Tragedija života i djela Rembrandta. Rembrandt - sve što trebate znati o slavnom nizozemskom umjetniku

Rembrandt Harmensz van Rijn (1606.-1669.) - nizozemski slikar, crtač i graver, veliki majstor chiaroscura, najveći predstavnik zlatnog doba nizozemskog slikarstva.

Biografija Rembrandta van Rijna

Rembrandt Harmenszoon van Rijn rođen je u nizozemskom gradu Leidenu 15. srpnja 1606. godine. Rembrandtov otac bio je bogati mlinar, majka mu je dobro pekla, bila je kći pekara. Prezime "van Rijn" doslovno znači "od Rajne", odnosno od rijeke Rajne, gdje su Rembrandtovi pradjedovi imali mlinove. Od 10 djece u obitelji, Rembrandt je bio najmlađi. Ostala djeca krenula su stopama svojih roditelja, a Rembrandt je odabrao drugačiji put - umjetnički, te se školovao u latinskoj školi.

U dobi od 13 godina Rembrandt je počeo učiti crtati, a također je upisao gradsko sveučilište. Starost tada nikome nije smetala, glavna stvar u to vrijeme bilo je znanje na razini. Mnogi znanstvenici sugeriraju da Rembrandt nije otišao na sveučilište da bi studirao, već da bi dobio odgodu od vojske.

Rembrandtov prvi učitelj bio je Jacob van Swanenbürch. U svojoj radionici budući umjetnik proveo oko tri godine, a zatim se preselio u Amsterdam studirati kod Petera Lastmana.

Od 1625. do 1626. godine Rembrandt se vratio u svoj rodni grad i upoznao se s umjetnicima i nekim od Lastmanovih učenika.

Ipak, nakon dugog razmišljanja, Rembrandt je odlučio da karijeru umjetnika treba napraviti u glavnom gradu Nizozemske, te se ponovno preselio u Amsterdam i oženio bogatom građankom Saskiom van Uylenburg, a slika “Lekcija anatomije dr. Tulpa” donijela je univerzalnu priznanje mladom slikaru.

Djelo Rembrandta van Rijna

Za gospodara je počelo najprosperitetnije desetljeće u njegovom životu. Imao je mnogo učenika (Rembrandtova škola).

U tom je razdoblju naslikao remek-djela poput "Autoportreta sa Saskijom" (1635.) i "Danae" (1636.).

Izuzetno vesela umjetnost Rembrandta 30-ih. spaja iskustvo renesansnih i baroknih majstora i inovativan pristup klasičnim temama.

Razdoblje uspjeha naglo je završilo 1642.: veličanstveno djelo "Noćna straža" - grupni portret članova Streljačkog ceha iz Amsterdama - odbili su kupci koji nisu cijenili umjetnikove inovacije i podvrgli ga oštroj kritici.

Rembrandt je praktički prestao primati narudžbe, gotovo svi studenti su ga napustili. Saskia je umrla iste godine.

Od 40-ih godina. Rembrandt je u svom stvaralaštvu napustio teatralne efekte, au njegovom se slikarstvu intenzivirao mistični, kontemplativni početak. Često se umjetnik okrenuo slici svoje druge žene - Hendrikje Stoffels.

Slika "Sveta obitelj" (1645.), niz autoportreta i najbolji pejzaži obilježeni su dubinom, smirenošću i emocionalnim bogatstvom. Ali neuspjesi su nastavili progoniti Rembrandta: 1656. proglašen je bankrotom, imanje je prodano na dražbi, a obitelj se preselila u skromnu kuću u židovskoj četvrti Amsterdama.

Slika “Urota Julija Civilisa” (1661.) koju je naručila gradska vijećnica podijelila je sudbinu “Noćne straže”. Godine 1663. umjetnik je pokopao svoju ženu i sina.

Unatoč pogoršanju vida, Rembrandt je nastavio slikati. Svojevrstan rezultat njegova rada bilo je platno "Povratak izgubljenog sina" (1668-1669).

Rembrandtovi autoportreti zabilježili su gotovo sve faze njegova života i faze njegova stvaralačkog puta. Izvanredni su sami po sebi jer nam omogućuju da pratimo razvoj majstora, a također i zato što su mnogi kasniji umjetnici - od Sir Joshue Reynoldsa do Marca Chagalla - pokušali oponašati Rembrandtov primjer u nadi da će nešto shvatiti o sebi.

