрідність і перших сюжетних картинРембрандта (Товій та його дружина», 1625 – 1626, «Апостол Павло у в'язниці», 1627). Акцент на психологічному переживанні події, яку Рембрандт хоче побачити ніби очима його учасників, особливо яскраво виражений у Христі в Еммаусі (бл. 1629). Художник показує реакцію персонажів - хвилювання, переляк, потрясіння. Але, як і в ранніх автопортретах, емоційні афекти ще однозначні та форсовані, пози та жести надто демонстративні.

У творах кінця 20-х – початку 30-х вже виявляється роль світла як засобу посилення емоційної виразності сцени. В «Апостолі Павлі» освітлення наголошує на настрої героя. У «Христі в Еммаусі» протиставлення світла і тіні передає раптовість і силу почуття, що охопило апостолів.

Історичний живописстала поряд із портретом основною областю творчості Рембрандта. Сюжети Старого і Нового заповіту дозволяли надати змісту твору образну масштабність, яке змісту – узагальнюючий характер. Звернення до релігійно-міфологічної тематики не означало для Рембрандта відмовитися від життєвої правдивості зображення, – навпаки, він ставить собі за мету поєднати реальне, земне, конкретне з тим піднесеним духом і загальнозначущим змістом, який у легенді.

Проте мальовничий стиль раннього періоду суперечливий. Рембрандту який завжди вдається органічно поєднати пагорб і достовірність, величність почуттів і грубу правду дійсності. Так, у «Христі в Еммаусі» надто різкий контраст повсякденності (простонародний образ персонажів і буденність антуражу) та чудової події.

Відкидаючи ходульну умовність і ідеалізацію, Рембрандт дегероїзує персонажів релігійних і міфологічних сказань, але надмірно акцентує прозаїзм натури і низовина пристрастей («Весілля Самсона», 1635 р.). З іншого боку, піднесене ще ідентифікується для Рембрандта із зовнішньою піднесеністю сцени, з її патетикою та бурхливою динамікою, – у творах середини та другої половини 30-х років не випадково позначається вплив італійського та фламандського бароко («Жертвопринесення Авраама4»; Самсона»).

Тяга Рембрандта до видовищної пишноти та драматичних колізій – так само як і його бравада, бажання розвінчати звичні художні норми та ідеали – була багато в чому пов'язана з прагненням уникнути прозаїзму та бюргерської обмеженості усталеного укладу буржуазного побуту. Зі світу повсякденності його тягне у світ героїки та фантастики. У 30-ті роки він часто пише себе і своїх близьких в «історичних» костюмах, у чудових, фантастичних вбраннях («Саскія у вигляді Флори», 1634; автопортрети з Пті Пале, з Берліна і Лувру, 1634). Ці як їх називають, уявні портрети немов втілювали якусь мрію про прекрасній людині, про образ, піднесений над буденною реальністю.

У цей період Рембрандт не тільки шукає власний ідеал життя і людини – він створює і твори, які передвіщають його подальший шлях. «Зняття з хреста» (між 1633 і 1639 рр.) написано під впливом знаменитої композиції Рубенса, але сюжет трактований Рембрандтом як камерна сцена: це дає можливість глядачеві відчути як щось, що особисто до нього відноситься, особисто до нього волає людську трагедію - Христа та горе його близьких. Світло, що прорізає темряву, народжує відчуття напруженої тиші, напруження почуттів, величі драми.

У 30-ті роки Рембрандт був найпопулярнішим художником Амстердама. До нього приходять успіх, слава, матеріальне благополуччя. У його майстерню стікаються учні.

Рембрандт виконує тим часом безліч замовних портретів. Вони написані з великою пластичною силою, чудово передають подібність, схоплюють характерне у вигляді, але свого шляху до портретного живопису Рембрандт ще знайшов. І все ж, можливо, не випадково, що Рембрандту, портретисту за складом обдарування, саме у творі цього жанру – груповому портреті корпорації амстердамських стрільців – вдалося втілити ідеал героїки, не впадаючи в крайнощі театральної патетики та гротескного загострення, домогтися органічного злиття , Забарвленою ноткою фантастики, і реальної життєвості («Нічна варта», закінчений в 1642).

Задум художника був незвичайний: до портретів вісімнадцяти замовників він додав вигадані персонажі та пов'язав їх сюжетним мотивом: виступом роти, яка виходить з-під арки та переходить міст через канал. Фігури та обличчя то крадуть тінь, то вихоплює яскраве світло дня. У групі стрільців ми бачимо перехожих, що затесалися в неї, в тому числі дівчинку в золотисто-жовтій сукні, подібно до яскравого вогника, що мелькає в цьому енергійному чоловічому натовпі.

Поєднання портретних зображень з безіменними фігурами, динаміка композиції надали їй велику переконливість життя. Але своєрідність «Нічного дозору» у тому, що це груповий портрет, а й масова сцена. Мотив руху, виступи стрільців, велична архітектура фону, барвисті різноманітні костюми, контрасти світла та тіні, нарешті, величезні розміри картини створюють враження урочистої ходи, значної суспільної події. «Нічна варта» стала монументальною композицією, де ясно звучить тема патріотичного піднесення, урочистості громадянського духу. Рембрандт знову стверджує її тоді, коли громадянський пафос та демократичні ідеали з голландської дійсності та з голландського мистецтва. Картина «Нічна варта» стала ніби образом республіканської Голландії, груповий портрет отримав значення історичної картини.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn

Найбільший представник золотої доби, художник, гравер, великий майстер світлотіні – і все це в одному імені Рембрандт.

Народився Рембрандт 15 липня 1606 року у Лейдені. Цей великий голландський художник зумів втілити у своїх творах весь спектр людських переживань з такою емоційною насиченістю, якою до нього знало образотворче мистецтво.

Життя

Він виріс у багатодітній сім'їзаможного власника млина Хармена Геррітсзона ван Рейна. Крім іншого у майні ванн Рейна було ще два будинки, а також він отримав значне посаг від дружини Корнелії Нелтьє. Мати майбутнього художника була дочкою пекаря і зналася на кулінарії, Сім'я матері навіть після Нідерландської революції зберігала вірність католицькому віросповіданню.

У Лейден Рембрандт відвідував латинську школу при університеті, але не любив точні науки, найбільший інтерес проявляв до живопису. Розуміючи цей факт, його батьки у 13 років віддали Рембрандта вчитися образотворчому мистецтву до лейденського історичного живописця Якоба ван Сваненбюрха, який був католиком. Різноманітні за жанром та тематикою твори Рембрандта пройняті ідеями моральності, духовної краси та гідності звичайної людини, розумінням незбагненної складності її внутрішнього світу, багатогранності його інтелектуального багатства, глибини його душевних переживань. Про Якоба до нас дійшло дуже мало інформації, тому і історики та мистецтвознавці не можуть точно сказати про вплив Сваненберха на творчої манериРембрандт.

Потім у 1623 році він навчався в Амстердамі у модного тоді живописця Пітера Ластмана, після чого, повернувшись до Лейдена, відкрив у 1625 році разом зі своїм земляком Яном Лівенсом власну майстерню.

Пітера Ластман пройшов стажування в Італії та був спеціалізований на історичних, міфологічних та біблійних сюжетах. Коли Рембрандт відкрив майстерню та почав набирати учнів, за короткий час він став значно відомим. Якщо дивитися на перші роботи художника, відразу можна зрозуміти, що стиль Ластмана – пристрасть до строкатості та дріб'язковості виконання, справила величезний вплив на молодого художника. Наприклад його роботи «Побиття камінням св. Стефана» (1629), «Сцені з давньої історії» (1626) і «Хрещенні євнуха» (1626), дуже яскраві, надзвичайно барвисті, Рембрандт прагне ретельно виписати кожну деталь матеріального світу. Майже всі герої постають перед глядачем вбраними в химерні східні вбрання, сяють коштовностями, що створює атмосферу мажорності, парадності, святковості

У 1628 році двадцятидворічний художник був визнаний «найвищою мірою знаменитим» майстром, відомим портретистом.

Картина «Юда повертає срібники» (1629) – викликала захоплений відгук відомого знавця живопису Костянтина Гюйгенса, секретаря штатгальтера Фредеріка Хендріка Оранського: «…це тремтяче жалюгідним трепетом тіло - ось, що я віддаю перевагу хорошому смаку всіх часів.

