Care este imaginea artistică a atitudinii artistice a artistului. Imagine artistică

un mod și o formă de stăpânire a realității în artă, o categorie generală de arte. creativitate. Printre altele estetice. categorii categoria X. o. sunt de origine relativ tardivă. În secolul antic și mijlociu. estetica, care nu a evidențiat artisticul într-o sferă specială (întreaga lume, spațiul - o operă artistică de cel mai înalt nivel), arta s-a caracterizat în mod predominant. canon - un set de tehnologice. recomandări care asigură imitarea (mimesis) art. începutul vieții în sine. La antropocentric Estetica Renașterii merge înapoi (dar fixată terminologic mai târziu - în clasicism) categoria de stil asociată cu ideea laturii active a artei, dreptul artistului de a forma o operă în conformitate cu opera sa de creație. inițiativa și legile imanente ale unui anumit tip de artă sau gen. Când, în urma de-estetizării fiinţei, de-estetizarea practicului activitate, o reacție firească la utilitarism a dat un specific. înțelegerea artelor. se formează ca organizare după principiul intern. scop, nu utilizare externă (frumos, după Kant). În cele din urmă, în legătură cu procesul de „teoretizare” a revendicărilor, acestea vor termina. separându-l de artele muribunde. meșteșuguri, împingând arhitectura și sculptura la periferia sistemului artelor și împingând în centrul artelor mai „spirituale” în pictură, literatură, muzică („forme romantice”, după Hegel), a devenit necesară compararea artelor. creativitatea cu sfera gândirii științifice și conceptuale pentru a înțelege specificul ambelor. Categoria X. o. s-a conturat în estetica lui Hegel tocmai ca răspuns la această întrebare: imaginea „... ne pune în fața ochilor, în loc de o esență abstractă, realitatea ei concretă...” (Soch., vol. 14, M., 1958, p. 194). În doctrina formelor (simbolice, clasice, romantice) și a tipurilor de artă, Hegel a conturat diverse principii pentru construirea X. o. Cum tipuri diferite relaţia „între imagine şi idee” în istoricul lor. si logic. secvente. Revenind la estetica hegeliană, definiția artei ca „gândire în imagini” a fost ulterior supusă vulgarizării într-un intelectualism unilateral. şi pozitivist-psihologic. concepte de X. o. sfârşitul anului 19 - devreme Secolului 20 În Hegel, care a interpretat întreaga evoluție a ființei ca pe un proces de autocunoaștere, auto-gândirea abs. spirit, tocmai la înțelegerea specificului revendicării, s-a pus accentul nu pe „gândire”, ci pe „imagine”. În înțelegerea vulgarizată a lui X. o. redus la vizualizare idee comună , pentru o cunoaștere specială. o tehnică bazată pe demonstrație, demonstrație (în loc de dovezi științifice): o imagine exemplu duce de la detaliile unui cerc la cele ale altui cerc (la „aplicațiile” sale), ocolind o generalizare abstractă. Din această perspectivă, art. ideea (sau mai bine zis, pluralitatea ideilor) trăiește separat de imagine – în capul artistului și în capul consumatorului, care găsește una dintre posibilele utilizări ale imaginii. Hegel l-a văzut pe cunoscător. latura X. despre. în capacitatea sa de a fi purtătorul unei anumite arte. ideile, pozitiviștii – în puterea explicativă a descrierii sale. În același timp, estetica plăcerea a fost caracterizată ca un fel de satisfacție intelectuală, iar întreaga sferă nu este înfățișată. claim-in a fost automat exclus din considerare, ceea ce a pus sub semnul întrebării universalitatea categoriei "X. o." (de exemplu, Ovsyaniko-Kulikovsky a împărțit costumele în „figurative” și „emoționale”, adică cele urâte). Ca un protest împotriva intelectualismului la început. Secolului 20 au apărut teorii nerușinate ale artei (B. Christiansen, Wölfflin, formaliștii ruși și parțial L. Vygotsky). Dacă deja pozitivismul este intelectualist. sens, punând ideea, adică din paranteze X. o. - în psihologie. zona „aplicații” și interpretări, a identificat conținutul imaginii cu tematica acesteia. umplerea (în ciuda doctrinei promițătoare a formei interne dezvoltate de Potebnya în conformitate cu ideile lui W. Humboldt), formaliștii și „emoționaliștii” au făcut de fapt un pas în continuare în aceeași direcție: au identificat conținutul cu „materialul”, iar conceptul de imagine a fost dizolvat în forma conceptului (sau design, recepție). Pentru a răspunde la întrebarea în ce scop este prelucrat materialul de către formă, a fost necesar – într-o formă ascunsă sau sinceră – să se atribuie operei de artă un scop extern, în raport cu structura sa integrală: arta a început să fi considerat în unele cazuri ca hedonist individual, în altele – ca o „tehnică socială a sentimentelor”. Cognitiv. utilitarismul a fost înlocuit de utilitarismul educațional- „emoțional”. Modern estetica (sovietică și parțial străină) a revenit la conceptul figurativ de artă. creativitatea, extinzând-o la non-reprezentări. proces-va si depasind astfel originalul. intuiție „vizibilitate”, „văz” cu litere. sensul acestor cuvinte, to-heaven a fost inclus în conceptul de "X. o." sub influența antichității. estetica cu experiența sa de plasticitate. claim-in (greacă ????? - imagine, imagine, statuie). Semantica rusului. cuvântul „imagine” indică cu succes a) existenţa imaginară a artei. fapt, b) existența sa obiectivă, faptul că există ca o anumită formațiune integrală, c) semnificația sa („imaginea” a ce? , adică imaginea presupune prototipul ei semantic). X. o. ca fapt de fiinţă imaginară. Fiecare operă de artă-va are propriul său material și fizic. baza, care este însă imediată. purtător de non-arte. sens, ci doar imaginea acestui sens. Potebnya cu psihologismul său caracteristic în înțelegerea lui X. o. decurge din faptul ca X. o. există un proces (energie), o încrucișare a imaginației creatoare și co-creatoare (perceptivă). Imaginea există în sufletul creatorului și în sufletul celui care percepe, dar arta existentă în mod obiectiv. obiectul este doar un mijloc material de trezire a fanteziei. În schimb, formalismul obiectivist consideră art. o operă ca lucru făcut, care are o existență independentă de intențiile creatorului și de percepțiile celui care percepe. După ce am studiat obiectivul-analitic prin simțurile materiale. elementele din care constă acest lucru și relațiile dintre ele, se pot epuiza construcția acestuia, explica cum este realizat. Dificultatea constă însă în faptul că art. opera ca imagine este atât un dat, cât și un proces, ea persistă și durează, este atât un fapt obiectiv, cât și o legătură procedurală intersubiectivă între creator și perceptor. Germană clasică. estetica considera arta ca un fel de sferă de mijloc între senzual și spiritual. „Spre deosebire de existența imediată a obiectelor naturii, senzualul într-o operă de artă este ridicat prin contemplare la vizibilitate pură și piesă de artă se află la mijloc între sensibilitatea directă și gândire, care ține de domeniul idealului” (Hegel V.F., Estetica, vol. 1, M., 1968, p. 44). Ideal), iar materialul natural joacă rolul de material pentru materialul de aici. statuie de marmură apare nu în sine, ci ca un semn al unei anumite calități figurative; trebuie să vedem în statuie nu un om „alb”, ci imaginea unui om în corporalitatea lui abstractă. Imaginea este atât întruchipată în material, cât și, parcă, nu întruchipată în el, deoarece este indiferentă față de proprietățile bazei sale materiale ca atare și le folosește doar ca semne ale sale. natură. Prin urmare, ființa unei imagini, fixată în baza ei materială, se realizează întotdeauna în percepție, adresată acesteia: până când o persoană este văzută într-o statuie, ea rămâne o bucată de piatră, până când se aude o melodie sau armonie într-o combinație. de sunete, nu-și dă seama de calitatea sa figurativă. Imaginea se impune conștiinței ca obiect dat în afara ei și, în același timp, este dată liber, non-violent, deoarece este necesară o anumită inițiativă a subiectului pentru ca acest obiect să devină tocmai o imagine. (Cu cât materialul imaginii este mai idealizat, cu atât este mai puțin unic și mai ușor să copiați baza sa fizică - materialul materialului. Imprimarea și înregistrarea sunetului fac față acestei sarcini aproape fără pierderi pentru literatură și muzică, copierea lucrărilor de pictură și sculptura întâmpină deja serioase dificultăţi, iar o structură arhitecturală este cu greu potrivită pentru copiere, deoarece imaginea de aici este atât de strâns contopită cu baza ei materială, încât chiar mediul natural al acesteia din urmă devine o calitate figurativă unică.) Acest apel al lui X. o. pentru conștiința perceptivă este o condiție importantă pentru istoricul ei. viața, infinitul ei potențial. În X. o. există întotdeauna o zonă a negrăitului, iar înțelegerea-interpretarea este precedată de înțelegere-reproducere, o oarecare imitație liberă a interiorului. expresiile faciale ale artistului, creativ voluntar urmând-o de-a lungul „canelurilor” schemei figurative (la aceasta, în termenii cei mai generali, doctrina formei interioare ca „algoritm” al imaginii, dezvoltată de școala Humboldt-Potebniană). , este redus). În consecință, imaginea se dezvăluie în fiecare înțelegere-reproducere, dar în același timp rămâne însăși, pentru că. toate interpretările implementate și multe nerealizate sunt conținute ca o creație furnizată. un act de posibilitate, în însăși structura lui X. o. X. o. ca o totalitate individuală. Asemănarea artistică. O operă de artă pentru un organism viu a fost schițată de Aristotel, potrivit căruia poezia ar trebui „... să-și producă plăcerea inerentă, ca o singură și întreagă ființă vie” („Despre arta poeziei”, M., 1957, p. . 118). Este de remarcat faptul că estetica plăcerea („plăcerea”) este considerată aici ca o consecință a naturii organice a artelor. lucrări. Reprezentarea lui X. despre. ca întreg organic a jucat un rol proeminent în estetica de mai târziu. concepte (în special în romantismul german, Schelling, în Rusia - A. Grigoriev). Cu această abordare, oportunitatea lui X. o. acționează ca întreg: fiecare detaliu trăiește datorită conexiunii sale cu întregul. Cu toate acestea, orice altă structură integrală (de exemplu, o mașină) determină funcția fiecăreia dintre părțile sale, aducându-le astfel la o unitate creată în întregime. Hegel, de parcă ar anticipa critica funcționalismului primitiv de mai târziu, vede diferența. trăsături de integritate vie, frumusețea animată în acea unitate nu se manifestă aici ca oportunitate abstractă: „... membrii unui organism viu primesc... vizibilitate întâmplător, adică împreună cu un membru nu i se oferă și certitudinea celălalt” („Estetica”, vol. 1, M., 1968, p. 135). Astfel, art. munca este organică și individuală, adică toate părțile sale sunt individualități, combinând dependența de întreg cu autosuficiența, căci întregul nu supune pur și simplu părțile, ci le înzestrează pe fiecare dintre ele cu o modificare a plenitudinei sale. Mâna de pe portret, un fragment al statuii produc artă independentă. impresie tocmai datorită acestei prezenţe în ei a întregului. Acest lucru este clar mai ales în cazul lit. personaje care au capacitatea de a trăi în afara artei lor. context. „Formaliştii” au subliniat pe bună dreptate că lit. eroul acționează ca un semn al unității complotului. Cu toate acestea, acest lucru nu îl împiedică să-și mențină independența individuală față de complot și alte componente ale lucrării. Cu privire la inadmisibilitatea descompunerii lucrărilor creanței în serviciu tehnic și independent. momentele vorbeau multe. criticii ruși. formalism (P. Medvedev, M. Grigoriev). În art. lucrarea are un cadru constructiv: modulații, simetrie, repetări, contraste, desfășurate diferit la fiecare dintre nivelurile sale. Dar acest cadru este, parcă, dizolvat și depășit în comunicarea dialogic liberă, ambiguă a părților lui X. o. viața unității figurative, animația ei și infinitul actual. În X. o. nu există