slavni japanski umjetnici. Od futurističkih svjetova do točkastih zviježđa: suvremeni japanski umjetnici

japanski klasično slikarstvo ima dugu i zanimljiva priča. Likovna umjetnost Japana zastupljena je u različitim stilovima i žanrovi, od kojih je svaki jedinstven na svoj način. Drevne oslikane figurice i geometrijski motivi pronađeni na dotaku brončanim zvonima i krhotinama keramike potječu iz 300. godine nove ere.

Budistička orijentacija umjetnosti

U Japanu je umjetnost bila prilično razvijena. zidno slikarstvo, u 6. stoljeću posebno su bile popularne slike na temu filozofije budizma. U to su se vrijeme u zemlji gradili veliki hramovi, a njihovi zidovi posvuda su bili ukrašeni freskama oslikanim prema zapletima budističkih mitova i legendi. Do sada su drevni uzorci zidnih slika sačuvani u hramu Horyuji blizu Japanski grad Nara. Horyujijeve freske prikazuju prizore iz života Buddhe i drugih bogova. Umjetnički stil ovih fresaka vrlo je blizak dobar koncept popularan u Kini za vrijeme dinastije Song.

Slikoviti stil dinastije Tang stekao je posebnu popularnost sredinom razdoblja Nara. Freske pronađene u grobnici Takamatsuzuka pripadaju ovom razdoblju i datirane su oko 7. stoljeća nove ere. Umjetnička tehnika, koja je nastala pod utjecajem dinastije Tang, kasnije je bila osnova kara-e slikarskog žanra. Ovaj je žanr zadržao svoju popularnost sve do pojave prvih djela u stilu yamato-e. Većina fresaka i slikarskih remek-djela su nepoznatih umjetnika, danas se mnoga djela iz tog razdoblja čuvaju u riznici Sesoin.

Sve veći utjecaj novih budističkih škola kao što je Tendai utjecao je na široki religijski fokus japanske likovne umjetnosti u 8. i 9. stoljeću. U 10. stoljeću, tijekom kojeg se posebno razvio japanski budizam, pojavio se žanr raigozu, "slike dobrodošlice", koje prikazuju dolazak Bude u zapadni raj. Rani primjeri raigōzua koji datiraju iz 1053. godine mogu se vidjeti u hramu Bedo-in, koji je sačuvan u gradu Uji, prefektura Kyoto.

Mijenjanje stilova

Sredinom razdoblja Heian, kineski kara-e stil je zamijenjen žanrom yamato-e, koji je dugo vremena postao jedan od najpopularnijih i najtraženijih žanrova. japansko slikarstvo. Novi slikovni stil uglavnom je primijenjen na preklopne paravane i klizna vrata. S vremenom se yamato-e preselio u horizontalne svitke emakimona. Umjetnici koji su radili u žanru emaki pokušali su u svojim djelima prenijeti svu emocionalnost odabrane radnje. Svitak Genji monogatari sastojao se od nekoliko epizoda povezanih zajedno, umjetnici tog vremena koristili su brze poteze i svijetle, izražajne boje.

E-maki je jedan od najstarijih i najvažnijih izvrsni primjeri otoko-e, žanr slike muški portreti. Ženski portreti istaknuto u zaseban žanr onna-e. Između ovih žanrova, zapravo, kao i između muškaraca i žena, postoje prilično značajne razlike. Stil onna-e šareno je predstavljen u dizajnu Priče o Genjiju, gdje su glavne teme crteža romantični zapleti, prizori iz dvorskog života. Muški stil otoko-e je pretežno umjetnički prikaz povijesnih bitaka i dr važni događaji u životu carstva.

Klasična japanska umjetnička škola postala je plodno tlo za razvoj i promicanje ideja. suvremena umjetnost Japan, gdje se jasno vidi utjecaj pop kulture i animea. Jedan od najpoznatijih japanskih umjetnika našeg vremena može se nazvati Takashi Murakami, čiji je rad posvećen prikazivanju scena iz japanskog života u poslijeratnom razdoblju i konceptu maksimalne fuzije. likovne umjetnosti i mainstream.

Od poznatih japanskih umjetnika klasične škole mogu se spomenuti sljedeći.

Napeto Šubun

Shubun je djelovao početkom 15. stoljeća, posvećujući puno vremena proučavanju djela Kineski majstori doba dinastije Song, ovaj je čovjek stajao u podrijetlu Japanaca fini žanr. Shubun se smatra utemeljiteljem sumi-e, monokromnog slikanja tušem. Uložio je mnogo napora da popularizira novi žanr, pretvorivši ga u jedan od vodećih trendova u japanskom slikarstvu. Shubunovi učenici bili su mnogi umjetnici koji su kasnije postali slavni, uključujući Sesshua i osnivača slavne umjetnička škola Kano Masanobu. Shubunu se pripisuju mnogi krajolici, no njegovim se najpoznatijim djelom tradicionalno smatra Čitanje u gaju bambusa.

