Monet mic dejun pe iarbă descrierea imaginii. Care este istoria creației picturii de Edouard Manet „Mic dejun pe iarbă

artist francezÉdouard Manet (1832–1883) a jucat rol semnificativ pe scena artei Europa XIX secol. El și-a dezvoltat-o stil unicși a făcut puntea între major stiluri artistice a timpului său: realism şi impresionism. Această abordare este ilustrată de una dintre cele mai multe ale sale lucrări celebre„Mic dejun pe iarbă” („Le déjeuner sur l „herbe”).

Înainte de a lua în considerare această imagine, vom încerca să aflăm puțin despre artist.

Cine este Edouard Manet?

1. Edouard Manet, „Autoportret cu paletă” (circa 1878-1879). 2.Fotografia lui Edouard Manet, 1870 de Felix Nadar

Édouard Manet s-a născut la Paris. Tatăl nu a salutat interesul fiului său pentru pictură. Totuși, unchiul său, fratele mamei Edmond-Edouard Fournier, a susținut pasiunea nepotului său: a plătit pentru prelegeri despre pictură și l-a dus la muzee.

Edward a încercat să intre într-o școală nautică. La 17 ani, a plecat pe o barca cu pânze pentru o lungă călătorie de antrenament, în timpul căreia a pictat mult.

După ce fiul său s-a întors acasă în vara anului 1849, tatăl său a fost convins de talentul său artistic și, în cele din urmă, l-a susținut în dorința de a studia pictura. Dar chiar și atunci, Edouard Manet a dat dovadă de caracter și independență gândire artistică. În loc de școală Arte Frumoase cu programul ei academic strict, a intrat în studioul artistului la modă de atunci Tom Couture. Dar a devenit curând deziluzionat de abordarea sa, tocmai din cauza respectării stricte de către Couture la standardele Académiei.

Édouard Manet a devenit un artist cunoscut pentru abordarea sa modernistă a picturii. Spre deosebire de mulți dintre predecesorii săi, Manet a respins gusturile tradiționale ale Academiei de Arte Frumoase (Acquémie des Beaux-Arts), organizația responsabilă cu găzduirea festivalului anual. saloane de artă Franţa. În loc de scene alegorice, istorice și mitologice, el a preferat să înfățișeze scene din viața de zi cu zi.

Pictorul s-a considerat un realist pentru cea mai mare parte a carierei sale. Cu toate acestea, după întâlnirea cu pictorii impresioniști în 1868, și-a dezvoltat propriul stil, în care a amestecat ușor abordări eterogene.

Cu cinci ani înainte de a-i întâlni pe impresioniști, pictura sa în ulei la scară largă Prânzul pe iarbă (1863) reflecta deja această atitudine distinctă față de pictură și a devenit precursorul impresionismului.

„Micul dejun pe iarbă” este dincolo de canoane

Situația descrisă de autor în imagine pare a fi obișnuită - bărbații și femeile au făcut un picnic aer proaspat. Dar ceva pare complet ieșit din comun. Una dintre femei stă într-un cerc strâns cu doi bărbați, cu picioarele aproape împletite, în timp ce ea este complet goală și se uită fără rușine la public. Nimeni din compania din imagine nu este jenat. Dar publicul nu este doar confuz, ci revoltat.

La acea vreme, numai zeilor și zeițelor aveau voie să apară goi pe operele de artă. Figurile nud mitice sau alegorice au fost larg răspândite de-a lungul istoriei artei, dar nu imaginile femeilor lumești obișnuite în Viata de zi cu zi. Édouard Manet a rupt acest tabu.

Artistul nu a scris pe popular atunci teme clasice dar inspirat de ele. Compoziția „Mic dejun pe iarbă” se referă direct la astfel de lucrări de artă italiană din secolul al XVI-lea precum pictura „Concert în aer liber” („Concert pastoral”, „Concert la țară”) de Giorgione și/sau Titian și gravura de Marcantonio Raimondi „Judecata de la Paris” după originalul pierdut Rafael Santi. Manet s-a inspirat din ipostazele celor doi zei fluviali și ale nimfei apei din colțul din dreapta jos al gravurii, precum și din compania femeilor goale și a bărbaților îmbrăcați din imagine.