nimic accidental (adică străin integrității sale), dar nici nu este nimic necesar în mod unic; antiteza libertăţii şi necesităţii este „înlăturată” aici în armonia inerentă lui X. o. chiar și atunci când reproduce tragicul, crudul, teribilul, absurdul. Și din moment ce imaginea este în cele din urmă fixată în „mort”, anorganic. material, are loc o revitalizare vizibilă a materiei neînsuflețite (excepție este teatrul, care se ocupă de „materialul” viu și tot timpul se străduiește, parcă, să depășească sfera artei și să devină un „act” vital). Efectul „transformării” inanimatului în animat, mecanicului în organic - cap. sursă de estetică plăcerea oferită de revendicare și premisa umanității sale. Unii gânditori credeau că esența creativității constă în distrugerea, depășirea materialului prin formă (F. Schiller), în violența artistului asupra materialului (Ortega y Gaset). L. Vygotsky în spiritul influențelor din anii 1920. constructivismul compară opera de artă cu zborul. cu un aparat mai greu decât aerul (vezi „Psihologia artei”, M., 1968, p. 288): artistul transmite mișcarea prin odihnă, aeristul prin greu, vizibilul prin audibil sau frumosul prin groaznic, de sus prin jos etc. Între timp, „violența” artistului asupra materialului său constă în eliberarea acestui material de legături mecanice exterioare și cleme. Libertatea artistului este în armonie cu natura materialului, astfel încât natura materialului devine liberă, iar libertatea artistului involuntară. După cum s-a remarcat în repetate rânduri, în operele poetice perfecte, versul dezvăluie în alternanța vocalelor un interior atât de imuabil. constrângere, ceea ce face să pară fenomene naturale. acestea. în fonetica limbajului general. În material, poetul eliberează o astfel de ocazie, obligându-l să-l urmeze. Potrivit lui Aristotel, tărâmul pretențiilor nu este tărâmul actualului și nu tărâmul regulatului, ci tărâmul posibilului. Arta cunoaște lumea în perspectiva ei semantică, recreând-o prin prisma artelor încorporate în ea. oportunități. Oferă un specific artele. realitate. Timpul și spațiul în art-ve, spre deosebire de empiric. timpul și spațiul nu sunt decupaje din timp sau spațiu omogen. continuum. art. timpul încetinește sau se accelerează în funcție de conținutul său, fiecare moment temporal al operei are o semnificație aparte în funcție de corelarea acestuia cu „începutul”, „mijlocul” și „sfârșitul”, astfel încât este evaluat atât retrospectiv, cât și prospectiv. Astfel art. timpul este trăit nu numai ca fluid, ci și ca închis spațial, vizibil în întregimea sa. art. spațiul (în artele spațiale) este și el format, regrupat (condensat în unele părți, rarefiat în altele) prin conținutul său și deci coordonat în sine. Rama tabloului, piedestalul statuii nu creează, ci doar subliniază autonomia arhitectonicului artistic. spatiu, fiind auxiliar. mijloace de percepție. art. spațiul, așa cum spune, adăpostește dinamica temporală: pulsația sa poate fi dezvăluită doar trecând de la o viziune generală la o considerație graduală în mai multe faze pentru a reveni apoi la o acoperire holistică. În art. fenomen, caracteristicile vieții reale (timp și spațiu, odihnă și mișcare, obiect și eveniment) formează o sinteză atât de justificată reciproc, încât nu au nevoie de motivații și completări din exterior. art. idee (adică X. o.). Analogie între X. o. iar un organism viu are limita sa: X. o. ca integritate organică este, în primul rând, ceva semnificativ, format din propriul ei sens. Arta, fiind imagine-creare, acționează în mod necesar ca sens-creare, ca neîncetată denumire și redenumire a tot ceea ce o persoană găsește în jurul său și în interiorul său. În artă, artistul se ocupă întotdeauna de ființa expresivă, inteligibilă și se află într-o stare de dialog cu aceasta; „Pentru ca o natură moartă să fie creată, pictorul și mărul trebuie să se ciocnească și să se corecteze reciproc”. Dar pentru aceasta, mărul trebuie să devină un măr „cuvântător” pentru pictor: multe fire trebuie să se prelungească din el, țesându-l într-o lume integrală. Orice operă de artă este alegorică, deoarece vorbește despre lume ca întreg; nu „explorează” c.-l. un aspect al realității și reprezintă în mod concret în numele său în universalitatea sa. În aceasta este aproape de filozofie, de asemenea, spre deosebire de știință, nu este de natură sectorială. Dar, spre deosebire de filozofie, nici arta nu este sistemică; în privat și specific. material, dă Universul personificat, în timp ce în același timp există un Univers personal al artistului. Nu se poate spune că artistul înfățișează lumea și, „în plus”, își exprimă atitudinea față de ea. Într-un astfel de caz, unul ar fi un obstacol enervant pentru celălalt; ne-ar interesa fie fidelitatea imaginii (conceptul naturalist al artei), fie sensul „gestului” individual (abordare psihologică) sau ideologică (abordare sociologică vulgară) al autorului. Mai degrabă, contrariul este adevărat: artistul (în sunete, mișcări, forme obiect) dă expresie. ființă, pe care era înscrisă, înfățișa personalitatea sa. Cum se exprimă expresia. fiind X. o. Există alegorie și cunoaștere prin alegorie. Dar ca imagine a „scrisului” personal al artistului X. o. există o tautologie, o corespondență completă și unica posibilă cu experiența unică a lumii care a dat naștere acestei imagini. Ca Univers personificat, imaginea este ambiguă, deoarece este centrul viu al multor poziții, atât una, cât și cealaltă, și a treia deodată. Ca univers personal, imaginea are un sens evaluativ strict definit. X. o. - identitatea alegoriei și tautologiei, ambiguitatea și certitudinea, cunoașterea și evaluarea. Sensul imaginii, art. o idee nu este o poziție abstractă, care a devenit concretă, întruchipată într-un sentiment organizat. material. Pe drumul de la concepție la întruchiparea art. o idee nu trece niciodată de stadiul abstracției: ca idee, este un punct concret într-o dialogică întâlnirea artistului cu ființa, i.e. prototip (uneori o amprentă vizibilă a acestei imagini originale este păstrată în lucrarea finită, de exemplu, prototipul „Livada de cireși”, care a rămas în titlul piesei lui Cehov; uneori, intenția-prototip este dizolvată în creația finalizată și îl prindem doar indirect). În art. gândirea își pierde abstractitatea, iar realitatea își pierde indiferența tăcută față de ființele umane. „opinie” despre ea. Acest grăunț al imaginii de la bun început nu este doar subiectiv, ci subiectiv-obiectiv și vital-structural și, prin urmare, are capacitatea de dezvoltare spontană, de autoclarificare (dovadă de numeroasele recunoașteri ale oamenilor de artă). Prototipul ca „formă formativă” atrage în orbita sa toate noile straturi de material și le modelează prin stilul pe care îl stabilește. Controlul conștient și volitiv al autorului este de a proteja acest proces de momentele accidentale și incidentale. Autorul, așa cum spune, compară opera creată cu un anumit standard și îndepărtează excesul, umple golurile, elimină golurile. Prezența unui astfel de „standard” o simțim de obicei acut „dimpotrivă” atunci când afirmăm că într-un asemenea loc sau într-un asemenea detaliu artistul nu a rămas fidel planului său. Dar, în același timp, ca rezultat al creativității, apare ceva cu adevărat nou, ceva care nu a mai fost niciodată și, prin urmare, în esență, nu există un „standard” pentru lucrarea creată. Contrar concepției platonice, uneori populare chiar și printre artiștii înșiși („Degeaba, artist, crezi că ești creatorul creațiilor tale...” - A. K. Tolstoi), autorul nu dezvăluie doar arta în imagine. idee, dar o creează. Designul-prototip nu este o dată formalizată care construiește cochilii materiale, ci mai degrabă un canal de imaginație, un „cristal magic”, prin care distanța viitoarei creații este „neclar” distinsă. Doar la completarea art. munca, indefinititatea ideii se transformă într-o certitudine multivalorică a sensului. Astfel, la stadiul de concepție a art. ideea acționează ca un anumit impuls concret care a luat naștere din „coliziunea” artistului cu lumea, în stadiul de încarnare – ca principiu regulator, în stadiul de desăvârșire – ca „expresie facială” semantică a microcosmosului creat. de artist, chipul său viu, care în același timp este un chip al artistului însuși. Diverse grade de putere de reglementare a artelor. ideile în combinație cu diferite materiale dă diferite tipuri de X. o. O idee deosebit de energică poate, așa cum ar fi, să-și supune arta. realizarea, să o „cunoaștem” în așa măsură încât formele obiective să fie abia conturate, așa cum este inerent anumitor varietăți de simbolism. O semnificație prea abstractă sau nedefinită nu poate intra în contact decât condiționat cu formele obiective, fără a le transforma, așa cum este cazul naturalistic. alegorii sau conectându-le mecanic, așa cum este tipic magiei alegorice. fantezie mitologiile antice. Sensul este tipic. imaginea este concretă, dar limitată de specificitate; caracteristică obiectul sau persoana devine aici un principiu regulator de construire a unei imagini care îi conține pe deplin sensul și o epuizează (sensul imaginii lui Oblomov este în „Oblomovism”). În același timp, o trăsătură caracteristică le poate subjuga și „semnifica” pe toate celelalte în așa măsură încât tipul să se dezvolte într-unul fantastic. grotesc. În ansamblu, diversele tipuri de X. o. dependent de artă. conștientizarea de sine a epocii și sunt modificate intern. legile fiecărei revendicări. Lit.: Schiller F., Articole despre estetică, trad. [din germană], [M.–L.], 1935; Goethe V., Articole și gânduri despre artă, [M.–L.], 1936; Belinsky V. G., Ideea artei, Poln. col. soch., vol. 4, M., 1954; Lessing G. E., Laokoon ..., M., 1957; Herder I. G., Izbr. cit., [trad. din germană.], M.–L., 1959, p. 157–90; Schelling F.V., Filosofia artei, [trad. din germană.], M., 1966; Ovsyaniko-Kulikovsky D., Limbă și artă, Sankt Petersburg, 1895; ?la naiba?. ?., Din note despre teoria literaturii, X., 1905; al său, Gândire și limbaj, ed. a III-a, X., 1913; al lui, Din prelegeri despre teoria literaturii, ed. a III-a, X., 1930; Grigoriev M.S., Forma și conținutul artei literare. Prod., M., 1929; Medvedev P. N., Formalism and Formalists, [L., 1934]; Dmitrieva N., Imagine și cuvânt, [M., 1962]; Ingarden R., Studii de estetică, trad. din poloneză, M., 1962; Teoria literaturii. Principal probleme din istorie. iluminat, cartea 1, M., 1962; ? Alievsky P. V., Khudozhestv. Prod., ibid., carte. 3, M., 1965; Zaretsky V., Imaginea ca informație, „Întrebări de literatură”, 1963, nr. 2; Ilyenkov E., Despre estetică. natura fanteziei, în Sat: Vopr. estetica, voi. 6, M., 1964; Losev?., Canoanele artistice ca problemă de stil, ibid.; Cuvânt și imagine. sat. Art., M., 1964; intonație și muzică. imagine. sat. Art., M., 1965; Gachev G. D., Conținutul artistului. forme. Epopee. Versuri. Teatru, M., 1968; Panofsky E., „Idee”. Ein Beitrag zur Begriffsgeschichte der ?lteren Kunsttheorie, Lpz.–B., 1924; propriul său, Sensul în artele vizuale, . Garden City (N.Y.), 1957; Richards? ?., Știință și poezie, N. Y., ; Pongs H., Das Bild in der Dichtung, Bd 1–2, Marburg, 1927–39; Jonas O., Das Wesen des musikalischen Kunstwerks, W., 1934; Souriau E., La correspondance des arts, P., ; Staiger E., Grundbegriffe der Poetik, ; propriul său, Die Kunst der Interpretation, ; Heidegger M., Der Ursprung des Kunstwerkes, în cartea sa: Holzwege, Fr./M., ; Langer S.K. Sentiment și formă. O teorie a artei dezvoltată din filozofie într-o cheie nouă, ?. Y., 1953; ei, Probleme de artă, ?. Y.,; Hamburger K., Die Logik der Dichtung, Stuttg., ; Empson W., Seven types of ambiguity, 3 ed., N. Y., ; Kuhn H., Wesen und Wirken des Kunstwerks, M?nch., ; Sedlmayr H., Kunst und Wahrheit, 1961; Lewis C. D., Imaginea poetică, L., 1965; Dittmann L. Stil. simbol. Struktur, Mönch., 1967. I. Rodnyanskaya. Moscova.