Ogata Korin (1658.-1716.)

Ogata Korin jedan je od najvećih umjetnika u povijesti japanskog slikarstva, utemeljitelj i jedan od najsjajnijih predstavnika umjetničkog stila rimpa. Korin je u svojim djelima hrabro odstupio od tradicionalnih stereotipa, formirajući vlastite vlastiti stil, čija su glavna obilježja male forme i živ impresionizam radnje. Korin je poznat po posebnoj vještini u prikazivanju prirode i radu s apstraktnim kolorističkim kompozicijama. “Cvjetovi šljive crveno-bijeli” jedno je od najpoznatijih djela Ogate Korina, a poznate su i njegove slike “Krizanteme”, “Valovi Matsushime” i niz drugih.

Hasegawa Tohaku (1539.-1610.)

Tohaku je osnivač japanske umjetničke škole Hasegawa. Rano razdoblje Tohakuova stvaralaštva karakterizira utjecaj poznate škole japanskog slikarstva. Kano, no s vremenom je umjetnik formirao vlastitu jedinstven stil. Na mnogo načina, Tohakuov rad bio je pod utjecajem rada priznatog majstora Sesshua, Hosegawa se čak smatrao petim nasljednikom ovog velikog majstora. Primljena slika Hasegawa Tohakua "Pines". svjetska slava, poznata su i njegova djela “Javor”, “Borovi i cvjetnice” i dr.

Kano Eitoku (1543.-1590.)

Stil škole Kanō dominirao je vizualnom umjetnošću Japana oko četiri stoljeća, a Kano Eitoku možda je jedan od najpoznatijih i najistaknutijih predstavnika ove umjetničke škole. Eitoku je bio naklonjen vlastima, pokroviteljstvo aristokrata i bogatih pokrovitelja nije moglo ne pridonijeti jačanju njegove škole i popularnosti djela ovog, bez sumnje, vrlo talentiranog umjetnika. Pomični paravan od osam panela "Cypress", koji je naslikao Eitoku Kano, pravo je remek-djelo i vrhunski primjer opseg i moć stila Monoyama. Ostala djela majstora izgledaju ne manje zanimljivo, kao što su "Ptice i drveće četiri godišnja doba", "Kineski lavovi", "Pustinjaci i vila" i mnogi drugi.

Katsushika Hokusai (1760.-1849.)

Hokusai je najveći majstor žanra ukiyo-e (japanski drvorez). Rad Hokusaija primljen svjetsko priznanje, njegova slava u drugim zemljama nije usporediva s popularnošću većine azijskih umjetnika, njegov rad "Veliki val kod Kanagawe" postao je svojevrsni zaštitni znak japanske likovne umjetnosti na svjetskoj umjetničkoj pozornici. Sam kreativan način Hokusai je koristio više od trideset pseudonima, nakon šezdesete umjetnik se potpuno posvetio umjetnosti, a to se vrijeme smatra najplodnijim razdobljem njegova stvaralaštva. Hokusaijev rad utjecao je na rad zapadnih impresionističkih i postimpresionističkih majstora, uključujući rad Renoira, Moneta i van Gogha.

Pozdrav, dragi čitatelji - tragači za znanjem i istinom!

Japanski umjetnici odlikuju se svojim jedinstvenim stilom, brušenim generacijama majstora. Danas ćemo govoriti o najsjajnijim predstavnicima japanskog slikarstva i njihovim slikama, od antičkih vremena do modernih vremena.

Pa, zaronimo u umjetnost Zemlje izlazećeg sunca.

Rođenje umjetnosti

Drevna umjetnost slikanja u Japanu prvenstveno je povezana s osobitostima pisanja i stoga se temelji na osnovama kaligrafije. Prvi primjeri uključuju ulomke brončanih zvona, posuđa i kućanskih predmeta pronađenih tijekom iskapanja. Mnogi od njih oslikani su prirodnim bojama, a istraživanja pokazuju da su proizvodi nastali prije 300. godine pr.

Nova etapa u razvoju umjetnosti započela je dolaskom u Japan. Na emakimono - posebne papirnate svitke - primijenjene su slike božanstava budističkog panteona, scene iz života Učitelja i njegovih sljedbenika.

Prevlast vjerskih tema u slikarstvu može se pratiti u srednjovjekovnom Japanu, točnije od 10. do 15. stoljeća. Imena umjetnika tog doba do danas, nažalost, nisu sačuvana.

U razdoblju od 15. do 18. stoljeća počinje novo vrijeme koje karakterizira pojava umjetnika s razvijenim individualni stil. Označili su vektor daljnji razvoj likovne umjetnosti.