Завдяки зв'язкам Костянтина Рембрандт незабаром має багатих шанувальників мистецтва: через посередництво Хейгенса принц Оранський замовляє у художника кілька релігійних робіт, Таких як «Христос перед Пілатом» (1636).

Справжній успіх художника приходить в Амстердамі. 8 червня 1633 року Рембрандт знайомиться з дочкою багатого бюргера Саській ван Ейленбюрх і завойовує міцне становище у суспільстві. Більшість полотен художник написав, перебуваючи у столиці Нідерландів.

Амстердамом - галасливим портовим і промисловим містом, в яке стікалися товари і дива з усього світу, де люди багатіли на торгових і банківських угодах, куди прямували в пошуках притулку ізгої феодальної Європи і де благополуччя заможних бюргерів сусідило з гнітючою зв'язкою .

Амстердамський період творчості Рембрандта почався з приголомшливого успіху, який йому приніс "Урок анатомії доктора Тульпа" (1632, Гаага, Мауріцхейс), який змінив традицію голландського групового портрета. Звичної демонстрації людей, які позують художнику загальної професіїРембрандт протиставив драматургію вільно вирішеної сцени, учасники якої – члени гільдії хірургів, які слухають свого колегу, об'єднані інтелектуально та духовно активним включенням у процес наукового дослідження.

Рембрандт натхненний красою своєї коханої, тож часто пише її портрети. Через три дні після весілля ван Рейн зобразив жінку срібним олівцем у капелюсі з широкими полями. Саскія з'являлася на картинах нідерландця у затишній домашній обстановці. Образ цієї пухлощоки жінки з'являється на багатьох полотнах, наприклад, загадкова дівчинка на картині «Нічна варта» сильно нагадує кохану художника.

Тридцяті роки у житті Рембрандта були періодом слави, багатства та сімейного щастя. Він отримував безліч замовлень, був оточений учнями, пристрасно захопився колекціонуванням творів італійських, фламандських та голландських живописців, античної скульптури, мінералів, морських рослин, старовинної зброї, предметів східного мистецтва; у роботі над картинами експонати колекції нерідко служили художнику як реквізит.

Твори Рембрандта цього періоду надзвичайно різноманітні; вони свідчать про невпинний, часом болісний пошук художнього осмислення духовної та соціальної сутності людини і природи і демонструють тенденції, які невідступно, крок за кроком підводять художника до конфлікту із суспільством.

У портретах «для себе» та автопортретах художник вільно експериментує з композицією та ефектами світлотіні, змінює тональність колірної гами, одягає свої моделі у фантастичний або екзотичний одяг, варіює пози, жести, аксесуари (“Флора”, 1634, Санкт-Петербург, Державний Ермітаж ).

У 1635 році написано знамениту картину з біблійного сюжету «Жертвопринесення Авраама», яку гідно оцінили у світському суспільстві.

У 1642 році ван Рейн отримав замовлення від Стрілкового товариства на груповий портрет, щоб прикрасити полотном новий будинок. Картина помилково отримала назву «Нічна варта». Вона була забруднена сажею, і лише в 17 столітті дослідники дійшли висновку, що дія, що розгортається на полотні, відбувається вдень.

Рембрандт досконало зобразив кожну деталь мушкетерів, що перебувають у русі: ніби в певний момент зупинився час, коли ополченці виходили з темного дворика, щоб ван Рейн зняв їх на полотні.

Замовникам не сподобалося, що нідерландський живописець відійшов від канонів, що розвивалися у 17 столітті. Тоді групові портрети були парадними, а учасники зображували анфас без будь-якої статики.

На думку вчених, ця картина і стала приводом для банкрутства художника в 1653 році, оскільки відлякала потенційних клієнтів.

Трагічні зміни в особистій долі Рембрандта (смерть новонароджених дітей, матері, в 1642 році - хвороба і смерть Саскії, що залишила йому дев'ятимісячного сина Титуса), погіршення матеріального становища через його наполегливе небажання жертвувати свободою духу і творчості для мінливих смаків бюр і оголили повільний конфлікт між художником і суспільством.

Відомостей про приватного життяРембрандта в 1640-ті роки. у документах збереглося мало. З учнів цього періоду відомий лише Ніколас Мас із Дордрехта. Мабуть, художник продовжував жити на широку ногу, як і раніше. Сімейство покійної Саскії висловлювало занепокоєння тим, як він розпорядився її посагом. Няня Титуса, Гертьє Діркс, подала на нього до суду за порушення обіцянки одружитися; заради залагодження цього інциденту художнику довелося розщедритися.

Наприкінці 1640-х Рембрандт зійшовся зі своєю молодою служницею Хендрік'є Стоффелс, образ якої миготить у багатьох портретних роботах цього періоду: («Флора» (1654), «Жінка, що купується» (1654), «Хендрік'є біля вікна» (1655). Парафіяльна рада засудила Хендрік'є за «гріховне співжиття», коли у 1654 році у неї з художником народилася дочка Корнелія. У роки Рембрандт відходить від тих, мають грандіозне національне чи загальнолюдське звучання.

Художник довго працює над гравірованими портретами бургомістра Яна Сікса (1647) та інших впливових бюргерів. Всі відомі йому прийоми і техніки гравіювання пішли в хід при виготовленні ретельно опрацьованого офорту «Христос, що зцілює хворих», більш відомого як «Аркуш у сто гульденів», - саме за таку величезну для 17-го століття ціну він був проданий. Над цим офортом, що вражає тонкістю світлотіньової гри, він працював сім років з 1643 по 1649 роки.

У 1653 році, відчуваючи матеріальні труднощі, художник передав майже все своє майно сину Титусу, після чого заявив у 1656 про банкрутство. Після розпродажу у 1657-58 рр. будинки та майна (зберігся цікавий каталог художніх зборів Рембрандта) художник перебрався на околицю Амстердама, в єврейський квартал, де провів решту життя.

Смерть Титуса в 1668 стала для художника одним з останніх ударів долі; його самого не стало через рік.

Рембрандт Харменс ван Рейн помер у жовтні 1669 року. Йому було 63 роки. Він був старий, хворий і жебрак. Нотаріуса не довелося витрачати багато часу на складання опису майна художника. Опис був коротким: “три поношені фуфайки, вісім носовичків, десять беретів, приладдя для написання картин, одна Біблія”.

До артини

Повернення блудного сина

Знаменита картина "Повернення блудного сина", одна з останніх робіт Рембрандта. Вона була написана в рік його смерті і стала вершиною прояву його таланту.

Це найбільше полотно Рембрандта на релігійну тему. Картина Рембрандта на сюжет новозавітної притчі про блудного сина.

Притчу про блудного сина ми зустрічаємо від Луки в Євангеліє. Вона розповідає про юнака, який залишив батьківський будинок і промотав спадок. У ледарстві, розпусті та пияцтві проводив він свої дні, доки не опинився на скотарні, де харчувався з одного корита зі свинями. Перебуваючи у відчайдушному становищі та повній злиднях, юнак повертається до батька, готовий стати його останнім рабом. Але замість зневаги він знаходить царський прийом, замість гніву - всепрощаючу, глибоку і ніжну батьківську любов.

1669 рік. Рембрандт розігрує перед глядачем людську драму. Фарби лежать на полотні густими мазками. Вони темні. Художнику погані другорядні персонажі, нехай їх і не мало. Увага знову прикута до батька та сина. Старий, згорблений горем батько звернений до глядача обличчям. У цій особі і біль, і втомлені від виплаканих сліз очі, і щастя довгоочікуваної зустрічі. Син повернуть до нас спиною. Він уткнувся по-дитячому в царське вбрання батька. Ми не знаємо, що виражає його обличчя. Але розтріскані п'яти, голий череп волоцюги, бідне вбрання говорять досить. Як і руки батька, що стискають плечі юнака. Через спокій цих рук, які прощають і підтримують, Рембрандт вже в останній разрозповідає світові вселенську притчу про багатство, пристрасті та вади, каяття та прощення. «…встану, піду до мого батька і скажу йому: отче! я згрішив проти неба і перед тобою, і вже недостойний називатися сином твоїм; прийми мене до найманців твоїх. Встав і пішов до свого батька. І коли він був ще далеко, побачив його батько його та змилосердився; і, побігши, упав йому на шию і цілував його».

