Ukiyo-e japanska umjetnost tiska. Slike u stilu Ukiyo-e (japansko slikarstvo)

Ukiyo-e je stil japanskog slikarstva koji je nastao krajem 16. stoljeća.

Povijest razvoja

S japanskog se naziv smjera prevodi kao "plutajući svijet". U početku se riječ "ukiyo" koristila u budizmu i predstavljala je krhkost bića i svakodnevnu tugu, a dolaskom Edo razdoblja u Japanu značenje ove riječi dobilo je potpuno drugačije značenje. Ovo doba donijelo je mnoge društvene promjene u zemlju: na primjer, u gradovima su se pojavila posebno određena mjesta u kojima su se nalazila Kabuki kazališta, a pojavili su se i bordeli. Tada je riječ "ukiyo" počela označavati prolazno zadovoljstvo.

Jedan od utemeljitelja ukiyo-ea je poznati japanski umjetnik Hisikawa Moronobu. Ukiyo-e stil su drvorezi.

U početku su gravure bile jednobojne, jer je u izradi korištena samo crna tinta. Nakon nekoliko stoljeća, umjetnici ovog smjera počeli su dodavati ekspresivnost gravurama, slikajući ih obojenim bojama. U isto vrijeme, Suzuki Harunobu razvio je metodu ispisa za višekratnu upotrebu za stvaranje nishiki-e, što u prijevodu znači "slike od brokata". Masovna proizvodnja grafika učinila ih je dostupnima za kupnju mnogim ljudima u Japanu koji si do tada nisu mogli priuštiti luksuz kupnje slika.

Izrada gravura

U stvaranju djela sudjelovalo je više ljudi: umjetnik, graver, drvorezbar i tiskar, od kojih je svaki dobio veliku ulogu. Često su radovi rađeni po narudžbi i njihov broj je znao biti vrlo velik.

Redoslijed izrade gravure:

Slikar crta obris budućeg crteža na tankom papiru.
Graver lijepi ovu skicu na drvenu ploču i izrezuje prvu formu za ispis na njoj.
Graver pravi niz otisaka na obrascu kako bi označio buduće nijanse.
Drvorezbar izrezuje tiskarske ploče koje su izrađene za određene boje.
Printer, prema uputama umjetnika, nanosi boju željene boje na forme i ručno ih ispisuje na rižin papir.

Izrada gravure je vrlo dug i naporan proces koji zahtijeva puno truda i vještine. Konačni izgled slike nije ovisio samo o dobrim skicama, već io iskustvu gravera i rezbara. Za izradu slika u boji ponekad je bilo potrebno više od desetak različitih oblika.

Ukiyo-e ažuriran: 15. rujna 2017. od: Voljeni

Japan već jedno stoljeće prati pustolovne avanture suvremene umjetnosti. No, prije nego što se zemlja počela otvarati strancima, čini se da je bilo kakav kreativni duh napustio umjetnost slikanja, koja se pretvorila u ručni rad. Tek u rijetkim remek-djelima slikarstva sačuvano je nešto živo i ljudsko.

Već tada dolazi do opadanja narativnog edukativnog "žanrovskog" slikarstva, poznatog kao ukiyo-e- "slika smrtnog svijeta"; ovo strujanje pučke umjetnosti našlo je svoj izraz i u slikarstvu i u grafici. Ovaj je žanr nastojao očuvati tradiciju čisto japanskog slikarstva ( yamato-e) i ubrzo je počeo istiskivati aristokratsko slikarstvo škole Tosa, koje je podupirao dvor, kao i slikarstvo "kineskog stila" škole Kano, koja je uživala pokroviteljstvo samuraja. Ukiyo-e slikanje se radilo na tankom, poroznom papiru ili na svili, obično grubljoj od klasičnog slikarstva, što je omogućavalo stvaranje određenog reljefa površine uz pomoć boja. Ovo potonje činilo je bit slikovnog traganja, kako u pogledu perspektivnih učinaka tako iu smislu volumena. Linija je pokazala fleksibilnost kista i dala siluetama prirodan i živahan karakter. Čini se da Ukiyo-e potječe iz škole Kano u Kyotu: ona je uvela murale u modu krajem 16. stoljeća. ekrani, gdje su se odigravale scene svakodnevnog života i praznika u Kyotu. Djela Iwasa Matabeija (1578–1650), inspirirana žanrovskim slikarstvom, čine drugu komponentu ove škole. Početak ukiyo-e slikarstva obilježava djelovanje četvorice umjetnika Kano škole. Dvojica od njih nikada se nisu okrenula grafiki: Miyagawa Chosun (1683–1753) i Nishikawa Sukenobu (1671–1751), koji je prvenstveno radio kao ilustrator. Njegov profinjeni i evoluirajući stil očitovao se u početku u žanru portreta (ljepota). Dva druga umjetnika, Hisikawa Moronobu (1618. – 1694.) i Okumura Masanobu (1686. – 1764.), poznati su uglavnom kao grafičari, kao što ćemo vidjeti.

U očima Japanaca 19. stoljeća, graviranje nije bilo značajna umjetnost. U Francuskoj su ukiyo-e grafike stekle nevjerojatnu popularnost nakon što je Felix Braquemont pokazao Edgaru Degasu rad Hokusaija 1856. godine. Godine 1868. Manet je pod utjecajem japanskog slikarstva naslikao portret Emila Zole; 1876. Monet je na ukrasnoj ploči naslikao djevojke u kimonu; Van Gogh je, konačno, bio izuzetno strastven prema ovoj do tada nepoznatoj umjetnosti i koristio se japanskim uzorima.