1. Edouard Manet „Mic dejun pe iarbă”. 2. „Concertul pastoral”, „Concertul la țară”) Giorgione și/sau Titian. 3. Gravură de Marcantonio Raimondi „Judecata de la Paris” după originalul pierdut de Rafael Santi. 3a. Fragment din gravura „Judecata de la Paris”.

Inovația a fost marime mare pânză pentru un tablou cu tematică seculară: 208 × 264,5 cm.De obicei, o pânză de această dimensiune era folosită pentru picturile academice cu imagini alegorice sau teme mitologice și istorice.

În special, Manet a pictat în prim plan oameni pe care îi cunoștea. Unul dintre bărbați este sculptorul Ferdinand Leenhoff, iar al doilea este unul dintre frații Manet: fie Eugene, fie Gustav. Femeia din primul plan al imaginii este Quiz Louise Meuran, care a pozat pentru nu mai puțin scandaloasa Olympia scrisă în același an și pentru alte tablouri ale lui Edouard Manet.

Scandal

Édouard Manet a vrut să-și prezinte Prânzul pe iarbă la prestigiosul Salon de la Paris din 1863. Dar lucrarea lui a fost respinsă și nu a permis să fie expusă. Apoi a arătat-o ​​în Salonul Respinsului - o expoziție organizată de Napoleon al III-lea ca reacție la criterii prea stricte de selectare a lucrărilor pentru expunerea oficială.

Spectatorii și criticii nu au acceptat pictura lui Manet. Scandalul a izbucnit nu numai pentru că poza a șocat moralitatea publicului. Artistul a fost acuzat de ignoranță și incapacitate de a respecta legile perspectivei. Într-adevăr, Manet și-a permis să încalce principiile de afișare a adâncimii spațiale și de observare a proporțiilor: femeia din fundal este prea mare, iar barca este disproporționat de mică, râul arată ca o băltoacă de mică adâncime și chiar și pasărea de iarnă stă pe un ramură chiar deasupra scălătorului de vară. Bullying și nimic mai mult.

Cu toate acestea, pictura „Mic dejun pe iarbă” a devenit precursorul impresionismului, punctul de plecare pentru dezvoltarea artei pe o nouă cale, liberă de cadrele academice draconice.

Edward Mane. „Mic dejun pe iarbă” la Musée d'Orsay

Édouard Manet a pictat Prânzul pe iarbă în 1863. Pictura este expusă la Musée d'Orsay din Paris.

Manet a pictat un tablou pentru o expozitie la Salonul de la Paris. Un juriu strict a respins-o, dar lucrarea a primit notorietate. Deja la prima vedere, se face impresia că scopul autorului este să șocheze privitorul, distrugând toate ideile despre pictura contemporană. Natura nudă a fost adesea găsită în lucrările contemporanilor lui Manet, dar numai zeii și alți „cerești” erau înfățișați în acest fel. Mane nu face doar eroi oameni normali, și contemporani recunoscuți: Victorina Meuran, un model care a pozat adesea pentru artistă, fratele ei Gustav și viitorul cumnat, Ferdinand Leenhoff. Pentru a dezlega intenția artistului, luați în considerare detaliile.

1. Linia de coastă

Linia de coastă împarte clar imaginea în două planuri. Primul plan este sincer decorativ. Trei figuri, o pădure întunecată - totul arată ca un desen pe o perdea care închide scena. Mai exact, ce se întâmplă în fundal. Acolo vedem o fată care se scaldă în râu, un drum care duce în depărtare și spațiu. Acest plan îndepărtat este mai plin de viață, mai colorat. Pare o fantezie sau un vis, pentru că acolo sunt încălcate toate proporțiile obișnuite. Evident, dimensiunea bărcii și a râului în sine trebuie să fie mult mai mare decât cifra.

2. Figuri ale planului central

Vedem o femeie goală și doi bărbați îmbrăcați inteligent care poartă o conversație. Cifrele sunt prea aproape unele de altele. Autorul intensifică acest sentiment prin folosirea tehnicii perspectivei „comprimate”, în care obiectele apar mult mai aproape unele de altele. Dar, în același timp, există un fel de graniță invizibilă între bărbați și femei, ei nu interacționează.