Imagine artistică

Imagineîn general, este un fel de realitate spirituală și psihică subiectivă care ia naștere în lumea interioară a unei persoane în actul de a percepe orice realitate, în procesul de contact cu lumea exterioară - în primul rând, deși există, de desigur, imagini de fantezie, imaginație, vise, halucinații etc. care reflectă o anumită realitate subiectivă (internă). În cei mai largi termeni filosofici generali, imaginea este o copie subiectivă a realității obiective. Imagine artistică- aceasta este o imagine a artei, i.e. special creatîn proces de special creativ activitatea conform unor legi specifice (deși, de regulă, nescrise) de către subiectul artei - artistul - este un fenomen. Pe viitor, vom vorbi doar despre imaginea artistică, așa că pentru concizie o numesc simplu cale.

În istoria esteticii, primul formă modernă a pus o problemă de imagine Hegelîn analiza artei poetice și a conturat direcția principală a înțelegerii și studiului ei. În imagine și figurativitate, Hegel a văzut specificul artei în general și al artei poetice în special. „În ansamblu”, scrie el, „putem desemna un spectacol poetic drept spectacol figurativ,întrucât ea prezintă privirii noastre nu o esență abstractă, ci realitatea ei concretă, nu o existență întâmplătoare, ci un astfel de fenomen în care direct prin exteriorul însuși și individualitatea sa noi, în unitate inseparabilă cu el, cunoaștem substanțialul și astfel noi ne regăsim în lumea interioară a reprezentării ca una și aceeași integritate atât conceptul de obiect cât și ființa sa exterioară. În acest sens, există o mare diferență între ceea ce ne oferă o reprezentare figurativă și ceea ce ne devine clar prin alte moduri de exprimare.

Specificul și avantajul imaginii, după Hegel, constă în faptul că, spre deosebire de desemnarea verbală abstractă a unui obiect sau eveniment care face apel la conștiința rațională, ea reprezintă un obiect pentru viziunea și viziunea noastră interioară în plinătatea sa. aspectul real și substanțialitatea esențială. Hegel explică acest lucru exemplu simplu. Când spunem sau citim cuvintele „soare” și „dimineață”, ne este clar ce se spune, dar nici soarele, nici dimineața nu ne apar în fața ochilor în forma lor reală. Și dacă, de fapt, poetul (Homer) exprimă același lucru cu cuvintele: „O tânără s-a ridicat din întuneric, cu degete violete Eos”, atunci ni se dă ceva mai mult decât o simplă înțelegere a răsăritului. Locul înțelegerii abstracte este înlocuit de „certitudinea reală”, iar privirea noastră interioară vede o imagine holistică a zorilor în unitatea conținutului său rațional (conceptual) și a aspectului vizual concret. Prin urmare, în imaginea lui Hegel, interesul poetului pentru latura exterioară a obiectului din punctul de vedere al iluminării „esenței” acestuia în el este esențial. În acest sens, el distinge între imagini „în sens propriu” și imagini „în sens impropriu”. Filosoful german se referă la prima imagine mai mult sau mai puțin directă, imediată, am spune acum izomorfă, (descrierea literală) a aspectului unui obiect, iar la a doua - o imagine mediată, figurativă, a unui obiect prin altul. Metaforele, comparațiile, tot felul de figuri de stil se încadrează în această categorie de imagini. Hegel acordă o atenție deosebită fanteziei în crearea imaginilor poetice. Aceste idei ale autorului monumentalei „Estetici” au constituit fundamentul înțelegerii estetice a imaginii în artă, suferind anumite transformări, completări, modificări și uneori negare completă în diferite etape ale dezvoltării gândirii estetice.