Крім батька та сина на картині зображено ще 4 персонажі. Це темні силуети, які важко помітні на темному тлі, але хто вони такі - залишається загадкою. Дехто називав їх «братами та сестрами» головного героя. Характерно, що Рембрандт уникає конфлікту: у казці йдеться про ревнощі слухняного сина, а гармонія картини нічим не порушена.

Ван Гог дуже точно сказав про Рембрандта: «Треба померти кілька разів, щоб так малювати… Рембрандт проникає в таємницю так глибоко, що мовить про предмети, для яких немає слів у жодній мові. Ось чому Рембрандта і називають: чарівником. І це не просте ремесло.

Нічна варта

Назва, під якою традиційно відомий груповий портрет Рембрандта «Виступ стрілецької роти капітана Франса Баннінга Кока та лейтенанта Віллема ван Рейтенбюрга», написаний у 1642 році.

Полотно голландського майстра таїть у собі безліч «сюрпризів». Почнемо з того, що звична нам назва картини не відповідає дійсності: патруль, зображений на ній, насправді зовсім не нічний, а щоденний. Просто роботу Рембрандта кілька разів покривали лаком, через що вона сильно потемніла. Крім того, майже 100 років (з початку XVIIIдо початку XIX століття) полотно прикрашало один із залів амстердамської ратуші, де висіло прямо навпроти каміна, рік за роком покриваючись кіптявою. Не дивно, що вже до початку XIXстоліття за картиною міцно утвердилася назва «Нічна варта»: на той час історія її створення була ґрунтовно забута, і всі були впевнені, що майстер зобразив саме темний час доби. Тільки в 1947 році, під час реставрації в Рейксмузеумі Амстердама, де картина знаходиться до цього дня, з'ясувалося, що її колорит набагато світліший, ніж прийнято було вважати. Більше того, короткі тіні, що відкидаються персонажами, свідчать про те, що справа відбувається між полуднем та двома годинами дня. Однак реставратори не стали знімати всі шари темного лаку, боячись пошкодити фарбу, тому й зараз «Нічна варта» досить сутінкова.

Справжня назва полотна – «Виступ стрілецької роти капітана Франса Баннінга Кока та лейтенанта Вільхема ван Рейтенбурга». Це груповий портрет мушкетерів-ополченців одного із районів Амстердама. З 1618 по 1648 рік у Європі тривала Тридцятирічна війна, і мешканці голландських міст бралися за зброю, щоб захищати свої будинки. Творіння Рембрандта разом із портретами інших стрілецьких рот мало прикрасити головний зал у Кловенірсдолені - штабі міських стрільців. Але замовники були розчаровані: у Рембрандта вийшов не монументальний парадний портрет, а жанрова картина, де вони насилу відшукували власні особи, найчастіше наполовину закриті іншими персонажами. Ще б! Адже художник окрім 18 замовників (кожен із яких виклав за свій портрет близько 100 золотих гульденів - вельми значну на ті часи суму) втиснув на полотно ще 16 людей! Хто вони – невідомо.

Музей - Амстердамський історичний музеї?

Три хрести

Один із найзнаменитіших офортів Рембрандта, має п'ять станів. Підписано і датовано лише третє, отже, решту Рембрандт вважав проміжними. П'ятий стан – дуже рідкісний, відомо лише п'ять екземплярів.

На офорті зображено драматичний момент смерті Христа на голгофському хресті, описаний у євангеліях. У цьому офорті Рембрандт у небувалих до того масштабах використовував техніку різця та «сухої голки», що посилило контрастність зображення.

2 грудня 2008 року на аукціоні Крістіс цей офорт (IV стан) було продано за 421 250 фунтів стерлінгів.

Зняття з хреста

В 1814 Олександром I у імператриці Жозефіни була придбана Мальмезонська галерея, що належала їй. Деякі з картин походили з відомої Кассельської галереї, зокрема «Зняття з хреста». Раніше ці полотна були власністю пані де Рувер у Дельфті та разом з іншими картинами її зборів були куплені ландграфом Гессен-Кассельським Людвігом VII. B 1806 його галерея була захоплена Наполеоном і подарована Жозефіні.

Наступник ландграфа Гессен-Кассельського Лудвіга VII, колишній союзник Олександра I, пред'явив в 1815 імператору вимогу про повернення захоплених Наполеоном картин. Ця вимога була рішуче відкинута Олександром I, який сплатив за картини гроші і всіляко виявляв увагу Жозефіні її дочки Гортензії. У 1829 році у Гортензії, що носила на той час титул герцогині Сен-Ле, було куплено тридцять картин, що походили з Мальмезонської галереї.
Тема «Зняття з хреста» мала у європейському мистецтві велику іконографічну традицію. Її найвищим досягненням вважалася алтарна картина Рубенса в антверпенскому соборі, широко відома по гравюрі Ворстермана.

Творча думка Рембрандта блукає десь поруч з цією традицією, використовуючи її і водночас постійно обираючи інші шляхи. Незвичайні для попереднього розвитку європейського мистецтва, вони дуже характерні для особистої творчої манери Рембрандта недарма «Зняття з хреста» зовні так сильно нагадує «Невіра апостола Хоми».
Рубенс зобразив піднесену скорботу групи величних і прекрасних людей про величного і прекрасного героя; Рембрандт неспокійну масову нічну сцену. Численні фігури то відступають у темряву, то потрапляють у промінь світла, і здається, що натовп рухається, живе, журячись за розп'ятим і шкодуючи його мати. У вигляді людей немає нічого ідеального, багато хто з них грубі, некрасиві. Почуття їх дуже сильні, але це почуття звичайних людей, не просвітлені тим піднесеним катарсисом, який є в картині Рубенса.

Мертвий Христос така сама людина, як вони; саме завдяки силі їхнього горя його страждання і смерть набувають особливого значення. Ключем до змісту картини служить, мабуть, не стільки Христос, скільки підтримуючий і прижимається до нього щокою людина.
З художньої точки зору дробова, неспокійна композиція поступається і знаменитій картині Рубенса, і деяким роботам самого Рембрандта, виконаним у ті роки. Наприклад, менш значне за змістом «Невіра апостола Хоми» представляється зовні більш гармонійними цілісним. Однак у «Знятті з хреста» чіткіше виступає властиве Рембрандту розуміння біблійно-євангельської тематики.

Робота молодого Рембрандта відрізняється від свого прототипу основними рисами. Насамперед вона не створена ні формально, ні по суті як мелений вівтарний образ. Її кабінетний розмір адресований не сприйняттю натовпу, а індивідуальному переживанню. Це звернення до почуттів та свідомості однієї людини, встановлення близького душевного контакту з глядачем змусило художника створити абсолютно нову систему. художніх засобівта прийомів. Рембрандт побачив сцену євангельської легенди як трагічну реальна подія, принципово позбавивши його містичного та героїчного пафосу.

Прагнучи до граничної щирості і правдивості зображення, Рембрандт показав біля хреста тісний натовп людей, вражених горем, які шукають спорідненої єдності один з одним перед обличчям страшної смерті. Коричнево-оливковий тональний колорит поєднав всю композицію, а світловий потік виділив драматично різко головний його смисловий центр. Найбільша глибина страждання втілена в образі Богоматері, що впала без почуттів з її худим виснаженим обличчям трудівниці. Друга група оплакувальних розташована на лівому кінці просторової діагоналі - жінки благоговійно стелять плащаницю, виконував свій прямий обов'язок по відношенню до померлого. Тіло Христа, що підтримується старим, - втілення змученої людської плоті - викликає насамперед почуття глибокого співчуття.

Єврейська наречена

Одна з останніх та самих загадкових картинРембрандт. Назву їй дав у 1825 році амстердамський колекціонер Ван дер Хоп. Він помилково вважав, що на ній зображений батько, який дарує дочці-єврейці намисто на весілля. Можливо, це замовний портрет, але одяг персонажів явно схожий на старовинний, біблійний, тому в якості назви пропонувалися Артаксеркс і Естер, Яків і Рахіль, Абрам і Сарра, Вооз і Рут.

Саскія в образі Флори

Картина роботи Рембрандта, написана в 1634 році, на якій, ймовірно, зображена дружина художника Саскі ван Ейленбух в образі давньоіталійської богині квітів, розквіту, весни та польових плодів Флори.