Graviranje (hanga), koji omogućuje reprodukciju djela na temelju prvog lista, "masovni medij", a njegov razvoj od sredine 17. stoljeća točno koincidira s razvojem gradova u kojima se rađa novi oblik civilizacije. Naravno, sama metoda je kineskog podrijetla i poznata je već duže vrijeme: u Shosoinu postoji ploča isklesana u 7. stoljeću, koja je bila namijenjena za nanošenje uzorka na tkaninu. Godine 764. carica Koken (749-759) naredila je da se izrezbare drvene i bakrene ploče kako bi se reproducirale molitve i budističke slike. Donirala je ove rezbarene ploče hramovima u Nari. Ovaj učinkovita metoda nastavio se koristiti, ali samo u vjerske svrhe. Plemići za koje je umjetnost izrađivana mogli su dovoljno dobro platiti za slikare i ilustratore svitaka; ujedno su jednako cijenili kvalitetu materijala kao i kreativnost, a prezirali jeftinoću graviranja. Situacija se promijenila kada su se trgovci i obrtnici obogatili i formirali srednju klasu, presiromašnu da bi kupovala skupu umjetnost, ali dovoljno bogatu da žudi za nekim luksuzom. Upravo su oni u svojim interesima formirali pravo tržište umjetninama. Tada je Edo umjetnik Hisikawa Moronobu (1618–1694) došao na originalnu ideju - reproducirati crteže uz pomoć gravura, čije su radnje uzete iz samog života, što je bilo svojstveno tradicionalnom načinu japanske umjetnosti. ( yamato-e). Skicirao je svoje crteže u poznatoj četvrti zadovoljstva Yoshiwara - slike skupih gejši, zabavnih društava daleko od vrline, glumaca kabuki kazališta u nastajanju - izrezane žicom na daskama od mekog drva. Stanovnicima su se svidjele ove slike, te su se žanrovske scene počele nazivati ukiyo-e ryu, Budistički koncept "smrtnog svijeta" ( ukiyo-e) tada se često koristio u vezi s kućama za sastanke i zabavu; dakle, slika smrtnog svijeta - ukiyo-e. Bilo je više parcela, umjetnici su počeli reproducirati cvijeće, ptice i sve ukrasne motive koji su se sviđali kupcima. Ako Moronobu, unatoč svom utjecaju, nije imao izravne učenike, onda je situacija bila drugačija s njegovim sljedbenikom Toriijem Kiyonobuom (1664–1729), čija škola, specijalizirana za portretiranje glumaca i mladih ljepotica, i danas cvjeta.

Prve gravure predstavljene su javnosti u obliku zasebnih listova i knjižica, koje su se u doba Moronobua izrađivale presavijanjem dvostrukih listova papira. Japanska grafika zahtijevala je suradnju triju umjetnika ili obrtnika: umjetnika, gravera i tiskara. Prvi otisci napravljeni su u crno-bijeloj tehnici ( sumi-e ili sumi zuri-e) kombinacija; ponekad se koristio crveni olov ( tang-e); ali od 1720., zahvaljujući nekim poboljšanjima, korištene su različite i bogate nijanse: ljubičasta crvena ( beni-e) zamijenio je olovni minij, koji se također koristio žutom, ljubičastom i zelenom bojom, počeo je dodavati ljepilo u kinesku tintu (za ovu je inovaciju zaslužan Okumara Masanobu (1686.-1764.), što je omogućilo davanje veće dubine i volumena crnoj boji koja ograničava Sjajna površina podsjećala je na lakove ( urushi-e).

Prve gravure, čije su se boje postavljale kistom izravno na ploču, pokušavale su pažljivo imitirati sliku. Sve se promijenilo od 1743. godine, kada je praksa bene zuri-e, koji je koristio kineske tehnike drvoreza, dao je ukiyo-e neovisnost stila i teksture. Sada dobiveno valjanjem i uzastopnim otiscima omogućenim tehnikom označavanja, graviranje je u dvadeset godina postiglo takvu raskoš boje da se uspoređuje s brokatom ( nishiki-e): deset osnovnih boja omogućilo je postizanje bogatih nijansi i srednjih tonova. Djelo slavnog Suzukija Harunobua (1725.–1770 ), koji je ovjekovječio krhku privlačnost ljepotica bijin) svoje epohe, postao je vrhunac ove vedre umjetnosti grafike, tema - sjećanja na ugodne sate provedene u ugodnom društvu. Katsukawa Shunso (1726–1792 ) i Ippitsusai Buncho (1725–1794 ), oponašajući tehniku Harunobua, radeći u istom smjeru (butai ogi) stvorio je 1770. žanr koji je ubrzo postao vrlo popularan - portrete glumaca ( nigao-e). Nove promjene kasnije je napravio Kitagawa Utamaro (1753–1806 ): on je, napuštajući klasični portret u punoj veličini, pridavao izuzetnu važnost slici lica. Njegovo otkriće odmah je posudio Chosusai Sharaku (radio 1794.-1795.) i upotrijebio ga za prikaz muških kazališnih glumaca. Iako je umjetnost gravera portreta tada dosegnula svoj zenit, postupno je počela nestajati. Što se tiče ukiyo-ea, žanru u cjelini bilo je suđeno da doživi novi uspon. Moda za njega ponovno se proširila, u velikoj mjeri to je olakšano romanima. Trebalo ih je ilustrirati, pa postoji interes za pronalaženje novih tema. Bilo koja pojava mogla bi postati radnja za graviranje, tako da su se u Japanu, naravno, mogli složiti s mišlju Sebastiana Merciera. U isto vrijeme, s ljutnjom je primijetio u svojim "Pariškim slikama": "...u naše dane postoji smiješna zlouporaba graviranja" (citirano prema: Adémar J. Izvorna gravura iz 18. stoljeća). No, među ovom tako brzo pokazalo se banalnom produkcijom pojavljuju se dvije svijetle točke: pejzaži Katsushike Hokusaija (1760.-1849.) i Anda Hiroshigea (1797.-1858.). Zaslugama Hokusaija treba pripisati činjenicu da je uspio osloboditi gravuru od slike uskih ulica grada i njegovih stanovnika, otvorivši mnogo šire horizonte. Inspiracija mu je došla (zanimljivo) 1798. kad je ugledao krajolik koji je nizozemski umjetnik ugravirao na bakru. "Trideset i šest pogleda na planinu Fuji" i potom "Pedeset i tri postaje Tokaida" (1833.) Hiroshigea predstavljaju vrhunac japanske grafike. Hrabrost i nervoza redaka, odmjereno ludilo boja, uvijek usklađeni sa šarenim kontrastima prirode, opjevali su tisuće pogleda na more i magle, mekoću krajolika i geometrijsku pravilnost ljepote planine Fuji. Taj se stil, ubrzo usavršen, ugušio i izgubio svoju oštrinu jednako brzo kao što je i procvjetao. Od sredine 19. stoljeća prevelike tiraže s jedne ploče, opći pad ukusa i kvalitete učinili su gravuru jednostavnom "oleografijom". Paradoksalno, ali upravo ove osrednja i manirna djela koja su se slučajno našla na Zapadu imala su golem utjecaj na impresionizam i svu modernu umjetnost.

