Trăsături caracteristice ale operei lui Rembrandt. Rembrandt Harmenszoon van Rijn: Picturile unui geniu

Întotdeauna este greu să vorbești despre ceea ce iubești cu adevărat. Alege cu grijă cuvintele potrivite, ture de vorbire, nu știi de unde să începi ... Prin urmare, voi începe cu o mică revelație: Rembrandt Harmenszoon van Rijn- artistul meu preferat și l-am cunoscut de foarte mult timp.

În copilărie – în Schit, cu poveștile profesorului-tată. În tinerețe, pe Lecții MHC la institut, cu tobogane vechi într-o sală întunecată în serile lungi de decembrie. În tinerețe - în uimitor Amsterdam, râzând cu bucurie în razele apusului soarelui de august. Am citit deja sute de prelegeri despre Rembrandt, am făcut mai mult de o duzină de excursii, dar totuși există sentimentul că acum trebuie să te plonjezi în ceva necunoscut, imens, de neînțeles.

E ca și cum ai sări de pe un dig în apele mării, unde ai fost pentru prima dată. Nu știi dacă apa e rece acolo, câte pietre sunt în fund. Este anticiparea și îndoiala care îți face mâinile să tremure nervos. Există o singură modalitate de a învinge asta - sări dintr-un început de alergare, simțindu-ți inima bătând cu putere și cum, la un moment dat, întreaga lume din jurul tău este dusă undeva în depărtare, iar acum ești singur cu ceva complet nou... Ei bine , bine! Să sărim, să deschidem ochii și să vedem!

La 27 de ani, avea tot ce putea visa un artist. Faimă, faimă, bani, femeie iubită, sute de comenzi. El a fost considerat cel mai bun maestru pictură portretîntr-unul dintre cele mai bogate orașe ale vremii sale, într-o perlă Europa de Nord− Amsterdam.

Da, nu a existat niciodată un artist în lume capabil să creeze asta! Portretul trebuia să fie perfect, trebuia să înveselească toate neajunsurile unei persoane, dar Rembrandt credea altfel. Portretele lui erau vii. Transmiteau caracter, era conflict în ei. În fața dumneavoastră este un fragment dintr-un portret al colectorului șef de taxe din provincia Olanda, Jan Wtenbogart.

Aproape întregul stat al republicii a trecut prin mâinile acestui om. Iar hainele lui - un guler aerat din dantelă, o haină lungă din blană de samur rusesc - mărturisesc clar starea lui. Acum doar uită-te la acei ochi. Vedeți tristețe în ei... Și pânza marelui predecesor al lui Rembrandt este imediat amintită -. Nu se uită oare apostolul la Hristos cu aceeași expresie când îl cheamă la el? Acest portret este povestea unui om foarte bogat, dar foarte nefericit și pictor olandez a putut să o arate într-un moment înghețat.

Toate timp liber Rembrandt Harmenszoon van Rijn a cheltuit pentru studiul expresiilor faciale. A stat ore în șir la oglindă și a făcut fețe, pe care apoi le-a transferat cu cărbune pe hârtie. Era important pentru el să prindă cele mai mici nuanțe de emoții.

Fața unei persoane, potrivit artistului, era o oglindă a sufletului, el și-a dat seama de asta cu mult înainte de Oscar Wilde cu „Portretul lui Dorian Gray”. Dar portretele nu sunt singurul lucru la care a excelat Rembrandt. Pânzele lui mari ne impresionează nu mai puțin. Jocul clarobscurului, pe care Caravaggio l-a dezvoltat atât de mult în pictura sa, capătă o amploare cu adevărat gigantică de la maestrul nostru.

Avea doar 28 de ani când și-a creat prima sa capodopera absolută. Acest tablou este „Coborârea de pe Cruce”. Pur și simplu nu poți trece pe lângă acest tablou din Schit. Într-o clipă, artistul a reușit să înfățișeze întreaga esență a creștinismului, să spună una dintre cele mai mari povești umane cât mai sincer și emoționant, într-un mod pe care nimeni nu a făcut-o înainte sau după el.

Ierusalimul din fundal se scufundă în întuneric. Mântuitorul este mort. Îi vedem trupul fără viață în centrul imaginii. Acesta este momentul celei mai mari disperări, nimeni încă nu crede în înviere. Oamenii văd doar cadavrul unui bărbat pe care l-au iubit și l-au adorat ca zeu, iar Fecioara Maria leșină, pielea ei este palidă de moarte - tocmai și-a pierdut singurul fiu.

Există un detaliu pe această pânză care nu este imediat evident. Aceasta este iluminarea. Sursa de lumină este un felinar în mâinile băiatului, dar trupul lui Hristos și hainele apostolului care îl ține în brațe reflectă lumina ca o oglindă. Și tocmai prin lumină este spusă povestea adevărată aici, se dezvăluie sensul filozofic al tabloului.

Lumina unui felinar este lumina credinței, iar ceea ce vedem în imagine este o inițiere în misterul ei. Se simte că însuși trupul Mântuitorului devine aici sursa de lumină. Fața Maicii Domnului și giulgiul, luminate de lumina slabă a unei lumânări, ies în evidență din întuneric, în care ar trebui să fie înfășurat trupul lui Hristos. Pe această pânză, Rembrandt a aplicat pentru prima dată tehnica care în ultimii ani ai vieții a devenit principala în opera sa.

Și acum vedem cum o persoană care a stăpânit perfect tehnica scrisului a notat toate figurile centrale de pe pânză în cel mai mic detaliu, dar pe măsură ce s-au îndepărtat de lumină, fețele oamenilor au devenit din ce în ce mai neclare, aproape imposibil de distins. Totul este foarte simplu - misterul a ceea ce se întâmplă a trecut pe lângă ei.

Totuși, pe această pânză există un alt personaj care nu se observă la prima vedere. În ciuda faptului că se află în umbră, Rembrandt îl înfățișează foarte clar. În colțul din dreapta jos al pânzei, din cel mai întunecat loc, ascuns în spatele tulpinilor de ciulin, Diavolul în formă de câine se uită la tine și parcă îți pune o întrebare:

— Ești implicat în ceea ce se întâmplă?

Da, maestrul olandez nu a fost întotdeauna mulțumit de cadrul imaginii, a visat că pânzele sale vor deveni parte din această lume, iar privitorul va deveni un participant direct la ceea ce se întâmplă. Dar tocmai această dorință l-a răsturnat de pe culmile gloriei în abisul secolelor de uitare.

Nenorocirea și uitarea vin la fel de repede ca averea și gloria. Rembrandt Harmenszoon van Rijn a experimentat această primă mână în 1642. Desigur, au existat nemulțumiri înainte de asta: copiii lui au murit în copilărie. Un singur fiu a supraviețuit, Titus, născut în 1641. Dar un an mai târziu, iubita lui soție Saskia, cu care a trăit mulți ani, a părăsit această lume. Iar odată cu această pierdere, și norocul s-a întors de la artist, s-a întors în momentul în care a realizat unul dintre cele mai mari tablouri ale sale.

Se poate vorbi la nesfârşit despre Veghea de noapte a lui Rembrandt. Această pânză este atât de mare în conținut, atât de unică în compoziția sa construită, încât istoria creării sale este destul de demnă de o carte separată, nu de un articol. Dar, așa cum se întâmplă adesea în viață, această creație, care ulterior a schimbat radical întreaga dezvoltare a picturii mondiale, a fost respinsă de contemporani.

Clienților nu le-a plăcut felul în care au fost reprezentați, iar mulți dintre ei au refuzat să plătească pentru opera artistului. Cel mai faimos pictor al Țărilor de Jos nu a experimentat niciodată o asemenea umilință. Într-un an, Rembrandt și-a pierdut iubita soție și a eșuat cu cea mai bună lucrare. S-ar părea că acest lucru este destul, dar nu, a fost doar începutul tragediei. Comenzile au devenit din ce în ce mai puține (clasicismul și stilul portretelor ceremoniale au intrat în modă), iar în curând proprietatea artistului a fost vândută pentru datorii. Dintr-un conac imens din chiar centrul Amsterdamului, a fost nevoit să se mute la marginea orașului, în Cartierul Evreiesc, unde a închiriat mai multe camere cu fiul său iubit Titus.

Cel mai interesant lucru este că Rembrandt s-ar putea adapta cu ușurință la cele mai recente tendințe de modă în artă și ar putea primi din nou bani mari pentru pânzele sale. Însă pictorul era convins că trebuie să creeze un stil complet nou. În portretele sale acum nu erau oameni bogați, ci cei mai simpli cetățeni ai orașului Amsterdam. Acesta este, de exemplu, „Portretul unui evreu bătrân”.

Rembrandt nu era interesat de descrierea detaliată a tuturor articolelor de îmbrăcăminte, s-a străduit pentru mai multă abstractizare, s-a străduit să arate sentimentele personajelor sale cu o acuratețe perfectă. Pentru perseverența lui, a primit doar suferință și palme în față. Acest lucru s-a întâmplat cu pictura sa „Conspirația lui Julius Civilis”.

În loc de o imagine clasică, pompoasă, ieșită a patriotismului, bătrânul maestru a prezentat asta publicului.

În fața noastră este o imagine a unei sărbători barbare, nepoliticos, inestetic. Această pânză a fost cu aproape 300 de ani înaintea timpului său, anticipând pictura expresionistă. Nu este de mirare că capodopera maestrului a fost respinsă, iar numele său a fost acoperit de o rușine de neșters. Dar tocmai acești ultimi opt ani din viața lui, petrecuți într-o sărăcie absolută, de nepătruns, sunt una dintre cele mai fructuoase perioade din opera lui Rembrandt.

Cred că voi scrie despre picturile din acea perioadă, inclusiv ale lui Întoarcerea fiului risipitor, într-un articol separat. Acum vreau să vorbesc despre altceva. Am fost mereu uimit de cum a putut Rembrandt să lucreze și să-și dezvolte talentul atunci când loviturile destinului ploua peste el de pretutindeni. Nu a putut continua așa mult timp, iar artistul a prevăzut-o.

Lovitura finală se aplică întotdeauna în locul cel mai dureros. Erau singurul fiu al lui Titus - un băiat foarte bolnav, asemănător cu mama lui moartă. Pe el l-a înfățișat atunci Rembrandt cel mai des: atât sub forma unui înger în pictura „Matei și îngerul”, cât și lectură și în diverse costume. Poate că pictorul s-a gândit că cu ajutorul talentului său va reuși cumva să întârzie inevitabilul... A eșuat...

După părerea mea, „Portretul lui Titus într-o sutană monahală” este unul dintre cele mai pline de suflet picturi ale lui Rembrandt. Toată dragostea tatălui ei, tot talentul de pictor s-a manifestat în ea. În toate aceste mișcări aspre, în acest întuneric care înainta pe tânărul din stânga, în plantele care îi înconjoară deja trupul, iese în evidență un singur lucru - chipul palid al fiului artistului cu ochii în jos și plini de smerenie.

Titus a murit în 1668, Rembrandt i-a supraviețuit doar un an.

Murea la periferia Amsterdamului, absolut singur, după ce a câștigat totul în această viață și a pierdut totul. Au uitat multă vreme de pânzele lui... Dar au trecut 150 de ani, iar alți artiști au auzit deja ce încerca maestrul să le spună contemporanilor săi, alegându-și propria cale unică în loc de faimă și bani.

Resmbrandt s-a născut în Leiden, fiul unui proprietar de moară destul de bogat. Mai întâi a studiat la Școala Latină, apoi pentru scurt timp la Universitatea din Leiden, dar l-a lăsat să studieze pictura, mai întâi cu un maestru local puțin cunoscut, iar apoi cu artistul din Amsterdam Peter Lastman.