В 1633 Саскія ван Ейленбюрх стала нареченою Рембрандта ван Рейна. Чарівний портрет юної Саскії у вбранні Флори є німим, але промовистим свідком цієї “пори весни та кохання” геніального живописця.

Задумливе, але, безперечно, щасливе обличчя дівчини цілком відповідає почуттям нареченої. Вона тепер не швидка дитина, яка безтурботно дивиться на Божий світ. Перед нею серйозне завдання: вона обрала новий шлях і багато що доводиться їй передумати і перечувати, перш ніж вона вступить у доросле життя. Повиті квітами головний убір та жезло, безумовно, вказують на Флору, давньоримську богиню весни. Вбрання богині написане з дивовижною майстерністю, але справжня велич таланту Рембрандта проявляється у виразі ніжності, яку художник надав її обличчю.

Улюблена дружина внесла в самотню оселю скромного художника світло щастя та серцевого достатку. Рембрандт любив наряджати Саськію в оксамит, шовк і парчу, за звичаєм того часу, обсипав діамантами та перлами, з любов'ю спостерігаючи, як виграє її чарівне, молоде обличчя від блискучого вбрання

Музей – Державний Ермітаж

З тиль

Глибоко гуманістичне за своєю суттю та досконале у своїй неповторній художній формі творчість Рембрандта стала однією з вершин розвитку людської цивілізації. Різноманітні за жанром та тематикою твори Рембрандта пройняті ідеями моральності, духовної краси та гідності звичайної людини, розумінням незбагненної складності її внутрішнього світу, багатогранності його інтелектуального багатства, глибини його душевних переживань. Тають у собі безліч нерозкритих загадок, картини, малюнки та офорти цього чудового художника підкорюють проникливими психологічними характеристиками персонажів, філософським прийняттям дійсності, переконливою виправданістю несподіваних художніх рішень. Його трактування сюжетів з Біблії, античних міфів, стародавніх переказів та минулого рідної країни як реально осмислених подій історії людини та суспільства, глибоко відчутних життєвих колізій конкретних людей відкрило шлях вільної та багатозначної інтерпретації традиційних образів та тем.

Кохання Рембрандта

Знаменита муза Рембрандта Саскія була молодшою ​​дочкоюбургомістр міста Леуварден. Ця білошкіра руда красуня виросла у великій та дуже забезпеченій родині. Коли дівчині минуло 12 років, мати сімейства померла. Але дівчина, як і раніше, не знала ні в чому відмови, а коли настав час, стала дуже завидною нареченою.

Знакова зустріч художника та юної особи відбулася у будинку кузена дівчини, художника Хендріке ван Ейленбурга, який до того ж був торговцем антикваріатом. Рембрандт буквально вражений дівчиною: ніжна шкіра, що світиться, золоте волосся… Додайте до цього вміння вести невимушену бесіду. Жартома вона запропонувала відомому живописцю написати її портрет. А тому тільки й треба: Саскія – ідеальна модель для рембрандтівських сюжетів у темних та приглушених тонах.

Рембрандт починає писати портрет. Він зустрічається із Саській не лише на сеансах. Змінюючи своєму принципу, намагається бувати на розважальних прогулянках та званих вечорах. Коли робота над портретом була закінчена і часті зустрічі припинилися, Рембрандт розуміє: ось та, з якою він хоче одружитися. У 1633 Саськія ван Ейленбург стала нареченою художника, а 22 липня 1634 відбулося довгоочікуване весілля.

Шлюб із Саській відкриває художнику шлях у вище суспільство. Батько-бургомістр залишив улюблениці колосальну спадщину: 40 000 флоринів. Навіть на малу частину цієї суми можна було безбідно існувати довгі роки.

Щасливе та закохане подружжя почало облаштовувати спільний будинок. Незабаром він почав нагадувати музей. Стіни прикрашали гравюри Мікеланджело та полотна Рафаеля. Саскія була на все згодна, вона дуже любила чоловіка. А той, у свою чергу, обсипав її коштовностями, оплачував найвишуканіші туалети. І, зрозуміло, прагнув сфотографувати улюблений образ. Рембрандт, можна сказати, став літописцем свого сімейного життя. В перші дні медового місяцяподружжя було написано знаменитий «Автопортрет із Саській на колінах».

У 1635 році в сім'ї народився перший син, але прожив дуже недовго, і це стало для юної матері страшним ударом.

Вона довго не хотіла розлучатися з тілом сина, гнала від себе всіх, не випускаючи з рук мертву дитину. Нещасна мати ходила з ним по хаті, заколисуючи і називаючи його всіма ніжними іменами, якими вона разом із чоловіком називала Рембрантуса у перші щасливі дні.

Рембрандт усвідомлював, що крім годин, проведених біля мольберта, жити може лише біля Саскії. Тільки з нею він почувається людиною: кохання - джерело життя, а любить він одну Саськію, і нікого більше.

Після смерті Рембрантус Саскія ще двічі втрачала дітей при народженні. Лише четверта дитина, Титус, що з'явився на світ у 1641 році, зміг пережити важкі роки дитинства. Хлопчик був названий цим ім'ям на згадку про покійну Тіцію, сестру Саскію.

Однак постійні пологи згубно вплинули на здоров'я Саскії. Появу у художника суто пейзажних зображень наприкінці 1630-х років пояснюють іноді тим, що в цей час через хворобу дружини Рембрандт разом з нею багато бував за містом. Портретів у 1640-х роках митець пише порівняно мало.

Саскія ван Ейленбург померла 1642 року. Їй було лише тридцять років. У труні вона виглядала як жива…

У цей час Рембрандт працював над знаменитим полотном «Нічна варта».

Дом-музей Рембрандта

Художній музей на вулиці Йоденбреестраат у Єврейському кварталі Амстердама. Музей відкрився в 1911 році в будинку, який Рембрандт придбав на піку слави в 1639 і в якому проживав до свого банкрутства в 1656.

За майже 20 років життя (з 1639 по 1658 рік) на вулиці Йоденбрестрат Рембрандт встиг створити безліч прекрасних робіт, прославитися, зібрати унікальну колекцію картин і рідкостей з усього світу, придбати учні, розтратити стан першої дружини, втратити основних замовників, наробити величезних боргів пустити будинок з молотка.

Рембрандту довелося також розпродати більшу частину своєї розкішної колекції картин та антикваріату, що включають роботи великих європейських художників, римські бюсти імператорів, і навіть японські бойові обладунки, а також переїхати в більш скромне житло. Переживши обох дружин і навіть власного сина, Рембрандт помер у бідності та самоті.

Через два з половиною століття, в 1911 році за наказом корлеви Вільгельміни будинок був перетворений на музей, який, на відміну, наприклад, від музею Ван Гога - це, перш за все, не картинна галерея, а відновлені апартаменти великого художника: величезна кухня на першому поверсі, приймальна, спальня господаря та спальня для гостей – на другому, найбільше приміщення особняку – студія – на третьому, а на горищі – майстерні його учнів.

Відновити інтер'єр вдалося за допомогою опису майна, складеного нотаріусом під час продажу всього майна художника з аукціону, та малюнків самого художника, на яких він відобразив своє житло.

Тут можна побачити його особисті речі, меблі 17 століття та інші цікаві експонати на кшталт гарного офортного верстата або заморських рідкісностей.

У музеї виставлені майже всі гравюри великого Рембрандта – 250 із 280, чудові автопортрети художника, малюнки, що зображують його батьків, дружину та сина Титуса, чудові краєвиди Амстердама та його околиць.

Особливої ​​уваги вимагає навіть музейний туалет: там можна побачити малюнки Рембрандта на відповідну тему: жінку, яка присіла в кущах, і чоловіка, що стоїть у позі, характерною для цього закладу.

Перші роки

Розуміння азів

Повернення

Живопис

Замовники

Автопортрети

Урок анатомії

Портрет Сільвіуса

Прекрасна Дана

додаток

Перші роки

Чудо-дитина народилася 1606 року, у місті Лейдені, у будиночку біля мірошника Хармена ван Рейна. Під час хрещення його назвали досить рідкісним ім'ям Рембрандт. Хоча в сім'ї вже було п'ятеро дітей, народження шостого не засмутило, а втішило батьків. Батько сімейства був людиною цілком заможною: крім млина і солодовні, мав два будинки, та й за дружиною взяв гарний посаг.