Povijest bakroreza, koji je proslavio Hokusaijev talent, starija je. Bakrorezi su se u doba Nara rijetko koristili za potrebe budističke vjere, a zatim su potpuno nestali sve do 16. stoljeća. Kršćanski misionari koji su tijekom tog razdoblja propovijedali evanđeosku doktrinu u Japanu donijeli su sa sobom relativno velik broj ploča o pobožnim temama, kao i budistički propovjednici u 8. stoljeću. Godine 1590. preša je donesena iz Europe, što je Kyushu misionarima omogućilo da tiskaju s dasaka i podučavaju tehnike graviranja. Zapadnjačka grafika nestala je u istoj oluji koja je pogodila kršćanstvo, a pozornost je na nju privukla tek potkraj razdoblja Edo, u vrijeme kada se ponovno počeo javljati interes za "nizozemske" znanosti. Siba Kokan (1738.–1818.) od Nizozemaca je naučio tehniku aquaforte koju je uspješno primijenio. Tada se rodio novi trend i od tada je moda zahtijevala da se korice knjiga prevedenih s drugih jezika ukrašavaju bakropisom; stil ovih grafika (samo se vrati) uvelike je inspiriran radom Hokusaija.

Tako je grafika, popularni žanr koji izvorno gravitira anegdotama, predstavljala jedan od posljednjih uspona (iako se pokazao kratkim) japanske umjetnosti, prije nego što se počela oštro suprotstavljati zapadnim djelima, glasnicima drugačijeg mentaliteta, koristeći različite metode i druge materijale.

Graviranje je samo beznačajan oblik izražavanja i, odsječeno od dalekoistočnih korijena, postaje nerazumljivo. Svoju kvalitetu temelji prvenstveno na kvaliteti linije, graviranje ne dopušta nezgrapnost i grešku. Ova osobina pokazuje se sasvim neobičnom za svu umjetnost zemalja koje koriste hijeroglife: kist je vješto umočen u tuš i, u skladu s efektom koji umjetnik želi postići, kreće se ritmički, tiho i snažno, ali ne može ni zaustaviti niti vratiti. Osim ako je kreativnost potpuno prepuštena slučaju, umjetnik ili kaligraf mora imati vrlo točnu mentalnu sliku cilja kojem teži i imati dovoljno praktične vještine da se njegova ruka pokorava zapovijedima duha. Uspjeh je bio moguć samo zahvaljujući stalnom učenju od djetinjstva, kontinuiranom iskustvu stjecanom kroz dugo vrijeme, te činjenici da je osoba nezainteresirano, ne sanjajući slavu, reproducirala bezbrojne primjere – one iznesene u bilježnicama namijenjenim učenju po modelima koje su izradili umjetnici ili jednostavno nalaze u samoj prirodi i okolnom svijetu.

Pojava i razvoj ukiyo-e

Jedna od najpoznatijih vrsta japanske umjetnosti je grafika, nazvana ukiyo-e (浮世絵). Doslovno, "ukiyo-e" se prevodi kao "lebdeći svijet", što nas upućuje na budističku filozofiju, u kojoj je riječ "ukiyo" značila "svijet smrtnika". Ali s pojavom "zabavnih četvrti" (bordela) u Edo eri, koncept je ponovno promišljen i počeo je značiti "svijet prolaznih pojava". Riječ "ukiyo-e" prvi je put spomenuo pisac Asai Ryoi 1661. godine.

Ukiyo-e stil odnosi se na drvoreze, tiskane grafike na drvu ili printove na papiru. Tvorac ukiyo-ea je slikar i grafičar Hisikawa Moronobu (菱川師宣).

Prethodnici ukiyo-ea bili su ehon (絵本) - zbirke priča s popratnim slikama. Zatim su grafike stekle neovisnost i korištene su kao plakati za kabuki kazališne predstave ili svici s izrekama kakemono (掛け物) smješteni u nišama tokonoma (床の間), svojevrsnih kućnih svetišta.

Ukiyo-e slike izvorno su nastale u kasnom 17. stoljeću. Prve gravure bile su crno-bijele jer se za izradu koristila tinta, a od 18. stoljeća slike postaju obojene jer su ih majstori počeli slikati cinoberom ručno, kistom. Zatim je došla tehnika polikromnog tiska, nazvana nishiki-e (錦絵) - "slike od brokata".

Gravure su bile vrlo jeftine, jer je tehnika bila prilično jednostavna i omogućavala izradu velikih "tiraža", a bile su namijenjene širokim slojevima, uglavnom gradskom stanovništvu. I tek kada su Europljani počeli masovno kupovati slike, Japanci su shvatili punu vrijednost tih djela, te su morali kupovati slike vlastite zemlje od stranaca. Zbog činjenice da se otiskom može stvoriti više od stotinu identičnih slika, isti rad možete vidjeti u nekoliko dijelova svijeta i svi će biti originalni.

Budući da su glavni potrošači slika bili građani, radnje su odražavale tipičan način života japanskog grada: lijepe dame, svakodnevne situacije, sumo hrvači, glumci kabuki kazališta, zapleti legendi. Kasnije su se počeli prikazivati pejzaži i vojne teme. Sukladno tome, ukiyo-e slike nisu samo umjetnička djela, već i važni povijesni izvori iz kojih možemo mnogo naučiti o životu u razdoblju Edo.

Gravure su bile namijenjene za divljenje u vodoravnom položaju, pa nisu bile obješene na zid, osim kao emono. Zbog toga neka djela imaju svoju "tajnu". Na primjer, herojev kimono može biti s uzorkom koji se može vidjeti samo kad slika leži vodoravno ili kad je gledate odozdo ako visi na zidu.