Ca urmare a relativ lungi dezvoltare istorica Astăzi, în estetica clasică, s-a dezvoltat o idee destul de completă și pe mai multe niveluri despre imaginea și natura figurativă a artei. În general, sub pe cale artistică se înțelege o integritate organică spiritual-eidetică, exprimând, prezentând o anumită realitate în modul izomorfismului mai mare sau mai mic (asemănarea formei) și realizată (având existență) în întregime numai în procesul percepției. muncă specifică artă de către un anumit destinatar. Atunci lumea artistică unică este pe deplin dezvăluită și funcționează efectiv, pliată de artist în actul de a crea o operă de artă în realitatea ei obiectivă (picturală, muzicală, poetică etc.) și desfășurându-se deja într-o altă concretitate ( încarnare diferită) în lumea interioară subiect al percepţiei. Imaginea în întregime este complexă proces explorarea artistică a lumii. Ea presupune existența unui obiectiv sau subiectiv realitate, care a dat impuls procesului artistic afişa. Este mai mult sau mai puțin esențial transformată subiectiv în actul de a crea o operă de artă într-o anumită realitate a lucrări. Apoi, în actul perceperii acestei opere, un alt proces de transformare a trăsăturilor, a formei, chiar a esenței realității originale (prototipul, așa cum se spune uneori în estetică) și a realității operei de artă („secundarul” imagine) are loc. Apare o imagine finală (deja a treia), adesea foarte departe de primele două, dar reținând totuși ceva (aceasta este esența izomorfismului și însuși principiul expunerii) inerent acestora și unindu-le într-un singur sistem de expresie figurativă, sau etala artistică.

Din aceasta este evident că, alături de imaginea finală, cea mai generală și completă care apare în timpul percepției, estetica distinge o serie de înțelegeri mai particulare ale imaginii, asupra cărora este logic să ne oprim cel puțin pe scurt aici. O operă de artă începe cu artistul, mai precis, cu o anumită idee care ia naștere în el înainte de a începe lucrul asupra operei și se realizează și se concretizează în procesul de creativitate pe măsură ce lucrează la lucrare. Această idee inițială, de regulă, încă destul de vagă, este adesea numită deja o imagine, care nu este în întregime exactă, dar poate fi înțeleasă ca un fel de schiță spirituală și emoțională a imaginii viitoare. În procesul de realizare a unei opere, la care, pe de o parte, participă toate forțele spirituale și spirituale ale artistului și, pe de altă parte, sistemul tehnic al abilităților sale în manipularea (prelucrarea) cu un material specific din care , pe baza căreia este creată opera (piatră, lut, vopsele, creion și hârtie, sunete, cuvinte, actori de teatru etc., pe scurt - întregul arsenal de mijloace vizuale și expresive ale unui anumit tip sau gen de artă ), imaginea originală (= idee), de regulă, se schimbă semnificativ. Adesea nu rămâne nimic din schița figurativ-semantică originală. Îndeplinește doar rolul primului stimul pentru un proces creativ destul de spontan.

O operă de artă care a apărut este, de asemenea, și cu mare motiv, numită imagine, care, la rândul său, are o serie de niveluri figurative, sau sub-imagini - imagini de natură mai locală. Opera în ansamblu este concret senzuală întruchipată în materialul acestei forme de artă. cale spiritual obiectiv-subiectiv lume unică în care artistul a trăit în procesul de creare acest lucru. Această imagine este un set de unități figurative și expresive ale acestui tip de artă, care este o integritate structurală, compozițională, semantică. Este obiectiv munca existenta artă (pictură, structură arhitecturală, roman, poezie, simfonie, film etc.).

În interiorul acestei lucrări-imagini pliate, găsim și o serie de imagini mai mici determinate de structura picturală și expresivă a acestui tip de artă. Pentru clasificarea imaginilor de acest nivel, în special, gradul de izomorfism (asemănarea externă a imaginii cu obiectul sau fenomenul reprezentat) este esențial. Cu cât nivelul izomorfismului este mai ridicat, cu atât imaginea nivelului figurativ-expresiv este mai apropiată de forma exterioară a fragmentului de realitate reprezentat, cu atât este mai „literar”, adică. se pretează la descriere verbală și evocă reprezentările „picture” corespunzătoare la destinatar. De exemplu, o imagine a genului istoric, un peisaj clasic, o poveste realistă etc. În același timp, nu este atât de important dacă vorbim despre artele vizuale propriu-zise (pictură, teatru, cinema) sau despre muzică și literatură. La grad înalt izomorfism „imagine” imagini sau reprezentări apar pe orice bază. Și nu contribuie întotdeauna la dezvoltarea organică a imaginii artistice reale a întregii opere. Destul de des, acest nivel de figurativitate se dovedește a fi orientat către scopuri non-estetice (sociale, politice etc.).

Totuși, în mod ideal, toate aceste imagini sunt incluse în structura imaginii artistice generale. De exemplu, pentru literatură, se vorbește despre un complot ca a imagine oarecare situatie de viata (reala, probabilistica, fantastica etc.), despre imagini eroi specifici acestei opere (imagini ale lui Pechorin, Faust, Raskolnikov etc.), aproximativ imagine natura în descrieri specifice etc. Același lucru este valabil și pentru pictură, teatru, cinema. Mai abstracte (cu un grad mai mic de izomorfism) și mai puțin susceptibile de verbalizare concretă sunt imaginile din operele de arhitectură, muzică sau artă abstractă, dar și acolo se poate vorbi de structuri figurative expresive. De exemplu, în legătură cu o „Compoziție” complet abstractă de V. Kandinsky, unde izomorfismul vizual-subiect este complet absent, putem vorbi despre compoziție. cale, bazat pe organizarea structurală a formelor de culoare, relatii de culoare, echilibrul sau disonanța maselor de culoare etc.

În cele din urmă, în actul percepției (care, de altfel, începe să se realizeze deja în procesul de creativitate, când artistul acționează ca primul și extrem de activ destinatar al operei sale emergente, corectând imaginea pe măsură ce se dezvoltă), o Operă de artă se realizează, după cum sa menționat deja, imaginea principală a acestei opere, de dragul căreia ea sa manifestat efectiv în ființă. În lumea spirituală și mentală a subiectului percepției, un anumit realitate ideala,în care totul este legat, topit într-o integritate organică, nu este nimic de prisos și nu se simte nici un defect sau lipsă. Ea aparține în același timp acest subiect(și numai lui, pentru că un alt subiect va avea deja o realitate diferită, o imagine diferită bazată pe aceeași operă de artă), o operă de artă(apare numai pe baza acestei lucrări particulare) și universul ca întreg, pentru într-adevăr atașează destinatarul în procesul de percepție (adică existența unei realități date, a unei imagini date) de pleromul universal al fiinţei. Estetica tradițională o descrie eveniment artistic suprem diferit, dar sensul rămâne același: înțelegerea adevărului ființei, esența unei opere date, esența fenomenului sau obiectului înfățișat; manifestarea adevărului, formarea adevărului, înțelegerea unei idei, a unui eidos; contemplarea frumuseții ființei, familiarizarea cu frumusețe perfectă; catharsis, extaz, perspicacitate etc. etc. Etapa finală a percepției unei opere de artă este trăită și realizată ca un fel de străpungere a subiectului percepției către niște niveluri de realitate necunoscute lui, însoțite de un sentiment de plenitudine a ființei, de lejeritate neobișnuită, de exaltare, de bucurie spirituală.

În același timp, nu contează deloc care este conținutul specific, perceput intelectual al operei (nivelul ei literar-utilitar superficial), sau imaginile vizuale, auditive mai mult sau mai puțin specifice ale psihicului (nivelul emoțional-mental), apărute. pe baza ei. Pentru realizarea completă și esențială a imaginii artistice este important și semnificativ ca lucrarea să fie organizată conform legilor artistice și estetice, adică. necesar cauzat în cele din urmă plăcere estetică destinatarul, care este un indicator realitatea contactului– intrarea subiectului percepţiei cu ajutorul unei imagini actualizate la nivelul adevăratei fiinţe a Universului.