Перші роки хлопчик провів на рідному млині, на березі рукава Рейна (від назви цієї річки його родина отримала своє прізвище). Мабуть, йому не раз траплялося спостерігати за променями сонця, коли вони, пробираючись крізь слухове вікно млина, пронизували золотистими смугами дрібні частинки борошняного пилу. Можливо, ці дитячі враження навчили його тим чарівним ефектам світла і тіні, які згодом обезсмертили його ім'я. Милуючись увечері тихими хвилями рідної річки, осяяними бурштиновим заходом сонця, і відтінками прозорого туману, що піднімається з її гладкої поверхні, Рембрандт вперше вгадав таємниці колориту, який він один умів надавати картинам.

Вся обстановка та дух бюргерської голландської сім'ї того часу мали розвивати сильні, цілісні характери, бадьорі та веселі в повсякденному житті, тверді в часи нещастя та смутку. Виховані в суворих правилах релігії, голландці шукали розваг та відпочинку від наполегливої ​​праці у тісному сімейному гуртку та за читанням Біблії.

Для геніального підлітка лейденські вулиці та ринки представляли поле для спостережень; тут він зустрічав різні типи, які невмілою рукою переносив на папір. Смаглявий перс стикався з білявим англійцем. Люди всіх націй, характерів, громадських положеньпроходили перед цікавими поглядами хлопчика, наче строкаті картини калейдоскопа. Околиці міста, нехай не особливо мальовничі, були позбавлені своєрідної краси.

Закінчивши курс у народній школі, старші брати Рембрандта вступили у вчення до ремісників. Молодшого сина старий Хармен призначав для іншої діяльності. Хлопчик відвідував латинську школу, пізніше батько хотів відкрити йому доступ до університету, щоб той міг, досягнувши зрілого віку, "принести своїми знаннями користь рідному місту та вітчизні".

Такий погляд отця Рембрандта зовсім не був винятком. За своєю культурою та освітою, так само, як і з організації їх суспільного устрою, голландці в XVII столітті випередили решту Європи на цілих двісті років.

Голландці високо шанували науку. Коли жителям Лейдена запропонували обрати нагороду, вони попросили заснувати у місті університет. Слава його була така велика, що іноземні государі вважали за честь вчитися тут.

Рембрандта наука мало цікавила, його тягло живопису. Як тільки батько Рембрандта помітив схильність сина, він одразу дав йому можливість дотримуватися покликання.

Розуміння азів

Приблизно в 16 років юнак вступив до першого вчителя, свого родича Якоба ван Сваненбюрха - художника, тепер зовсім забутого. За три роки молодий Рембрандт набув початкових навичок свого мистецтва. Як ставився ван Сваненбюрх до юного учня, який моральний та естетичний вплив він мав на майбутнього творця "Уроку анатомії", ми не знаємо. Ці перші учнівські роки не залишили ні найменшого сліду у літописах того часу. У творах Рембрандта швидше помітно вплив двох інших викладачів - Йоріса ван Шоотена та Яна Пейнаса.

Йоріс був свого часу досить відомим живописцем натуралістичного, реального спрямування. Він писав портрети бургомістрів, картини, що зображали збори різних корпорацій. Його живопис відрізняється оригінальністю. Ймовірно, саме йому Рембрандт завдячує розвитком тих якостей, які викривають усі його витвори; тонкому розумінню природи, прагненню зображати дійсність такою, якою вона є, вмінню передавати на мертвому полотні потужний життєвий струмінь.

Ян Пейнас мав славу чудового колориста. Вважають, що в нього Рембрандт перейняв ті теплі, хоч трохи похмурі тони, ту могутню і водночас м'яку гаму відтінків, які досі надають картинам генія чарівну красу. У всякому разі, освітлення Пейнаса трохи нагадує рембрандтівське.

Потім на півроку молодий художник опинився у майстерні амстердамського живописця Пітера Ластмана, у якого навчився гравірування.

Повернення

Двадцятирічний Рембрандт знову в рідному місті. Тут він продовжував заняття один, під керівництвом лише свого генії та матері-природи. Перші картини, що дійшли до нас, відносяться до 1627: одна з них - "Апостол Петро в темниці", інша - "Міняла". Це юнацькі спроби, які не становлять особливого інтересу; але в другій картині, в напрочуд гарному світлі, що виходить від свічки, наполовину заслоненою рукою міняли, вже можна впізнати майбутнього Рембрандта.

Разом із живописом молодий ван Рейн старанно займався гравіруванням. Одна з перших його гравюр – портрет матері, позначений 1628 роком. Видно, що любляча рука працювала над цими гравюрами. У той час своєї художньої кар'єри Рембрандт кілька разів гравірував зображення матері. Найпрекрасніший із цих естампів відомий під ім'ям "Мати Рембрандта під чорною вуаллю". Поважна бабуся сидить у кріслі перед столом; руки її, що багато попрацювали за своє життя, складені навколішки. Особа висловлює спокій, який дає лише свідомість правильно і чесно прожитого життя, сповненого обов'язку. Оздоблення гравюри воістину дивовижна: кожна зморшка, кожна вузлувата жилка на зморщених старечих руках сповнена життя та правди.

Улюбленим предметом спостереження Рембрандта було відображення внутрішнього, духовного життя людини на його обличчі. Він ніколи не пропускав нагоди відтворити такий вираз на папері чи дошці.

Щоправда, у роки (1627-1628) він ще писав тих портретів, якими так захоплювалися і захоплюються його шанувальники і поціновувачі. Тому, крім двох портретів матері, є лише кілька гравірованих зображень самого художника.

На одному з естампів ми бачимо досить некрасивого юнака з повним обличчям, обрамленим густим волоссям. Але риси дихають такою бадьорістю, самовпевненою силою та добродушністю, що мимоволі вселяють симпатію. На другій гравюрі, названій "Чоловік у обрізаному береті", - те саме обличчя, тільки з виразом жаху: очі майже вийшли з орбіт, рот напіввідкритий, поворот голови вказує на сильний переляк.

Рембрандт часто користувався своїм обличчям для етюдів: це був дешевий і зручний спосіб вправлятися: натурник нічого не вимагав за працю і охоче підкорявся капризам художника. Говорять, сидячи перед дзеркалом, молодий ван Рейн надавав фізіономії різних виразів: гніву, радості, смутку, подиву - і намагався якомога вірніше скопіювати своє обличчя. Все життя Рембрандт не залишав цієї звички - у багатьох музеях Європи знаходяться його автопортрети, на яких він зобразив себе у різних віках та у різноманітних костюмах.

Живопис

В умі молодого художника давно зріла думка залишити рідне гніздо. Життя маленького провінційного містечка з його простими вдачами і вузьким кругозіром було надто дріб'язковим і тісним для могутньої душі двадцятичотирирічного юнака. Йому хотілося бачити світло, пожити серед шуму та простору великого міста, розвернутися на волі. Він вирішив переселитися до Амстердама.

Старе місто було дуже мальовниче. Розгорнувся широким віялом на березі річки Амстель. він знаходився в кільці витончених дач та зелених садів. Тут було безліч елементів, що дають натхнення їжу, строкатий натовп, різноманітність образів, багатий вибір типів.

На початку 1631 повний надій і сподівань Рембрандт почав нове життя. Коли, стомлений роботою, він кидав палітру і пензель і вирушав блукати вулицями та площами міста, Амстердам збуджував у його сприйнятливій душі тисячу досі незвіданих вражень. Це вогнище цивілізації здавалося другою Венецією, тільки більш жвавою і галасливою, без похмурих аристократичних палаців, без таємничого зеленого напівтемряви каналів і променистої блакиті Адріатики.

Зовсім іншу, хоч і не менш мальовничу картину представляли торгові площі та гавань Амстердама. Кораблі, що прибувають сюди, розвантажували товари з усього світу. Тканини Сходу лежали поруч із дзеркалами та порцеляною; витончені статуї та вази Італії біліли на темному тлі нюрнберзьких меблів. Строкаті крила тропічних птахів і папуг блищали на сонці; спритні мавпи кривлялися серед тюків. Все це вавилонське стовпотворіння іноземних багатств, весь цей хаос пом'якшував безліччю квітів. Гармонія відновлювалась завдяки безлічі гіацинтів, тюльпанів, нарцисів та троянд, які щодня привозили на ринок гарлемські садівники.