După un scurt studiu, Rembrandt pleacă în orașul natal pentru a picta singur în propriul său atelier. Acesta este timpul formării artistului, când era pasionat de opera lui Caravaggio. În această perioadă, el pictează o mulțime de portrete ale membrilor familiei sale - mamă, tată, soră și autoportrete. Deja în acest moment, el acordă o atenție deosebită iluminării și transmiterii experiențelor spirituale ale modelelor sale. Tânăra artistă adoră să le îmbrace în diverse haine, să le drapeze în țesături frumoase, transmițându-le perfect textura și culoarea.

În 1632, Rembrandt a plecat la Amsterdam, centrul cultura artistica Holland, care l-a atras firesc pe tânărul artist. Aici ajunge repede la faima, are multe comenzi. În același timp, el continuă cu entuziasm să-și îmbunătățească abilitățile. Anii 30 au fost vremea celei mai înalte glorii, calea către care a fost deschisă pictorului prin marea sa pictură comandată „Lecția de anatomie”. Toate ipostazele și acțiunile din imagine sunt naturale, dar lipsite de un naturalism excesiv.

În 1634, Rembrandt se căsătorește cu o fată dintr-o familie bogată - Saskia van Uylenborch - și de atunci intră în cercurile patriciene. Începe cea mai fericită perioadă din viața artistului: dragoste reciprocă pasională, bunăstare materială, multe comenzi. Pictorul îi scrie adesea tinerei sale soții: „Flora”, „Autoportret cu Saskia în genunchi”. Dar fericirea nu a durat mult. Saskia a murit în 1642, lăsându-l pe fiul ei, Titus.

Depresia morală și pasiunea pentru colecționare care a pus stăpânire pe Rembrandt l-au condus treptat la ruină. Acest lucru a fost facilitat de o schimbare a gusturilor publicului, purtat de scrisul atent pictura in lumina. Rembrandt, care nu a cedat niciodată gusturilor clienților săi, era interesat de contrastele de lumină și umbră, lăsând lumina la un moment dat, restul imaginii era în umbră și în umbră parțială. Comenzile au devenit din ce în ce mai puține. Noua iubită a vieții sale, Hendrikje Stoffels, și fiul său Titus au fondat o companie de vânzare de tablouri și antichități pentru a-l ajuta pe artist. Dar eforturile lor au fost zadarnice. Lucrurile se înrăutăteau. La începutul anilor 1660, Hendrickje a murit, iar câțiva ani mai târziu, Titus.

Cu toate acestea, în ciuda tuturor, artistul continuă să lucreze. În acești ani deosebit de grei, el creează o serie de lucrări remarcabile: „Sindici”, „Întoarcerea fiului risipitor”, izbitoare prin dramatism interioară.

Cel mai mare artist a murit în sărăcie extremă la 4 octombrie 1669. Contemporanii au reacţionat rece la această pierdere. A fost nevoie de aproape două sute de ani pentru ca puterea realismului lui Rembrandt, psihologia profundă a pânzelor sale și uimitoarea pricepere a picturii să-și ridice numele din uitare și să-l pună printre cele mai mari nume ale lumii.

Flora este zeița italiană a florilor și tinereții. Cultul Florei este unul dintre cele mai vechi culte agricole din Italia, în special al sabinilor. Romanii au identificat Flora cu grecescul Chloris și au celebrat în cinstea ei așa-numita floralia primăvara, în timpul căreia jocuri amuzante care uneori căpăta un caracter neînfrânat. Oamenii s-au decorat pe ei înșiși și animalele cu flori, femeile și-au îmbrăcat rochii strălucitoare.
LA arta antica Flora a fost înfățișată ca o tânără care ține flori sau împrăștie flori.

Întreaga pânză este pătrunsă de jubilare sinceră! Autoportretul îi înfățișează pe soții la un festin vesel. Rembrandt, uriaș în comparație cu soția sa slabă, o ține în genunchi și ridică un pahar de cristal cu vin spumant. Par să fie luați prin surprindere, într-o atmosferă intimă debordantă de viață.

Rembrandt, într-un costum militar bogat, cu un baldric aurit și o spală pe o parte, arată ca un dandy-raiter care se distrează cu o fată. Nu se jenează că o astfel de distracție poate fi considerată un semn de prost gust. El știe doar că soția lui este iubită și, prin urmare, frumoasă în corsajul ei luxos, fusta de mătase, tofa magnifică și colierul prețios și că toată lumea ar trebui să o admire. Nu se teme să nu pară nici vulgar, nici vanitos. Trăiește pe tărâmul viselor și al bucuriei, departe de oameni, și nu-i trece prin cap că poate fi învinovățit. Și toate aceste sentimente sunt transmise de expresia simplă a inimii strălucitoare a artistului însuși, care pare să fi obținut toate binecuvântările pământești.

Imaginea exprimă bucuria vieții, conștiința tinereții, sănătatea și bunăstarea.

După moartea lui Saskia, în viața lui Rembrandt a intrat o altă femeie, un modest servitor Hendrickje Stoffels, care a înseninat singurătatea stăpânului. Îi scria adesea, dar în titlurile lucrărilor în care ea a servit ca model, nu a menționat niciodată numele ei.

Povestea patriarhului biblic Iosif este relatată în cartea Geneza.
Chiar și în casa părintească a lui Iacov și Rahela, fiul lor iubit Iosif apare ca un visător. Tatăl îl remarcă pe Iosif printre frați, iar ei, geloși pe poziția sa specială și pe hainele frumoase, îl vând pe Iosif ca sclav caravanerilor care se îndreptau spre Egipt.
În Egipt, Iosif servește ca sclav al bogatului nobil Potifar, șeful gărzilor de corp ale faraonului. Potifar îi încredințează lui Iosif întreaga sa casă, dar soția lui Potifar îi încalcă castitatea, iar Iosif fuge, lăsându-și hainele în mâinile femeii. Soția lui Potifar, care s-a îndrăgostit de Iosif și nu a obținut reciprocitate, îl acuză de viol.
În închisoarea unde a fost trimis Iosif, brutarul și paharnicul regelui sunt cu el. Iosif le interpretează visele, conform cărora brutarul va fi executat, iar paharnicul va fi iertat după trei zile. Profeția lui Iosif se împlinește, iar paharnicul își amintește de el când preoților egipteni le este greu să interpreteze visul faraonului despre șapte vaci grase devorate de șapte slabe și vreo șapte spighe bune devorate de cele slabe. Chemat din închisoare, Iosif interpretează visul ca un prevestitor al faptului că, după următorii șapte ani de recoltă bună, vor veni șapte ani de eșec sever al recoltei. El îl sfătuiește pe faraon să numească o persoană de încredere care să creeze provizii pentru vremea foametei.
Faraonul îl numește pe Iosif ca confident, îl favorizează cu inelul său, îi dă un nume egiptean și ca soție - egipteana Aseneth, fiica unui preot din Heliopolis.

Lui Samson îi plăcea să cutreiere țara și într-o zi a ajuns în orașul Timnaf. Acolo s-a îndrăgostit de o femeie filistenă impunătoare și a dorit să se căsătorească cu ea. A fugit acasă și și-a rugat părinții să-și curteze iubitul. Bătrânii s-au strâns îngroziți de cap: fiul lor le provocase deja multă mâhnire, iar acum, pe lângă toate, s-a hotărât să se căsătorească cu un străin, fiica unui filistean. Samson, însă, a rămas în picioare. Părinții nu au avut ce face - oftând din greu, s-au supus capriciilor fiului lor excentric. Samson a devenit mire și de atunci mergea des la părinții miresei.
Într-o zi, când Samson mergea cu viteză pe poteca dintre vii, un tânăr leu care răcnește i-a blocat drumul. Omul voinic a sfâșiat leul și, de parcă nimic nu s-ar fi întâmplat, a mers la Timnath, fără să povestească nimănui despre aventura lui. Întors acasă, a fost surprins să vadă că un roi de albine cuibărea în gura unui leu mort și se adunase deja multă miere. Samson a adus fagurii părinților săi fără să spună un cuvânt de unde i-a luat.
La Fimnaf, potrivirea a mers bine, a fost un festin mare, toată lumea i-a felicitat pe miri, iar ziua nunții a fost fixată. După obiceiul filistenilor, sărbătoarea nunții durează șapte zile.
La sărbătoare, părinții miresei, temându-se de puterea extraordinară a lui Samson, i-au numit însoțitori de căsătorie treizeci de tineri filisteni puternici. Samson, uitându-se la „gărzi” cu un rânjet, le-a sugerat să rezolve ghicitoarea. Trebuia rezolvat până la sfârșitul nunții, în ziua a șaptea.
Ghicitoarea mergea astfel: „Din mâncător a ieșit ceva de mâncare, iar din cei puternici a ieșit ceva dulce”. Desigur, nimeni nu a putut rezolva această ghicitoare, pentru că nimeni nu știa că vorbim de albine care mănâncă nectar (albinele „mănâncă”), miere („mănâncă”) și un leu puternic. Totodată, Samson a pus condiții: dacă se rezolvă, vor primi câte 30 de cămăși din rochia de top, iar dacă nu, îi vor plăti la fel.
Filistenii nedumeriți s-au gândit la această ciudată ghicitoare timp de trei zile. Disperați, s-au dus la tânăra lui soție și i-au amenințat că, dacă nu va afla răspunsul la ghicitoare de la soțul ei, se vor arde atât pe ei, cât și casa tatălui ei. Filistenii chiar nu voiau să-i plătească lui Samson o sumă bogată.
Prin viclenie și bunătate, soția a aflat de la soțul ei răspunsul la ghicitoare, iar a doua zi filistenii au dat răspunsul corect. Samson, înfuriat, nu avea altceva de făcut decât să plătească datoria convenită, iar părinții lui erau foarte săraci. Apoi a ucis 30 de filisteni și le-a dat hainele ca datorie. Samson însuși, dându-și seama ce a trădat soția lui, a trântit ușa și s-a întors la părinții săi.