Svijetli predstavnici prošlosti

Napeti šubun (rano 15. stoljeće)

Kako bi postao izvanredan majstor, Xubong je proučavao tehnike pisanja kineskih Sung umjetnika i njihov rad. Kasnije je postao jedan od utemeljitelja slikarstva u Japanu i tvorac sumi-e.

Sumi-e - umjetnički stil, koji se temelji na crtežu tušem, što znači jednom bojom.

Shubun je puno učinio da novi stil zaživi u umjetničkim krugovima, podučavao je umjetnosti druge talente, uključujući i buduće slavni slikari poput Sesshua.

Najviše popularno slikarstvo Shubun se zove "Čitanje u gaju bambusa".

"Čitanje u bambusovom gaju" Tense Shubuna

Hasegawa Tohaku (1539.-1610.)

Postao je tvorac škole, nazvane po sebi - Hasegawa. U početku je pokušavao slijediti kanone škole Kano, ali postupno se njegov individualni "rukopis" počeo pratiti u njegovim djelima. Tohaku se vodio Sesshuovim grafikama.

Osnova rada bili su jednostavni, sažeti, ali realistični krajolici s nekompliciranim nazivima:

"borovi";
"Javor";
Borovi i cvjetnice.

Pines, Hasegawa Tohaku

Braća Ogata Korin (1658-1716) i Ogata Kenzan (1663-1743)

Braća su bila vrsni majstori 18. stoljeća. Najstariji, Ogata Korin, potpuno se posvetio slikarstvu i utemeljio žanr rimpa. Izbjegavao je stereotipne slike, dajući prednost impresionističkom žanru.

Ogata Korin slikao je prirodu općenito, a posebno cvijeće u obliku svijetlih apstrakcija. Njegovi kistovi pripadaju slici:

"Cvijet šljive crveno bijeli";
"Valovi Matsushime";
"Krizanteme".

Valovi Matsushime, Korin Ogata

Mlađi brat - Ogata Kenzan - imao je mnogo pseudonima. Barem se bavio slikarstvom, ali više je bio poznat kao izvrstan keramičar.

Ogata Kenzan svladao je mnoge tehnike keramike. Odlikovao se nestandardnim pristupom, na primjer, stvorio je ploče u obliku kvadrata.

Vlastito slikarstvo nije se odlikovalo sjajem - to je također bila njegova osobitost. Volio je stavljati kaligrafiju na proizvode kao što su svitak ili odlomci iz poezije. Ponekad su radili zajedno s bratom.

Katsushika Hokusai (1760.-1849.)

Radio je u stilu ukiyo-ea - vrste drvoreza, drugim riječima, graviranja. Za sve vrijeme kreativnosti promijenio je oko 30 imena. poznato djelo- "Veliki val kod Kanagawe", zahvaljujući kojem je postao poznat i izvan domovine.

"Veliki val kod Kanagawe" Hokusaija Katsushike

Posebno naporan Hokusai je počeo raditi nakon 60 godina, što je donijelo dobre rezultate. Van Gogh, Monet, Renoir poznavali su njegov rad, a donekle je utjecao na rad europskih majstora.

Ando Hiroshige (1791.-1858.)

Jedan od najveći umjetnici 19. stoljeća. Rođen, živio, radio u Edu, nastavio rad Hokusaija, bio inspiriran njegovim radom. Način na koji je portretirao prirodu gotovo je jednako upečatljiv kao i broj samih djela.

Edo - bivše ime Tokio.

Evo nekoliko podataka o njegovom radu, koji su predstavljeni ciklusom slika:

5,5 tisuća - broj svih gravura;
“100 pogleda na Edo;
"36 pogleda na Fuji";
"69 Kisokaido postaja";
"53 postaje Tokaido".

Slika Andoa Hiroshigea

Zanimljivo je da je izvanredni Van Gogh napisao nekoliko kopija svojih gravura.

Modernost

Takashi Murakami

Slikar, kipar, modni kreator, ime je stekao već krajem 20. stoljeća. U kreativnosti se pridržava modni trendovi s elementima klasike, a inspiraciju crpi iz anime i manga crtića.

Slika Takashija Murakamija

Djela Takashija Murakamija klasificiraju se kao subkultura, ali su istovremeno nevjerojatno popularna. Primjerice, 2008. jedan njegov rad kupljen je na aukciji za više od 15 milijuna dolara. U moje vrijeme moderni stvaralac surađivao s modnim kućama "Marc Jacobs" i "Louis Vuitton".

Tycho Asima

Suradnica prijašnjeg umjetnika, stvara suvremene nadrealne slike. Prikazuju poglede na gradove, ulice velegradova i stvorenja kao iz drugog svemira - duhove, zle duhove, vanzemaljske djevojke. U pozadini slika često se vidi netaknuta, ponekad čak i zastrašujuća priroda.

Njezine slike dosežu velike veličine i rijetko su ograničeni na papir. Prenose se na kožu, plastične materijale.