У темних крамницях юнак проводив цілий годинник і був завжди бажаним гостем. Господар знаходив для нього серед ворохів всілякого мотлоху рідкісні речі, багату зброю, старовинні прикраси, розкішні вбрання. Все це Рембрандт міг купити за півціни. Часто під час таких відвідувань знаменитий живописець накидав чи гравірував виразне обличчя когось із членів сім'ї купця, що вразило його красою чи оригінальністю.

Замовники

Картини та гравюри Рембрандта знаходили собі покупців на місці та почали проникати за кордон. Найкоротшим часом митцю вдалося забезпечити собі цілком заможне існування; він заробляв стільки, що міг навіть купувати і збирати рідкісні та дорогі предмети, У 1631 Рембрандт написав дві роботи - "Стрітення" і "Святе сімейство". Остання справляє дещо дивне враження. Ми бачимо не скромну оселю назаретського тесляра, а кімнату в будиночку багатого бюргера в Гарлемі чи Сардамі. Свята Діва – повна, квітуча голландка у костюмі XVII століття. Обличчя немовляти, що заснуло в неї на колінах, - теж тип чистого сіверянина.

Все в цій картині - і ситуація, і типи - суперечить сучасним поняттям про історичну вірність і життєвої правді. Але варто уважно вдивитися в цю сімейну сцену, і всі міркування про теорію мистецтва поступаються місцем почуттю лагідного розчулення - стільки поезії та духовної краси в цій групі, що зібралася біля бідної колиски Спасителя, така наївна грація в позі сплячої дитини, стільки любові та ніжності у погляді молодої матері і в її посмішці... Св. Йосип допитливо і задумливо вдивляється в риси немовляти, ніби передбачаючи тернистий шлях, яким тому доведеться йти. Весь світ картини зосереджений на фігурі сплячого Ісуса, лише окремі промені ковзають по грудях і шиї Марії, по обличчю Йосипа і по скромному ліжку.

Вибравши сюжет, Рембрандт весь йшов у нього, переймався найменшими подробицями, піддав його всебічному обговоренню. Зазвичай перший малюнок не задовольняв його. І Рембрандт, замість того змінювати і переробляти, зовсім закидав зіпсовані відбитки і починав все знову. Так з-під його пензля чи різця з'являлися нові, оригінальні відтворення однієї й тієї теми. Художник нікому не доручав друкування своїх гравюр: при кожному відбитку він додав кілька штрихів до малюнка, домагаючись нових ефектів, то посилюючи, то послаблюючи тон. Тому знімки однієї і тієї ж гравюри часто відрізняються один від одного в дрібних подробицях. Навіть у такій механічній роботі видно геній Рембрандта.

Ймовірно, у ці перші роки молодий художник мав чимало вільного часу - він написав цілу серію автопортретів. Але ці роботи – не перші досліди геніального учня, а цілком закінчені твори.

Автопортрети

Що змушувало Рембрандта так багато й часто писати своє зображення? Можливо, їм керувало вельми зрозуміле і законне бажання людини, яка відчуває свою перевагу над точною, усвідомлює в душі щось незвичайне, передати нащадкам свій зовнішній вигляд, прагнення не зникнути безслідно не як художник, а як особистість? Можливо, він хотів привернути увагу любителів живопису, які відвідували його майстерню, і збільшити кількість замовлень?

Знаючи скромний і скоріше безтурботний, ніж розважливий характер Рембрандта, навряд чи можна припустити, що ним керували винятково самолюбство та користь. Швидше, просто не могла така горда й владна людина, як Рембрандт, яка навіть заради хліба насущного в дні крайньої бідності та потреби ні на йоту не поступалася своїми поглядами та звичками, підкорятися капризам натурників та моделей.

Найкоротшим часом його майстерня стала осередком художнього світу Амстердама. Багаті громадяни постійно зверталися до нього із замовленнями, незважаючи на те, що йому, за словами сучасників, треба було не лише платити за роботу великі гроші, а й просити, благати, щоб він за неї взявся.

Урок анатомії

Через рік після свого переселення до Амстердама Рембрандт створив один із найбільших своїх творів - "Урок анатомії". Якби творець "Нічного дозору", "Зняття з хреста" та інших видатних картин написав лише цей "Урок", його було б достатньо для слави одного з перших художників епохи.

У XVII столітті в Голландії, де живопис процвітав із початку Відродження, члени окремих корпорацій охоче замовляли колективні портрети. Цього звичаю особливо дотримувалися хірурги. До Реформації хірургія животіла під гнітом середньовічного релігійного деспотизму. Тільки у середині XVI століття медики отримали право відкрито, без страху покарання та переслідування займатися вивченням своєї спеціальності. Закон, що дозволяє розтин людських тіл для анатомічних досліджень, був оприлюднений у 1555 році. Для розтинів з науковим ланцюгом відвели спеціальні приміщення; вони називалися анатомічними театрами.

У 1632 році кафедру анатомії в Амстердамі займав лікар і вчений Ніколас Тюльп, бажаючи отримати на згадку про улюбленого професора його портрет, члени корпорації хірургів звернулися до живописця з проханням взяти на себе цю роботу. Такі портрети, за звичаєм епохи, писалися за прийнятим шаблоном: всі розміщувалися навколо столу або ставали в один ряд так, щоб кожна особа була однаково видно глядачам.

Але всяка рутина була чужа генію. Досі ніхто з його побратимів не досяг у портретному живописі тієї невимушеної природності та правди, які вражають в "Уроці анатомії". Ця жанрова картина дихає свіжістю, бадьорістю та силою. Її створила рука як великого майстра, а й глибокого психолога і знавця людської душі.

За виразом на портреті легко вгадати характер кожного, прочитати хвилюючі його почуття і думки. Лікар Тюльп стоїть над тілом, що лежить на операційному столі. Він показує оголені м'язи руки, причому мимоволі, за звичкою, властивою анатомам, рухає своїми пальцями, як би підтверджуючи пояснення діяльності м'язів. Обличчя лікаря серйозне і спокійне; він свідомо і впевнено передає слухачам наукові висновки, які йому вже цілком зрозумілі і безсумнівні.

Навколо лектора тісним гуртком зібралися сім хірургів. На першому плані, поряд із Тюльпом, троє молодих людей. Один із них, очевидно, короткозорий, уважно розглядає відкриту мускулатуру; другий, ніби вражений доказами професора, глянув на нього; нарешті, третій, намагаючись розглянути рух руки Тюльпа, напружено стежить за поясненнями лектора.

За цією першою групою - ще чотири хірурги. Трохи позаду професора чоловік середніх пет старанно записує лекцію; рука його зупинилася на півслові: він, певне, обмірковує, як точніше висловити думку. Біля самого столу, спираючись на нього рукою, впівоборот до глядачів помістився гарний хлопець. Він – скептик: на його губах майже глузлива посмішка. З решти фігур сповнена експресії крайня: людина вже зріла, ймовірно, що зустріла чимало труднощів і невирішених завдань у своїй діяльності як лікар. Він написаний у профіль: глянувши на Тюльпа, здається, весь перетворився на слух, намагаючись не пропустити жодного слова.

По картині розлито яскраве і водночас м'яке світло: ніде не видно похмурих тонів, якими згодом так любив користуватися Рембрандт. Це освітлення як би уособлює сяйво науки, що виганяє будь-яку темряву і проникає у найвіддаленіші куточки.

Майже двісті років "Урок анатомії" був у будівлі, де вперше зазвучав у вільній Голландії голос вільної науки. У 182 році король Вільгельм I купив цю перлину голландської школи за 32 тисячі флоринів (Рембрандт отримав всього 700 гульденів) і пожертвував її картинній галереї в Гаазі.

Звістка про те, що тільки-но закінчений портрет Тюльпа та його слухачів уже зданий замовникам і прикрашає стіни анатомічного театру, швидко поширилася містом. Натовпи цікавих брали в облогу аудиторію, поспішаючи помилуватися новим твором Рембрандта. Слава його зростала, а з нею і кількість замовлень: кожен із мешканців міста, який мав хоч якийсь достаток, хотів отримати портрет його роботи, хоч би гравірований на міді.