Atunci când desenează o figură feminină, Manet a ales tonurile astfel încât să arate plat, în timp ce figurile masculine sunt voluminoase. Ele diferă și prin culoare. Cred că prin aceste contraste, jucându-se cu perspectiva și distorsiunea percepției, artistul a dorit să atingă tema inegalității de gen, a normelor de comportament masculin și feminin acceptate în societatea sa contemporană.

negru costume formale pe fundalul vieții sălbatice arată la fel de nenatural ca nudul figură feminină pe fundalul unor bărbați îmbrăcați. Bărbații sunt total închiși și intelectuali, deși toată lumea pare să demonstreze sexualitate. Unul dintre ei îi ține mâna la spatele femeii, subliniind că aceasta este proprietatea lui. Cel de-al doilea o revendică în secret, fapt dovedit de gestul destul de agresiv al mâinii, bastonului și picioarelor deschise. Dar toate acestea sunt sexualitate superficială, falsă, decorare a vieții.

Dacă acoperiți corpul gol al unei femei cu mâna, veți vedea un tipic portret de familie sfârşitul XIX-lea secol. Ea reflectă în exterior relații decente, dar lipsite de pasiune în care nu există sentimente, jocuri, căldură.

3. Femeie nudă

Figura unei femei goale arată prea ușoară, strălucitoare, iar autorul sporește această „strălucire”, înconjurând-o cu tonuri întunecate, forțând-o să „iasă” din imagine. Ea se uită sfidător direct la privitor. În același timp, bărbații nu se uită nici la ea, nici la privitor, iar asta înseamnă o anumită lipsă de sexualitate. Este curios că există dovezi de la contemporani că Quiz Myoran, modelul artistului, a fost neconvențional orientare sexuală. Poate că artista a încercat să atingă tema sexualității interzise, ​​condamnată de societate.

Corpul ei este gol, dar nu există erotism aici. Există ceva rece, fals în nuanța pielii nefiresc de albă, distinct de nuanța caldă a pielii fetei din fundal. Corpul femeii este aproape de aceeași culoare cu gulerele cămășilor bărbaților. Seamănă cu o figurină de porțelan, un atribut al unui bărbat. Un singur chip este viu în ea, pentru că privirea femeii nu este de fapt îndreptată spre noi. O vede pe tânăra care a fost cândva, pierdută în acele fantezii din copilărie.

4. Fata pe fundal

Artista încalcă legile perspectivei și denaturează în mod deliberat percepția noastră asupra spațiului: figura unei femei înfățișată în fundal pare prea mare, ea este semnificativ mai mult barcași râuri; mâna ei aproape atinge mâna bărbatului reprezentat în centrul imaginii.

Fata este ca Alice, care s-a trezit brusc în Țara Minunilor. Silueta ei este plină de viață. Cu mâna stângă, fata atinge rochia cu care își acoperă vaginul. Acest gest înseamnă, pe de o parte, o interdicție fantezii erotice, iar pe de altă parte, dimpotrivă, aprinderea lor.

5. Natura moartă

Există ceva haotic la fructele împrăștiate, sticla și hainele descrise în partea de jos a pânzei, toate acestea par să indice sexul dur. Dar figurile oamenilor sunt eliminate cu accent din această parte a imaginii. Eroii nici măcar nu s-au atins de pâine și de fructe. Este ca și cum toate plăcerile vieții, pe care le reprezintă mâncarea și sexul, sunt respinse de ele, respinse.

6. Cintrețul

Blindul este o pasăre de iarnă peisaj de vară pare cel puțin ciudat. Este situat în partea de sus a imaginii, parcă la granița a două lumi. Prezența sa subliniază fantezia lumii „din spatele perdelei” și vorbește în același timp despre frigul emoțional care domnește în lumea decorativă. Sexualitatea reală este moartă aici, înghețată. Această răceală este accentuată de hainele alb-negru ale bărbaților și corpul alb al femeii.