Artemis (Artemis) - fiica lui Zeus și Leto, sora lui Apollo. Inițial venerată ca zeița florei și a faunei. Ea este „stăpâna fiarelor”, Tavropol (ocrotitorul taurilor), Limnatis (mlaștină), ursoaică (în această formă era venerată în Bavron). Mai târziu - zeița vânătorii, munților și pădurilor, patrona femeilor la naștere.
Artemis a implorat virginitatea eternă de la Zeus. Șaizeci de oceanide și douăzeci de nimfe au fost tovarășii ei constanti de vânătoare, participanți la jocurile și dansurile ei. Funcția ei principală este de a proteja obiceiurile stabilite, sacrificiile aduse zeilor, pentru a căror încălcare pedepsește aspru: trimite un mistreț teribil în regatul Calydonian, șerpi mortali în patul conjugal al regelui Admet. Ea păzește și lumea animală, chemând socoteală pe Hercule, care a ucis căprița Kerineană cu coarne de aur și cere în schimb căprița sacra ucisă de Agamemnon sacrificiu de sânge- fiica sa Ifigenia (pe altarul sacrificiului, Artemis a înlocuit-o în secret pe prințesă cu o căprioară, iar Ifigenia s-a transferat la Tauris, făcând-o preoteasa ei).
Artemis este protectorul castității. Ea îl patronează pe Hippolytus, care disprețuiește dragostea, îl transformă pe Acteon, care a văzut-o din greșeală pe zeiță goală, într-o căprioară, care a fost sfâșiată de el. proprii câini, și nimfa Calypso, care și-a încălcat jurământul, într-un urs. Are hotărâre, nu tolerează rivalitatea, își folosește săgețile bine îndreptate ca instrument de pedeapsă. Artemis, împreună cu Apollo, i-au nimicit pe copiii lui Niobe, care era mândru de cei șapte fii și șapte fiice ale ei înaintea mamei zeilor Leto; săgeata ei l-a lovit pe Orion, care a îndrăznit să concureze cu zeița.
Ca zeiță a vegetației, Artemis este asociată cu fertilitatea.Acest cult s-a răspândit în special în Efes (Asia Mică), unde a fost construit templul lui Artemis din Efes (una dintre cele „șapte minuni ale lumii”), ars de Herostratus. onoarea ei. Artemis era venerată aici ca o zeiță-asistentă, „harnică”; Ea este patrona Amazonelor.
Artemis era, de asemenea, venerata ca zeița războiului. În Sparta, înainte de bătălie, o capră a fost sacrificată zeiței, iar în Atena, cinci sute de capre erau așezate pe altare în fiecare an, la aniversarea bătăliei de la Maraton (septembrie-octombrie).
Artemis se apropia adesea de zeița lunii (Hecate) sau de zeița lunii pline (Selene). Există un mit binecunoscut despre Artemis-Selene, îndrăgostită de chipeșul Endymion, care și-a urat tinerețe veșnică și nemurire și le-a primit într-un somn adânc. În fiecare noapte zeița se apropia de grota Muntelui Carian Latm, unde tânărul dormea ​​și îi admira frumusețea.
Atributul zeiței este o tolbă la spate, în mâinile ei un arc sau o torță; este însoțită de o căprioară sau de o haită de câini de vânătoare.
La Roma, Artemis este identificat cu zeitatea locală Diana.

Artistul a descris-o pe Saskia, soția sa, ca pe Juno. Juno este vechea zeiță romană a căsătoriei și a nașterii, a maternității femeilor și a forței de producție feminine. Patrona căsătoriilor, tutorele familiei și decretele familiei. Principalul atribut al acestei zeițe este un văl, o diademă, un păun și un cuc. Rembrandt are un păun în colțul din stânga jos al imaginii.

În mitologia biblică, Belşaţar a fost ultimul rege babilonian, căderea Babilonului este asociată cu numele său. În ciuda asediului capitalei, întreprins de Cirus, regele și toți locuitorii, având o aprovizionare bogată de hrană, s-au putut răsfăța cu nepăsare plăcerile vieții.
Cu ocazia unei sărbători minore, Belșațar a aranjat o sărbătoare magnifică, la care au fost invitați până la o mie de nobili și curteni. Bolurile de masă erau vase prețioase luate de cuceritorii babilonieni de la diferite popoare cucerite, printre altele, și vase scumpe din templul din Ierusalim. În același timp, după obiceiul vechilor păgâni, au fost glorificați zeii babilonieni, care s-au dovedit a fi biruitori înainte și vor fi mereu învingători, în ciuda tuturor eforturilor lui Cirus și a aliaților săi secreti, evreii, împreună cu Iehova lor. .
Dar apoi, în mijlocul sărbătorii, o mână de om a apărut pe perete și încet a început să scrie câteva cuvinte. Văzând-o, „regele și-a schimbat fața, gândurile i s-au încurcat, legăturile coapselor i s-au slăbit, iar genunchii au început să se bată unul împotriva celuilalt îngroziți”. Înțelepții chemați nu au reușit să citească și să explice inscripția. Apoi, la sfatul reginei, l-au invitat pe bătrânul profet Daniel, care a dat dovadă întotdeauna de o înțelepciune extraordinară. Și a citit cu adevărat inscripția, care scria pe scurt în aramaică: „Mene, tekel, uparsin” Aceasta însemna: „Mene – Dumnezeu a numărat împărăția ta și i-a pus capăt; tekel – ești cântărit și găsit foarte ușor; uparsin – a ta Împărăția este împărțită și dată mediilor și perșilor”.
Chiar în noaptea aceea, povestea biblică continuă, Belşaţar, regele Caldeilor, a fost ucis.

Tobit este un israelian, care se distinge prin dreptate în țara natală și nu a părăsit evlaviosul guvern asirian și, în general, a supraviețuit unui număr de încercări, inclusiv orbire, care s-a încheiat pentru el și urmașii lui cu binecuvântarea deplină a lui Dumnezeu. Fiul său, Tobias, s-a vindecat cu ajutorul unui înger.

Dumnezeu i s-a arătat lui Avraam și soției sale Sara sub forma a trei călători, a trei tineri frumoși (Dumnezeu Tatăl, Dumnezeu Fiul și Dumnezeu Duhul Sfânt). Cuplul în vârstă le-a oferit ospitalitate generoasă. După ce a acceptat tratarea, Dumnezeu le-a anunțat soților o minune: în ciuda bătrâneții lor profunde, ei vor avea un fiu și de la el va veni un popor mare și puternic și toate popoarele lumii vor fi binecuvântate în el.

Unul dintre cele mai misterioase episoade din Vechiul Testament.
Când Iacov rămâne singur, apare Cineva (se obișnuiește să-l considerăm un înger) și se luptă cu el toată noaptea. Îngerul nu reușește să-l învingă pe Iacov, apoi atinge tendonul de pe coapsă și îl deteriorează. Cu toate acestea, Iacov supraviețuiește testului și primește un nou nume - Israel, adică „cel care se luptă cu Dumnezeu și va birui pe oameni”.
De aceea, într-o oarecare măsură, posturile lui Iacov și ale îngerului, care se îmbrățișează mai degrabă decât se luptă, sunt firești și justificate.

Intriga este din Evanghelie, dar artistul descrie modul în care viața oamenilor obișnuiți. Doar îngerii care coboară în amurgul unei locuințe sărace ne amintește că aceasta nu este o familie obișnuită. Gestul mâinii mamei, aruncarea în spate a baldachinului pentru a privi copilul adormit, concentrarea în figura lui Iosif - totul este profund gândit. Simplitatea vieții și aspectul oamenilor nu fac imaginea mondenă. Rembrandt știe să vadă în viața de zi cu zi nu lucrurile mărunte și obișnuite, ci cele profunde și durabile. Din această pânză emană liniștea pașnică a vieții de muncă, sfințenia maternității.

Regele evreu Seul a căutat să-l distrugă pe tânărul David, temându-se că nu-și va lua tronul. Avertizat de prietenul său, prințul Ionatan, câștigătorul lui Goliat, David își ia rămas bun de la Ionatan la piatra Azail (înțeles ebraic – despărțire, despărțire.) Ionatan este sever și reținut, fața lui este jalnoasă. David disperat se agață de pieptul prietenului său, este de neconsolat.

Potrivit Bibliei, Bat-Șeba era o femeie de o frumusețe rară. Regele David, mergând pe acoperișul palatului său, a văzut-o pe Bat-Șeba scăldându-se dedesubt. Soțul ei, Urie, este plecat de acasă în acel moment, slujind în armata lui David. Bat-Șeba nu a încercat să-l seducă pe rege. Dar David a fost sedus de frumusețea Bat-Șebei și a ordonat ca ea să fie adusă la palat. Ca urmare a relației lor, ea a rămas însărcinată și a născut un fiu, Solomon. Mai târziu, David i-a scris comandantului armatei în care a luptat Urie, o scrisoare în care poruncea să-l pună pe Urie acolo unde „va fi cea mai puternică bătălie și să se retragă de la el, ca să fie doborât și să moară”.
Într-adevăr, s-a întâmplat, iar David s-a căsătorit ulterior cu Bat-Șeba. Primul lor copil a trăit doar câteva zile. David s-a pocăit mai târziu de fapta lui.
Cu toată poziția ei înaltă, cea mai iubită dintre soțiile lui David, Bat-Șeba și-a luat un loc în umbră și s-a comportat într-o manieră demnă. David l-a încoronat rege pe Solomon, fiul Bat-Șebei. Bat-Șeba a fost o femeie înțeleaptă și a sperat mereu în Dumnezeu. În relaţie cu David, ea a devenit credincioasă şi sotie iubitoareși o mamă bună pentru copiii ei, Solomon și Natan.

Unul dintre ultimele tablouri ale lui Rembrandt. Aceasta este o dramă psihologică profundă. În pânza cu o putere extraordinară sună o chemare la umanitatea profundă, afirmarea comunității spirituale a oamenilor, frumusețea iubirii părintești.

Înfățișează o poveste biblică despre un fiu destrămat care, după lungi rătăciri, s-a întors la casa tatălui său. Întreaga cameră este cufundată în întuneric, doar tatăl și fiul sunt puternic luminați. Fiul cu capul ras de condamnat, în zdrențe, cu tocul gol din care a căzut un pantof găurit, a căzut în genunchi și s-a lipit de tatăl său, ascunzându-și fața pe piept. Bătrânul tată, orbit de durere în așteptarea fiului său, îl simte, îl recunoaște și îl iartă, binecuvântându-l.

Artistul transmite în mod natural și sincer toată puterea iubirii paterne. În apropiere sunt figuri amorțite ale spectatorilor care exprimă surpriza și indiferența - aceștia sunt membri ai acelei societăți care l-au corupt mai întâi și apoi l-au condamnat pe fiul risipitor. Dar dragostea paternă triumfă asupra indiferenței și ostilității lor.

Pânza a devenit nemuritoare datorită sentimentelor universale exprimate în ea - dragoste parentală fără fund, amărăciune de dezamăgire, pierdere, umilire, rușine și pocăință.

Aceasta este cea mai bună lucrare a lui Rembrandt a anilor 30.

Poza este dedicată temei eterne a iubirii. Complotul a fost mitul fiicei regelui Acrisius Danae. Oracolul i-a prezis lui Acrisie că va muri din mâna nepotului său.Atunci regele și-a închis fiica pentru totdeauna în turn.Dar atotputernicul Zeus s-a transformat într-o ploaie de aur și în această formă a intrat în Danae și a devenit iubitul ei. S-a născut fiul lor Perseus, iar apoi din nou, la ordinul lui Arixius, Danae, împreună cu fiul său într-o cutie, au fost aruncați în mare. Dar Danae și fiul ei nu au murit.

Artistul descrie momentul în care Danae îl așteaptă cu bucurie pe Zeus. Bătrâna servitoare trage deoparte perdeaua patului ei și o strălucire aurie se revarsă în cameră. Danae, în așteptarea fericirii, se ridică în întâmpinarea ploii de aur. Voalul a căzut și a scos la iveală un corp nu mai tânăr, greu, departe de legile frumuseții clasice. Cu toate acestea, captivează prin veridicitatea vitală, rotunjimea moale a formelor. Și deși artistul se referă la o temă din mitologia antică, imaginea este scrisă clar în spiritul realismului.

Rembrandt a scris multe despre subiectele poveștilor biblice și toate au fost în felul său, actualizate în conținut. Adesea picta tablouri contrar logicii - iluminare, culori, totul era doar ideea lui. Artistul arată aceeași independență în felul în care își îmbracă personajele. I-a îmbrăcat în haine ciudate - Saskia, Juno și alții...
La fel și cuplul din imaginea „Mireasa evreiască”. Numele este ciudat, pentru că pânza înfățișează cuplu căsătorit iar sotia este insarcinata.
Pe fundalul de verdeață vagă, se ghicește o parte din zidul mare și peisajul urban. Un cuplu îmbrăcat în roșu și auriu stă în fața unui pilastru. Două fețe și patru brațe, bărbatul se aplecă spre femeie, a cărei privire este întoarsă spre ea, spre gândurile ei. Mâna ei dreaptă care ține flori se sprijină pe burtă. În față - seriozitatea de încredere a soției, ocupată doar cu prezența unei alte vieți în ea însăși. Bărbatul își pune brațul stâng în jurul umerilor ei. Mâna dreaptă se sprijină pe rochie la nivelul pieptului, unde mâna stângă a femeii intră în contact cu aceasta. Degetele se ating. Atingere usoara. Bărbatul se uită la mâna femeii atingând-o pe a lui.