Портрет Сільвіуса

Одним із перших звернувся до художника знаменитий на той час проповідник Ян Корнеліс Сільвіус. При першому побаченні Рембрандт відчув глибоку повагу і симпатію до поважного пастора. Він одразу взявся за депо і особливо старанно поставився до виконання замовлення

Незабаром встигли перші відбитки, але вони не задовольнили молодого художника. Йому здавалося, що обличчя його нового друга вийшло надто холодним і неживим, що не вдалося вловити те поєднання вдумливої ​​суворості та серцевої доброти, яке так подобалося йому в пасторі.

Знову довелося взятися за депо. Рембрандт посилив тіні: в особі з'явилося більше життя, воно стало рельєфнішим, але тонкість роботи, цілісність враження постраждали. Проте митець зважився здати роботу замовнику: він відіслав йому всі чотири відбитки з найзадушевнішим листом. Старий залишився дуже задоволеним портретом. Його зворушила делікатність майстра, який віддав у його розпорядження замість одного аркуша цілих чотири. Полонений веселим, живим характером юнака, суворий проповідник дружелюбно ставився до нього і ввів його в сім'ю, де Рембрандт незабаром став своєю людиною. Тут він зустрів дванадцятирічну Саську.

Прекрасна Дана

Міф про цю казкову принцесу дійшов до нас з далекого минулого, а пензель великого художника створив за цим сюжетом одне з найпоетичніших полотен у світовому живописі.

Грецький оракул передбачив цареві Акрисію, що той помре від руки свого онука. Страшений смерті цар, почувши таке трагічне передбачення, вирішив укласти свою єдину дочкуДаю в терем, а охороняти її посадив найлютіших псів у царстві. Але могутній Зевс побачив дівчину, закохався в неї і, перетворившись на золотий дощ, проник у в'язницю.

Радісний потік золотого кольору яскраво висвітлює фігуру оголеної Данаї. Дівчина чекає на коханого, радіючи і водночас боячись перед Зевсом, вона тягнеться назустріч коханню, і в очах її - заклик, передчуття щастя... Таке досконале оголене жіноче тіло, трепетне, тепле, живе і прекрасне, могла написати тільки людина, засліплена любов'ю.

Ця картина – гімн молодості та краси, гімн Жінці. Дивлячись на полотно, починаєш розуміти, наскільки прекрасні та вічні Жінка та Кохання. Але мало хто знає, як складна і драматична доля картини і доля генія, який її написав...

1631 рік. Амстердам. Моженими вулицями столиці бродить нікому ще не відомий молодий Рембрандт ван Рейн. Йому – лише двадцять п'ять, і його переповнюють юнацькі амбіції – син лейденського мірошника Хармена ван Рейна пройшов школу лейденських майстрів Сванебурга та Лаймана та мріє завоювати столицю, вже бачачи натовпу захоплених шанувальників біля своїх ніг.

Як не дивно - йому це вдається, щоправда, не одразу. Спочатку замовлення не йдуть – заможні бюргери не хочуть і не люблять пускати гроші на вітер, адже в Амстердамі Рембрандта ще ніхто не знає. Але ситуація несподівано змінюється. Потрібен лише рік, щоб про молодого художника захоплено заговорили.

В 1632 він виставляє свою нову картину "Урок анатомії доктора Тюльпа", яка приносить йому справжній успіх! Миттєво Рембрандт стає модним художником - тепер у нього не бракує замовників, і серед них багато цілком забезпечених і впливових людей.

Все йде дуже вдало: молодість, успіх, гроші та невгамовне бажання малювати...

Одного разу Рембрандта було запрошено до будинку торговця картинами Хендріка ван Ейленбурха.

У галасливій веселої компаніїмолодих людей він побачив ту, яка назавжди вразила його серце, - юну Саськію, кузину Хендріка.

Хоча Саськія не була красунею в повному розумінні цього слова – коротка шия, маленькі очі, пухкі щічки, але її манера спілкуватися з людьми, її м'який мелодійний голос, та й просто свіжа чарівна юність робили її в очах молодих людей надзвичайно чарівною. До того ж, Рембрандта вразили її розум і жвавість, і він почав посилено доглядати дівчину, до того ж, вона була з дуже багатої сім'ї, серед її родичів – високопосадовці та пастирі, купці та судновласники.

Потім було ще кілька зустрічей у вищому амстердамському суспільстві, і Рембрандт остаточно зробив свій вибір. Без цієї дівчини він уже не думав. Художник робить їй офіційну пропозицію, яка з радістю приймається, і в 1634 молоді люди поєднуються законним шлюбом.

Так почалися найщасливіші роки життя Рембрандта. Саскія не тільки подарувала чоловікові своє беззавітне кохання, але й принесла значне посаг і ввела його в вищі колаамстердамське бюргерство.

Замовлення посипалися один за одним, ім'я Рембрандта із захопленням згадувалося майже в кожному будинку, і сам він на той час став уже цілком забезпеченою людиною і міг оточити дружину блиском і розкішшю - він купував їй дорогі сукні, коштовності та робив усе, щоб сім'я Саскії не вважала їхній шлюб нерівним.

Про їхнє сімейне життя не збереглося жодних архівів - ні щоденників, ні записів, ні листів один до одного, ні оповідань очевидців, але про те, що воно було наповнене щастям, говорять численні портрети, малюнки та гравюри, зроблені Рембрандтом.

Гроші дозволяли молодому чоловікові не скупитися, і він захоплено почав збирати у своїй оселі найрізноманітніші антикварні рідкості, картини, гравюри, офорти, килими, японські вази - чого тільки не було в його колекції.

Але, звичайно, головний скарб Рембрандта – Саскія. І саме вона надихнула художника на створення однієї з найкращих його робіт – на створення "Данаї".

У цій картині стільки особистого, стільки любові та відвертості, що художник вирішив ніколи не продавати це полотно – адже воно було символом їхнього безмежного кохання та їхнього незвичайного щастя.

Але щастя виявилося недовговічним, фортуна в якусь мить відвернулася від родини, і почалася низка трагічних подій; на початку 1636 року вмирає новонароджений перший син Румбартус, потім та ж сумна доля спіткає і двох дочок, що народилися один за одним,

У будинку запанувала жалоба: важко було малювати, важко дивитися на постійно заплакану, але, як і раніше, улюблену і рідну Саську, поступово витікали гроші. Але залишалася віра в те, що колись щастя повернеться в дім, і Бог змилосердиться над ними.

Так усе й сталося: Саські знову завагітніла і в 1641 році, нарешті, народила здорову дитину - сина Титуса.

До щасливого батька повертається бажання творити, і в цей період з'являється цілий цикл малюнків, а також знаменита картина Саскія після пологів грає в ліжку з Титусом.

Художника переповнювала ця тема – тема матері та дитини.

Здавалося, що все налагоджується, удача - знову на його боці, але знову щастя не затримується - часті пологи підірвали здоров'я Саскії, вона почала хворіти, майже не вставала з ліжка, а дев'ять місяців після народження сина молода жінка померла, їй було всього тридцять. !

Рембрандт впав у тяжку депресію - адже Саськія забрала з собою всі фарби світу.

Але одного разу, коли художник сидів у своїй майстерні, і на душі було особливо тужливо і нудно, він почув чийсь жіночий голос:

Випийте, хазяїне, вам одразу стане легше.

Перед ним стояла нянька Титуса, яку ще за життя найняла Саська. І Рембрандт, несподівано для себе, раптом відчув, що ця жінка подобається йому - серце забилося, як колись при зустрічі з Саській.

Гертьє Діркс, вдова корабельного трубача, була молодою, здоровою та цілком привабливою жінкою, до того ж не позбавленою хитрості. Поступово вона міцно запанувала не лише у спальні господаря, а й забрала всю владу у його будинку.

Гертьє зовсім не була схожа на аристократку Саскію - це була жінка з народу, в якій вирували земні пристрасті. Але, схоже, Рембрандт це подобалося. Гертьє все частіше з'являлася на його полотнах, причому гола. Її пишна, щільна, така земна плоть наповнювала полотна чуттєвістю та пожадливістю.