Luați, de exemplu, celebrul tablou „Floarea soarelui” de Van Gogh (1888, München, Neue Pinakothek), înfățișând un buchet de floarea soarelui într-o ulcior. La nivel pictural „literar”-subiect, vedem pe pânză doar un buchet de floarea-soarelui într-un ulcior de ceramică stând pe o masă, lângă un perete verzui. Există, de asemenea, o imagine vizuală a unui ulcior, și o imagine a unui buchet de floarea soarelui, și o foarte imagini diferite fiecare dintre cele 12 flori, care pot fi toate descrise suficient de detaliat în cuvinte (poziția lor, forma, culorile, gradul de maturitate, unele chiar și numărul de petale). Cu toate acestea, aceste descrieri vor avea în continuare doar o relație indirectă cu imaginea artistică integrală a fiecărui obiect reprezentat (se poate vorbi și despre asta), și cu atât mai mult cu imaginea artistică a întregii opere. Acesta din urmă se formează în psihicul privitorului pe baza unei asemenea multitudini de elemente vizuale ale tabloului care alcătuiesc o integritate organică (s-ar putea spune, armonică) și o masă de tot felul de impulsuri subiective (asociative, de memorie). , experiența artistică a privitorului, cunoștințele sale, starea de spirit la momentul percepției etc.), că toate acestea sfidează orice contabilitate sau descriere intelectuală. Totuși, dacă avem cu adevărat în fața noastră o adevărată operă de artă, precum aceste „floarea-soarelui”, atunci toată această masă de impulsuri obiective (care provin din imagine) și subiective care au apărut în legătură cu ele și pe baza lor formează o astfel de realitate integrală. în sufletul fiecărui privitor, o imagine atât de vizuală și spirituală care trezește în noi o puternică explozie de sentimente, oferă o bucurie de nedescris, ne ridică la nivelul unei plinătăți atât de simțite și experimentate de ființă pe care nu o atingem niciodată în mod obișnuit ( în afara experienţei estetice) viaţă.

Aceasta este realitatea, faptul de a fi adevărată imagine artistică, ca bază esenţială a art. Orice artă, dacă își organizează lucrările după legi artistice nescrise, infinit de diverse, dar cu adevărat existente.

Imagine artistică

Imagine artistică- o categorie generală a creativității artistice, o formă de interpretare și dezvoltare a lumii din punctul de vedere al unui anumit ideal estetic prin crearea de obiecte care influențează estetic. O imagine artistică se mai numește și orice fenomen recreat creativ într-o operă de artă. O imagine artistică este o imagine din artă, care este creată de autorul unei opere de artă pentru a dezvălui cât mai pe deplin fenomenul descris al realității. Imaginea artistică este creată de autor pentru dezvoltarea cât mai completă a lumii artistice a operei. În primul rând prin imagine artistică cititorul dezvăluie imaginea lumii, mișcările complot-intrigă și trăsăturile psihologismului în lucrare.

Imaginea artistică este dialectică: combină contemplația vie, interpretarea și evaluarea subiectivă a ei de către autor (și, de asemenea, de către interpret, ascultător, cititor, privitor).

O imagine artistică este creată pe baza unuia dintre mijloace: imagine, sunet, mediu de limbaj sau o combinație a mai multor. Este inseparabilă de substratul material al artei. De exemplu, sens, structură internă, claritate imagine muzicală este determinată în mare măsură de materia naturală a muzicii – calitățile acustice ale sunetului muzical. În literatură și poezie, o imagine artistică este creată pe baza unui mediu de limbaj specific; toate cele trei mijloace sunt folosite în arta teatrală.

În același timp, sensul imaginii artistice se dezvăluie doar într-o anumită situație comunicativă, și rezultat final o astfel de comunicare depinde de personalitatea, scopurile și chiar starea de spirit momentană a persoanei care se confruntă cu acesta, precum și de cultura specifică căreia îi aparține. Prin urmare, adesea după ce au trecut unul sau două secole de la crearea unei opere de artă, aceasta este percepută într-un mod cu totul diferit față de contemporanii săi și chiar autorul însuși a perceput-o.

În „Poetica” lui Aristotel, imaginea-trop apare ca o reflectare inexactă, exagerată, diminuată sau schimbată, refractată a naturii originare. În estetica romantismului, asemănarea și asemănarea fac loc unui principiu creativ, subiectiv, transformator. În acest sens, incomparabil, ca nimeni altul, așadar, frumos. Aceasta este aceeași înțelegere a imaginii în estetica avangardei, care preferă hiperbola, schimbarea (termenul lui B. Livshitz). În estetica suprarealismului, „realitatea înmulțită cu șapte este adevărul”. În ultima poezie a apărut conceptul de „meta-metaforă” (termenul lui K. Kedrov), care este o imagine a realității transcendentale dincolo de pragul vitezei luminii, unde știința tace și arta începe să vorbească. Metametafora se îmbină strâns cu „perspectiva inversă” a lui Pavel Florensky și „modulul universal” al artistului Pavel Chelishchev. Este vorba despre extinderea limitelor auzului și vederii umane cu mult dincolo de barierele fizice și fiziologice.

Vezi si

Legături

  • Tamarchenko N. D. Poetică teoretică: concepte și definiții
  • Nikolaev A. I. Imaginea artistică ca model transformat al lumii

Literatură: Romanova S. I. Imagine artistică în spațiul relațiilor semiotice. // Buletinul Universității de Stat din Moscova. Seria 7. Filosofie. 2008. Nr 6. P.28-38. (www.sromaart.ru)


Fundația Wikimedia. 2010 .

Vedeți ce este „Imagine artistică” în alte dicționare:

    IMAGINEA ARTISTICĂ, o formă de gândire artistică. Imaginea include: materialul realității, prelucrat de imaginația creativă a artistului, atitudinea acestuia față de cel reprezentat, bogăția personalității creatorului. Hegel (vezi HEGEL Georg Wilhelm Friedrich) ... ... Dicţionar enciclopedic

    Categoria generală a artelor. creativitatea, un mijloc și o formă de stăpânire a vieții prin artă. O imagine este adesea înțeleasă ca un element sau o parte a unui produs care are, parcă, de sine stătător. existența și sensul (de exemplu, în literatură, imaginea unui personaj, ... ... Enciclopedie filosofică

    O formă de reflectare (reproducere) a realității obiective în artă din punctul de vedere al unui anumit ideal estetic. Întruchiparea imaginii artistice în diferite opere de artă se realizează cu ajutorul diferitelor mijloace și materiale ...... Enciclopedia de studii culturale

    imagine artistică- o metodă și formă de stăpânire a realității în artă, caracterizată printr-o unitate inseparabilă a momentelor senzuale și semantice. Aceasta este o imagine concretă și, în același timp, generalizată a vieții (sau un fragment dintr-o astfel de imagine), creată cu ajutorul creației ... ... Dicţionar terminologic-tezaur de critică literară

    În artele vizuale, o formă de reproducere, înțelegere și trăire a fenomenelor vieții prin crearea de obiecte care influențează estetic (picturi, sculpturi etc.). Arta, ca și știința, cunoaște lumea din jurul nostru. Totuși, spre deosebire de…… Enciclopedia de artă

    imagine artistică- ▲ imagine (a fi) în, erou de artă imagine literară. tip (# pozitiv). figura. personaje. ▼ tip literar, personaj de basm … Dicționar ideologic al limbii ruse

    Categoria generală a creativității artistice: forma de reproducere, interpretare și stăpânire a vieții inerente artei (Vezi Arta) prin crearea de obiecte care afectează estetic. O imagine este adesea înțeleasă ca un element sau parte a ...... Marea Enciclopedie Sovietică

    Comunicare profesională în sistemul „Omul-Imagine artistică”.- Imaginea lumii printre reprezentanții acestui domeniu de activitate este asociată cu evidențierea frumuseții frumoase și aducerea în ea a frumuseții, a comoditatii, a plăcerii estetice (de exemplu, planeta Pământ poate fi imaginată ca „albastru”, „mic”, „fără apărare”. " și ... ... Psihologia comunicării. Dicţionar enciclopedic

    1. Enunțul întrebării. 2. O. ca fenomen de ideologie de clasă. 3. Individualizarea realității în O. 4. Tipificarea realității în O. 5. ficțiune artisticăîn O. 6. O. și imagini; sistem O. 7. Conținut O. 8. Public ... ... Enciclopedia literară

    În filosofie, rezultatul reflectării unui obiect în mintea unei persoane. Despre sentimente. etapele cogniției imaginile sunt senzații, percepții și reprezentări, la nivelul gândirii concepte, judecăți și concluzii. O. este obiectiv în sursă ...... Enciclopedie filosofică

Cărți

  • Imagine artistică în scenografie. Manual, Sannikov Lyudmila Ivanovna. Cartea este un manual pentru studenții care studiază arta regiei și regiei spectacolelor de teatru și este concepută pentru a ajuta tinerii regizori să lucreze cu...

Din necesitatea socio-culturală a artei decurg trăsăturile sale principale: o relație deosebită a artei cu realitatea și o modalitate aparte de stăpânire ideală, pe care o găsim în artă și care se numește imaginea artistică. Alte domenii ale culturii – politica, pedagogia – apeleaza la imaginea artistica pentru a exprima „elegant si discret” continutul.

O imagine artistică este o structură a conștiinței artistice, o cale și spațiu de dezvoltare artistică a lumii, existență și comunicare în artă. O imagine artistică există ca structură ideală, spre deosebire de o operă de artă, o realitate materială, a cărei percepție dă naștere unei imagini artistice.

Problema înțelegerii imaginii artistice este că semantica inițială a conceptului de imagine fixează relația epistemologică a artei cu realitate, relația care face din artă un fel de aparență a vieții reale, un prototip. Pentru arta secolului al XX-lea, care a abandonat aspectul realității, natura sa figurativă devine îndoielnică.

Dar totuși, experiența atât a artei, cât și a esteticii secolului al XX-lea sugerează că categoria „imagine artistică” este necesară, deoarece imaginea artistică reflectă aspecte importante ale conștiinței artistice. În categoria imaginii artistice se acumulează cele mai importante trăsături specifice artei, existența unei imagini artistice marchează granițele artei.