Revolta artistului

Ideea principală a operei este batjocura, răzvrătirea artistului, opoziția față de arta oficială a timpului său. Ilogicitatea imaginii (un complot ciudat, o încălcare a legilor perspectivei, o combinație diverse tehnici litere etc.) artistul arată lipsa de sens artă contemporanăși spune că există subiecte mult mai importante decât clasicele general acceptate – precum sexualitatea sau inegalitatea dintre bărbați și femei.

În imagine, care, la prima vedere, are scopul de a șoca publicul, este vorba de fapt despre soarta unei femei din secolul al XIX-lea. Este forțată să joace un anumit rol social și să ducă o viață de ceremonială falsă. Și numai în fantezii își imaginează ea însăși a fi acea fată senzuală și îndurerată de oportunități ratate, plăcere, fericire. Și, probabil, regretă că nu a plecat în căutarea altceva - de-a lungul acelui drum luminos care duce în depărtare.

Despre experți

Psihanalist, doctor în psihologie, șef al programului de master „Psihanaliza și consultanță psihanalitică în afaceri” la Școala Superioară de Economie a Universității Naționale de Cercetare, șef al programului de master „Psihoanaliza și psihoterapie psihanalitică” la Școala Superioară de Economie a Universității Naționale de Cercetare.

istoric de artă, consultant independent de afaceri, coach, studiază psihanaliza și consultanță în afaceri la Școala Superioară de Economie a Universității Naționale de Cercetare.

Inspirație pentru „Mic dejun pe iarbă”

În 1863, artistul Édouard Manet și-a pictat capodopera Prânzul pe iarbă. Ideea imaginii s-a format în timpul plimbării. După cum și-a amintit prietenul artistului Antonin Proust, într-o zi, în timpul unui exercițiu de-a lungul Argenteuil, Manet a văzut femei făcând baie. A decis să surprindă nudul și să ofere tabloul nud Salonului de la Paris. Artistul a vrut să înfățișeze un fel de „plimbare de plăcere” - fie „scăldat”, fie „mic dejun pe iarbă”.


Giorgione „Concert la țară”, 1510. Este vorba despre această poză.
Edouard Manet și-a amintit când și-a conceput „Micul dejun pe iarbă”

În căutarea unui fundal potrivit, Manet și-a amintit de pictura lui Giorgione „Concertul la țară” și a spionat compoziția însăși pe gravura „Judecata de la Paris” a lui Marc Raimondi. Nu a ezitat să „citeze” capodoperele vechilor maeștri, dar în locul nimfelor și zeițelor „invizibile”, a descris oameni adevărați ocupați cu activitățile lor obișnuite.

Gravură de Marcantonio Raimondi „Judecata de la Paris”, 1513-1514.

Manet a numit metoda sa inovatoare fragmentare - transferul unui fragment clasic din mediul său natal în altul - modern. Dar, așa cum se întâmplă adesea în artă, nici criticii, nici societatea nu au putut aprecia geniul ideii lui Manet: pictura era considerată obscenă și nu avea voie să fie expusă la Salon.

Din ordinul împăratului Napoleon al III-lea, ea, împreună cu alte picturi „neformatate”, a fost plasată într-o cameră specială, numită mai târziu „Salonul proscrișilor”. Intriga imorală a imaginii: două femei goale relaxându-se în natură în compania bărbaților, a provocat un val ulterior de imitații.

Pablo Picasso. „Mic dejun pe iarbă” 1960

Timp de un secol și jumătate, diverși artiști, inclusiv celebri, au interpretat acest tablou în felul lor. Mulți, firesc, cu umor. Rușii au fost deosebit de distinși. În comparație cu originalul, „Mic dejun pe iarbă” lor arată ca o caricatură.

Wynn Chamberlain. „Mic dejun pe iarbă” 1964

Fernando Botero. „Mic dejun pe iarbă” 1969

Benon Libersky. „Mic dejun pe iarbă” 1984

Yu Mingjun. „Mic dejun pe iarbă” 1996

Nu fi surprins că toate personajele din imagine au aceeași față. Acest artist chinez se înfățișează întotdeauna doar pe sine. Apropo, acest tablou a fost scos la vânzare cu 1,5 milioane de dolari.