І настав момент, коли Рембрандт вирішив переписати "Данаю". На колишній картині Дана була закутана в найтонше полотно - адже художнику позувала улюблена, така ніжна і чиста Саськія, і він не хотів, щоб хтось, крім нього, міг милуватися красою її тіла. А ось просту, грубу Гертьє, що зуміла розбудити в ньому плотські пристрасті, цілком можна було оголити перед поглядами сторонніх.

Так на полотні Рембрандта народжується нова Дана - готова до пестощів і любовних ігор, чуттєва, палка, вона чекає на свого коханого, бажаючи подарувати йому всі земні насолоди. І в цієї нової Данаї - риси обличчя Гертьє (Саскія не могла бути настільки відверто сексуальною).

Минали роки. Рембрандт багато працював. Його син Титус підростав. А Гертьє, що роздобріла на хазяйських харчах, почувала себе повновладною господаркою і мучилася лише однією думкою - чому господар не одружується з нею? Вона все життя віддала Рембрандту, а він, схоже, і не збирався назвати її своєю дружиною.

Незабаром митця викликали до "Камери сімейних сварок" (такий заклад існував в Амстердамі XVII століття) і присудили тому виплачувати пані Діркс по 200 гульденів щорічно. На ті часи - сума чимала, але Рембрандт готовий на все, аби позбутися неприємної та скандальної баби. Всі ніжні почуття до неї давно пройшли, тим більше, що в будинку з'явилася нова служниця - Хендрік'є Стоффелс, дочка солдата, який служив на кордоні з Вестфалією. Вона виявилася скромною, милою, доброю, і невдовзі ця тиха, віддана дівчина завоювала не тільки серце художника, а й усіх у домі.

Рембрандт щиро покохав її і вперше після Саскії хотів узаконити стосунки. Але, на жаль, це було неможливо - за умовами заповіту Саскії, одружившись, він позбавлявся права керувати майном свого сина Титуса та користуватися його доходами.

Але Хендрік'є нічого не чекала і не вимагала, головне, що вони були разом, і вона могла дарувати Рембрандту свою молодість, спокій і щастя, а в 1654 - і дочку, улюблену Корнелію.

Рембрандт не залишався в боргу, правда, він не міг обсипати кохану коштовностями або грошима - їх у ці роки ставало дедалі менше, але написав дивовижну галерею її портретів.

А одного разу, в тихий спокійний вечір, коли вони сиділи в майстерні і про щось розмовляли, він раптом різко підвівся, підійшов до "Данаї" і, кинувши на неї погляд, узяв у руки фарби та пензель, тут же надавши казковій принцесі риси Хендрік'є.

Так з'явився третій варіант цього загадкового та чудового полотна.

Тим часом амстердамське суспільство вирувало - бюргери обурювалися способом життя художника, який давно вже став відомим. Його служниця, розпусниця і перелюбниця, живе з ним у гріху! Але справжній скандал вибухнув після того, як пішли чутки, що вагітна Хендрік'є позувала художнику для картини "Вірсавія, що купується",

Дівчину викликали в кальвінійську консисторію і зажадали піти від художника, погрожуючи, інакше, відлучити від церкви.

Зараз важко уявити, що означало для молодої жінки відлучення від вечірнього причастя, - це була страшна ганьба.

Але Хендрік'є, незважаючи на тиху, податливу вдачу, різко відмовилася - адже ніщо не могло змагатися з її безмежним коханням, і вона, як і раніше, продовжувала жити з Рембрандтом.

Сім'ї доводилося несолодко. Пішли в минуле благополучні та ситі роки, картини Рембрандта вже ніхто не купував, і поступово довелося розпродати всі скарби – килими, зброю, вази, картини, які він збирав із такою любов'ю.

1656 року Рембрандта остаточно оголосили банкрутом. "Інвентар картин, меблів та домашнього начиння, що належать Рембрандту ван Рейну, що мешкає по вулиці Бреєстраат поблизу шлюзу святого Антонія", - сумлінно описували майно Рембрандта чиновники податкової служби. В одному з параграфів опису, поряд зі шкірами лева та левиці та двома строкатими сукнями, значиться "велика картина "Дана".

Полотно, з яким художник ніколи не розлучався, пішло у чужі байдужі руки.

А потім сім'я втратила і сам будинок - його купив сусід-чоботар - і переселилася в один з найбідніших районів Амстердама.

Нещастя та втрати продовжували їх переслідувати. Не витримавши цих важких життєвих випробувань, у 1663 році вмирає Хендрік'є, а за нею і Титус - він зовсім недавно одружився з чарівною Магдалене ван Ло, яка не змогла жити без чоловіка і не надовго пережила його.

Усі, кого любив Рембрандт, залишали художника, залишилися лише дві дівчинки - дочка Корнелія та маленька онука Тітія.

Час невблаганно рухався вперед, і також невблаганно йшло здоров'я. Рембрандт слабшав, живучи у страшній злиднях і приниженні. Але чим жорсткіше била його доля, тим більше мудрості та глибини набувало його мистецтва.

Його смерть не викликала в Амстердамі жодного інтересу - подумаєш, таких художників, чиї картини продаються лажі на ринках нарівні з дичиною, м'ясом та рибою, - у Голландії безліч!

І ніхто тоді не подумав, що країна втратила одного із найбільших своїх синів...

А що "Дана"? У чиї руки потрапило найулюбленіше Рембрандтом полотно?

Змінивши кількох господарів, початку XVIIстоліття вона опинилася в колекції французького банкіра П'єра Кроза, а після його смерті перейшла у спадок племіннику барону Тьєра, і лише в 1770 її продали. Серед нових володарів скарбів Кроза виявилася і російська імператриця Катерина II, яка з величезним ентузіазмом збирала свою колекцію живопису.

Нарешті, "Дана" знайшла собі гідне місце - в залах Ермітажу. Потрапивши сюди, вона відразу ж порушила спекотні суперечки; де ж золотий дощ, чому ридає амур на її ліжку, чому на пальці лівої руки - обручка? Тоді це зовсім не Дана! А може, Даліла, яка чекає на Самсона, чи біблійна Агар?

Усі питання було знято зовсім недавно, коли рембрандтовський шедевр вивчили за допомогою рентгенівських променів. Просвітивши полотно, здивовані вчені побачили під однією картиною іншу! У першому варіанті була зображена Саскі з кільцем на пальці, як і належить заміжній дамі, а її тіло сором'язливо прикрите легким покривалом. Художник зірвав його, коли з'явилася Гертьє Діркс, тому, напевно, і ридає амурчик, оплакуючи минуле кохання і чудову Саськію.

Але історія на цьому не скінчилася. У сонячний суботній лин, 15 липня 1985 року, молодик Брюнас Майгіс, який приїхав до Ленінграда з Каунаса, пройшов до Ермітажу: і відразу ж подався до зали Рембрандта. Підійшовши до "Данаї", він витяг ножа і з криком "Свободу Литві!" накинувся на неї. Порізавши картину, він також вилив на неї літр сірчаної кислоти. Вражені співробітники музею були приголомшені - подібного в музеї ніколи не траплялося! Безумця-вандала заарештували, і на допиті він сказав, що прочитав у журналі "Вогник" статтю про те, що це - " головна картинау головному радянському музеї". У збоченій свідомості литовця шедевр Рембрандта перетворився на своєрідний символ Російської імперії, що пригнічувала литовців.

А поки міліціонери забирали Майгіса з Ермітажу, співробітники музею з жахом спостерігали, як течуть по картині цівки кислоти, роз'їдаючи барвистий шар та полотно. Терміново були викликані реставратори та найкращі хіміки міста. Понівечену картину перенесли в лабораторію, промили і почали думати, що з нею робити - адже кислота залишила страшні борозни, крім того, ножем порізано стегна і живіт Данаї.

В результаті гарячих суперечок дійшли компромісного вирішення - те, що зіпсовано зовсім, не відновлювати, а те, що можна відреставрувати, - відреставрувати. І реставратори зуміли зберегти картину після шаленого акту вандалізму.

Шедевр Рембрандта, як і раніше, радує відвідувачів Ермітажу, і кожен, підходячи до нього, знову відчуває чарівність жіночої краси та принадність очікування дива. І, звичайно ж, захоплюється майстерністю великого голландця Рембрандта он Рейна, 400-річчя якого відзначалося минулого року всіма поціновувачами безсмертного мистецтва.