Godine 2006., u sklopu izložbe u britanskoj prijestolnici, žena je stvorila oko 20 lučnih struktura koje su odražavale ljepotu prirode sela i grada, danju i noću. Jedna od njih ukrasila je stanicu podzemne željeznice.

Hej Arakawa

Mladić se ne može nazvati samo umjetnikom klasično shvaćanje riječima - stvara instalacije, tako popularne u umjetnosti 21. stoljeća. Teme njegovih izložbi su istinski japanske i dotiču se prijateljskih odnosa, ali i rada cijelog tima.

Ei Arakawa često sudjeluje na raznim bijenalima, primjerice u Veneciji, izlaže u Muzeju moderne umjetnosti u svojoj domovini i zasluženo dobiva razne nagrade.

Ikenaga Yasunari

Moderni slikar Ikenaga Yasunari uspio je spojiti dvije naizgled nespojive stvari: život današnjih djevojaka u obliku portreta i tradicionalne tehnike Japan dolazi iz davnih vremena. Slikar u svom radu koristi posebne kistove, prirodne pigmentirane boje, tuš i ugljen. Umjesto uobičajenog lana - laneno platno.

Slika Ikenaga Yasunarija

Slična tehnika suprotstavljanja prikazanog doba i izgled junakinje ostavljaju dojam da su nam se vratile iz prošlosti.

popularan u novije vrijeme u internetskoj zajednici seriju slika o složenosti života krokodila također je stvorio japanski karikaturist Keigo.

Zaključak

Dakle, japansko slikarstvo nastalo je oko 3. stoljeća prije Krista, i od tada se dosta promijenilo. Prve slike primijenjene su na keramiku, zatim su u umjetnosti počeli prevladavati budistički motivi, ali imena autora nisu preživjela do danas.

U doba novoga vijeka majstori kista stjecali su sve više individualnosti, stvarali različitih smjerova, škole. Današnji umjetnost nije ograničeno na tradicionalno slikarstvo - koriste se instalacije, karikature, umjetničke skulpture, posebne strukture.

Hvala vam puno na pažnji, dragi čitatelji! Nadamo se da vam je naš članak bio koristan, a priče o životu i radu najsjajnijih predstavnika umjetničke umjetnosti omogućile su da ih bolje upoznate.

Naravno, teško je u jednom članku reći o svim umjetnicima od antike do danas. Stoga neka ovo bude prvi korak prema poznavanju japanskog slikarstva.

I pridružite nam se - pretplatite se na blog - zajedno ćemo proučavati budizam i kulturu Istoka!

Svaka zemlja ima svoje heroje suvremena umjetnost, čija su imena dobro poznata, čije izložbe okupljaju mnoštvo obožavatelja i znatiželjnika, a čija su djela raspoređena po privatnim zbirkama.

U ovom ćemo vam članku predstaviti najpopularnije suvremene umjetnike u Japanu.

Keiko Tanabe

Rođena u Kyotu, Keiko je kao dijete pobijedila na mnogim likovnim natjecanjima, ali više obrazovanje primio uopće ne na području umjetnosti. Radila je u odjelu za međunarodne odnose japanske samoupravne trgovačke organizacije u Tokiju, velikoj odvjetničkoj tvrtki u San Franciscu i privatnoj konzultantskoj tvrtki u San Diegu, te je mnogo putovala. Počevši od 2003. godine napušta posao i, nakon što je u San Diegu naučila osnove slikanja akvarelom, posvećuje se isključivo umjetnosti.

Ikenaga Yasunari (Ikenaga Yasunari)

Japanski umjetnik Ikenaga Yasunari slika portrete suvremenih žena u drevnoj japanskoj tradiciji slikanja koristeći Menso kist, mineralne pigmente, čađu, tuš i platnena tkanina, kao osnova. Njegovi likovi su žene našeg vremena, ali zahvaljujući stilu Nihonge, postoji osjećaj da su nam došle iz davnih vremena.

Abe Toshiyuki

Abe Toshiyuki je realistički umjetnik koji je do savršenstva ovladao tehnikom akvarela. Abea se može nazvati umjetnikom-filozofom: on u osnovi ne crta dobro poznate znamenitosti, preferirajući subjektivne kompozicije koje odražavaju unutarnja stanja osoba koja ih promatra.

Hiroko Sakai

Karijera umjetnice Hiroko Sakai započela je ranih 90-ih u gradu Fukuoka. Nakon što je diplomirao na Sveučilištu Seinan Gakuin i francuska škola Interior Design Nihon u području dizajna i vizualizacije osnovala je "Atelier Yume-Tsumugi Ltd." i uspješno vodio ovaj studio 5 godina. Mnogi njezini radovi krase bolnička predvorja, urede velike korporacije i neke općinske zgrade u Japanu. Nakon što se preselila u Sjedinjene Države, Hiroko je počela slikati u ulju.