Rembrandtova slika "Portret Jacoba de Heina III" upisana je u Guinnessovu knjigu rekorda kao najčešće ukradeno umjetničko djelo na svijetu. Slika je četiri puta ukradena i pronađena. Čak je dobila i nadimak "Rembrandt za ponijeti". Portret se čuva u Londonu, u galeriji Dulwich.

Neke od slika umjetnika Rembrandta, uključujući poznatu "Danae", "Abrahamovu žrtvu" i "Hamanovu sramotu", pohranjene su u Državni Ermitaž(St. Petersburg). Godine 1985. mentalno bolesna osoba poprskala je Danae sumpornom kiselinom. Obnova je trajala 20 godina. Sada se "Danae" može vidjeti samo iza debelog sloja zaštitnog stakla.

Rembrandtov istraživački projekt skupina je znanstvenika koji analiziraju ostavštinu velikog umjetnika. Projekt se provodi od 1968. godine.

Do tada se vjerovalo da umjetnikovom kistu pripada 800 slika. Projekt je demantirao tu brojku: nakon pomnog istraživanja pokazalo se da ih je samo oko 350.

Ostatak su naslikali Rembrandtovi učenici, kao i umjetnici pod Rembrandtovim utjecajem. Na primjer, slavni "Čovjek u zlatnoj kacigi" iz Berlinske umjetničke galerije, dugo smatran djelom majstora, pokazao se kao slika drugog nepoznatog umjetnika.

Prilikom pisanja ovog članka korišteni su materijali s takvih stranica:mjesto činjenica.com ,

Ukoliko pronađete bilo kakve netočnosti ili želite dopuniti ovaj članak, pošaljite nam podatke na e-mail adresu [e-mail zaštićen] stranice, mi i naši čitatelji bit ćemo vam vrlo zahvalni.

Stvaranje Rembrandt Harmensz van Rijn(1606-1669) označava vrhunac Nizozemaca umjetnost XVII stoljeća i jedan od vrhunaca svjetske umjetnosti uopće. Demokratska i istinski humana, prožeta gorljivom vjerom u trijumf pravednih načela u životu, utjelovila je najnaprednije i životno afirmirajuće ideje svog vremena. Umjetnik je likovnu umjetnost uzdigao do nova pozornica, obogaćujući ga neviđenom vitalnošću i psihološkom dubinom. Rembrandt je stvorio novi slikovni jezik, u kojem su glavnu ulogu imale fino razvijene tehnike chiaroscura i bogat, emocionalno intenzivan kolorit. Od sada je duhovni život čovjeka postao dostupan prikazivanju sredstvima realističke umjetnosti.

Rembrandt je bio inovator u mnogim žanrovima. Kao portretist, tvorac je osebujnog žanra portreta-biografije, gdje se dugi život čovjeka i njegov unutarnji svijet otkrivaju u svoj svojoj složenosti i nedosljednosti. Kao povijesni slikar, daleke antičke i biblijske legende pretočio je u priču zagrijanu visokim humanizmom o stvarnim ovozemaljskim ljudskim osjećajima i odnosima.

Sredina 1630-ih bilo je vrijeme kada je Rembrandt bio najbliži paneuropskom baroknom stilu, bujnom i bučnom, zasićenom teatralnim patosom i nasilnim pokretom, kontrastima svjetla i sjene, kontradiktornim susjedstvom naturalističkih i dekorativnih trenutaka, senzualnosti i okrutnosti.

NA napisana u razdoblju baroka "Silazak s križa"(1634). Slika ilustrira evanđeosku legendu o tome kako su Josip iz Arimateje, Nikodem i drugi Kristovi učenici i rođaci, dobivši Pilatovo dopuštenje, noću skinuli Kristovo tijelo, zamotali ga u bogato platno i pokopali.

Legendu je ispričao Rembrandt s nevjerojatnom životnom istinom. Tragična smrt učiteljice i sina duboko je ožalostila sudionike događaja. Umjetnik zaviruje u lica, pokušavajući prodrijeti u duše ljudi, pročitati reakciju svih na ono što se događa. Uzbuđeno prenosi nesvjesticu Marije, Kristove majke, plač i jauk žena, patnju i tugu muškaraca, strah i znatiželju adolescenata.