Ivan Lubennikov. „Mic dejun pe iarbă” 2009

Vasili Şuljenko. „Mic dejun pe iarbă”

Adevărat, au o femeie pentru doi dintr-un motiv oarecare. Nu este clar unde este al doilea scălător. Dar în fundal din dreapta sunt niște nave de dimensiuni groaznice, portavioane sau ceva în serviciu de luptă? Ei bine, toată țara într-o singură poză!

***
Cine știe, pictura lui Manet ar fi acum cunoscută dacă un eveniment neprevăzut în primăvara anului 1863, care s-a deschis în istoria artei mondiale nouă eră. Până la urmă, atunci, cu o lună înainte de deschiderea următorului Salon, s-a știut că „curajoasa” juriu nu a permis la expoziție aproximativ patru mii de lucrări. A izbucnit un scandal, în care a trebuit să intervină chiar împăratul.

„Tânăr în costum de Maho” și „Portretul Mademoiselle V. în costum de Espada”.
Aceste două tablouri ale lui Manet au fost expuse și la Salonul din 1863.

Napoleon al III-lea a luat o decizie: să deschidă salonul, iar două săptămâni mai târziu, în sălile vecine ale Palatului Industriei, să atârne tablourile respinse de juriu. Lăsați publicul să urmărească ambele expoziții și să tragă propriile concluzii despre ceea ce merită atenția lui și ce nu este!

Edouard Manet „Muzica în grădina Tuileries” 1859. Și cu această poză nu a reușit să cucerească Salonul.

Societatea a fost șocată: asta s-a întâmplat pentru prima dată! Ziarele au scris
că această expoziţie nu este altceva decât un „capriciu” al Majestăţii Sale Împăratul.

Muzica: David Garrett "Air"

***
Edouard Manet „În seră” 1879.

Claude Monet. Micul dejun pe iarbă. 1866 130 × 181 cm. Muzeul Pușkin im. LA FEL DE. Pușkin (Galeria de artă europeană și americană a secolelor XIX-XX), Moscova

„Mic dejun pe iarbă” în – unul dintre cele mai multe tablouri celebre Claude Monet. Deși nu este tipică pentru el. La urma urmei, a fost creat când artistul încă își căuta propriul stil. Când conceptul de „impresionism” nu exista. Când faimoasa lui serie de picturi cu carpi de fân și Parlamentul londonez erau încă departe.

Nu mulți oameni știu că pictura din Pușkinski este doar o schiță pentru o pânză mai mare „Mic dejun pe iarbă”. Da Da. Există două „Mic dejun pe iarbă” de Claude Monet.

Al doilea tablou este păstrat la Paris. Adevărat, imaginea nu a fost păstrată complet. Doar conform schitei din Muzeul Pușkin putem judeca forma sa originală.

Deci, ce s-a întâmplat cu pictura? Să începem cu istoria creării sale.

Inspirație. „Mic dejun pe iarbă” Edouard Manet

Edward Mane. Micul dejun pe iarbă. 1863 Muzeul d'Orsay, Paris

Claude Monet a fost inspirat să creeze „Mic dejun pe iarbă” de opera cu același nume a lui Edouard Manet. Cu câțiva ani mai devreme, a expus la Salonul de la Paris (oficial expozitie de arta) locul meu de muncă.

Ni se poate părea obișnuit. Femeie nudă cu doi bărbați îmbrăcați. Hainele îndepărtate se află lejer în apropiere. Figura și chipul femeii sunt puternic iluminate. Ea se uită la noi cu încredere.

Cu toate acestea, poza a produs un scandal de neimaginat. La acea vreme, numai femei ireale, mitice, erau înfățișate goale. Aici, Manet a descris un picnic al burghezilor de rând. Femeia goală nu este o zeiță mitică. Aceasta este adevărata curtezană. Alături de ea, tinerii dandii se bucură de natură, de conversații filozofice și de goliciunea unei femei accesibile. Așa s-au odihnit unii bărbați. Între timp, soțiile lor stăteau acasă în ignoranță și brodau.