Riusuke Fukahori

Trodimenzionalni radovi Ryuusukija Fukahorija su poput holograma. Izrađene su s nekoliko slojeva akrilne boje i prozirne tekućine od smole - sve to, ne isključujući tradicionalne metode kao što su crtanje sjena, omekšavanje rubova, kontrola prozirnosti, omogućuje Ryusukiju stvaranje kiparsko slikarstvo a djelu daje dubinu i realizam.

Natsuki Otani

Natsuki Otani je talentirani japanski ilustrator koji živi i radi u Engleskoj.

Makoto Muramatsu

Makoto Muramatsu odabrao je win-win temu kao osnovu za svoj rad - on crta mačke. Njegove slike su popularne u cijelom svijetu, posebno u obliku zagonetki.

Tetsuya Mishima

Većina slika suvremenog japanskog umjetnika Mishime izrađena je u ulju. Slikarstvom se profesionalno bavi od 90-ih, ima ih nekoliko osobne izložbe i veliki broj kolektivne izložbe, japanske i strane.

Jednobojno slikarstvo Japana jedan je od jedinstvenih fenomena umjetnosti Istoka. Mnogo je radova i studija posvećeno tome, ali se često doživljava kao vrlo uvjetna stvar, a ponekad čak i dekorativna. To nije tako, duhovni svijet japanskog umjetnika vrlo je bogat, a on ne brine toliko o estetskoj komponenti, koliko o duhovnoj. Umjetnost Istoka je sinteza vanjskog i unutarnjeg, eksplicitnog i implicitnog.

U ovom postu želim obratiti pozornost ne na povijest monokromnog slikarstva, već na njegovu bit. O tome će se raspravljati.

Ekran "Bor" Hasegawa Tohaku, 1593.

Ono što vidimo na monokromnim slikama rezultat je umjetnikove interakcije s borovom trijadom: papir, kist, tuš. Dakle, da bi se ispravno razumjelo djelo, potrebno je razumjeti samog umjetnika i njegov stav.

"Pejzaž" Sesshu, 1398

Papir nije lako japanskom majstoru improvizirani materijal, koju podređuje svom hiru, već je, naprotiv, "brat", pa se odnos prema njoj razvio u skladu s tim. Papir je dio okolne prirode, prema kojem su se Japanci oduvijek odnosili s poštovanjem i pokušavali ga ne potčiniti, već mirno koegzistirati s njim. Papir je u prošlosti stablo koje je stajalo na određenom prostoru, određeno vrijeme, “vidjelo” nešto oko sebe i sve to pohranilo. Japanski umjetnik tako doživljava materijal. Često, prije početka rada, majstori su dugo gledali prazan list (razmišljali o njemu) i tek onda prešli na slikanje. I danas suvremeni japanski umjetnici koji prakticiraju Nihon-ga (tradicionalno japansko slikarstvo) pažljivo biraju svoj papir. Kupuju ga po narudžbi od tvornica papira. Za svakog umjetnika određena debljina, propusnost vlage i tekstura (mnogi umjetnici čak sklapaju ugovor s vlasnikom tvornice da ne prodaju ovaj papir drugim umjetnicima) - stoga se svaka slika doživljava kao nešto jedinstveno i živo.

"Čitanje u šumarku bambusa" Shubun, 1446.

Govoreći o značaju ovog materijala, vrijedi spomenuti takve slavni spomenici Japanska književnost poput "Bilješki uz uzglavlje" Seija Shonagona i "Genji Monogotari" Murasakija Shikibua: i u "Bilješkama" i u "Genjiju" možete pronaći scene u kojima dvorjani ili ljubavnici razmjenjuju poruke. Papir na kojem su ispisane ove poruke bio je odgovarajućeg godišnjeg doba, nijanse, a način ispisivanja teksta odgovarao je njegovoj teksturi.

"Murasaki Shikibu u svetištu Ishiyama" Kyosen

Četka- druga komponenta je nastavak ruke majstora (opet, ovo je prirodni materijal). Stoga su se kistovi izrađivali i po narudžbi, ali najčešće od samog umjetnika. Odabrao je dlačice potrebne duljine, odabrao veličinu četke i najudobniju ručku. Majstor piše samo svojim kistom i nikakvim drugim. (Iz osobno iskustvo: bio na majstorskom tečaju kineski umjetnik Jiang Shilun, publika je tražila da pokaže što mogu njegovi učenici koji su bili prisutni na majstorskom tečaju, a svaki od njih je, uzimajući u ruke majstorov kist, rekao da neće ispasti ono što su očekivali, jer kist nije njihov, nisu bili navikli na to i ne znaju ga pravilno koristiti.

"Fuji" skica tušem Katsushike Hokusaija

tinta- treće važan element. Maskara može biti različitih vrsta: može dati sjajni ili mat učinak nakon sušenja, može se miješati sa srebrnim ili oker nijansama, dakle pravi izbor maskara također nije nevažna.