În pictură, Rembrandt a abandonat complet idealul clasic al figurii feminine nud. Aici l-a înfățișat pe Hendrickje, a doua sa soție, dezbrăcându-se înainte de a se scălda, contrar tuturor canoanelor frumuseții. Un halat de aur zace la malul apei, iar o tânără dulce, ridicându-și timid cămașa, intră în apa rece. Ea pare să iasă din întunericul maro, timiditatea și modestia ei se citesc atât în ​​chipul ușor vopsit, cât și în mâinile care susțin cămașa.

Arta ne face viața mai interesantă și mai frumoasă. Sunt oameni care vor fi amintiți timp de secole, a căror muncă va fi moștenită de noile generații.

După ce ați citit acest articol, veți ajunge mai aproape de înțelegerea moștenirii artei mondiale, care a fost lăsată în urmă de marele maestru - artistul Rembrandt van Rijn.

Biografie

Astăzi este numit maestru al umbrelor, precum și un om care ar putea pune absolut orice emoție pe pânză. În continuare, ne vom familiariza cu calea vieții pe care a trebuit să o parcurgă.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606-1669) s-a născut în Olanda, în orașul Leiden. De mic a fost interesat de pictură, iar de la 13 ani a studiat Arte Frumoase de Jacob van Swanenbürch, care a fost un pictor istoric.

După aceea, se știe că Rembrandt a studiat cu Peter Lastman la vârsta de 17 ani, ajungând la Amsterdam. Profesorul său s-a specializat în motive biblice și mitologie.

M-am gândit la propria mea afacere

Deja la vârsta de 21 de ani, Rembrandt van Rijn, împreună cu prietenul său, a deschis un atelier de desen și a susținut seturi regulate de studenți și cursuri de arte plastice. A durat doar câțiva ani și a devenit popular printre alții ca maestru al meșteșugului său.

Împreună cu prietenul lor Lievens, deja creau capodopere la acea vreme și au fost remarcați de Constantine Huygens, care era secretarul Prințului de Orange. A numit imaginea cu Iuda una dintre ele cele mai bune lucrări arta antichitatii. A jucat un rol important în dezvoltarea artistului, ajutând la stabilirea contactelor cu clienți bogați.

Viață nouă în Amsterdam

Până în 1631, Rembrandt van Rijn se mutase deja complet la Amsterdam. Viața în acest oraș a fost plină de comenzi de la clienți importanți care l-au văzut ca pe un mare artist tânăr. În acest moment, prietenul său a plecat să studieze în Anglia, unde a încercat și el să reușească sub auspiciile unui nou profesor.

Între timp, artista începe să se implice în imaginea fețelor. Este interesat de expresiile faciale ale fiecărei persoane, încearcă să experimenteze cu capetele pictate ale oamenilor. Rembrandt van Rijn a reușit să transmită cu exactitate tot ceea ce spuneau ochii persoanei de la care a scris capodopera.

Portretele de atunci au fost cele care i-au adus artistului succes comercial. În plus, îi plăcea autoportrete. Puteți găsi multe dintre lucrările sale, unde s-a portretizat în costume și ținute imaginare, ipostaze interesante.

timp de glorie

Rembrandt Harmenszoon van Rijn a câștigat recunoașterea universală la Amsterdam după ce a pictat „Lecția de anatomie a doctorului Tulp” în 1632, unde a înfățișat chirurgi pe care doctorul i-a învățat să-i disece folosind exemplul unui cadavru.

Dacă te uiți la această imagine, poți vedea acea linie fină cu care maestrul a descris expresia facială a fiecăruia dintre ei. Acestea nu sunt doar fețele oamenilor, el a reușit să transmită emoția generală precaută a unui întreg grup de studenți.

Iar felul în care a înfățișat umbra din imagine i-a uimit pe mulți experți ai vremii. Ei au început în unanimitate să spună că Rembrandt Harmenszoon van Rijn s-a maturizat împreună cu picturile sale.

Putem spune că această perioadă este considerată una dintre cele mai favorabile din viața unui tânăr artist. După căsătoria sa cu Saskia van Uilenbürch în 1634, comisioanele i-au plouat pe cap într-un ritm pe care nu l-a putut picta.

În primii ani de viață în noul oraș, tânărul Rembrandt van Rijn a reușit să picteze peste 50 de tablouri. Imaginile erau deosebite și strălucitoare, scriitorii și-au amintit de mai multe ori creațiile sale. De exemplu, Jost van den Vondel, pe atunci cel mai cunoscut poet și dramaturg, i-a adus un omagiu autorului în poeziile sale despre portretul pe care l-a pictat lui Cornelis Anslo.

În acel moment, avea destui bani să-și cumpere propriul conac. Pasionat de artă și studiind lucrările clasicilor și ale altor maeștri, și-a umplut casa cu lucrări celebre atât ale contemporanilor, cât și creații ale vremurilor străvechi.

Viață de familie

Azi criticii de artă notează lucrările bune ale vremii pe care le-a scris Rembrandt van Rijn. Picturile soției sale Saskia în diverse haine și pe fundaluri diferite indică faptul că maestrul s-a maturizat pe deplin și a început să-și creeze arta pe pânze.

A fost și durere - cei trei copii pe care i-a avut în timpul căsătoriei sale au murit la o vârstă fragedă. Dar, în 1641, cuplul a avut un fiu, Titus, care a fost o priză pentru tinerii părinți. Acea perioadă tulbure s-a imprimat perfect picturii artistului „Fiul risipitor într-o tavernă”.

Eveniment neplăcut

Ca și în primii săi ani, imaginația marelui artist l-a împins mereu să creeze tablouri cu certitudine povestiri biblice. Ce valoare are tabloul său „Sacrificiul lui Avraam”, pe care l-a pictat în 1635! Emoțiile și starea de spirit sunt atât de clar transmise, încât începi să-ți faci griji că, de îndată ce clipești, cuțitul se va cufunda imediat în carne.

LA artă contemporană acest sentiment poate fi transmis doar de fotografi care fac o fotografie clară în mișcare. Într-adevăr, este izbitoare capacitatea sa de a afișa atmosfera situațiilor procesate de imaginația marelui maestru.

Începutul problemelor

Eșecurile artistului nu s-au încheiat cu moartea soției sale. Părerile artistului s-au schimbat treptat. Acel tânăr Rembrandt van Rijn, a cărui opera i-a admirat pe contemporani, a dispărut treptat.

În 1642 a primit o ofertă excelentă de a picta un portret al mușchetarilor, care urma să fie amplasat în clădirea nou construită a Societății de Tragere. A fost una dintre cele mai multe tablouri mari, pe care maestrul a scris vreodată - a ajuns la patru metri.

Conform viziunii clienților, artistul a trebuit să creeze un portret obișnuit al soldaților, care să radieze putere și încredere. Din păcate, artistul Rembrandt van Rijn a finalizat sarcina în felul său.

După cum se poate vedea în tabloul „Night Watch”, care este prezentat mai jos, opera sa nu poate fi numită portret. Pânza descrie o întreagă scenă de pregătire a unei companii de puști pentru o campanie bruscă.

Și puteți vedea cum mișcarea din imagine a înghețat. Acesta este un cadru separat de viața soldaților. A existat multă indignare din partea clienților în legătură cu acest lucru. Unii muschetari au fost retrogradați pe plan secund, în timp ce alții au fost capturați într-o poziție incomodă.

În plus, jocul ascuțit de lumini și umbre, pe care, poate, nimeni nu l-a putut înfățișa atât de strălucitor și de îndrăzneț pe pânză, nu a stârnit nici admirație.

După aceea, Rembrandt van Rijn, ale cărui lucrări au fost considerate ieri printre cele mai bune, a început să devină neinteresant pentru un public de rang înalt. Și asta însemna în acel moment că nimeni nu va face comenzi scumpe cu el.

Acum imaginați-vă o persoană care și-a trăit toată viața într-un mod mare și apoi și-a pierdut brusc sursa de venit. Va putea renunța la viața lui obișnuită?

Modernitatea a necesitat detalierea picturilor

Elevii lui îl părăsesc treptat. Viziunea lui Rembrandt devine treptat decalată cu moda din acea vreme - noile tendințe se îndreptau spre detaliul maxim. Adică, dacă artistul a început să picteze așa cum a făcut în tinerețe, atunci ar exista o cerere considerabilă pentru el.

Dar viața este imprevizibilă, la fel ca o persoană adevărată creativă. Mâna îi devenea tare, îi plăcea să se joace cu umbra, estompând marginile clare ale obiectelor.

Incapacitatea de a face bani buni i-a afectat situația financiară. Având în vedere că regretata lui soție era o doamnă dintr-o familie înstărită, zestrea ei a trecut complet în posesia lui. Și, neavând venituri, pur și simplu l-a cheltuit, sau l-a „ars”, pentru propriile nevoi.

La sfârșitul anilor patruzeci ai secolului al XVII-lea, s-a înțeles cu servitoarea sa Hendrikje. Se vede în unele dintre picturile sale. La acea vreme, legile erau stricte cu privire la legaturi de familie, iar muza lui a fost condamnată de instanță când au născut-o pe Cornelia.

Este greu de găsit pânze celebre din această perioadă a vieții artistului. S-a îndepărtat treptat de numeroasele motive și scene pe care le-a scris în trecutul recent.

Dar el, ca persoană creativă, s-a arătat în alte domenii. La acea vreme, a executat deja cu măiestrie gravuri. I-au trebuit 7 ani să finalizeze o capodopera numită „Hristos vindecând bolnavii”.

A putut să-l vândă cu 100 de guldeni, ceea ce era destul de mare pentru vremea aceea. considerate cele mai bune dintre cele pe care le-a putut crea Rembrandt.

Apus de soare Rembrandt

Artistul în vârstă a fost din ce în ce mai confruntat cu probleme materiale. În 1656 a devenit complet falimentar, transferându-și toată moștenirea fiului său. Nu era din ce să trăiești. Un an mai târziu, a trebuit să-și vândă moșia. Încasările l-au ajutat să se mute în periferia liniștită a Amsterdamului. S-a stabilit în cartierul evreiesc.

Cea mai apropiată persoană de el în timpul bătrâneții a fost fiul său. Dar Rembrandt nu a avut noroc, pentru că a trăit până să-și vadă moartea. Nu a mai suportat loviturile destinului, iar un an mai târziu a murit și el.

Rembrandt de azi

Arta nu moare niciodată. Creatorii trăiesc în lucrările lor, în special, artiștii fac întotdeauna parte din pânzele lor. Esența unei persoane este transmisă în stilul și priceperea sa în pictură.

Până în prezent, Rembrandt van Rijn este considerat un artist cu majusculăși aclamat de toți criticii. Munca lui este foarte apreciată. De exemplu, în 2009, la o licitație, pictura sa „Portretul pe jumătate al unui bărbat necunoscut stând pe șolduri”, scrisă în 1658, a fost vândută pentru un preț record de 41 de milioane de dolari SUA (în ceea ce privește cursul de schimb al acel timp).