Publicul nu dorea un asemenea adevăr despre timpul liber. Poza a fost huiduită. Bărbații nu le permiteau soțiilor lor să se uite la ea. Persoanele însărcinate și slabe au fost avertizate să nu se apropie deloc de ea.
Cham. „Doamnă, nu vi se recomandă să intrați aici!” Caricatură în revista Le Charivari, 16. 1877 Muzeul Städel, Frankfurt pe Main, Germania

Contemporanii lui Manet au avut aceeași reacție la celebra sa Olympia. Citiți despre asta în articol.

Claude Monet se pregătește pentru Salonul de la Paris.

Claude Monet a fost încântat tablou scandalos Edward Manet. Modul în care colegul său a transmis lumina din imagine. În acest sens, Manet a fost un revoluționar. A abandonat clarobscurul moale. Din asta, eroina lui pare plată. Se evidențiază clar pe un fundal întunecat.

Manet s-a străduit în mod deliberat pentru asta. Într-adevăr, în lumină puternică, corpul devine o culoare uniformă. Acest lucru îl privează de volum. Cu toate acestea, îl face mai realist. De fapt, eroina lui Manet pare mai vie decât Venus a lui Cabanel sau Marea Odaliscă a lui Ingres.

Sus: Alexandre Cabanel. Nașterea lui Venus. 1864, Paris. Mijloc: Édouard Manet. Olimpia. 1963 Ibid. În partea de jos: Jean Auguste Dominique Ingres. Odalisca mare. 1814

Monet a fost încântat de astfel de experimente ale lui Manet. Mai mult, a dat mare importanță efectul luminii asupra obiectelor reprezentate.

El a plănuit să șocheze publicul în felul său și să atragă atenția asupra lui la Salonul de la Paris. La urma urmei, era ambițios și își dorea faima. Așa că i s-a născut ideea de a-și crea propriul „Mic dejun pe iarbă”.

Imaginea a fost concepută într-un adevăr uriaș. 4 pe 6 metri. Nu erau figuri nud pe ea. Dar au fost multe lumina soarelui, lumini, umbre. Claude Monet. Micul dejun pe iarbă. 1866-1867 , Paris.

Munca a fost grea. Pânza este prea mare. Prea multe schițe. Un numar mare de sesiuni când prietenii artistului pozau pentru el. Mișcare constantă de la studio la natură și înapoi.
Claude Monet. Mic dejun pe iarbă (studiu). 1865 Galeria Națională din Washington, SUA

Monet nu și-a calculat puterea. Au mai rămas doar 3 zile până la expoziție. Era sigur că mai erau prea multe de făcut. În sentimente de frustrare, a abandonat lucrarea aproape terminată. A decis să nu-l arate publicului. Dar îmi doream foarte mult să merg la expoziție.

Și pentru restul de 3 zile, Monet pictează tabloul „Camille”. Cunoscută și sub numele de „Doamna în rochie verde”. Este realizat într-un stil clasic. Fara experimente. Imagine realistă. Debordări de rochie din satin în iluminare artificială.
Claude Monet. Camilla (Doamnă într-o rochie verde). 1866 Muzeu de artaîn Bremen, Germania

Publicul i-a plăcut de Camille. Adevărat, criticii erau perplexi de ce o parte a rochiei nu se potrivea în „cadru”. De fapt, Monet a făcut-o intenționat. Pentru a atenua senzația de poziție în scenă.

O altă încercare de a ajunge la Salonul de la Paris

„Lady in a Green Dress” nu a adus faima pe care a contat Monet. În plus, a vrut să scrie altfel. Am vrut, ca Edouard Manet, să încalc canoane clasice pictura.

În anul următor, el a conceput un alt tablou important, Femei în grădină. Pictura era, de asemenea, mare (2 pe 2,5 m), dar tot nu la fel de mare ca „Micul dejun pe iarbă”.

Dar Monet a scris-o aproape complet în aer liber. Cum se cuvine unuia adevărat. Și el a vrut să transmită cum circulă vântul între figuri. Cum vibrează aerul de căldură. Cum lumina devine principala actor.
Claude Monet. Femei în grădină. 1867 205 × 255 cm, Paris

Tabloul nu a fost acceptat la Salonul de la Paris. A fost considerat neglijent și neterminat. Așa cum a spus unul dintre membrii juriului Salonului, „Prea mulți tineri se îndreaptă acum într-o direcție inacceptabilă! Este timpul să-i oprim și să salvăm arta!”