Rembrandt je u ovom djelu pošao od poznate Rubensove istoimene slike, koristeći pojedine kompozicijske motive velikog Fleminga i nastojeći ga nadmašiti u izražavanju duhovnih kretanja likova.

Drugo važno postignuće ove slike, uz individualizaciju osjećaja likova, bilo je korištenje svjetla za postizanje cjelovitosti višefiguralne kompozicije. Tri glavna trenutka legende - silazak s križa, Marijino padanje u nesvijest i širenje platna - osvijetljena su trima različitim izvorima svjetlosti, čiji intenzitet opada u skladu sa smanjenjem značaja prizora. .

Početak novog razdoblja u životu i stvaralaštvu majstora obilježila su dva važna događaja koja su se dogodila 1642.: prerana smrt Saskije, njegove voljene žene, koja mu je ostavila jednogodišnjeg sina, i stvaranje slike "Noćna straža" - veliki grupni portret amsterdamskih strijelaca, najpoznatija majstorova djela.

Obiteljska tragedija i završetak odgovorne narudžbe suočili su Rembrandta sa složenim osobnim i kreativni život. Iz ove krize umjetnik izlazi zreo i mudar. Njegova umjetnost postaje ozbiljnija, sabranija i dublja, a što je najvažnije, u njemu se sve jasnije uočava interes za unutarnji život čovjeka, za ono što se događa u njegovoj duši.

U bliskoj vezi s razvojem Rembrandtova djela 1640-ih, jedno od umjetnikovih najvažnijih djela također treba smatrati - "Danae", iako je slika datirana 1636. Rembrandta je inspirirala njegova prva ljubav, Saskia, da stvori sliku Danae, legendarne grčke princeze koju je otac zatočio kako bi izbjegao smrt koju mu je predvidio od ruke njezina unuka. No deset godina kasnije, kako je pokazalo najnovije istraživanje, umjetnik, nezadovoljan prvotnom odlukom, značajno prerađuje sliku glavnog lika. On je očito poslužio kao model za konačnu verziju slike, Gertier Dirks, mlada udovica koja se nakon Saskijine smrti nastanila u Rembrandtovoj kući, prvo kao dadilja jednogodišnjem Titusu, a zatim kao puna ljubavnica . Dakle, glava, desna ruka i dobrim dijelom tijelo Danae, koja je u tamnici čekala svog ljubavnika (prema legendi, Zeus, koji se zaljubio u Danaju, ušao je u nju u obliku zlatne kiše), kao i lik stare služavke, pokazalo se da je naslikan iznova, na hrabar, širok način sredinom i drugom polovicom 1640-ih. Gotovo svi ostali detalji slike ostali su onakvi kakvi su napisani 1636. godine, uredan, crtački potez karakterističan za prethodno razdoblje.

Značajne promjene pretrpio je i kolorit slike. U izvornoj verziji dominirali su hladni tonovi tipični za sredinu 1630-ih. Zamjenjujući zlatnu kišu prve verzije zlatnom svjetlošću, kao da nagovještava pojavu zaljubljenog boga, Rembrandt sada središnji dio slike izvodi u toplom tonu sa zlatnim okerom i crvenim cinoberom kao dominantama.

U drugoj verziji, odnosno 1646.-1647., Danaë je također dobila dubinsku psihološku karakterizaciju, zahvaljujući kojoj je otkriven tajni unutarnji svijet žene, sav složeni i kontradiktorni raspon njezinih osjećaja i iskustava. "Danaë" je, dakle, jasan konkretan primjer formiranja poznatog Rembrandtovskog psihologizma.