Dacă abordăm funcțional imaginea artistică, atunci aceasta apare ca: în primul rând, o categorie care denotă modul ideal de activitate artistică inerent artei; în al doilea rând, este structura conștiinței, datorită căreia arta rezolvă două sarcini importante: stăpânirea lumii - în acest sens, o imagine artistică este un mod de a stăpâni lumea; și transmiterea de informații artistice. Astfel, imaginea artistică se dovedește a fi o categorie care conturează întregul teritoriu al artei.

Într-o operă de artă se pot distinge două straturi: material-senzorial (imagine) și senzual-suprasensibil (imagine artistică). Opera de artă este unitatea lor.



Într-o operă de artă, imaginea artistică există într-o lume potențială, posibilă, corelativă cu percepția. Imaginea artistică perceptivă se naște din nou. Percepția este artistică în măsura în care afectează imaginea artistică.

Imaginea artistică acționează ca un substrat specific (substanță) al conștiinței artistice și al informației artistice. Imaginea artistică este un spațiu specific activității artistice și al produselor sale. În acest spațiu au loc experiențe despre personaje. O imagine artistică este o realitate specifică specială, lumea unei opere de artă. Este complex în structura sa, multi-scală. Numai în abstractizare o imagine artistică poate fi percepută ca o structură supraindividuală; în realitate, o imagine artistică este „atașată” subiectului care a generat-o sau o percepe, este o imagine a conștiinței artistului sau perceptorului. există la nivelul percepţiei. Și în artele spectacolului – și la nivel de performanță. În acest sens este justificată folosirea expresiei „Pușkinul meu”, „Chopinul meu”, etc. Și dacă ne punem întrebarea, unde există sonata Chopin autentică (în capul lui Chopin, în note, în interpretare)? Un răspuns fără echivoc la aceasta este cu greu posibil. Când vorbim despre „multiplicitatea variantelor”, ne referim la „invariant”. Imaginea, dacă este artistică, are anumite caracteristici. Direct dat unei persoane caracteristică imaginii artistice – integritatea. Imaginea artistică nu este o însumare, se naște în mintea artistului, iar apoi a perceptorului într-un salt. În mintea creatorului, el trăiește ca o realitate autopropulsată. (M. Tsvetaeva - „O operă de artă se naște, nu se creează”). Fiecare fragment al imaginii artistice are calitatea de auto-mișcare. inspirația este starea psihica o persoană în care se nasc imaginile. Imaginile apar ca o realitate artistică deosebită.

Dacă ne întoarcem la specificul imaginii artistice, se pune întrebarea: este imaginea o imagine? Putem vorbi despre corespondența dintre ceea ce vedem în artă și lumea obiectivă, pentru că criteriul principal Imaginile sunt conformitate.

Vechea înțelegere dogmatică a imaginii pornește din interpretarea corespondenței și cade într-o dezordine. În matematică, există două înțelegeri ale corespondenței: 1) izomorfă - unu-la-unu, obiectul este o copie. 2) homomorfă - corespondență parțială, incompletă. Ce fel de realitate ne recreează arta? Arta este întotdeauna transformare. Imaginea se ocupă de realitatea valorică - tocmai această realitate se reflectă în artă. Adică, prototipul pentru artă este relația de valoare spirituală dintre subiect și obiect. Au o structură foarte complexă și reconstrucția ei este o sarcină importantă a artei. Chiar și cele mai multe lucrări realiste nu ne dați doar copii, ceea ce nu anulează categoria de corespondență.

Obiectul de artă nu este un obiect ca „lucru în sine”, ci un obiect care este semnificativ pentru subiect, adică posedă o obiectivitate valoroasă. În subiect, relația este importantă, stare internă. Valoarea unui obiect nu poate fi dezvăluită decât în ​​raport cu starea subiectului. Prin urmare, sarcina imaginii artistice este de a găsi o modalitate de a conecta subiectul și obiectul într-o relație. Semnificația valorică a obiectului pentru subiect este o semnificație manifestă.

O imagine artistică este o imagine a realității relațiilor spirituale și valorice, și nu a unui obiect în sine. Iar specificul imaginii este determinat de sarcina - să devină o modalitate de a realiza această realitate specială în mintea altei persoane. De fiecare dată imaginile sunt o recreare a anumitor relații spirituale și valorice cu ajutorul limbajului formei de artă. În acest sens, putem vorbi despre specificul imaginii în general și despre condiționalitatea imaginii artistice de limbajul cu care este creată.

Formele de artă sunt împărțite în două mari clase - picturale și non-picturale, în care imaginea artistică există în moduri diferite.

În prima clasă de arte, limbajele artistice, relațiile de valoare sunt modelate prin reconstrucția obiectelor, iar latura subiectivă este relevată indirect. Asemenea imagini artistice trăiesc pentru că arta folosește un limbaj care recreează o structură senzuală - artele vizuale.

A doua clasă de arte modelează cu ajutorul limbajului lor o realitate în care starea subiectului ne este dată în unitate cu reprezentarea sa semantică, valorică, non-arte plastice. Arhitectura - " muzica inghetata„(Hegel).

O imagine artistică este un model ideal special al realității valorice. Imaginea artistică îndeplinește atribuții de modelare (ceea ce o scutește de obligația respectării depline). O imagine artistică este o modalitate de reprezentare a realității inerente conștiinței artistice și, în același timp, un model de relații spirituale și valorice. De aceea imaginea artistică acționează ca o unitate:

Obiectiv subiectiv

Subiect - Valoare

Senzual - suprasensibil

Emoțional - Rațional

Experiențe – Reflecții

Conștient - Inconștient

Corporal - Spiritual (Prin idealitatea sa, imaginea absoarbe nu numai spiritual-psihic, ci și corporal-psihic (psihosomatic), ceea ce explică eficacitatea impactului său asupra unei persoane).

Combinația dintre spiritual și fizic în artă devine o expresie a contopirii cu lumea. Psihologii au demonstrat că în timpul percepției are loc identificarea cu imaginea artistică (curenții ei trec prin noi). Tantrismul se contopește cu lumea. Unitatea spiritualului și a corporalului spiritualizează, umanizează corporalitatea (mânca cu lăcomie mâncare și dansează cu poftă). Dacă ne este foame în fața unei naturi moarte, înseamnă că arta nu a avut o influență spirituală asupra noastră.

În ce moduri se dezvăluie subiectivitatea, valoarea (intonația), suprasensibilul? Regula generala aici: tot ceea ce nu este descris se dezvăluie prin reprezentat, subiectiv - prin obiectiv, valoarea - prin obiectiv etc. Toate acestea se realizează în expresivitate. Din cauza ce se întâmplă asta? Există două opțiuni: prima este aceea că arta concentrează realitatea care este legată de un sens valoric dat. Aceasta duce la faptul că imaginea artistică nu ne oferă niciodată un transfer complet al obiectului. A. Baumgarten a numit imaginea artistică „un Univers redus”.

Exemplu: Petrov-Vodkin „Playing Boys” - nu este interesat de specificul naturii, individualitate (încețoșează fețele), ci de valorile universale. „Aruncat” nu contează aici, pentru că duce departe de esență.

O altă funcție importantă a artei este transformarea. Se schimbă contururile spațiului, schema de culori, proporțiile corpurilor umane, ordinea temporală (momentul se oprește). Arta ne oferă posibilitatea unei comuniuni existențiale cu timpul (M. Proust „În căutarea timpului pierdut”).

Fiecare imagine artistică este o unitate de viață și condițională. Convenționalitatea este o trăsătură a conștiinței figurative artistice. Dar este necesar un minim de asemănare cu viața, deoarece vorbim de comunicare. Tipuri diferite artele au diferite grade de asemănare și convenționalitate. Abstractionismul este o încercare de a descoperi o nouă realitate, dar păstrează un element de asemănare cu lumea.

Condiționalitatea - necondiționalitatea (a emoțiilor). Datorită condiționalității planului subiect, apare necondiționalitatea planului valoric. Percepția lumii nu depinde de obiectivitate: Petrov-Vodkin „Încălcarea calului roșu” (1913) - în această imagine, potrivit artistului însuși, presimțirea lui despre războiul civil și-a găsit expresie. Transformarea lumii în artă este o modalitate de a întruchipa viziunea artistului asupra lumii.

Un alt mecanism universal al conștiinței artistice și figurative: o trăsătură a transformării lumii, care poate fi numită principiul metaforei (asemănarea condiționată a unui obiect cu altul; B. Pasternak: „... a fost ca o pasă pe o rapieră...” – despre Lenin). Arta dezvăluie alte fenomene ca proprietăți ale unei realități. Există o includere în sistemul de proprietăți apropiate de acest fenomen și, în același timp, opoziție față de acesta, ia naștere imediat un anumit câmp valoric-semantic. Mayakovsky - „Iadul orașului”: sufletul este un cățel cu o bucată de frânghie. Principiul metaforei este asemănarea condiționată a unui obiect cu altul și, cu cât obiectele sunt mai separate, cu atât metafora este mai saturată de sens.