Tehnika izvršenja

Za izradu japanske grafike bile su potrebne tri osobe: umjetnik, rezbar i tiskar. Kvaliteta i ljepota rada ovisila je o sva tri majstora. Prvi je prototip slike nanosio tušem na prozirni papir, rezbar ga je lijepio na drvenu dasku od trešnje, kruške ili šimšira i izrezivao dijelove koji su ostali bijeli. Bio je to prvi tiskani obrazac, a crtež je zapravo uništen. Zatim je napravljeno nekoliko otisaka s različitim bojama (svaka boja ili ton ima svoj oblik), a tiskar je, nakon što je unaprijed raspravio shemu boja s umjetnikom, nanio boju na skup obrazaca i otisnuo gravuru na rižin papir.

Glavni žanrovi

Bijin-ga(美人が) - slika ljepotica. Kao što naziv implicira, glavni predmet slike ovog žanra bile su lijepe žene. Najčešće se na gravurama mogu vidjeti stanovnici vesele četvrti Yoshiwara: gejše, kurtizane i jednostavno poznate lijepe žene. Tipična ljepotica tog vremena imala je ovalno lice, zakrivljeni vrat i mala usta. Teme u kojima su se ljepotice pojavljivale bile su svakodnevne: ceremonija čaja, toaleta, šetnje, igre. U ovom žanru nastao je stil okubi-e (お首絵) - "velike glave", koje su prikazivale krupni plan djevojčine glave.

Majstori: Suzuki Harunobu, Torii Kiyonaga, Kitagawa Utamaro.

Yakusha-e(役者絵) - portreti popularnih kazališnih glumaca. Umjetnik se morao pridržavati određenih strogih pravila na slici: na primjer, kose oči, skupljene u hrpu, označavale su ljutnju; ako je junak grizao svoj rubac, onda je to pokazivalo neobuzdanu strast, a dlakavost se odnosila na divljaštvo i životinjsku neobuzdanost. Yakusha-e gravure imaju zanimljivu značajku: na glavama heroja može se vidjeti ljubičasta mrlja. Zapravo, ovo mjesto je označavalo kapu, koja je simbolizirala visoko obrijano čelo, kao i kod svih muškaraca u Edu, koju su na glavi nosili glumci koji su glumili žene (a, kao što znate, u kabukiju su sve uloge, uključujući i žene, tumačili muškarci ).

Majstori: Torii Kiyonobu, Katsukawa Shunsho, Toshusai Syaraku, Utagawa Toyokuni.

Shunga(春画 "proljetne slike") - erotske gravure.

Na riječ "ukiyo-e" na japanskom, prije svega, slika slike u žanru shunga iskače u glavi, a zatim i sve ostale. Shunga je žanr koji prikazuje vrlo eksplicitne intimne scene s prenaglašenim anatomskim detaljima, šokirajući Europljane odgojene u strogim kršćanskim običajima. Ali šok je zamijenila popularnost - na Zapadu nikada nije moglo biti takvih slika, a stranci su ih vrlo aktivno kupovali.

Etimologija riječi "ukiyo" seže do budističkog izraza za
krhkost svijeta koji se brzo kreće. Koncept "ukiyo" općenito je usko povezan s
Budistički svjetonazor. U srednjovjekovnoj književnosti i estetici ovo
pojam je značio isprazan, smrtan, tužan svijet. U 15. st. dobiva
svjetovnom tumačenju, počelo se shvaćati kao "svakodnevno".
stvarnost". U 17. stoljeću "ukiyo" je počeo označavati svijet
zabavu i užitke koje su građani mogli dobiti u „zabavi
četvrtine." Nije slučajno da je glavna vrsta likovne umjetnosti
Edo razdoblje, pojavljuju se obojeni drvorezi - masovna umjetnost,
reproduciran i najpoznatiji.

Povijest razvoja graviranja je dinamična, svijetla, sve se jasno manifestira
etape oblikovanja svjetonazora novog doba i njihova karakteristika
značajke percepcije stvarnosti. Dok drugi žanrovi
doživljavaju svoj posljednji procvat, pojavljuje se novi žanr pejzaža za ukiyo-e
fukei-ga. Njegovo mjesto u ukiyo-e tisku je vrlo istaknuto. Složeni i
multilateralni proces formiranja prostora u ukiyo-e tisku
provedena prvenstveno kao rezultat interakcije zapadnih kultura
i Istok.

H a crteži prikazuju faze rada na gravuri Ukiyo-e.

Za razliku od europske autorske gravure – ukiyo-e gravura je bila
rezultat kolektivne kreativnosti. Svaki od njegovih odjeljaka imao je svoje
suptilnost i zahtijevala veliku specijalizaciju. Umjetnik je slikao crno-bijelo
osnovu (šita-e) i označavao boje pojedinih dijelova, rezbar
prebacio sliku na ploču, a printer je pokupio boje i prenio
slika na papiru. Da bi gravura postala umjetničko djelo, bila je
potrebna je prava kreativna zajednica ovih majstora. Slikar
morao voditi računa o specifičnostima rada rezača, budući da je kvaliteta linije, u
U konačnici, ovisilo je o rezbaru. Postizanje virtuoznosti u radu,
rezbari su razvili vlastiti rukopis, koji je uvelike odredio
stil graviranja. Uz veliki protok proizvoda rezbari su surađivali:
najiskusniji šišaju lica i frizure, njihovi pomoćnici manje šišaju
odgovorne linije odjeće i tijela, a najjednostavniji posao obavljao je
šegrti. Ukupna shema boja gravure uvelike je ovisila o
tiskara, budući da je umjetnik obično slijedio samo prvi
ispisuje. Važnu ulogu imao je i izdavač, koji je proučavao potražnju i
određivanje cirkulacije. Često je upravo on postavljao temu gravure i utjecao
prirodu izdanja, djelujući kao svojevrsni pokrovitelj nadarenih autora.
Autori gravura dobivali su narudžbe od izdavača, koji su birali
rezbari i tiskari. Pravo izdavanja gravira pripadalo je izdavaču;
iz komercijalnih razloga katkad su se pojedini listovi pretiskavali i
čak i cijele serije, često s nekim izmjenama: moglo bi se izostaviti
naziv serije, list je mogao biti objavljen u drugom formatu. kolektivna metoda
djela umjetnika, rezbara i tiskara, uža specijalizacija majstora,
radionička organizacija procesa odredila je originalnost japanskog drvoreza.