Rembrandtovo stvaralaštvo 1650-ih obilježeno je prvenstveno dosezima na području portreta. Izvana se portreti ovog razdoblja u pravilu razlikuju, velika veličina, monumentalne forme. smireni položaji. Modeli obično sjede u dubokim stolicama s rukama na koljenima i okrenuti ravno prema gledatelju. Svjetlo ističe lice i ruke. To su uvijek stariji ljudi, mudri dugim životnim iskustvom - starci i starice s pečatom tužnih misli na licu i teškim radom na rukama. Takvi modeli dali su umjetniku sjajne mogućnosti da pokaže ne samo vanjske znakove starosti, već i duhovnu sliku osobe. U zbirci Ermitaža ova su djela dobro zastupljena nenaručenim portretima:

“Starac u crvenom”, “Portret starice” i “Portret starog Židova”.

Nije nam poznato ime osobe koja je poslužila kao model za portret. "Starac u crvenom" Rembrandt ga je naslikao dva puta: na portretu iz 1652. (Nacionalna galerija, London) prikazan je kako sjedi u naslonjaču s naslonima za ruke, duboko zamišljen pognute glave desnoj ruci; Verzija Ermitaža tretira istu temu - čovjek sam sa svojim mislima. Ovaj put umjetnik koristi strogo simetričnu kompoziciju, prikazujući starca koji nepomično sjedi ispred. Ali utoliko je uočljiviji pokret misli, jedva primjetna promjena izraza lica: ono se čini ili strogim, pa mekšim, pa umornim, pa odjednom obasjanim valom unutarnje snage i energije. Ista stvar se događa s rukama: čini se da su ili grčevito stisnute ili leže iscrpljene. Umjetnik to postiže ponajprije briljantnim vladanjem chiaroscura koji, ovisno o snazi ​​i kontrastu, u sliku unosi elegično opuštanje ili dramatičnu napetost. Veliku ulogu igra i način na koji se boja nanosi na platno. Starčevo naborano lice i čvornate, premorene ruke dobivaju umjetničku izražajnost zahvaljujući viskoznoj zbrci boja, u kojoj isprepleteni smjeli potezi prenose strukturu forme, a tanke glazure daju pokret i život.

Bezimeni starac u crvenom s naglašenim dostojanstvom, hrabrošću i plemenitošću postao je izraz nove etičke pozicije umjetnika koji je otkrio da vrijednost osobe ne ovisi o službenom položaju osobe u društvu.

Do sredine 1660-ih Rembrandt dovršava svoje najprodornije djelo - "Povratak izgubljenog sina" Može se smatrati svjedočanstvom Rembrandta čovjeka i Rembrandta umjetnika. Tu ideja o sveopraštajućoj ljubavi prema čovjeku, prema poniženima i patnicima – ideja kojoj je Rembrandt služio cijeli život – nalazi svoje najviše, najsavršenije utjelovljenje. I upravo u tom djelu susrećemo se sa svim bogatstvom i raznolikošću likovnih i tehničkih tehnika koje je umjetnik razvio tijekom desetljeća stvaralaštva.

Odrpan, iscrpljen i bolestan, proćerdavši svoj imetak i napušten od prijatelja, sin se pojavljuje na pragu očeve kuće i tu, u očevim rukama, nalazi oproštenje i utjehu. Neizmjerna svijetla radost ovo dvoje - starca koji je izgubio svaku nadu u susret sa sinom, i sina zahvaćenog stidom i kajanjem, skrivajući lice na očevim grudima - glavni je emotivni sadržaj djela. Šutke, šokirani, skamenili su se nehotični svjedoci ovog prizora.

Umjetnik se do krajnjih granica ograničava u boji. Na slici dominiraju zlatno-oker, cimet-crveni i crno-smeđi tonovi s beskrajnim bogatstvom najfinijih prijelaza unutar ove škrte game. Kist, lopatica i drška kista uključeni su u nanošenje boja na platno; no i to se Rembrandtu čini nedostatnim - on izravno prstom nanosi boju na platno (tako je npr. ispisana peta lijeve noge izgubljenog sina). Zahvaljujući raznim tehnikama, postiže se pojačana vibracija šarene površine - boje gore ili svjetlucaju, zatim gluho tinjaju ili kao da svijetle iznutra, a niti jedan detalj, niti jedan, čak ni najbeznačajniji , kut platna ostavlja gledatelja ravnodušnim.

Samo mudra osoba s velikim životnim iskustvom i veliki umjetnik koji je prešao dug put mogao je stvoriti ovo briljantno i jednostavno djelo.