De asemenea, apreciată este tabloul său „Portret de femeie în vârstă”, care în 2000 a fost vândut cu aproximativ 32 de milioane de dolari. Această pânză nici măcar nu îndrăznește să fie numită „imagine”. Arată doar ca o fotografie mare - doar un mare maestru ar putea detalia atât de mult chipul.

Oameni precum Rembrandt Harmenszoon van Rijn sunt cu adevărat inspiratori. Și nu este necesar să devii artist, trebuie doar să faci ceea ce îți place și, cel mai important, din inimă.

Rembrandt Harmensz van Rijn (1606-1669) - pictor, desenator și gravor olandez, mare maestru al clarobscurului, cel mai mare reprezentant al epocii de aur a picturii olandeze.

Biografia lui Rembrandt van Rijn

Rembrandt Harmenszoon van Rijn s-a născut în orașul olandez Leiden la 15 iulie 1606. Tatăl lui Rembrandt era un morar bogat, mama lui a copt bine, era fiica unui brutar. Numele de familie „van Rijn” înseamnă literal „de la Rin”, adică de la râul Rin, unde străbunicii lui Rembrandt aveau mori. Dintre cei 10 copii din familie, Rembrandt era cel mai mic. Alți copii au mers pe urmele părinților, iar Rembrandt a ales o altă cale – una artistică, și a fost educat la o școală latină.

La vârsta de 13 ani, Rembrandt a început să învețe să deseneze și a intrat, de asemenea, la universitatea orașului. Vârsta atunci nu a deranjat pe nimeni, principalul lucru la acea vreme era cunoștințele la nivel. Mulți savanți sugerează că Rembrandt a mers la universitate nu pentru a studia, ci pentru a obține o amânare de la armată.

Primul profesor al lui Rembrandt a fost Jacob van Swanenbürch. În atelierul său, viitorul artist a petrecut aproximativ trei ani, apoi s-a mutat la Amsterdam pentru a studia cu Peter Lastman.

Din 1625 până în 1626 Rembrandt s-a întors în orașul natal și a făcut cunoștințe cu artiști și unii dintre studenții lui Lastman.

Cu toate acestea, după multă deliberare, Rembrandt a decis că o carieră de artist ar trebui făcută în capitala Olandei și s-a mutat din nou la Amsterdam și s-a căsătorit cu o orășeană bogată Saskia van Uylenburg, iar pictura „Lecția de anatomie a doctorului Tulp” a adus universal. recunoaștere tânărului pictor.

Opera lui Rembrandt van Rijn

Căci maestrul a început cel mai prosper deceniu din viața sa. A avut mulți elevi (școala lui Rembrandt).

În această perioadă, el a pictat capodopere precum „Autoportret cu Saskia” (1635) și „Danae” (1636).

Arta extrem de veselă a lui Rembrandt a anilor 30. combină experiența maeștrilor renascentist și baroc și o abordare inovatoare a subiectelor clasice.

Perioada de succes s-a încheiat brusc în 1642: magnifica lucrare „Night Watch” – un portret de grup al membrilor Breslei de împușcături din Amsterdam – a fost respinsă de clienții care nu au apreciat inovațiile artistului și l-au supus unor critici aspre.

Rembrandt practic a încetat să mai primească ordine, aproape toți studenții l-au părăsit. Saskia a murit în același an.

Din anii 40. Rembrandt a abandonat efectele teatrale în opera sa, iar începutul mistic, contemplativ s-a intensificat în pictura sa. Adesea, artistul a apelat la imaginea celei de-a doua soții - Hendrikje Stoffels.

Tabloul „Sfânta Familie” (1645), o serie de autoportrete, și cele mai bune peisaje sunt marcate de profunzime, calm și bogăție emoțională. Dar eșecurile au continuat să-l bântuie pe Rembrandt: în 1656 a fost declarat faliment, proprietatea a fost vândută la licitație, iar familia s-a mutat într-o casă modestă din cartierul evreiesc din Amsterdam.

Tabloul „Conspirația lui Julius Civilis” (1661), comandat de primărie, a împărtășit soarta „Ocului de noapte”. În 1663 artistul și-a înmormântat soția și fiul.

În ciuda deteriorării vederii, Rembrandt a continuat să picteze. Un rezultat deosebit al lucrării sale a fost pânza „Întoarcerea fiului risipitor” (1668-1669).

Autoportretele lui Rembrandt au surprins aproape toate etapele vieții sale și etapele drumului său creator. Ele sunt remarcabile în sine, pentru că ne permit să urmărim dezvoltarea maestrului și, de asemenea, pentru că mulți artiști de mai târziu - de la Sir Joshua Reynolds la Marc Chagall - au încercat să imite exemplul lui Rembrandt în speranța de a înțelege ceva despre ei înșiși.

Pictura lui Rembrandt „Portretul lui Jacob de Hein III” este listată în Cartea Recordurilor Guinness ca fiind cea mai frecvent furată operă de artă din lume. Tabloul a fost furat și găsit de patru ori. Ea a primit chiar și porecla „Takeaway Rembrandt”. Portretul este păstrat la Londra, în Galeria Dulwich.

Unele dintre picturile artistului Rembrandt, printre care celebrele „Danae”, „Sacrificiul lui Avraam” și „Rușinea lui Haman”, sunt păstrate în Muzeul Ermitaj de Stat (Sankt Petersburg). În 1985, o persoană bolnavă mintal a stropit cu acid sulfuric pe Danae. Restaurarea a durat 20 de ani. Acum „Danae” poate fi văzut doar în spatele unui strat gros de sticlă de protecție.

Proiectul de cercetare Rembrandt este un grup de oameni de știință care analizează moștenirea marelui artist. Proiectul se desfășoară din 1968.

Până atunci, se credea că pensula artistului aparține a 800 de tablouri. Proiectul a negat această cifră: după o cercetare atentă, s-a dovedit că erau doar aproximativ 350 dintre ei.

Restul au fost pictate de studenții lui Rembrandt, precum și de artiști influențați de Rembrandt. De exemplu, celebrul „Om cu cască de aur” din Berlin Galerie de artă, pentru mult timp considerată a fi opera unui maestru, s-a dovedit a fi un tablou al unui alt artist necunoscut.

La scrierea acestui articol, s-au folosit materiale de pe astfel de site-uri:loc fact.com ,

Dacă găsiți inexactități sau doriți să completați acest articol, vă rugăm să ne trimiteți informații la adresa de e-mail [email protected] site, noi și cititorii noștri vă vom fi foarte recunoscători.

În timpul vieții sale, Rembrandt a realizat aproximativ optzeci de autoportrete - picturi, gravuri și desene. Perioada timpurie a creativității, comploturile Vechiului și Noului Testament, „Night Watch” ca imagine a Olandei republicane. Perioada matură a creativității. "Sfânta Familie"

Creativitatea Rembrandt

1. autoportrete

În timpul vieții sale, Rembrandt a realizat aproximativ optzeci de autoportrete - picturi, imprimeuri și desene. Pentru el a fost un fel de autobiografie, chiar dacă mai târziu s-au vândut portrete. Unul dintre primele este „Autoportret” de la Amsterdam Rijksmuseum, unde un pictor dezordonat de douăzeci și doi de ani își privește cu privirea propria față, încercând să transmită, cu ajutorul clarobscurului, conștientizarea trezită despre el însuși ca artist pentru prima data.

Orez. 1. „Autoportret” în jurul anului 1628

Într-un autoportret din 1629, o rază strălucitoare evidențiază o față fără barbă, iscoditoare, evidențiată de un guler de dantelă. Dar autoportretul aceluiași an, păstrat la Haga, este mai oficial. În pictura mică „Artistul în atelierul său” (1629), care a fost mult timp atribuită lui Gerrit Dou, atelierul lui Rembrandt Leiden se deschide ochilor noștri, cu o masă, șevalet, paletă și mortar pentru șlefuirea vopselelor. Artistul s-a înfățișat neobișnuit de departe de imagine, de parcă dorind să lase privitorul să simtă cum vede și înțelege el însuși pictura.

În portretele mai mature, sufletul artistului este uneori exprimat, iar alteori ținuta lui este scrisă cu grijă. „Autoportret” din 1640, o imagine de rafinament și armonie neobișnuită, l-a surprins pe Rembrandt, în vârstă de treizeci și patru de ani, care a ocupat o poziție puternică în Amsterdam. Punctele de referință pentru artist au fost „Portretul unui nobil” al lui Titian, acum stocat la Londra, iar la acea vreme se afla în colecția prietenului lui Rembrandt, evreul portughez Alfonso Lopez, și „Portretul lui Baldassar Castiglione” al lui Rafael. În apropierea de maeștrii italieni, se simte o provocare din partea lui Rembrandt, subliniind parcă apropierea sa spirituală de marii săi predecesori cu o ținută neobișnuită a secolului al XVI-lea. Se pictează costumat, în maniera atelierului său, care păstra o mare varietate de ținute pentru modelele trecute în inventare – „Autoportret” în 1658 din colecția New York-ului Frick. Dar îi place și să se portretizeze în hainele unui comerciant din Amsterdam cu lanț, pandantive și ornamente de blană, sau un artist conștient de rolul și poziția sa în societate, ca în „Autoportret la șevalet” (1660) sau într-un alt autoportret cu o paletă și pensule de la Kenwood House din Londra, îmbrăcăminte modestă, pe cap o beretă albă simplă, voință tare, expresie inteligentă a unei fețe ridate. Iar aspectul este imperios, mândru și a devenit foarte obosit în ultimii ani, umbrit de greutăți materiale și necazuri familiale.

Orez. 2. „Autoportret” 1660

Neobișnuitul Autoportret din Köln, pictat în jurul anului 1665, expresiv și imparțial, îl arată pe Rembrandt încă capabil să zâmbească. Ultimele două autoportrete din 1669, păstrate la Londra și la Haga, unul cu mâinile încrucișate, celălalt într-un turban multicolor peste păr lung și gri, transmit amărăciunea și dezamăgirea unui bărbat împins în fundal de propriul său fost. studenți, un bărbat în 1641 reputat a fi „unul dintre cei mai remarcabili pictori ai timpului său”.

2. Perioada timpurie a creativității

Rembrandt și-a început călătoria în Leidan - prima sa muncă independentă aparțin mijlocului anilor 20; din 1632 până la sfârșitul vieții, Rembrandt a lucrat la Amsterdam, principalul centru artistic al țării. A doua jumătate a anilor 20 și 30 a fost perioada în care Rembrandt și-a căutat propria cale și metoda creativă.

Rembrandt studiază realitatea, caută să-i stăpânească diversele aspecte (după cum reiese din desenele sale), dar interesul său principal este în caracterul uman individual și diversitatea manifestărilor vieții spirituale.

Atenția la viața interioară a unei persoane determină originalitatea și primul complot imagini Rembrandt (Tobius și soția sa, 1625 - 1626, „Apostolul Pavel în închisoare”, 1627). Accentul pus pe experiența psihologică a evenimentului, pe care Rembrandt dorește să o vadă, parcă, prin ochii participanților săi, este deosebit de pronunțat în Hristos la Emaus (c. 1629). Artistul arată reacția personajelor - entuziasm, frică, șoc. Dar, la fel ca în autoportretele timpurii, afectele emoționale sunt încă lipsite de ambiguitate și forțate, ipostazele și gesturile sunt prea demonstrative.