Yamamoto Baitsu, kasno 18. - 19. stoljeće.

Glavne teme monokromnog slikarstva su pejzaži. Zašto nemaju boju?

Dvostruki ekran "Pines", Hasegawa Tohaku

Prvo, japanskog umjetnika ne zanima sam objekt, već njegova bit, određena komponenta koja je zajednička svim živim bićima i vodi harmoniji između čovjeka i prirode. Stoga je slika uvijek nagovještaj, upućena je našim osjećajima, a ne viziji. Podcjenjivanje je poticaj za dijalog, a time i za povezivanje. Linije i mrlje su važne na slici - one formiraju umjetnički jezik. To nije sloboda majstora, koji je, gdje je htio, tamo ostavio mastan trag, a na drugom mjestu, naprotiv, nije dobro nacrtao - na slici sve ima svoje značenje i značenje, a ne nosi slučajni lik.

Drugo, boja uvijek nosi nešto emocionalna obojenost i različito ga percipiraju različiti ljudi u različitim stanjima, stoga emocionalna neutralnost omogućuje gledatelju da najadekvatnije uđe u dijalog, pozicionira ga za percepciju, kontemplaciju i mišljenje.

Treće, ovo je interakcija jina i janga, svaka jednobojna slika je skladna u smislu omjera tinte i netaknutog dijela papira u njoj.

Zašto većina papirnog prostora nije iskorištena?

"Pejzaž" Syubun, sredina 15. stoljeća.

Prvo, prazan prostor uranja gledatelja u sliku; drugo, slika nastaje kao da je na trenutak isplivala na površinu i samo što nije nestala – to je povezano sa svjetonazorom i svjetonazorom; treće, na onim područjima gdje nema tinte dolazi do izražaja tekstura i nijansa papira (to se ne vidi uvijek na reprodukcijama, no u stvarnosti se uvijek radi o interakciji dva materijala - papira i tinte).

Sesshu, 1446

Zašto pejzaž?

"Razmatranje vodopada" Gayami, 1478

Prema japanskom svjetonazoru, priroda je savršenija od čovjeka, stoga on mora učiti od nje, štititi je na sve moguće načine, a ne uništavati ili pokoravati. Stoga, u mnogim krajolicima možete vidjeti male slike ljudi, ali uvijek beznačajni, maleni u odnosu na sam krajolik, ili slike koliba koje su upisane u prostor oko njih, a nisu ni uvijek uočljive – sve su to simboli svjetonazora.

"Godišnja doba: jesen i zima" Sesshu. "Pejzaž" Sesshu, 1481

Zaključno, želim reći da jednobojno japansko slikarstvo nije nasumično poprskana tinta, nije hir umjetnikova unutarnjeg ega - ono je cijeli sustav slika i simbola, riznica je filozofske misli, i što je najvažnije, način komunikacije i usklađivanja sebe i svijeta oko sebe.

Ovdje su, mislim, odgovori na glavna pitanja koja gledatelj ima kad se suoči s jednobojnim japanskim slikarstvom. Nadam se da će vam oni pomoći da to najispravnije shvatite i percipirate kada se sretnete.

Ima vrlo bogata povijest; njegova je tradicija opsežna, s jedinstvenim položajem Japana u svijetu koji uvelike utječe na dominantne stilove i tehnike japanskih umjetnika. Poznata činjenica To što je Japan stoljećima bio prilično izoliran nije posljedica samo geografskog položaja, već i dominantne japanske kulturne sklonosti izolaciji koja je obilježila povijest zemlje. Tijekom stoljeća postojanja onoga što bismo mogli nazvati " Japanska civilizacija”, kultura i umjetnost razvijale su se odvojeno od onih u ostatku svijeta. I to je čak vidljivo u praksi japanskog slikarstva. Na primjer, slike Nihonge među glavnim su elementima japanske slikarske prakse. Temelji se na više od tisuću godina tradicije, a slike se najčešće stvaraju kistovima na vašem (japanski papir) ili egini (svila).

Međutim, japanska umjetnost i slikarstvo bili su pod utjecajem strane umjetničke prakse. Prvo, to je bila kineska umjetnost u 16. stoljeću i kineska umjetnost i kineska umjetnička tradicija, koja je bila posebno utjecajna na nekoliko načina. Od 17. stoljeća, japansko slikarstvo također je bilo pod utjecajem zapadne tradicije. Osobito je u predratnom razdoblju, koje je trajalo od 1868. do 1945., japansko slikarstvo bilo pod utjecajem impresionizma i europskog romantizma. U isto vrijeme, novi europski umjetnički pokreti također su bili pod značajnim utjecajem japanskog umjetničke tehnike. U povijesti umjetnosti taj se utjecaj naziva "japanizam", a posebno je značajan za impresioniste, kubiste i umjetnike povezane s modernizmom.