Tehnički, japanski otisci su visoki tisak.
Proces graviranja bio je sljedeći. Umjetnik je
konturni crtež tušem na tankom prozirnom papiru. Graver zalijepio
lagano navlažen crtež prednjom stranom na ploči uzdužnog
izrezati. Za to se obično koristilo drvo trešnje, ponekad i drvo kruške.
ili japanski šimšir. Stabla su posječena u jesen i ostavljena da leže posvuda.
zimi, u proljeće su se vadile i čuvale dvije godine. Površina ploča
rukovati vrlo pažljivo. Trebala je biti tako glatka
tako da se dvije daske zalijepe kad se dodirnu bez ljepila.

Zatim je graver izrezao dasku za konturni otisak prema crtežu - „ključ
ploča”, s oznakom “kento” (na kojoj su bili namješteni svi ostali klišeji).
Istodobno je uništen i original, pa je tako malo sačuvano do danas.
autorovi crteži, koji su, očito, preliminarni
skice. Linije su morale biti vrlo tanke, ne više od trećine debljine.
linije crtanja, jer su se neizbježno širile tijekom tiskanja. Često
rezbari specijalizirani za određeno područje,
na primjer, u slici ljudi ili životinja.

Kada ključ
ploča", tiskara je napravila probne otiske i poslala ih umjetniku koji je
približno ocrtan bojom ili jednostavno ispisan hijeroglifima
imena boja uz svaki detalj slike. Za svaku boju
izrezana je zasebna ploča; uzdignutu oznaku u gornjem lijevom kutu
pružio mogućnost točnog podudaranja boje s konturom. Visoko
izbor drva bio je važan; ploče su morale imati različite kvalitete
ovisno o njihovoj namjeni: korišteno je najtvrđe drvo za
"ploča s ključevima"; za ispis pozadine uzete su najmekše vrste drva.
Kad su sve ploče bile gotove, posao je prešao u ruke tiskare. On
izrađivao boje koristeći biljne i mineralne pigmente
podrijetlo. Biljne boje pripremljene su na rižinom ljepilu,
mineral - na životinjskoj masti. Rad tiskara nije bio mehanički -
slijedeći opće upute umjetnika, sam je odabirao tonove, regulirao
intenzitet boje, tako da je iz njegove likovne vizije konačan
računa, ovisila je točnost utjelovljenja autorove namjere.

Fotografije u tiskari

Majstor isprobava predložak koji je pričvršćen na šiljke umetnute u rupe izbušene u tiskanoj ploči.

Priprema površine - na ovom mjestu će biti gladak prijelaz iz tamne u svijetlu.

Nanošenje boje.

Sada predložak..

I tu je najvažniji trenutak...

Malo vlažan list papira postavljen na ploču, majstor je zagladio posebnim
uređaj u obliku okruglog jastučića prekrivenog gustom ljuskom
izdanak bambusa (ovan). Japanci praktički nisu poznavali tiskarski stroj
do 19. stoljeća.

Ovo je baren.

Baren u čvrstoj ruci)

Majstor uklanja list - ispala je gradijentna traka!
Sada ostaje ponoviti ovu operaciju s drugim bojama))

Papir za graviranje morao je biti mekan, higroskopan, glatke
površine i s dugim jakim vlaknima. Bila je usječena
utvrđeni standard; U Japanu su prihvaćeni sljedeći formati ispisa
(okvirno): oban - 38x25 cm; oban-yokon - 25x38 cm; shikishiban -
20x18 cm; tu-ban - 30x20 cm.

Svaki list ima hijeroglifske natpise - objašnjenja parcela,
pjesme, imena likova i potpisi kreatora gravure. Potpisi su obično
sastoje se od imena i tradicionalno dodanog hijeroglifa, koji to označava
koji je posao potpisnik radio.

Osim natpisa, gotovo svaka gravura ima i nekoliko pečata. Oni su
dati dragocjene informacije o tome kada se određeni list pojavio i tko
sudjelovao u njegovom stvaranju. U pravilu se nalaze gravure
sljedeće pečate: pečat umjetnika, postavljen neposredno ispod njegovog
potpis ili pored njega; nakladnički pečatni listovi,
razlikuju se samo u izdavačkim pečatima. Ovaj fenomen može biti
objašnjeno postojećom praksom preprodaje ploča od strane jednog izdavača
drugome. U ovom slučaju, novi vlasnici ploče ponekad odrežu pečat
stare izdavačke kuće i dodali svoj pečat s datumom objave gravure i
cenzorski pečat. Kontrola nad graviranjem bila je jedna od manifestacija
sveobuhvatna regulativa vlade Tokugawe.
Od 1790. U cilju borbe protiv luksuza i pada morala
Vlada je povremeno nametala ograničenja na predmet i
tehnike graviranja. Uz imenske pečate cenzora postojale su i bilješke
"aratame" ("provjereno") ili "kiwame" ("izvrsno"), stavljeno iza
ove pečate. Dešifriranje pečata ne samo da pomaže u utvrđivanju
autentičnost gravure, ali i omogućuje gledatelju da osjeti živu
atmosfera stvaranja listova.

Ukiyo-e grafike objavljene su u raznim oblicima: iu obliku knjige
ilustracije, knjige o umjetnosti i pojedinačni listovi, koji su često
objedinjeni u diptihe, triptihe i nizove te u obliku svitaka
žanrovske crtice iz kazališnog života (kabuki zoshi emaki). Ih
spriječeni u tokonomi ili obješeni kao ukras na potporne stupove
čak i poseban format uskih i dugih gravura, koji se zvao hasira-e
(objesiti na stup, otprilike 65x12 cm).

Izvor: World Art. Katsushika Hokusai. Niz
gravure "36 pogleda na Fuji" i "100 pogleda na Fuji". -SPb: SZKEO LLC
"Kristal", 2006. - 192 str., ilustr. Sastavljač teksta je A. A. Ivanova.