În lucrările de la sfârșitul anilor 1920 și începutul anilor 1930, rolul luminii ca mijloc de sporire a expresivității emoționale a scenei este deja dezvăluit. În „Apostolul Pavel” iluminarea subliniază starea de spirit a eroului. În „Hristos la Emaus” opoziţia luminii şi umbrei transmite bruscul şi tăria sentimentului care i-a cuprins pe apostoli.

Pictura istorică a devenit, alături de portret, principala zonă a operei lui Rembrandt. Intrigile Vechiului și Noului Testament au făcut posibilă acordarea conținutului lucrării la o scară figurativă, iar sensul său - un caracter generalizator. Trecerea la subiecte religioase și mitologice nu a însemnat pentru Rembrandt o respingere a veridicității reale a imaginii, dimpotrivă, el își propune să îmbine realul, pământesc, concretul cu acel spirit sublim și sensul general semnificativ care se află în legendă. .

În același timp, stilul pictural al perioadei timpurii este contradictoriu. Rembrandt nu reușește întotdeauna să îmbine organic sublimitatea și autenticitatea, măreția sentimentelor și adevărul brut al realității. Așadar, în „Hristos la Emaus” există un contrast prea ascuțit între obișnuit (aspectul oamenilor de rând a personajelor și viața de zi cu zi a anturajului) și evenimentul miraculos.

Respingând convenționalitatea și idealizarea înclinată, Rembrandt deheroizează personajele poveștilor religioase și mitologice, dar, în același timp, subliniază prea mult prozaismul naturii și josnicia pasiunilor (Căsătoria lui Samson, 1635). Pe de altă parte, sublimul este încă identificat pentru Rembrandt cu elevația exterioară a scenei, cu patosul și dinamica sa furtunoasă - în lucrările din mijlocul și a doua jumătate a anilor '30, nu întâmplător influența italianului. și baroc flamand („Sacrificiul lui Avraam”, 1634; „Samson orbitor”).

Nevoia lui Rembrandt de fast spectaculos și de ciocniri dramatice - precum și bravada lui, dorința de a dezaproba normele și idealurile artistice obișnuite - a fost asociată în mare măsură cu dorința de a scăpa de prozaismul și limitările burgheze ale modului de viață burghez stabilit. Din lumea vieții de zi cu zi, este atras de lumea eroismului și a fanteziei. În anii '30, el s-a pictat adesea pe sine și pe cei dragi în costume „istorice”, în ținute magnifice, fantastice („Saskia în formă de Floră”, 1634; autoportrete din Petit Palais, din Berlin și Luvru, 1634). ). Acestea, așa cum sunt numite, portrete imaginare păreau să întruchipeze un fel de vis despre o persoană frumoasă, despre o imagine ridicată deasupra realității cotidiene.

În această perioadă, Rembrandt nu numai că își caută propriul ideal de viață și de om, ci creează, de asemenea, lucrări care îi prevestesc drumul viitor. „Coborârea de pe cruce” (între 1633 și 1639) a fost scrisă sub influența celebrei compoziții a lui Rubens, dar intriga este interpretată de Rembrandt ca o scenă de cameră: acest lucru îi permite privitorului să se simtă ca ceva legat personal de el, făcându-i personal apel la o tragedie umană - moartea celor chinuiți de suferința lui Hristos și durerea celor dragi. Lumina care trece prin întuneric dă naștere unui sentiment de tăcere tensionată, intensitate a sentimentelor, grandoarea dramei.

În anii 1930, Rembrandt a fost cel mai popular pictor din Amsterdam. Succesul, faima, bunăstarea materială vin la el. Studenții se adună în studioul lui.

Rembrandt a realizat multe portrete comandate în acest moment. Sunt pictate cu o mare putere plastică, transmit perfect asemănarea, înțeleg caracteristica în aparență, dar Rembrandt nu și-a găsit încă drumul în portrete. Și totuși, poate nu este o coincidență că Rembrandt, portretist prin talent, într-o lucrare de acest gen - un portret de grup al corporației trăgătorilor din Amsterdam - a reușit să întruchipeze idealul eroismului, fără a cădea în extremele patosului teatral. și ascuțire grotesc, pentru a realiza o fuziune organică a exaltației poetice, colorată cu o notă de fantezie și vitalitate reală („Night Watch”, finalizată în 1642).

Ideea artistului a fost neobișnuită: la portretele a optsprezece clienți, a adăugat el caractere fictiveși le-a legat cu un motiv parcelar: performanța companiei, care iese de sub arc și traversează podul peste canal. Figurile și fețele sunt acum ascunse de o umbră, apoi smulse de lumina strălucitoare a zilei. În grupul de trăgători, vedem trecători care se îndreaptă spre el, inclusiv o fată într-o rochie galbenă aurie, ca o lumină strălucitoare, pâlpâind în această mulțime de bărbați energici.

Combinația de imagini portret cu figuri fără nume, dinamica compoziției i-au dat o mare vitalitate. Dar originalitatea „Night Watch” constă în faptul că nu este doar un portret de grup, ci și o scenă de mulțime. Motivul mișcării, spectacolele arcașilor, arhitectura maiestuoasă a fundalului, costumele colorate de tot felul, contrastele de lumină și umbră și, în final, dimensiunea uriașă a tabloului dau impresia unei procesiuni solemne, un eveniment social semnificativ. . „Night Watch” a devenit o compoziție monumentală, unde se aude clar tema ascensiunii patriotice, triumful spiritului civic. Rembrandt o reafirmă atunci când patosul civic și idealurile democratice din realitatea olandeză și din arta olandeza. Tabloul „Night Watch” a devenit, parcă, o imagine a Olandei republicane, un portret de grup a primit semnificația unui tablou istoric.

Orez. 3. „Vizorul de noapte” 1642

3. Perioada matură a creativității

The Night Watch completează o fază incipientă în dezvoltarea creativă a lui Rembrandt. Din anii 40 începe perioada de maturitate. Există o schimbare de mentalitate. Dinamica furtunoasă, patos, spectacol - tot ceea ce a fost asociat cu căutări contradictorii imagine mare, - pleacă de la arta lui. Noi principii creative sunt definite și formate treptat într-un sistem complet. Acest proces este finalizat prin anii 50, care se deschid stadiu final Activitățile lui Rembrandt.

În anii 1940, Rembrandt a reelaborat unele dintre lucrările sale scrise în deceniul precedent - dovadă elocventă a schimbării aspirațiilor artistice ale maestrului. Prima versiune a picturii „Danae” a fost creată în 1636. Intriga mitologică a fost prezentată într-un design spectaculos și elegant, dar eroina însăși a uimit prin banalitatea ei. Figura lui Danae, pictată după un model anume, este complet individuală în machiajul său fizic, formele și proporțiile sale sunt foarte departe de standardele ideale de frumusețe. Afirmarea unei viziuni realiste a realității în imaginea unui corp gol – acea „sferă” a creativității artistice, unde idealul clasic a dominat foarte mult timp – a primit un caracter deosebit de viu, programatic.

În 1646 - 1647, Rembrandt a repictat partea centrală a picturii, inclusiv Danaë și o servitoare. Artistul nu se mai mulțumește doar cu „externul” adevăr vital- a aspirat la adevărul interior. Expresia facială, un gest nou regăsit în această variantă mana dreapta surprinzător de precis și pătrunzător a transmis starea emoțională a eroinei - entuziasm și bucurie, așteptare și speranță, nerăbdare și atractie. În „adevărul naturii” Rembrandt a putut discerne frumusețea spirituală, morală: Danae este frumoasă cu sinceritatea și fericirea iubirii, care pare să strălucească pe chipul ei. Miraculosul, maiestuosul devine echivalent cu experiența spiritualizată pentru Rembrandt.

S-a schimbat și stilul său de pictură. În părțile neatinse ale imaginii, formele sunt lucrate în detaliu, detaliile sunt transferate cu atenție, textura neutră, predomină tonurile reci în colorare; în zona centrală - scrierea este largă, liberă, iar colorarea este susținută în tonuri calde aurii și maronii, îndrăgite de artist în perioada matură a creativității. Funcțiile luminii au devenit mai complexe - ea dobândește, parcă, un independent, cu mai multe valori sens spiritual. În Danae, strălucirea blândă a luminii începe să fie percepută ca o emanație a sentimentului uman.

În arta lui Rembrandt, poezia și adevărul ajung la o unitate armonioasă. Revelația poeticului, a sublimului în real, a obișnuitului și, pe de altă parte, interpretarea intrigii nu ca o coliziune „evenimentată”, ci ca o coliziune psihologică - în aceasta găsește acum o soluție la problemă. Accentul este mutat pe conținutul interior, spiritual al imaginii sau evenimentului.

Poezie, spiritualitate Rembrandt introduce în portrete caracteristici („Omul cu șoim”, 1643; „Portretul lui Agatha Bass”, 1641). De acum înainte, autoportretele artistului nu mai sunt studii de expresie, ci dezvăluire lumea interioara o persoană aflată în diferite etape ale căii sale de viață, evoluția sa spirituală.

În legendele Scripturii, Rembrandt caută să găsească un „început” uman aproape de toată lumea - vede demnitatea morală și frumusețea într-o persoană obișnuită și în fenomenele obișnuite ale vieții. Nu întâmplător tema lirică l-a atras atât de mult pe Rembrandt în anii 40. Profunzimea sentimentelor, tandrețea și căldura intimă a relațiilor poetizează viața oamenilor obișnuiți și dau un sentiment al înălțimii sale morale („Sfânta familie”, 1646; „Tobius și soția lui”, 1645).

Dar lirismul interpretării și concretețea în transferul mediului nu conferă lucrărilor un caracter de gen - semnificația interioară duce conținutul tabloului dincolo de cadrul unui episod privat.

„Granul” ideilor estetice ale lui Rembrandt este recrearea mediului material și emoțional care înconjoară o persoană, indisolubil legat de ființa sa, de lumea sa interioară, un mediu care nu este mai puțin decât imaginea însăși și care exprimă în mod egal starea de spirit și sensul. a scenei.

În Sfânta Familie (1645), scena este cufundată într-un amurg transparent străpuns de o lumină aurie tremurătoare, în care acțiunea îngheață și se oprește, care pare să absoarbă „vocile” emoționale ale tabloului. Nuanțele sentimentelor dau o senzație a duratei experienței și, în același timp, parcă, curgerea vieții în timp.

Astfel, în a doua jumătate a anilor 1940, problemele creativității maturității și răposatul Rembrandt; în același timp, s-a format noul său sistem pictural. Chiaroscurul este elementul primar, creativ structura artistică. Radiând strălucire și căldură, lumina devine echivalentul material al unui sentiment liric - ea determină atmosfera spirituală a scenei, este purtătoarea semnificației sale etice. Lumina determină și existența culorii în imagine, puterea ei expresivă. În Sfânta Familie, sentimentul de căldură și tandrețe al iubirii materne este „susținut” de tonuri roșii care mocnesc în amurgul maroniu. Lumina, parcă s-ar fi născut împreună cu forma corporală, îi conferă o ușurință deosebită, iar spațiul primește profunzime și aerisire datorită clarobscurului. Figurile se contopesc într-un întreg cu spațiul, care este perceput ca un mediu emoțional, saturat de trăiri și experiențe umane.

Forma plastică primește și o spiritualitate aparte. Corpul lui Batsheba („Batseba”, 1654) Rembrandt scrie cu atâta forță și expresie încât pare surprinzător de viu, real și extrem de expresiv, parcă vorbind. Fiecare formă, întoarcere, îndoire a corpului, „respirația” lui în aceeași măsură ca și fața, înclinarea capului, privirea, exprimă smerenia și pasivitatea Batșebei, care s-a gândit la scrisoarea lui David și la soarta ei. Starea ei de spirit este recreată atât de profund și complet, încât întreaga viață a lui Batseba pare să treacă prin fața ochilor ei și a privitorului.