Este surprinzător faptul că statul a achiziționat opera artistului în 1920, în timpul vieții artistului, pentru 200 de mii de franci. Să presupunem că criticii săi și-au luat astfel cuvintele înapoi.

Povestea mântuirii din „Mic dejun pe iarbă”

Publicul nu a văzut poza „Mic dejun pe iarbă”. Ea a rămas cu Monet ca o amintire a experimentului eșuat.

După 12 ani, artistul se confrunta în continuare cu dificultăți financiare. 1878 a fost un an deosebit de dificil. A trebuit să plec cu familia din următorul hotel. Nu erau bani de plătit. Monet și-a lăsat „Micul dejun pe iarbă” ca angajament față de proprietarul hotelului. Nu a apreciat poza și a aruncat-o în pod.

Dupa 6 ani pozitie financiară Monet și-a revenit. În 1884 s-a întors pentru pictură. Cu toate acestea, ea se afla deja într-o stare deplorabilă. O parte din imagine a fost acoperită cu mucegai. Monet a tăiat piesele deteriorate. Și tăiați poza în trei părți. Unul dintre ei s-a pierdut. Cele două părți rămase sunt acum atârnate în Musée d'Orsay.

Despre asta istorie interesantă Am scris si eu in articol

PS.

După „Breakfast on the Grass” și „Women in the Garden”, Monet s-a îndepărtat de ideea de a picta pânze mari. Era prea incomod pentru munca în aer liber.

Și a început să scrie din ce în ce mai puțini oameni. Cu excepția membrilor familiei tale. Dacă în picturile sale apăreau oameni, atunci erau cufundați în verdeață sau abia se distingeau în ea peisaj înzăpezit. Ei nu mai sunt personajele principale ale picturilor sale.

In contact cu

Muzeul d'Orsay, Paris.

Edward Mane.

Olimpia. 1863 Muzeul d'Orsay, Paris.

Edward Mane. Bar în Folies Bergère. 1882 Institutul Courtauld, Londra.

IMPRESIONISM

impresionism - direcție artistică isi are originea in Franta in ultima treime a secolului al XIX-lea. La expoziția „Societății anonime de artiști, pictori, sculptori, gravori și litografi”, amenajată într-un studio foto parizian în 1874, pictura lui Claude Monet „Impresiune. Răsărit ”(1872) - o vedere a portului, învăluită în ceață roz, prin care soarele dimineții apare prin voal. DIN mana usoara critica ziarului „Sharivari” cuvânt "impresie"(Limba franceza impresie) a dat un nume lucrării artiștilor participanți la expoziție.

Expoziția impresionistă a fost prima provocare colectivă la adresa artei academice oficiale, a Salonului, a criticii și a publicului conservator. Claude Oscar Monet (1840-1926), Camille Pissarro (1830-1903), Pierre Auguste Renoir (1841 - 1919), Alfred Sisley (1839-1899), Edgar Degas (1834-1917) și alți câțiva artiști erau bine cunoscuți. Publicul parizian: de aproximativ cincisprezece ani își demonstrează arta.

Contemporanii i-au numit pe acești artiști „rebeli”, iar juriul Salonului le-a respins constant lucrările.

Una dintre cele mai importante reguli urmate de impresionisti a fost munca in aer liber. Ieșind în stradă spre lumină și aer, artistul se află într-o situație complet diferită de condițiile studioului. Contururile clare dispar aici, culoarea se schimbă constant. În consecință, este posibil să se înfățișeze doar o impresie instantanee a culorii și formei unui obiect.

Rezolvând această problemă, impresioniștii au ajuns la o metodă complet nouă de pictură. Au abandonat culorile amestecate, au început să scrie cu culori strălucitoare pure, aplicându-le gros în linii separate. Tonul dorit a fost atins prin amestecarea optică a culorilor în timp ce contemplam imaginea.

Pe urmele impresioniștilor a fost următoarea generație de artiști: neo-impresionişti și post-impresionişti, al căror talent s-a manifestat din plin în ultimele două decenii ale secolului al XIX-lea.