Kao i materijali sa stranica http://art.liim.ru i http://woodblock.com

Japanski drvorezi postali su rašireni u Edu (Tokio). Tijekom XVII - XIX stoljeća Edo je bio glavna rezidencija šoguna, ovdje su bili privučeni znanstvenici, pisci i umjetnici, što je gradu omogućilo snažan ekonomski i kulturni uspon. Godine 1868., nakon svrgavanja šogunata i obnove carske vlasti, glavni grad Japana premješten je iz Kyota u Edo. Ovdje je rođen smjer likovne umjetnosti, koji je označen pojmom "ukiyo-e" (u prijevodu s japanskog - "slike svijeta koji se mijenja"). Ovaj koncept je posuđen iz filozofije zen budizma, za koju je važno shvatiti krhkost ljudskog postojanja u usporedbi s Vječnošću. Stoga je u zen školi u prvi plan došlo shvaćanje života "ovdje i sada". Divljenje prolaznim trenucima sadašnjosti postalo je sastavni dio japanske estetike i jedan od načina prirodnog približavanja prirodi i meditacije u duhu zen budizma.

„... Živjeti samo trenutak koji ti je dan, uživati, diviti se mjesecu, trešnjinom cvatu, jesenjem javorovom lišću, pjevati pjesme, piti vino i zabavljati se, nimalo ne mareći za siromaštvo, prkosno gledajući u naša lica, bez razmišljanja se predajući u tok, poput bundeve, koju bez strasti vuče struja rijeke. To je ono što zovemo ukiyo-e..." (Asai Ryoi, pisac iz 17. stoljeća)

Umjetnost ukiyo-e povezivala se s poezijom tanka i haiku (haiku), koja je također nastojala prenijeti trenutak sadašnjosti u krajnje jednostavnoj formi i ujedno sadržavati sav prostor i cijeli svijet.

U cvjetnoj čaši
Drijema bumbar. Ne dirajte ga
Vrabac prijatelj!

Otisci ukiyo-e u boji bili su pristupačniji od slikovnih svitaka i kupovali su ih različiti segmenti urbanog stanovništva kako bi ukrasili svoje domove. Pojavom fotoaparata fenomen ukiyo-e počeo je nestajati, jer je fotografija postala savršeniji način bilježenja trenutka.

U japanskim drvorezima postojala je podjela na žanrove:
KATYO-GA - slike cvijeća i ptica
FUKEI-GA - prirodni krajolik i pogled na grad
BIJIN-GA - slike lijepih ljudi
YAKUSHA-E - portreti popularnih glumaca kabuki kazališta
MUSYA-E - slike slavnih samuraja
SHUN-GA ("proljetne slike") - erotske gravure

KATE-GA
Gotovo sve vrste vrtnog cvijeća ušle su u Japan iz Kine, uključujući i krizantemu (kiku na japanskom - "cvijet sunca"), koja je ubrzo postala nacionalno cvijeće te zemlje. Nazivi nijansi japanskih krizantema bili su poetične prirode: "jutarnja zora", "večernji zalazak sunca", "sjeverni pljusak", "maglovito jutro", "lavlja griva", "plamen mača".
Godine 1496. u Kyotu je objavljena knjiga s botaničkim opisom više od 10 sorti krizantema, koje su se oštro razlikovale jedna od druge u obliku i boji cvijeta. U to vrijeme nije postojao tisak u boji, pa su se nijanse sorti opisivale riječima. Pojavom graviranja u boji počinju nastajati višesveščani zbirni albumi u kojima dolazi do izražaja ne deskriptivni, već likovno-slikovni aspekt.
U 18. stoljeću u Kyotu na "ulici umjetnika" Shijo osnovana je škola japanskog klasičnog naturalističkog slikarstva Maruyama-Shijo. Njegov osnivač, umjetnik Maruyama Okyo, kombinirao je naturalizam, chiaroscuro i perspektivu zapadne škole s tradicionalnim tehnikama orijentalne slike.

Jedan od učenika Maruyama-Shijo postao je Kono Bayrei- poznati majstor kacho-ga. Napravio je veliki broj štafelajnih gravira, nekoliko knjiga i albuma. Posebno mjesto u njegovom stvaralaštvu zauzima "Album ptica i cvijeća" (1883.), u kojem umjetnik prikazuje ptice i cvijeće u određeno doba godine. Gravure su izlazile i kao zasebna izdanja i objedinjene u blokove: proljeće-ljeto, jesen-zima. Album za graviranje "Sto ptica" doživio je tri izdanja 1891., 1892. i 1896. godine. Album Stotinu cvjetnica prvi je put objavljen posthumno 1901. godine.

BIJIN-GA
S razvojem velikih urbanih središta Eda i Osake, na svicima i ekranima pojavljuju se scene s tradicionalnim praznicima i zabavom građana. Središnji likovi ovih slika su mlade metropolitanske fashionistice i kicoši u privlačnoj odjeći. Portreti kurtizana, koji su služili kao reklama za "zabavnu" četvrt Yoshiwara, postali su široko rasprostranjeni. Unatoč reklamnoj prirodi, bijin-gama je rijetko bilo dopušteno procijeniti pravi izgled određene ljepotice. Umjesto toga, bio je to kolektivni portret, odražavajući modne trendove u nošnji, šminki i kosi.

Zategnite uski remen.
Iz očiju mlade ljepotice
Čini se hladno.
Smatra se priznatim majstorom žanra Kitagawa Utamaro.Ženska slika u njegovim je djelima podvrgnuta pojačanoj tipizaciji. Ideal ženske ljepote u djelima majstora je izduženi oval lica i proporcije tijela, tradicionalna visoka frizura, oči iscrtane s minimalnim brojem poteza, tanke linije usana i ravni nos. U isto vrijeme, za sliku jednog detalja, Utamaro bi mogao koristiti nekoliko desetaka ploča! Zahvaljujući stalnoj potrazi za majstorom, ukiyo-e paleta je obogaćena mnogim nijansiranim tonovima. Tako je, na primjer, umjetnik prvi počeo miješati zlatni i srebrni prah kako bi postigao efekt treperenja pozadine.