4. Perioada târzie a creativității

Ultimele decenii ale vieții artistului sunt cea mai semnificativă etapă a artei sale. Concentrându-se pe problemele conținutului spiritual, Rembrandt ajunge la mari generalizări de ordin filozofic și etic. În domeniul celei mai pitorești forme, el face descoperiri îndrăznețe, privind departe în viitor.

Pentru Rembrandt din anii 1950 și 1960, interpretarea intrigii este, în esență, dezvăluirea lumii interioare a unei persoane a cărei bogăție spirituală, conflicte morale, soartă dobândesc un sens în general semnificativ. În acest sens, putem vorbi despre apropierea excepțională a picturii și portretului tematici din opera regretatului Rembrandt.

În portretele anilor 50 și 60, Rembrandt vrea să transmită versatilitatea, versatilitatea caracterului uman, dar, mai presus de toate, complexitatea vieții interioare a unei persoane, diversitatea și variabilitatea acesteia, nuanțele evazive ale sentimentelor și gândurilor care se înlocuiesc unele pe altele. , pentru a-și arăta întrepătrunderea și continuitatea, cu alte cuvinte – în timp. Spre deosebire de Hals, care a surprins o persoană la un moment dat, parcă smuls din fluxul temporal, Rembrandt dă în portret o senzație de formare treptată a imaginii.

Rembrandt apreciază în personalitatea umană nu atât integritatea ei rațional-armonică, cât profunzimea și subtilitatea reacțiilor intelectuale și spirituale față de mediul care îi sunt unice. Dar puterea și semnificația cu care lumea spirituală și spirituală a unei anumite persoane este transmisă de Rembrandt ne fac să vedem trăsăturile umane universale într-o imagine individuală.

Jan Six (1654) este înfățișat în momentul scufundării complete în sine: s-a oprit, mâna, trăgând de mănușă, a înghețat. În chipul inteligent și expresiv al lui Six, în ochii lui, fără a observa nimic în jur, sunt vizibile tristețea și un fel de nemulțumire ascunsă, perspicacitatea și sensibilitatea spirituală sporită.

Frumusețea nobilă a culorii - o combinație între o camisolă gri, o pălărie neagră, păr roșcat și o mantie roșie cu dantelă aurie - este în ton cu imaginea creată de Rembrandt. Pe întreaga apariție a lui Jan Six se află pecetea aristocrației spirituale, care pare să justifice gama complexă de sentimente pe care le experimentează acum. O mare demnitate interioară vorbește despre o înaltă conștiință personală a individului.

Scrisoarea lui Rembrandt este neobișnuit de îndrăzneață, o linie larg liberă, o manieră schițată, „deschisă”. Formele sunt moi, flexibile, gata să răspundă oricărui impuls emoțional și sunt impecabil de clare, precise și definite - imaginea este dată atât în ​​completitudinea ei, cât și în variabilitatea vieții interioare.

În portretele lui Rembrandt, caracterul unei persoane își pierde caracterul static - o stare recreată pe pânză este formată din diverse experiențe și senzații emoționale. În „Portretul lui Nicholas Breining” (1652), fluxul de gânduri și mișcări spirituale succesive este transmis cu sensibilitate. Este greu de definit în cuvinte ce exprimă privirea lui, un zâmbet slab, ușor obosit, care abia i-a atins buzele - subtilitate spirituală, bunătate, condescendență blândă, batjocură și o ușoară tristețe pândind în el. Alunecarea umbrelor, jocul reflexiilor luminii, mobilitatea și incertitudinea contururilor, mișcarea masei cele mai colorate dau un sentiment de dinamică internă, care este subliniată și de compoziția portretului, instabilitatea ipostazei, întoarcerea capului.

Portretele lui Rembrandt, parcă, absorb nu numai prezentul, ci și trecutul unei persoane - devin povestea unei vieți întregi, un portret-biografie. În lucrări precum „Portretul unei bătrâne” (1654), „Portretul unui bătrân în roșu” (1652 - 1654) sau autoportretul lui Rembrandt de la Muzeul din Viena (c. 1655), este reflectată calea vieții unei persoane. , experiența tuturor neliniștilor, durerilor și dezamăgirii, încercărilor morale dificile și victorii asupra sinelui - o experiență în care eroii portretelor lui Rembrandt nu își pierd niciodată puritatea spirituală, dar care adaugă unora putere spirituală și capacitatea de a rezista luptei vieții, și îi conduce pe alții la smerenie, la detașare jalnică și înțeleaptă.

Textura și lumina sunt mijloace caracteristici psihologice. Straturile neuniforme de vopsea, fie întinse în denivelări, fie adunate în cheaguri, fie aplicate într-un strat ușor, dau impresia de cristalizare, de formare a unei imagini în fața ochilor privitorului. Lumina, ca și cum ar veni din interior, din adâncul ființei unei persoane, este percepută ca o emanație a vieții sale spirituale - tristețea tragică a bătrâneții, tandreței și căldurii („Portretul lui Hendrickje Stoffels”, 1658-1659), puritatea poetică a tinereții („Portretul lui Titus”, pe la 1656).

Într-un mod nou, baza psihologica rezolvată de Rembrandt și un portret de grup al „Sindikov al prăvăliei de pânză” (1662). Compoziția este construită în așa fel încât să evite monotonia ritmului și să obțină naturalețea în dispunerea figurilor. Întoarcerile lui Rembrandt, înclinările capului, gesturile sunt extrem de subtile; restrânși în expresia lor exterioară, ele transmit cu cea mai mare claritate diverse nuanțe de atenție și concentrare. Fiecare este caracterizat de artist cu acuratețe și complet, cu toate acestea prin mijloacele cele mai răutăcioase; acestea sunt portrete individuale expresive și în același timp diverse tipuri umane. Dar principalul lucru în opera lui Rembrandt este sentimentul de înțelegere reciprocă a personajelor, unitatea lor spirituală. Ea decurge din concentrarea psihologică a eroilor asupra unui eveniment comun care entuziasmează pe toată lumea, așa că compoziția dă impresia unui indisolubil. interfon oamenii înfățișați.

„Syndicii” lui Rembrandt este apogeul și ultimul cuvânt în arta portretului olandez.

Orez. 4. „Sindicurile prăvăliei de pânză”. 1662

Personajele din portretele lui Rembrandt sunt unice prin natura lor, prin aspectul lor spiritual, dar Rembrandt, parcă, caută să-i înțeleagă pe toată lumea, să-l „accepteze” și să se apropie de el, chiar dacă această persoană îi este străină de mulți. Gerard de Laresse, cu chipul desfigurat de sifilis, jalnic și suferind, își etalează încrederea în sine și o eleganță deliberată, ușor exagerată; el încearcă să mențină ecuanimitatea, dar durerea neexprimată se citește în ochi inteligenți și triști („Portretul lui G. de Laresse”, 1665).

Pătrunzând adânc în psihologia modelelor, portretele lui Rembrandt sunt legate de un fel de rudenie interioară: sunt unite de spiritualitatea inerentă și bogăția emoțională, dar în primul rând - participarea caldă a artistului, bunăvoința sa, parcă dictată. senzație ascuțită dreptatea, impunând imaginilor sale portret pecetea umanității și pătrunderii deosebite. Rembrandt a știut să găsească ceva frumos în fiecare persoană, care să corespundă idealului său moral înalt.

Arta regretatului Rembrandt este plină de o mare semnificație spirituală și profunzime filozofică.

În centrul compozițiilor tematice din pictura de la sfârșitul anilor 50 și 60 se află adesea un conflict moral. Viața umană este înțeleasă de Rembrandt ca un drum dificil și plin de încercări, predeterminat de soartă, în care o persoană trebuie să urmeze anumite legi interne, morale - legile dreptății, bunătății, compasiunii.

Intriga compoziției „Assur, Haman și Esther” (1660) Rebrandt o interpretează ca o ciocnire a destinelor umane. Evreica Estera, soția regelui persan Assur, i-a povestit regelui despre planurile insidioase ale prietenului său, vizirul Haman, care plănuia să distrugă poporul evreu. Pozată în neutru spațiu întunecat, personajele imaginii sunt deconectate în exterior, înstrăinate unul de celălalt - fiecare este închis în sine, absorbit de gândurile și de suferința sa mentală, dar viețile lor sunt legate prin fire invizibile, soarta lor viitoare este decisă de această întâlnire. Ideea și starea de spirit a imaginii sunt în primul rând limbajul relațiilor colorate și luminoase: nuanțe de roșu strălucind în amurgul maro, sclipici de ton auriu care o pătrund, strălucirea mantalei de brocart a Estheri și profilul feței ei plin de lumină.

Eroii lui Rembrandt nu sunt niciodată personaje unidimensionale, iar în aceasta – și nu numai în vicisitudinile destinului – se află și sursa suferinței lor morale.

Tabloul „Negarea apostolului Petru” (1660) dezvăluie drama unui om care și-a trădat convingerile. În fața Apostolului Petru, luminat brusc în amurgul nopții de flacăra unei lumânări ținute de o slujitoare, există o gamă complexă de sentimente conflictuale care îl chinuie: frică și rugăciune timidă, remuşcare și rușine, conștiința sa. slăbiciune și vinovăție de neiertat. Ele sunt întruchipate, parcă, prin plasticitatea instabilă, instabilă a feței cu formele sale, când se dizolvă în lumină, când dobândește certitudine.

Cu toate acestea, în postura Sf. Peter, în turnul maiestuos al figurii, în scara ei, în strălucirea unei mantii albe strălucitoare de reflexe aurii - cea mai mare și mai strălucitoare pată din imagine - se poate ghici ecoul altor calități nobile ale naturii sale, care s-a dovedit a fi slabă în momentul încercării, dar prin însăși capacitatea sa de a trăi experiențe atât de puternice, la un conflict spiritual tragic care se înălța asupra dușmanilor ei.

Unul dintre culmile artei lui Rembrandt este pictura „David și Saul” (începutul anilor 1660), legenda biblică spune că regele Saul, care se îndoia de puterea tronului său, a fost chinuit de accese de furie crudă care i-au adus mintea în stupefare. . Numai cântarea și cântatul harpei băiatului David au putut să-i aline suferința; dar în David Saul îl bănuiește pe succesorul său, iar sub înfățișarea unui băiețel ciobanesc destinul său pare să-i apară regelui.

Rembrandt descrie momentul în care Saul, ascultând jocul lui David, se confruntă cu un șoc uriaș: furia i s-a domolit, mâna care ținea toiagul s-a slăbit, își șterge lacrimile cu baldachinul perdelei. În acest moment de tulburare spirituală, de iluminare interioară, au fost dezvăluite sentimentele cele mai intime, secrete ale lui Saul, în care el, poate, nu recunoaște nici măcar pentru sine: frica, disperarea și singurătatea.

Artistul pune cu îndrăzneală, liber, lovituri de vopsea pe pânză, folosind diverse pensule, un cuțit, chiar frecând vopseaua cu degetul - se pare că suntem prezenți chiar la actul creației, când se transmite inspirația unui impuls emoțional. de la artist la personajele din imagine, această „lavă” colorată, irizată, ca niște pietre prețioase, devine o întruchipare vizibilă a elementului de sentimente care deține personajele imaginii.