Duga povijest japanskog slikarstva može se promatrati kao sinteza nekoliko tradicija koje stvaraju dijelove priznate japanske estetike. Prije svega, budistička umjetnost i metode slikanja, kao i religiozno slikarstvo, ostavio je značajan trag u estetici japanskog slikarstva; slikanje krajolika vodenom tušem u tradiciji kineskog književnog slikarstva još je jedan važan element prepoznat u mnogim slavnim japanskim slikama; slikanje životinja i biljaka, posebno ptica i cvijeća, ono je što se obično povezuje s japanskim kompozicijama, kao i krajolici i scene iz Svakidašnjica. Konačno, antičke ideje o ljepoti iz filozofije i kulture imale su veliki utjecaj na japansko slikarstvo. drevni japan. Wabi, što znači prolazna i surova ljepota, sabi (ljepota prirodne patine i starenja) i yugen (duboka gracioznost i suptilnost) još uvijek utječu na ideale u praksi japanskog slikarstva.

Na kraju, ako se fokusiramo na odabir deset najpoznatijih japanskih remek-djela, moramo spomenuti ukiyo-e, koji je jedan od najpopularnijih žanrova umjetnosti u Japanu, iako pripada grafiki. Dominirao je u japanska umjetnost od 17. do 19. stoljeća, s umjetnicima koji su pripadali ovom žanru stvarajući drvoreze i slike tema kao što su lijepe djevojke, kabuki glumci i sumo hrvači, kao i scene iz povijesti i Narodne priče, scene i pejzaže s putovanja, floru i faunu pa čak i erotiku.

Uvijek je teško napraviti popis najboljih slika iz umjetničke tradicije. Mnoga nevjerojatna djela bit će isključena; međutim, ovaj popis sadrži deset najprepoznatljivijih japanskih slika u svijetu. U ovom će članku biti prikazane samo slike nastale od 19. stoljeća do danas.

Japansko slikarstvo ima izuzetno bogatu povijest. Kroz stoljeća Japanski umjetnici razvio veliki broj jedinstvenih tehnika i stilova, koji su najvrjedniji doprinos Japana svijetu umjetnosti. Jedna od tih tehnika je sumi-e. Sumi-e doslovno znači "crtež tušem", kombinirajući kaligrafiju i tuš za stvaranje rijetke ljepote kompozicija naslikanih kistom. Ova ljepota je paradoksalna - drevna, ali moderna, jednostavna, ali složena, odvažna, ali prigušena, nedvojbeno odražava duhovnu osnovu umjetnosti u zen budizmu. Budistički svećenici su u šestom stoljeću iz Kine u Japan donijeli tvrdu tintu i bambusov kist, a tijekom proteklih 14 stoljeća Japan je razvio bogato nasljeđe slikanja tintom.

Pomaknite se prema dolje i pogledajte 10 remek-djela japanskog slikarstva

1. Katsushika Hokusai "San ribarske žene"

Jedna od najprepoznatljivijih japanskih slika je San ribarske žene. Napisana je 1814 poznati umjetnik Hokusai. Prema strogim definicijama, ovo nevjerojatno Hokusaijevo djelo ne može se smatrati slikom, budući da se radi o ukiyo-e drvorezu iz Mladih borova (Kinoe no Komatsu), koji je trotomna šunga knjiga. Kompozicija prikazuje mladu ama ronilicu seksualno isprepletenu s parom hobotnica. Ova je slika bila vrlo utjecajna u 19. i 20. stoljeću. Djelo je utjecalo na kasnije umjetnike kao što su Felicien Rops, Auguste Rodin, Louis Ocock, Fernand Khnopf i Pablo Picasso.

2. Tessai Tomioka "Abe no Nakamaro piše nostalgičnu pjesmu dok gleda mjesec"

Tessai Tomioka pseudonim je poznatog japanskog umjetnika i kaligrafa. Smatra se posljednjim velikim umjetnikom u tradiciji Bunjing i jednim od prvih velikih umjetnika stila Nihonga. Bunjinga je bila škola japanskog slikarstva koja je cvjetala tijekom kasnog razdoblja Edo među umjetnicima koji su sebe smatrali književnicima ili intelektualcima. Svaki od ovih umjetnika, uključujući i Tessaiu, razvio je vlastiti stil i tehniku, no svi su bili veliki obožavatelji kineska umjetnost i kulture.

3. Fujishima Takeji "Izlazak sunca nad istočnim morem"

Fujishima Takeji bio je japanski umjetnik poznat po svom radu na razvoju romantizma i impresionizma u umjetničkom pokretu Yoga (zapadnjački stil) kasnog 19. i ranog 20. stoljeća. Godine 1905. otputovao je u Francusku, gdje je bio pod utjecajem francuskih pokreta tog vremena, osobito impresionizma, što se može vidjeti na njegovoj slici Izlazak sunca nad Istočnim morem iz 1932. godine.