Kreativnost Rembrandt

1. Autoportreti

Tijekom života Rembrandt je napravio osamdesetak autoportreta – slika, gravura i crteža. Za njega je to bila svojevrsna autobiografija, iako su se kasniji portreti prodavali. Jedan od prvih je “Autoportret” iz amsterdamskog Rijksmuseuma, gdje razbarušeni dvadesetdvogodišnji slikar viri u svoje lice, pokušavajući uz pomoć chiaroscura prenijeti prvu probuđenu svijest o sebi kao umjetniku.

Riža. 1. "Autoportret" oko 1628. god

Na autoportretu iz 1629., svijetla zraka ističe golobrado, radoznalo lice, istaknuto čipkastim ovratnikom. No službeniji je autoportret iz iste godine, pohranjen u Haagu. Na maloj slici “Umjetnik u svom ateljeu” (1629.), koja se dugo pripisivala Gerritu Douu, pred očima nam se otvara Rembrandtova radionica u Leidenu, sa stolom, štafelajem, paletom i žbukom za mljevenje boja. Umjetnik je sebe prikazao neobično daleko od slike, kao da je želio dati gledatelju da osjeti kako on sam vidi i razumije slikarstvo.

U zrelijim portretima ponekad je izražena umjetnikova duša, a ponekad je pažljivo ispisana njegova odjeća. "Autoportret" iz 1640. godine, slika neobične profinjenosti i sklada, uhvatio je tridesetčetverogodišnjeg Rembrandta, koji je zauzimao snažan položaj u Amsterdamu. Referentne točke za umjetnika bile su Tizianov "Portret plemića", koji se danas čuva u Londonu, au to je vrijeme bio u kolekciji Rembrandtovog prijatelja, portugalskog Židova Alfonsa Lopeza, i Raphaelov "Portret Baldassara Castiglionea". U zbližavanju s talijanskim majstorima osjeća se Rembrandtov izazov, kao da neobičnim ruhom 16. stoljeća naglašava svoju duhovnu bliskost s velikim prethodnicima. Slika sebe u kostimu, u maniri svoje radionice koja je čuvala najrazličitiju odjeću za modele popisane u inventarima - "Autoportret" 1658. iz njujorške kolekcije Fricka. No voli se portretirati i u odjeći amsterdamskog trgovca s lancem, privjescima i krznenim obrubom, ili pak umjetnika svjesnog svoje uloge i položaja u društvu, kao u "Autoportretu za štafelajem" (1660.) ili na drugom autoportretu s paletom i kistovima iz londonske kuće Kenwood, skromna odjeća, na glavi jednostavna bijela beretka, jake volje, inteligentnog izraza naboranog lica. A pogled je moćan, ponosan i postao je vrlo umoran posljednjih godina, zasjenjen materijalnim poteškoćama i obiteljskim nevoljama.

Riža. 2. "Autoportret" 1660

Neobičan autoportret iz Kölna, naslikan oko 1665., ekspresivan i nepristran, prikazuje Rembrandta koji se još uvijek smiješi. Posljednja dva autoportreta iz 1669., koja se čuvaju u Londonu i Haagu, jedan sa prekriženim rukama, drugi u raznobojnom turbanu preko dugog sijeda kosa, prenose gorčinu i razočaranje čovjeka kojeg su vlastiti bivši učenici potisnuli u drugi plan, čovjeka koji je 1641. slovio za "jednog od najistaknutijih slikara svoga vremena".

2. Rano razdoblje kreativnosti

Rembrandt je započeo svoje putovanje u Leidanu - njegova prva samostalna djela datiraju iz sredine 20-ih; od 1632. do kraja života Rembrandt je radio u Amsterdamu, glavnom umjetničkom središtu zemlje. Druga polovica 20-ih i 30-e godine bile su vrijeme kada je Rembrandt tražio vlastiti put i stvaralačku metodu.

Rembrandt proučava stvarnost, nastoji ovladati njezinim različitim aspektima (o čemu svjedoče njegovi crteži), ali prvenstveno ga zanima individualni ljudski karakter i raznolikost manifestacija duhovnog života.