În intrigile Evangheliei și ale Bibliei, Rembrandt căuta nu numai sensul etern și imagini generalizatoare, ci și acea dramă care face o persoană să se descopere în toată bogăția contradictorie a naturii sale, acel grad de tensiune spirituală când puterea de experienţă îl expune într-o persoană. cele mai bune calități când se manifestă cele mai înalte impulsuri spirituale ale lui. Idealul spiritual, etic al lui Rembrandt își găsește temeiul realizării în conflictul dramatic moral.

Problemele etice ale artei lui Rembrandt au fost în cele din urmă exprimate în compoziția monumentală „Fiul risipitor”, scrisă cu puțin timp înainte de moartea sa (1668 - 1669).

Complotul a fost pilda Evangheliei despre un tânăr care și-a părăsit casa părintească, și-a risipit tinerețea și averea și apoi s-a întors cu pocăință la adăpostul tatălui său. Întregul spațiu al tabloului este cufundat în amurg, absorbind câteva detalii ale fundalului și martorilor evenimentului pentru a se concentra asupra figurilor tatălui și fiului. Ei formează un grup închis: figura unui tânăr, zdrențuit și nenorocit, agățat de tatăl său în rușine și pocăință, parcă surprins de silueta unui bătrân. Tatăl și fiul par să se fi contopit într-o singură ființă și stau nemișcați, în strânsoarea experiențelor lor. Tăcerea simpatică, tristă a celor prezenți face să se audă mai limpede vocile interioare ale personajelor, dialogul lor mut. Mâinile tatălui - un bătrân cu chip bun și înțelept - sunt coborâte pe umerii fiului său - îl mângâie, îl încurajează, îl ține și îl iartă. Dar în această oră de întâlnire și reconciliere, ei nu experimentează bucurie și fericire - nici fiul, nici tatăl nu pot renunța la tot ce au trăit, iar trecutul lor este acum cu ei - rătăciri, sărăcie și umilință de unul, durere și o lungă așteptare jalnică. a altuia.

Într-un ton profund auriu-brun care domină compoziția, mantia roșie aruncată peste umerii tatălui este evidențiată ca principal accent emoțional, dramatic. El dă o maiestate deosebită figurii bătrânului, iar nenumărate nuanțe, revărsări, pâlpâiri, fulgerări și atenuări ale culorii roșii sunt percepute ca ecouri ale experiențelor sale.

Umanitatea captivantă și puterea uimitoare cu care această imagine cheamă compasiune, generozitate și dragoste, cu care se exprimă credința artistului în marea lor putere transformatoare și înălțătoare, fac din „Fiul risipitor” punctul culminant al „umanismului tragic” al lui Rembrandt.

Figura 5. „Întoarcerea fiului risipitor”. 1668 - 1669

Sfârșitul anilor 50 și 60 sunt perioada celor mai mari săi realizări creative- au fost și ani de încercări personale grele: Rembrandt dă faliment, moartea îi ia pe cei mai apropiați; pierde adepți, elevii lui îl înșală. Artistul recunoaște amărăciunea bătrâneții și a singurătății. Dar în autoportretele sale, scrise în acești ani, Rembrandt apare ca un om care, până în ultimele sale zile, și-a păstrat demnitatea și mândria, independența și forța morală, care i-au dat fericirea creativității, conștiința corectitudinii căii alese. și măreția spiritului care se cere pentru a-l urma.până la capăt (autoportrete în colecția Frick din New York, 1658; în Muzeul din Viena, 1652; în Galeriile Naționale din Washington și Londra, 1659, 1669) .

5. Grafică

Rembrandt pune în arta sa problema valorii etice a individului, a sensului moral al vieții umane. În conformitate cu această problemă, căutările sale artistice din anii 1950 și 1960, atât în ​​pictură, cât și în grafică, merg.

Grafica - desen, gravură - a fost o zonă complet independentă a activității creative a lui Rembrandt. A lucrat mai ales la gravură - ca gravor, Rembrandt nu cunoaște egal în arta mondială. El a îmbogățit tehnica gravurii cu noi tehnici care i-au conferit o flexibilitate extraordinară și au extins la infinit arsenalul posibilităților sale expresive. Rembrandt a completat gravarea cu așa-numitul „ac uscat”, adică linii desenate direct pe suprafața plăcii imprimate; de-a lungul marginilor canelurilor erau particule de metal zgâriat, așa-numitele barbe, care rețineau vopseaua. De asemenea, a fost o inovație faptul că a obținut diverse efecte picturale în timpul procesului de imprimare în sine - în funcție de modul în care a aplicat vopseaua (dacă a frecat-o doar în adâncituri sau a lăsat-o și pe părțile netede ale plăcii etc.). Drept urmare, Rembrandt a obținut în gravare atât o claritate deosebită a desenului, cât și gradul gradual al gradațiilor luminii, precum și moliciunea, vagitatea liniilor și bogăția contrastelor tonale. Uneori, Rembrandt a făcut modificări la o tablă imprimată deja terminată - fiecare dintre statele sale a fost în esență o lucrare independentă.

Subiectele gravurilor lui Rembrandt sunt foarte diverse - scene cotidiene (un gen la care maestrul nu s-a aplicat în pictură), portrete, peisaje, subiecte religioase. Fiecare temă primește propria soluție grafică. În peisaje cu laconism extrem, folosind doar expresivitatea trazei și părțile neumplute ale hârtiei, Rembrandt creează impresia întinderilor nesfârșite ale câmpiei, a luminii care umple spațiul, a vibrațiilor atmosferei aerului („Vedere de Omval”, 1645; „Podul celor șase”, 1645; „Moșia cântăritorului de aur”, 1651) În gravura „Trei copaci” (1643), peisajul este construit pe contrastul maselor de lumină și umbră. Lupta razelor soarelui cu norul, care a coborât pâraie de apă pe pământ, conferă peisajului o putere eroică.

La fel de monumentală și larg în sunet figurativ este o altă foaie celebră - compoziția cu mai multe figuri „Hristos vindecă bolnavii” (sfârșitul anilor 40). Fiecare, în felul său, așteaptă o minune de vindecare - cu credință, nerăbdare, smerenie, cu frică ascunsă sau cu o dorință atotconsumătoare care răstoarnă orice îndoială. Această temă a speranței și așteptării pasionale este umbrită de neîncrederea și ridicolul celor bogați și de un fel de timiditate interioară a lui Hristos însuși - ca și cum, la fel ca oamenii săraci, ca toată omenirea suferindă adunată în jurul lui, el așteaptă și speră un miracol care ar trebui să-i facă dragoste și compasiune pentru ei.

În grafica lui Rembrandt, democrația lui, simpatia lui pentru lumea deposedaților erau exprimate cu o spontaneitate deosebită.

Cele mai bune și perfecte gravuri pe care Rembrandt le-a creat în anii 50 (după 1660 nu s-a mai ocupat de gravură). În acest moment, Rembrandt se adresează în principal subiectelor Vechiului și Noului Testament. El întruchipează în ele reflecțiile sale asupra misterului vieții umane și al scopului ei, asupra problemelor etice ale ființei și a conflictelor sale tragice. Prin putere expresie emotionala gravurile anilor 50 nu sunt inferioare picturii sale și uneori chiar o depășesc.

În „Blind Tobias” (1651), mișcări ușoare pătrund în spațiu, dizolvând granițele obiectelor și figurilor - totul pare să fie umplut cu o lumină glisantă tremurândă, transmițând nuanțele subtile ale sentimentelor tatălui, așteptând încordat și entuziasmat sosirea lui. fiule, toate nuanțele de speranță timidă, dar indestructibilă, care susține viața unui bătrân singuratic și neputincios, îngrădit de lume de orbirea lui.

Orez. 6. „Tobius orb”. 1651

În „Predica lui Hristos” (c. 1656), mișcări de țesut, gradații de lumină și întuneric arată o polifonie complexă a diferitelor stări și reacții emoționale - simpatie, dispreț, indiferență, neînțelegere, aroganță stupidă, condescendență, participare umană.

În gravură, Rembrandt rămâne același maestru unic al clarobscurului, iar atât liniile, cât și gradațiile luminii, viața luminii, au devenit neobișnuit de diverse în funcțiile și expresia lor în gravurile anilor 50. În așa-numitul „Faust” (c. 1653), două puncte bogate și strălucitoare de lumină - capul unui alchimist și un disc pe fundalul unei ferestre - devin întruchiparea abilităților spirituale, un efort creativ care răsplătește un persoană cu o revelație a adevărului. În Coborârea de pe cruce (1654), îngroșarea umbrelor, sclipirile și stingerea luminii transmit starea de spirit a personajelor, tragedia evenimentului și sensul său sublim. În The Entombment (c. 1659), strălucirea tristă și tremurătoare a luminii concentrează experiențele tuturor participanților la scenă, liniștea dramatică a oamenilor legați de o comunitate de suferință. În The Bringing to the Temple (c. 1658), pâlpâirea fantomatică a luminii în întuneric dă impresia unei inițieri incitante în mister și a unei presimțiri tensionate, pline de tragice despre viitor.

Gravurile au reflectat, de asemenea, una dintre temele centrale ale operei lui Rembrandt din anii 1950 și 1960 - singurătatea omului și apelul la apropierea spirituală a oamenilor. În gravura „Trei cruci” (primele trei stări - 1653, a patra - 1660), haosul de pete de lumină și umbră creează ideea unei mase de oameni care se repezi la picioarele crucifixului - cu frică. si disperare. Lumina misterioasă care se revarsă din cer subliniază atât întunericul în care moartea lui Hristos a cufundat pământul, cât și înțelegerea oamenilor care, în tragedia celor întâmplate, și-au găsit drumul unii către alții. În unitatea tristă a oamenilor pe care drama trăită i-a scos din lumea lor închisă, în această frăție a suferinței, poate, moartea lui Hristos, înălțată deasupra lumii și a mulțimii în întunericul nopții și al singurătății eterne, își găsește înțelegerea și justificare.

1. „INTRODUCERE în studiile culturale” editată de E.V. Popova, Moscova, 1995

2. Grinenko G.V. Cititor despre istoria culturii mondiale. Moscova, 1998

3. Dmitrieva N.A. Poveste scurta artele. Problema. 2. Moscova, 1990

4. Istoria artei țărilor străine din secolele XVII - XVIII: Manual. Moscova, 1988

5. Istoria artei țărilor Europa de Vest din Renaștere până în secolul al XX-lea. Moscova, 1988

6. Istoria esteticii. Monumente ale gândirii estetice mondiale. Volumul 2. Moscova, 1964

7. Lazarev V.N. Vechi maeștri europeni. Moscova, 1974

8. Rotenberg E.I. Europei de Vest pictura XVII secol. Moscova, 1989

9. Dicționar enciclopedic sovietic. Moscova, 1982

	La descarca munca liber să vă alăturați grupului nostru In contact cu. Doar faceți clic pe butonul de mai jos. Apropo, în grupul nostru ajutăm gratuit la redactarea lucrărilor academice. La câteva secunde după verificarea abonamentului, va apărea un link pentru a continua descărcarea lucrării.
	Deviz gratuit
	Boost originalitatea acest lucru. Bypass anti-plagiat.
	REF-Master- un program unic pentru auto-scrierea eseurilor, lucrărilor trimestriale, teste și teze. Cu ajutorul REF-Master, puteți realiza cu ușurință și rapid un rezumat original, un articol de control sau un termen bazat pe lucrarea terminată - Creativitatea lui Rembrandt. Principalele instrumente folosite de agențiile profesionale abstracte sunt acum la dispoziția utilizatorilor refer.rf absolut gratuit!