4. Kitagawa Utamaro "Deset tipova ženskih lica, zbirka dominantnih ljepotica"

Kitagawa Utamaro bio je istaknuti japanski umjetnik koji je rođen 1753., a umro 1806. godine. Daleko je najpoznatiji po seriji pod nazivom The Ten Types ženska lica. Zbirka vladajućih ljepotica, teme Velika ljubav Klasična poezija" (ponekad nazvana "Zaljubljene žene", koja sadrži zasebne gravure "Gola ljubav" i "Zamišljena ljubav"). Jedan je od najznačajnijih umjetnika koji pripada žanru ukiyo-e drvoreza.

5. Kawanabe Kyosai "Tigar"

Kawanabe Kyosai bio je jedan od najpoznatijih japanskih umjetnika iz razdoblja Edo. Na njegovu umjetnost utjecao je Tohaku, slikar Kano škole iz 16. stoljeća koji je bio jedini umjetnik svog vremena, slikajući zaslone u potpunosti tintom na nježnoj pozadini od zlata u prahu. Iako je Kyosai poznat kao karikaturist, on je napisao neke od njih najviše poznate slike u Japanska povijest Umjetnost XIX stoljeća. "Tigar" je jedna od onih slika za koje je Kyosai koristio akvarel i tuš.

6. Hiroshi Yoshida Fuji iz jezera Kawaguchi

Hiroshi Yoshida poznat je kao jedna od najvećih figura Shin-Hanga stila (shin-hanga je umjetnički pokret u Japanu početkom 20. stoljeća, tijekom razdoblja Taisho i Showa, koja su oživjela tradicionalna umjetnost ukiyo-e, koji se ukorijenio u razdoblju Edo i Meiji (XVII - XIX st.)). Bio je obučen u tradiciji zapadnjačkog uljanog slikarstva, koje je usvojeno u Japanu tijekom razdoblja Meiji.

7. Takashi Murakami "727"

Takashi Murakami vjerojatno je najpopularniji japanski umjetnik našeg vremena. Njegovi radovi prodaju se po astronomskim cijenama na velikim aukcijama, a njegov rad već nadahnjuje nove generacije umjetnika ne samo u Japanu nego i šire. Murakamijeva umjetnost uključuje niz medija i obično se opisuje kao super-ravna. Njegov je rad poznat po korištenju boja, uključujući motive iz japanske tradicionalne i popularne kulture. Sadržaj njegovih slika često se opisuje kao "simpatični", "psihodelični" ili "satirični".

8. Yayoi Kusama "Bundeva"

Yaoi Kusama također je jedan od najpoznatijih Japanski umjetnici. Ona stvara u razne tehnike uključujući slikarstvo, kolaž, scat skulpturu, umjetnost izvedbe, umjetnost zaštite okoliša i instalacije, od kojih većina pokazuje njezin tematski interes za psihodelične boje, ponavljanje i uzorke. Jedna od najpoznatijih serija ovog velikog umjetnika je serija Pumpkin. Točkasta pravilna tikva jarko žute boje prikazana je naspram mreže. Zajedno, svi takvi elementi tvore vizualni jezik koji je nepogrešiv za umjetnikov stil, a razvijao se i usavršavao tijekom desetljeća mukotrpne izrade i reprodukcije.

9. Tenmyoya Hisashi "Japanese Spirit #14"

Tenmyoya Hisashi je suvremeni japanski umjetnik koji je poznat po svojim neo-nihonga slikama. Sudjelovao je u oživljavanju stare tradicije japanskog slikarstva, koje je sušta suprotnost modernom japanskom slikarstvu. Godine 2000. stvara i svoj novi stil, butouha, koji pokazuje snažan stav prema autoritetu. sustav umjetnosti kroz njegove slike. "Japanese Spirit No. 14" nastao je u sklopu umjetnička shema"BASARA", tumačena u japanskoj kulturi kao buntovničko ponašanje niže aristokracije tijekom razdoblja Zaraćenih država, kako bi se vlastima uskratila mogućnost traženja savršena slikaživot, oblačenje u pompoznu i raskošnu odjeću i djelovanje po slobodnoj volji, što nije odgovaralo njihovom društvenom sloju.

10. Katsushika Hokusai "Veliki val kod Kanagawe"

Konačno, Veliki val kod Kanagawe je vjerojatno najprepoznatljivija japanska slika ikad naslikana. Stvarno je najviše poznato djelo umjetnost proizvedena u Japanu. Prikazuje ogromne valove koji prijete brodovima u blizini obale prefekture Kanagawa. Iako se ponekad pogrešno smatra tsunamijem, val, kako naziv slike govori, najvjerojatnije jednostavno ima nenormalno visoku visinu. Slika je napravljena u tradiciji ukiyo-e.

Od: ,