Gravura prikazuje tri Edo ljepotice - Nanbaya O-Kita, Takashima O-Hisa i Tomimoto Toyohina. O-Kita je radila kao konobarica u čajani smještenoj ispred vrata Zuishinmon u Asakusi, Toyohina je bila gejša u Yoshiwari. Takashima O-Hisa (slika desno) potječe iz bogate obitelji, bila je kći vlasnika nekoliko čajana u području Ryogoku Yagenbori. U knjizi Mizuchaya Hyakunin Issho (1793.), koja je uspoređivala stotinu djevojaka iz čajana, O-Kita je bila na 16., a O-Hisa na 17. mjestu.

Natjecanje u aranžiranju cvijeća između Takashime O-Hise i O-Kite

Ideal ženske ljepote koji je stvorio Utamaro inspirirao je i suvremenike i mlađe umjetnike. Među sljedbenicima majstora vrijedi spomenuti Eisho Chokasai. Najznačajniji niz njegovih gravira - "Natjecanje ljepotica veselih četvrti" - pokazuje postupno usložnjavanje žanra: razvoj višefiguralnih kompozicija i ispunjavanje portreta brojnim detaljima.

Utagawa Kunisada

Toyohara Kunitika, učenika Utagawe Kunisade, prikazuje kurtizane najvišeg ranga, čija je osebujna vještina bila stvoriti dojam luksuza i neosvojivosti. Tayu (kako su ih zvali u Osaki i Kyotu) i oiran (u Edu) radile su vrlo složene frizure s puno nakita, nosile kimono u tri ili više slojeva s dugim šlepom i ogromnom ukrasnom mašnom sprijeda. U Kunitikinim djelima kompozicija postaje složena i višeslojna, poput haljina i frizura gejši, probušenih desecima ukosnica - "kanzashi".
"Tri slavne kurtizane"

MUSYA-E
Tisućljećima je povijest Japana bila povijest nepomirljivih međuklanskih ratova i borbi za vlast između šoguna. Prema legendarnim "Zapisima o drevnim poslovima" (708.) i "Annals of Japan" (720.), carevi su izravni potomci božice sunca Amaterasu. Dinastija nije prekinuta od 6. stoljeća prije Krista do sadašnjeg vladajućeg cara Akihita. Od 12. stoljeća obiteljski grb ("mon") je krizantema sa 16 listova.
Kako bi održala vlast, carska je obitelj sklapala saveze s drugim velikim klanovima. Kao rezultat toga, 1192. godine Minamoto Yoritomo postao je prvi vojni vladar zemlje - šogun. Titula se pojavila kao kratica za privremeni čin sei-taishogun ("glavni zapovjednik"). Za razliku od cara, njegov lik nije bio svetinja, ali je postao stvarni šef vlade - bakufu.
Samuraji ("bushi") nisu samo ratnici, već službenici, kao i tjelohranitelji i sluge svog gospodara. "Zlatno doba" za samuraje nastupilo je u doba Edo, kada su dobili mnoge privilegije. I bilo je dopušteno nositi dva mača, veliki i mali, dok su ostali mogli nositi samo jedan mali mač. Tokugawa Ieyasu nazvao je mač "dušom" samuraja. Bio je to obiteljsko naslijeđe i svetinja.
Svaki je samuraj razvio snagu kroz praksu zen budizma, vođen skupom etičkih pravila i normi ponašanja u društvu i kod kuće - Bushido ili "Put ratnika".
Godine 1868. obnovljena je moć cara. Započela je brza modernizacija zemlje po uzoru na Englesku i SAD; 1873. samurajske trupe su raspuštene. Godine 1876. donesen je zakon o zabrani nošenja mačeva i ukidanju samog imanja.

ljetno bilje
Gdje su heroji nestali
Kao san.
(Matsuo Basho)

Utagawa Yoshikatsu
Takeda Shingen (serija "Poznati generali naše zemlje")
Utagawa Kuniyoshi
Yamamoto Kansuke (Haruyuki) u bitci kod Kawanakajima (serijal "Hrabri zapovjednici provincije Kai i Echigo - 24 zapovjednika klana Takeda")

Takeda Sama-no-suke Nobushige (serijal "Sto hrabrih generala bitke kod Kawanakajima u provinciji Shinano")

FUKEI-GA

Hokusai(1760 - 1849)
Izvanredni majstor drvoreza, prema vlastitim dnevničkim ispovijestima, do svoje 70. godine nije stvorio ništa značajnije, a tek se kasnije počeo kontinuirano razvijati. Tijekom svog dugog života koristio je najmanje 30 pseudonima, čime je znatno nadmašio druge autore. Sada istraživači smatraju da ovi pseudonimi periodiziraju faze magistarskog rada. Godine 1800., u dobi od 41 godine, počeo je sebe nazivati Gakejin Hokusai - "Slikarstvom opsjednut Hokusai".
Umjetnik se okrenuo raznim žanrovima drvoreza: među njima su portreti glumaca, čestitke "surimono", manga. Ali u pejzažnom žanru "fukei-ga" spojeni su svi nalazi majstora. Klasični krajolik Dalekog istoka ignorirao je stvarni izgled objekta, nastojeći utjeloviti filozofske ideje bića kroz prirodne forme, dok se kod Hokusaija on uvijek povezuje s određenim područjem, čija se topografska obilježja često specificiraju uz pomoć natpisa. . Također je prvi put spojio u skladnu cjelinu zakonitosti perspektivne konstrukcije prostora i linearni ritam ukiyo-ea, pejzažne vizure i svakodnevne motive, aktivno integrirajući ljudske živote u jedinstveni univerzalni poredak.

Svoju najpoznatiju seriju djela Hokusai je stvorio u zrelom razdoblju od 1823. do 1831. godine. Serija je postigla takav uspjeh bez presedana da je izdavač Nishimura Yohachi ubrzo najavio planove za proširenje na 100 primjeraka. Međutim, samo je 10 novih djela ugledalo svjetlo 1831.-32.
U prvih 36 pogleda, sveta planina Fuji je prikazana sa strane Eda, stoga se ove gravure nazivaju "omote Fuji" ("Fuji s prednje strane"). Suprotno ustaljenoj tradiciji, originalne konture radova nisu tiskane crnom, već indigo plavom bojom, koja pojačava kontrast hladnih i toplih tonova neba, vode i planinskog kamena. Sljedećih 10 gravura prikazano je uglavnom sa zapadne strane, stoga se nazivaju "ura Fuji" ("Fuji s leđa").