Pozornost prema unutarnjem životu osobe određuje izvornost i prvi slike zapleta Rembrandt (Tobius i njegova žena, 1625. - 1626., "Apostol Pavao u zatvoru", 1627.). Naglasak na psihološkom doživljaju događaja, koji Rembrandt želi vidjeti, takoreći, očima njegovih sudionika, posebno je izražen u Kristu u Emausu (oko 1629.). Umjetnik prikazuje reakciju likova - uzbuđenje, strah, šok. No, kao i na ranim autoportretima, emocionalni su afekti i dalje nedvosmisleni i usiljeni, poze i geste previše demonstrativne.

U djelima kasnih 1920-ih i ranih 1930-ih već se otkriva uloga svjetla kao sredstva za pojačavanje emocionalne ekspresivnosti prizora. U "Apostolu Pavlu" rasvjeta naglašava raspoloženje junaka. U "Kristu u Emausu" suprotnost svjetla i sjene dočarava iznenadnost i snagu osjećaja koji je obuzeo apostole.

povijesno slikarstvo postao je, uz portret, glavno područje Rembrandtovog rada. Zapleti Starog i Novog zavjeta omogućili su da se sadržaju djela da figurativna ljestvica, a njegovo značenje - generalizirajući karakter. Okretanje religioznim i mitološkim temama za Rembrandta nije značilo odbacivanje životne istinitosti slike, naprotiv, on nastoji spojiti stvarno, zemaljsko, konkretno s onim uzvišenim duhom i općenito značajnim značenjem koje leži u legendi. .

Međutim, slikovni stil ranog razdoblja je kontroverzan. Rembrandt ne uspijeva uvijek organski spojiti uzvišenost i autentičnost, veličanstvenost osjećaja i grubu istinu stvarnosti. Dakle, u "Kristu u Emausu" postoji previše oštar kontrast između običnog (običnog izgleda likova i svakodnevice pratnje) i čudesnog događaja.

Odbacujući uštogljenu konvencionalnost i idealizaciju, Rembrandt deheroizira likove religioznih i mitoloških priča, ali istodobno prenaglašava prozaizam prirode i niskost strasti (“Samsonova ženidba”, 1635.). S druge strane, uzvišeno se za Rembrandta još poistovjećuje s vanjskom uzdignutošću pozornice, s njezinom patetikom i burnom dinamikom – u djelima sredine i druge polovice 30-ih nije slučajno utjecaj talijanskog i flamanski barok (“Abrahamova žrtva”, 1634.; “Zasljepljujući Samson”).

Rembrandtova žudnja za spektakularnom pompom i dramatičnim sukobima – kao i njegove hrabrosti, težnja da razotkrije uobičajene umjetničke norme i ideale – bila je uvelike povezana sa željom da se udalji od prozaizma i građanske ograničenosti ustaljenog načina građanskog života. Iz svijeta svakodnevice privlači ga svijet junaštva i fantazije. Tridesetih godina često slika sebe i svoje voljene u “povijesnim” kostimima, u veličanstvenoj, fantastičnoj odjeći (“Saskija u obliku Flore”, 1634.; autoportreti iz Petit Palaisa, iz Berlina i Louvrea, 1634.). ). Ovi, kako ih nazivaju, imaginarni portreti kao da su utjelovili neki san lijepa osoba, o slici uzdignutoj iznad svakodnevne stvarnosti.

U tom razdoblju Rembrandt ne traži samo svoj ideal života i čovjeka – on stvara i djela koja nagovještavaju njegov budući put. "Skidanje s križa" (između 1633. i 1639.) napisano je pod utjecajem slavne Rubensove skladbe, ali Rembrandt tumači radnju kao komornu scenu: to gledatelju omogućuje da se osjeća kao nešto osobno povezano s njim, osobno mu dočaravajući ljudsku tragediju – smrt čovjeka izmučenog Kristovom patnjom i tugom njegovih najmilijih. Svjetlo koje reže tamu rađa osjećaj napete tišine, žestine osjećaja, veličine drame.

Tridesetih godina prošlog stoljeća Rembrandt je bio najpopularniji slikar u Amsterdamu. Dolaze mu uspjeh, slava, materijalno blagostanje. Studenti hrle u njegov studio.