Acest principiu funcționează nu numai în metafore directe, ci și în comparații. Pasternak: grație metaforei, arta rezolvă probleme enorme, care determină specificul artei. Unul intră în celălalt și îl saturează pe celălalt. Datorită unui special limbaj artistic(după Voznesensky: Eu sunt Goya, apoi eu sunt gâtul, eu sunt vocea, am foamea) cu sens, fiecare metaforă următoare o umple pe cealaltă: poetul este gâtul, cu ajutorul căruia sunt anumite stări ale lumii. exprimat. În plus, rimă internă și prin sistemul de accentuări și aliterație a consonanțelor. În metaforă, principiul evantaiului funcționează - cititorul desfășoară evantaiul, în care totul este deja pliat. Acest lucru funcționează în întregul sistem de tropi: stabilirea unei asemănări atât în ​​epitete (un adjectiv expresiv - o rublă de lemn), cât și în hiperbole (dimensiune exagerată), sinecdoce - metafore trunchiate. Eisenstein poartă pince-nez-ul doctorului în filmul Battleship Potemkin: când doctorul este aruncat peste bord, pince-nez-ul doctorului rămâne pe catarg. O altă tehnică este comparația, care este o metaforă extinsă. Zabolotsky: „Soții cheli drepte stau ca un împușcătură de la o armă”. Ca urmare, obiectul simulat este supraîncărcat de conexiuni expresive și relații expresive.

O tehnică figurativă importantă este ritmul, care echivalează segmente semantice, fiecare dintre ele purtând un anumit conținut. Există un fel de aplatizare, zdrobire a spațiului saturat. Y. Tynyanov - etanșeitatea seriei de versuri. Ca urmare a formării unui singur sistem de relații saturate, ia naștere o anumită energie valorică, realizată în saturația acustică a versului și anumit sens, condiție. Acest principiu este universal, în raport cu toate felurile de artă; ca urmare, avem de-a face cu o realitate organizată poetic. Întruchiparea plastică a principiului metaforei la Picasso este „Femeia este o floare”. Metafora creează o concentrare colosală de informații artistice.

Generalizare artistică

Arta nu este o repovestire a realității, ci o imagine de forță sau tracțiune prin care se realizează relația figurativă a unei persoane cu lumea.

Generalizarea devine realizarea trăsăturilor artei: concretul capătă un sens mai general. Specificul generalizării artistice și figurative: imaginea artistică unește subiectul și valoarea. Scopul artei nu este o generalizare logică formală, ci o concentrare a sensului. Arta dă sens legat de obiectele de acest fel , arta dă sens logicii valorice a vieţii. Arta ne vorbește despre soartă, despre viață în plinătatea ei umană. În același mod, reacțiile umane sunt generalizate, prin urmare, în raport cu arta, se vorbește despre viziunea asupra lumii și viziunea asupra lumii, iar acesta este întotdeauna un model de atitudine.

Generalizarea are loc prin transformarea a ceea ce se întâmplă. Abstracția este o distragere a atenției într-un concept, teoria este un sistem de organizare logică a conceptelor. Un concept este o reprezentare a unor clase mari de fenomene. Generalizarea în știință este o trecere de la individ la universal, aceasta este gândirea în abstracții. Arta, în schimb, trebuie să păstreze concretețea valorii și trebuie să se generalizeze fără a fi distrasă de la acest specific, motiv pentru care imaginea este o sinteză a individului și a generalului, iar individualitatea își păstrează separatitatea față de alte obiecte. Acest lucru se întâmplă din cauza selecției, transformării obiectului. Când privim etapele individuale ale artei mondiale, găsim trăsături tipologice, bine stabilite, ale modurilor de generalizare artistică.

Cele trei tipuri principale de generalizare artistică din istoria artei se caracterizează prin diferența de conținut a generalului, originalitatea singularității, logica relației dintre general și individ. Distingem următoarele tipuri:

1) Idealizarea. Idealizarea o găsim ca tip de generalizare artistică atât în ​​antichitate, cât și în Evul Mediu, cât și în epoca clasicismului. Esența idealizării este un general special. Valorile aduse la o anumită puritate servesc drept generalizare. Sarcina este de a evidenția entitățile ideale înainte de întruparea senzuală. Acest lucru este inerent acelor tipuri de conștiință artistică care sunt ghidate de ideal. În clasicism, genurile joase și înalte sunt strict separate. Genurile înalte sunt reprezentate, de exemplu, de pictura lui N. Poussin „Regatul Florei”: un mit prezentat ca ființa fundamentală a entităților. Individul nu joacă aici un rol independent, caracteristicile unice sunt eliminate de la acest individ și apare imaginea celei mai unice armonii. Cu o asemenea generalizare, caracteristicile de moment, cotidiene ale realității sunt omise. În locul unui mediu domestic, apare un peisaj ideal, care este, parcă, într-o stare de vis. Aceasta este logica idealizării, unde scopul este afirmarea esenței spirituale.

2) Tipificare. Un tip de generalizare artistică caracteristică realismului. Particularitatea artei este dezvăluirea plinătății acestei realități. Logica mișcării aici este de la concret la general, o mișcare care păstrează semnificația ieșită a celui mai concret. De aici și trăsăturile tipizării: a dezvălui generalul în legile vieții. Se creează o imagine naturală pentru această clasă de fenomene. Tipul este întruchiparea celor mai multe trasaturi caracteristice a acestei clase de fenomene așa cum există ele în realitate. De aici legătura dintre tipificare și istoricismul gândirii artistului. Balzac s-a numit secretarul societății. Marx a învățat mai mult din romanele lui Balzac decât din scrierile economiștilor politici. Trăsătura tipologică a personajului nobilului rus cade din sistem, persoana in plus. Generalul de aici necesită un individ special, empiric plin de sânge, cu trăsături unice. Combinația dintre betonul unic, inimitabil, cu generalul. Aici individualizarea devine reversul tipificării. Când vorbesc despre dactilografiere, vorbesc imediat despre individualizare. Când percepeți imagini tipice, este necesar să le trăiți viața, atunci apare valoarea intrinsecă a acestei anumite. Imaginile apar oameni unici, pe care artistul le scrie individual. Așa gândește arta, tipificând realitatea.

Practica artei secolului al XX-lea a amestecat totul, iar realismul nu a fost ultima soluție de mult timp. Secolul al XX-lea a amestecat toate căile de generalizare artistică: se poate găsi tipificarea cu o părtinire naturalistă, unde arta devine o oglindă literală. Căderea în specific, care creează chiar și o realitate mitologică specială. De exemplu, hiperrealismul, care creează o realitate misterioasă, ciudată și sumbră.

Dar în arta secolului al XX-lea apare și un nou mod de generalizare artistică. A. Gulyga are denumirea exactă a acestei metode de generalizare artistică – tipologie. Un exemplu sunt lucrările grafice ale lui E. Neizvestny. Picasso are un portret al lui G. Stein - transmiterea sensului ascuns al unei persoane, o mască facială. Văzând acest portret, modelul a spus: Eu nu sunt așa; Picasso a răspuns imediat: așa vei fi. Și ea, într-adevăr, a devenit așa, după ce a îmbătrânit. Nu întâmplător arta secolului al XX-lea este pasionată de măștile africane. Schematizarea formei senzuale a unui obiect. „Fetele din Avignon” de Picasso.

Esența tipologiei: tipologia s-a născut în epoca distribuției cunoștințe științifice; este o generalizare artistică orientată către conştiinţa multicunoaştetoare. Tipologizarea idealizează generalul, dar, spre deosebire de idealizare, artistul înfățișează nu ceea ce vede, ci ceea ce știe. Tipologia spune mai mult despre general decât despre individ. Singularul ajunge la scară, clișeu, păstrând în același timp o oarecare expresivitate plastică. În teatru poți arăta conceptul de imperial, conceptul de Khlestakovism. Arta unui gest generalizat, o formă clișeală, în care detaliile modelează realitatea nu empiric, ci supraempiric. Picasso „Fructe” - schema unui măr, portretul „Femeie” - o schemă a feței unei femei. O realitate mitologică care poartă o experiență socială colosală. Picasso „Pisică ținând o pasăre în dinți” - un tablou pictat de el în timpul războiului. Dar punctul culminant al operei lui Picasso este Guernica. Portretul Dorei Maar este o imagine tipologică, un principiu analitic, lucrând cu imaginea unei persoane în mod analitic.

Arta secolului al XX-lea îmbină liber toate metodele de generalizare artistică, de exemplu, romanele lui M. Kundera, U. Eco, care, de exemplu, pot combina o descriere realistă cu reflecții, unde eseul are prioritate. Tipologia este o versiune intelectuală a artei contemporane.

Dar orice imagine artistică autentică este integrală organic, iar misterul acestei materii organice a îngrijorat de multe ori. născut din pace interioara imaginea artistului în sine devine un tot organic.

Bibliografie:

Belyaev N.I. ... IMAGINEA UNUI OM ÎN ARTĂ FELĂ: INDIVIDUALĂ ȘI TIPICĂ

A. Barsh. schițe și desene

Bychkov V.V. Estetică: manual. M. : Gardariki, 2002. - 556 p.

Kagan M.S. Estetica ca știință filozofică. Sankt Petersburg, LLP TK „Petropolis”, 1997. - P.544.