Tiho, tiho puzi
Puž, niz padinu Fudžija
Do samih visina!
(Kobayashi Issa)

1. "Veliki val kod Kanagawe"

Hiroshige(1787 - 1858)
Ando Hiroshige je Hokusaijev najuspješniji sljedbenik. U znak poštovanja prema radu učitelja, Hiroshige je nakon njegove smrti stvorio istoimenu seriju "36 pogleda na planinu Fuji". Hiroshige je aktivno poboljšavao tehnike rezanja drveta. Posebnost njegovih gravura bila je uporaba reljefa i metoda stupnjevanja tonova boja, "bokasi", za dočaravanje magle, sumraka ili šume iza vela kiše.
Rođen i veći dio života proživjevši u Edu, majstor je gotovo petinu svih listova koje je stvorio posvetio vedutama svog rodnog grada. Posljednja serija radova nazvana je "100 poznatih pogleda na Edo" i dovršio ju je majstor u vrijeme kada se već povukao iz svijeta u budistički samostan 1856. godine.
Hiroshige je puno putovao po Japanu i napravio nekoliko blokova za crtanje s prikazima provincija.

Serija "53 postaje Tokaido"
Tokaido ili "Put istočnog mora" - jedna od glavnih prometnica Japana u dužini od oko 514 km povezivala je glavni grad šogunata Edo s carskim gradom Kyotom i dalje s Osakom. Niti jedna od tema, osim Fujia, nije bila tako popularna kao slika ovog drevnog traktata. Hiroshige ga je savladao 1832. u sklopu svečane procesije koja je s darovima caru krenula u Kyoto. Serija se sastoji od 55 gravura, kao pogledi na Edo i Kyoto dodani su na 53 postaje.

Prijenosno ognjište.
Dakle, srce lutanja, i za vas
Nigdje nema odmora.
(Matsuo Basho)

15 stanica - Kambara

FUZOKU-GA
Fuzoku-ga ("slike manira i običaja") u zapadnoj se tradiciji obično naziva svakodnevnim žanrom. Užurbane marine, trgovačka i zanatska područja prikazana su u različita doba dana u različitim godišnjim dobima. Hiroshige je prvih 10 listova svoje serije "36 pogleda na Fuji", kao i kasniju seriju "100 slavnih pogleda na Edo" posvetio pogledima na istočnu prijestolnicu i njene stanovnike.

Uz pucketanje svile se kidaju
U trgovini Echigoya...
Došlo je ljetno vrijeme!
(Takarai Kikaku)

Hiroshige "Večernji pogled na Saruwakacho" (serijal "100 poznatih pogleda na Edo i njegovu okolicu")

Hiroshige "Okrug Suruga u Edu" (serijal "36 pogleda na planinu Fuji")

Hiroshige "Trešnjin cvijet u Asukayami u Edu" (serijal "36 pogleda na planinu Fuji")

Hiroshige "Zimski pogled sa Sukiyagashija u Edu" (serijal "36 pogleda na planinu Fuji")

Urbani pejzaži na crtežima ukiyo-e majstora naglašeno su realistični, ali često sadrže motive mistike i narodnih vjerovanja. Na primjer, slika vatrenih lisica, koje, prema legendi, posjeduju magiju i služe šintoističkoj božici Inari, a također se okupljaju u stado u novogodišnjoj noći ispod stabla enoki.
Ando Hiroshige "Fox Lights" at the Iron Dressing Tree in Oji" (serijal "100 poznatih pogleda na Edo i njegovu okolicu")

Ima i šaljivih priča. Hiroshige je čak imao zaseban pseudonim za takve listove - "Hiroshige s razigranom četkom". Radovi samog Hiroshigea postali su predmet ironije njegovog učenika Utagawa Hirokage. Njegova serija "Komični prikazi poznatih mjesta u Edu" izravna je referenca na poznatu učiteljsku seriju, s tom razlikom što u njoj stanovnici grada upadaju u razne neugodne situacije, što nasmijava gledatelja.

YAKUSYA-E

Riječ "kabuki" sastoji se od tri znaka "pjesma", "ples" i "vještina", ovo je jedna od vrsta tradicionalnog kazališta u Japanu, koja je složena sinteza pjevanja, glazbe, plesa i drame.
Za razliku od aristokratskog NO teatra, kabuki se smatra umjetnošću za građane i puk. Kazalište, u kojem sve ženske uloge igraju isključivo muškarci, stvorila je žena. Utemeljitelj kabukija je legendarni hramski plesač Izumo no Okuni, koji je prvi počeo prikazivati ritualne plesove uz pratnju glazbenih instrumenata izvan svetišta. Godine 1629. vlada trećeg šogunata Iemitsua zabranila je sve predstave u kojima su sudjelovale žene jer potkopavaju moralne temelje društva.
U kabukiju, svi elementi, počevši od šminke glumaca, kostima, završavajući pozama, nose veliko semantičko opterećenje. Predstava je znatno duža od europskih produkcija: pojedinačne izvedbe mogu trajati cijeli dan! Kulise predstava često se mijenjaju usred čina: mijenjaju ih radnici odjeveni u crna odijela, što znači da su "nevidljivi".
Kabuki je blisko povezan s tradicionalnim bunraku lutkarstvom. Lutke se izrađuju u veličini 1/2 i 2/3 ljudske visine i njima upravljaju tri operatera. Gotovo svi dijelovi tijela lutke su vrlo pokretljivi, uključujući i glavu, u kojoj oči trepću i pomiču se, pomiču se obrve i usne, isplažen jezik. Dvije najpoznatije japanske kazališne predstave, 47 odanih Ronina i Yoshitsune i tisuću trešnjinih grana, izvorno su napisane za bunraku, a tek potom adaptirane za kabuki kazalište.

Utagawa Kunisada
Kabuki kazališne scene