Rembrandt je u to vrijeme napravio mnoge naručene portrete. Slikani su velikom plastičnom snagom, savršeno prenose sličnost, shvaćaju karakteristiku u izgledu, ali Rembrandt još nije pronašao svoj put u portretu. Pa ipak, možda nije slučajno da je Rembrandt, slikar portreta po talentu, u djelu ovog žanra - grupnom portretu korporacije amsterdamskih strijelaca - uspio utjeloviti ideal junaštva, ne padajući u krajnosti kazališnog. patosa i grotesknog zaoštravanja, kako bi se postigao organski spoj poetskog zanosa, obojenog natruhom fantazije, i stvarne vitalnosti ("Noćna straža", dovršena 1642.).

Umjetnikova zamisao bila je neobična: portretima osamnaest kupaca dodao je fiktivne likove i povezao ih motivom radnje: predstavom tvrtke koja izlazi ispod luka i prelazi most preko kanala. Likovi i lica sada su skriveni sjenom, a zatim ih je ugrabila jarka svjetlost dana. U grupi strijelaca vidimo prolaznike koji se uvlače u nju, među kojima je i djevojka u zlatnožutoj haljini, koja poput jarkog svjetla treperi u ovoj energičnoj muškoj masi.

Kombinacija portretnih slika s bezimenim likovima, dinamika kompozicije dali su joj veliku vitalnost. Ali originalnost "Noćne straže" leži u činjenici da nije samo grupni portret, već i scena gomile. Motiv pokreta, nastupi strijelaca, veličanstvena arhitektura pozadine, živopisna nošnja svih vrsta, kontrasti svjetla i sjene, te konačno golema veličina slike odaju dojam svečane povorke, značajnog društvenog događaja. . "Noćna straža" postala je monumentalna kompozicija, u kojoj se jasno čuje tema domoljubnog uzleta, trijumfa građanskog duha. Rembrandt ga ponovno potvrđuje kada građanski patos i demokratski ideali dolaze iz nizozemske stvarnosti i nizozemske umjetnosti. Slika "Noćna straža" postala je, takoreći, slika republikanske Nizozemske, grupni portret dobio je značaj povijesne slike.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn

Najveći predstavnik zlatnog doba, umjetnik, graver, veliki majstor chiaroscura - i sve to u jednom imenu Rembrandt.

Rembrandt je rođen 15. srpnja 1606. u Leidenu. Ovaj veliki nizozemski umjetnik uspio je u svojim djelima utjeloviti cijeli niz ljudskih iskustava s takvim emocionalnim bogatstvom kakvo likovna umjetnost prije njega nije poznavala.

Život

Odrastao je u velika obitelj bogati vlasnik mlina Harmen Gerritszon van Rijn. Između ostalog, Van Rein je posjed imao još dvije kuće, a dobio je i značajan miraz od svoje supruge Cornelije Neltier. Majka buduće umjetnice bila je kći pekara i bila je upućena u kuhanje.Čak i nakon nizozemske revolucije, majčina obitelj ostala je vjerna katoličkoj vjeri.

U Leidenu je Rembrandt pohađao latinsku školu na sveučilištu, ali nije volio egzaktne znanosti, već je pokazao najveći interes za slikarstvo. Shvativši tu činjenicu, njegovi su roditelji Rembrandta s 13 godina poslali na studij likovne umjetnosti kod leidenskog povijesnog slikara Jacoba van Swanenbürcha, koji je bio katolik. Žanrovski i tematski raznolika, Rembrandtova djela prožeta su idejama o moralu, duhovnoj ljepoti i dostojanstvu običnog čovjeka, razumijevanju neshvatljive složenosti njegova unutarnjeg svijeta, svestranosti njegova intelektualnog bogatstva i dubine njegovih emocionalnih doživljaja. Do nas je došlo vrlo malo podataka o Jakovu, tako da ni povjesničari ni povjesničari umjetnosti ne mogu sa sigurnošću reći o utjecaju Swanenbergha na kreativan način Rembrandta.

Zatim je 1623. studirao u Amsterdamu kod tada pomodnog slikara Pietera Lastmana, nakon čega je, vrativši se u Leiden, 1625. otvorio vlastitu radionicu zajedno sa svojim sunarodnjakom Janom Lievensom.