Claude Monet. Piscina pentru copii. 1869 Muzeul Metropolitan de Artă, New York.

Alfred Sisley. Inundații în Port-Marly. 1876 ​​Muzeul d'Orsay, Paris.

Edgar Degas.

Dansatori albastri. 1875

Muzeul d'Orsay, Paris.

August Renoir.

Portretul Mademoiselle S. (Portretul actriței Jeanne Samary). 1878 Muzeul de Stat de Arte Frumoase. A. S. Pușkin, Moscova.

Claude Monet. Câmp de maci. anii 80 XIX în. Schitul de Stat, St.Petersburg.

Camille Pissarro.

Bulevardul Montmartre din Paris. 1897 Schitul de stat, Sankt Petersburg.

POST IMPRESIONISM

În anii 80. secolul al 19-lea situația în arta franceză s-a schimbat mult.

Ultimele trei expoziții ale impresioniștilor au arătat cele mai înalte realizări ale acestei direcții și, în același timp, au mărturisit că deja s-a epuizat.

La sfârșitul secolului, patru artiști au făcut o declarație tare, rezumand arta secolului al XIX-lea și deschizând calea pentru viitor. Aceștia au fost Paul Cezanne (1839-1906), Vincent van Gogh (1853-1890), Paul Gauguin (1848-1903) și Henri de Toulouse-Lautrec. Indivizi strălucitori, nu s-au unit într-un grup, ci din părți diferite s-au îndreptat către același scop - cunoașterea adevăratei esențe a lucrurilor, ascunsă sub aspectul lor. Astfel s-a născut postimpresionismul (din lat. post - „după”). Această tendință a fost strâns asociată cu impresionismul și s-a putut manifesta doar în momentul declinului său.

Postimpresioniştii erau apropiaţi de impresionişti în atitudinea lor faţă de societatea burgheză. Dar dacă cei din urmă doar au pus în contrast arta lor cu cea a salonului, cei dintâi au negat modul de viață burghez. Cezanne, fiul unui bancher din orașul Aix, a portretizat un artist declasat toată viața. Gauguin, un comerciant de acțiuni de succes, tată a cinci copii, a renunțat la cariera sa de dragul picturii. A trăit în sărăcie pe insulele Tahiti și Hiva Oa, studiind obiceiurile băștinașilor și considerându-le mai presus de realizările civilizației europene. Van Gogh, care provenea dintr-o familie de pastor olandez, a studiat teologia la Amsterdam, apoi a fost predicator în minele de cărbune din Belgia. Trecând la pictură, a plecat la Paris, apoi la Arles, unde, epuizat de singurătate, a luat-o razna și s-a sinucis.

Cezanne, Van Gogh și Gauguin, negăsind armonie în societatea modernă, s-au îndreptat către natură, căutând alinare în ea. Cu toate acestea, spre deosebire de impresioniști, ei au căutat să surprindă nu momente, ci eternitatea. Postimpresioniştii păreau să vadă nu numai explicit, ci şi puteri ascunse, legile secrete ale universului. Au întors spatele micii lumi a impresioniștilor, extinzându-și lumea la scara universului.

Principalele trăsături ale operei lui Cezanne au apărut în lucrările anilor 80-90. Artistul căuta modalități de a transmite structura materială a lucrurilor - formă, densitate, textură, culoare. Alegând cu atenție rapoartele de culoare, el a subliniat adesea contururile obiectelor cu o linie ascuțită, deformând în mod deliberat imaginea.

Pe pânzele lui Van Gogh, obiectele obișnuite, oamenii, peisajul devin purtători ai gândurilor și sentimentelor cele mai interioare ale artistului, transmit starea lui emoțională. Natura apare aici într-o formă spirituală.

Paul Gauguin, care era prieten cu Van Gogh, a combinat realitatea și mitul în lucrările sale, creând o realitate diferită - directă și pură.

Descoperirile făcute de postimpresionişti în pictură au avut un impact asupra dezvoltării unor tendinţe în arta vest-europeană a secolului al XX-lea. Fauvism, cubism, expresionism etc.