Articol. Caracteristicile psihologice ale percepției imaginii Journal of Psychology, Volumul 6, No 3, 1985, p. J50-153

Articol. S.A. Belozertsev, Shadrinsk Imagine artistică în producțiile educaționale

Resursa internet Compozitie / Imagine artistica / Obiectivitate si subiectivitate...

www.coposic.ru/hudozhestvennyy- HYPERLINK „http://www.coposic.ru/hudozhestvennyy-obraz/obektivnost-subektivnost”obraz HYPERLINK „http://www.coposic.ru/hudozhestvennyy-obraz/obektivnost-subektivnost”/obektivnost-subektivnost

imagine artistică - Enciclopedia Picturii

painting.artyx.ru/books/item/f00/s00/z0000008/st002.shtml

Kuzin V.S. Imagine. Schițe și schițe

Tehnica de schiță rapidă

Mijloacele și forma stăpânirii vieții prin artă; fel de a fi o operă de artă. Imaginea artistică este dialectică: combină contemplația vie, interpretarea și evaluarea subiectivă a ei de către autor (și, de asemenea, de către interpret, ascultător, cititor, privitor). O imagine artistică este creată pe baza unuia dintre mijloace: imagine, sunet, mediu de limbaj sau o combinație a mai multor. Este inseparabilă de substratul material al artei. De exemplu, semnificația, structura internă, claritatea imaginii muzicale sunt în mare măsură determinate de materia naturală a muzicii - calitățile acustice ale sunetului muzical. În literatură și poezie, o imagine artistică este creată pe baza unui mediu de limbaj specific; toate cele trei mijloace sunt folosite în arta teatrală. În același timp, semnificația unei imagini artistice se dezvăluie doar într-o anumită situație de comunicare, iar rezultatul final al unei astfel de comunicări depinde de personalitatea, scopurile și chiar starea de spirit momentană a persoanei care a întâlnit-o, precum și de cultura specifică căreia îi aparține.

Imaginea artistică este o formă de gândire artistică. Imaginea include: materialul realității, prelucrat de imaginația creativă a artistului, atitudinea acestuia față de cel reprezentat, bogăția personalității creatorului. Hegel credea că imaginea artistică „dezvăluie ochilor noștri o esență abstractă, ci realitatea ei concretă”. V. G. Belinsky credea că arta - gândire creativă. Pentru pozitiviști, o imagine artistică este o demonstrație vizuală a unei idei care oferă plăcere estetică. Au apărut teorii care au negat natura figurativă a artei. Astfel, formaliștii ruși au înlocuit conceptul de imagine cu conceptele de construcție și dispozitiv. Semiotica a arătat că imaginea artistică este creată printr-un sistem de semne, este paradoxală, asociativă, este o gândire alegorică, metaforică, care dezvăluie un fenomen prin altul. Artistul, parcă, împinge fenomenele unul împotriva celuilalt și creează scântei care luminează viața cu o lumină nouă. În artă, conform lui Anandavardhana (India, secolul al IX-lea), gândirea figurativă (dhvani) are trei elemente principale: o figură poetică (alamkara-dhvani), adică (vast-dhvani), starea de spirit (rasa-dhvani). Aceste elemente sunt conectate. Poetul Kalidasa exprimă astfel dhvania dispoziției. Iată ce îi spune regele Dushyanta albinei care se învârte lângă chipul iubitului său: „Tu continui să-i atingi ochii tremurători cu colțurile lor în mișcare, îi bâzâi ușor peste ureche, de parcă i-ar fi spus un secret, deși ea își îndepărtează mâna, bei buzele ei de nectar – focarul plăcerii. O, albină, într-adevăr ți-ai atins scopul, iar eu rătăcesc în căutarea adevărului. Poetul, fără a numi direct sentimentul care a pus stăpânire pe Dushyanta, transmite cititorului starea de dragoste, comparând visul unui sărut iubit cu o albină care zboară în jurul fetei.

LA lucrări antice natura metaforică a gândirii artistice apare deosebit de clar. Astfel, produsele artiștilor sciți în stilul animal combină în mod capricios forme de animale reale: pisici răpitoare cu gheare și ciocuri de păsări, grifoni cu un corp de pește, o față umană și aripi de pasăre. Imaginile unor creaturi mitologice sunt modelul unei imagini artistice: o vidră cu cap uman (triburile din Alaska), zeița Nui-wa - un șarpe cu cap de femeie (China Antică), zeul Anubis - un bărbat cu un șacal. cap (Egiptul Antic), un centaur - un cal cu trunchi și cap de om (Grecia Antică), un om cu cap de căprioară (laponi).

Gândirea artistică conectează fenomene reale, creând o creatură fără precedent, combinând capricios elementele strămoșilor săi. Sfinxul egiptean antic este un om reprezentat printr-un leu, iar un leu înțeles printr-un om. Printr-o combinație bizară de om și regele fiarelor, ajungem să cunoaștem natura și pe noi înșine - puterea regală și dominația asupra lumii. Gândirea logică stabilește subordonarea fenomenelor. Obiectele echivalente sunt dezvăluite în imagine - unul prin altul. Gândirea artistică nu se impune obiectelor lumii din exterior, ci decurge organic din compararea lor. Aceste trăsături ale imaginii artistice sunt clar vizibile în miniatura scriitorului roman Elian: „... dacă atingi un porc, în mod natural începe să scârțâie. Un porc nu are lână, nu are lapte, nimic altceva decât carne. Când este atinsă, ea ghicește imediat pericolul care o amenință, știind la ce sunt buni oamenii. Tiranii se comportă la fel: sunt mereu plini de suspiciuni și se tem de orice, pentru că știu că, ca un porc, trebuie să-și dea viața oricui. Imaginea artistică a lui Elian este metaforică și construită ca un sfinx (om-leu): după Elian, un tiran este un om-porc. O comparație a ființelor departe unele de altele oferă în mod neașteptat cunoștințe noi: tirania este dezgustătoare. Structura imaginii artistice nu este întotdeauna la fel de clară ca în sfinx. Cu toate acestea, chiar și în cazuri mai complexe în artă, fenomenele se dezvăluie unul prin altul. Deci, în romanele lui L.N. Eroii lui Tolstoi se dezvăluie prin reflexiile și umbrele pe care le aruncă unul altuia, asupra lumii din jurul lor. În Război și pace, personajul lui Andrei Bolkonsky se dezvăluie prin dragostea pentru Natasha, prin relațiile cu tatăl său, prin cerul de la Austerlitz, prin mii de lucruri și oameni care, așa cum își dă seama în agonie acest erou rănit de moarte, sunt asociați cu fiecare. persoană.

Artistul gândește asociativ. Norul pentru Trigorinul lui Cehov (în piesa „Pescărușul”) arată ca un pian și „și gâtul unei sticle sparte strălucește pe baraj și umbra roții morii devine neagră – iar noaptea luminată de lună este gata”. Soarta Ninei este dezvăluită prin soarta păsării: „Intrimul pentru o nuvelă: o fată tânără locuiește pe malul lacului încă din copilărie... iubește lacul ca un pescăruș și este fericită și liberă precum un pescăruş. Dar întâmplător a venit un bărbat, a văzut și, neavând ce face, a stricat-o, ca pescăruşul ăsta. În imaginea artistică, prin conjugarea unor fenomene îndepărtate unele de altele, se dezvăluie aspecte necunoscute ale realității.

Gândirea figurativă este ambiguă, este la fel de bogată și profundă în sensul și sensul său ca viața însăși. Unul dintre aspectele ambiguității imaginii este subestimarea. Pentru A.P. Cehov, arta de a scrie este arta de a tăia. E. Hemingway a comparat o operă de artă cu un aisberg: o parte din ea este vizibilă, cea mai mare parte este sub apă. Acest lucru face cititorul activ, procesul de percepere a operei se dovedește a fi co-creare, pictarea imaginii. Totuși, aceasta nu este o presupunere arbitrară. Cititorul primește un impuls de reflecție, i se oferă o stare emoțională și un program de procesare a informațiilor, dar își păstrează liberul arbitru și spațiu pentru imaginația creativă. Subestimarea imaginii artistice stimulează gândirea celui care percepe. Acest lucru se manifestă și în incompletitudine. Uneori, autorul întrerupe lucrarea la mijlocul propoziției și păstrează tăcerea, nu dezlănțuie poveștile. Imaginea este multifațetă, are un abis de sens care se deschide în timp. Fiecare epocă găsește laturi noi în imaginea clasică și îi oferă o interpretare proprie. În secolul al XVIII-lea Hamlet a fost considerat raționator, în secolul al XIX-lea. - ca intelectual reflexiv („hamletism”), în secolul XX. - ca un luptător „cu o mare de necazuri” (în interpretare, el a remarcat că nu a putut exprima ideea lui Faust cu ajutorul unei formule. Pentru a o dezvălui, ar trebui să scrie această lucrare din nou.

imagine artistica - intregul sistem gânduri, corespunde complexității, bogăția esteticăși versatilitatea vieții însăși. Dacă imaginea artistică ar putea fi tradusă pe deplin în limbajul logicii, știința ar putea înlocui arta. Dacă ar fi complet intraductibil în limbajul logicii, atunci critica literară, critica de artă și critica de artă nu ar exista. Imaginea artistică nu este traducabilă în limbajul logicii, deoarece în timpul analizei rămâne un „reziduu suprasemantic”, și în același timp traducem, pentru că, pătrunzând adânc în esența operei, este posibil să mai mult dezvăluie pe deplin sensul său. Analiza critică este un proces de adâncire nesfârșită în sensul infinit al imaginii artistice. Această analiză este variabilă din punct de vedere istoric: o nouă eră dă o nouă lectură a operei.