Pitera Lastman školovala se u Italiji i specijalizirala za povijesne, mitološke i biblijske teme. Kad je Rembrandt otvorio radionicu i počeo regrutirati studente, postao je prilično slavan u kratkom vremenu. Ako pogledate prve radove umjetnika, odmah možete shvatiti da je Lastmanov stil - strast prema šarenilu i sitničavosti izvedbe, imao veliki utjecaj na mladog umjetnika. Primjerice, njegovo djelo “Kamenovanje sv. Stjepana" (1629.), "Prizor iz davne povijesti" (1626.) i "Krštenje evnuha" (1626.), vrlo su svijetle, neobično šarene, Rembrandt nastoji pažljivo ispisati svaki detalj materijalnog svijeta. Gotovo svi likovi pojavljuju se pred gledateljem odjeveni u otmjenu istočnjačku odjeću, obasjanu draguljima, što stvara atmosferu punoljetnosti, sjaja, svečanosti.

Godine 1628. dvadesetdvogodišnji umjetnik priznat je kao "vrlo poznati" majstor, slavni portretist.

Slika “Juda vraća srebrnjake” (1629.) izazvala je oduševljenu recenziju poznatog poznavatelja slikarstva Constantinea Huygensa, tajnika stadtholdera Fredericka Hendrika od Orangea: “... ovo tijelo koje drhti jadnim drhtajem je ono što mi je draže od dobrog okus za sva vremena.”

Zahvaljujući vezama s Konstantinom, Rembrandt ubrzo stječe bogate štovatelje umjetnosti: uz Haygensovo posredovanje princ od Orangea naručuje nekoliko vjerska djela kao što su »Krist pred Pilatom« (1636).

Pravi uspjeh za umjetnika dolazi u Amsterdamu. 8. lipnja 1633. Rembrandt upoznaje kćer bogatog građanina Saskiju van Uylenbürch i osvaja jaku poziciju u društvu. Umjetnik je većinu platna naslikao dok je boravio u glavnom gradu Nizozemske.

Amsterdam - užurbani lučki i industrijski grad, koji je privlačio robu i zanimljivosti iz cijelog svijeta, gdje su se ljudi obogatili u trgovini i bankarskim transakcijama, gdje su izopćenici feudalne Europe pohrlili u potrazi za skloništem i gdje je dobrobit bogatih Građani koegzistirali s depresivnim siromaštvom, povezuje snažne veze s umjetnikom .

Amsterdamsko razdoblje Rembrandtova stvaralaštva započelo je nevjerojatnim uspjehom koji mu je donio Lekcija anatomije dr. Tulpa (1632., Haag, Mauritshuis), koja je promijenila tradiciju nizozemskog grupnog portreta. Uobičajena demonstracija ljudi koji poziraju umjetniku opće struke Rembrandt je suprotstavio dramaturgiju slobodno odlučene scene čiji su sudionici - članovi ceha kirurga, koji slušaju svog kolegu, intelektualno i duhovno ujedinjeni aktivnim uključivanjem u proces znanstvenog istraživanja.

Rembrandt je inspiriran ljepotom svoje drage, pa često slika njezine portrete. Tri dana nakon vjenčanja, van Rijn je srebrnom olovkom naslikao ženu sa šeširom širokog oboda. Saskia se pojavila na slikama Nizozemca u ugodnom kućnom okruženju. Slika ove debeljuškaste žene pojavljuje se na mnogim platnima, na primjer, tajanstvena djevojka na slici "Noćna straža" jako podsjeća na umjetnikovu voljenu.

Tridesete u Rembrandtovu životu bile su razdoblje slave, bogatstva i obiteljske sreće. Primao je mnoge narudžbe, bio okružen studentima, strastveno zanesen sakupljanjem djela talijanskih, flamanskih i nizozemskih slikara, antičke skulpture, minerala, morskih biljaka, drevnog oružja, predmeta istočnjačke umjetnosti; u radu na slikama izlošci zbirke često su umjetniku služili kao rekviziti.

Rembrandtova djela ovog razdoblja iznimno su raznolika; svjedoče o neumornoj, ponekad i bolnoj potrazi za umjetničkim razumijevanjem duhovne i društvene biti čovjeka i prirode te pokazuju trendove koji neumoljivo, korak po korak, dovode umjetnika u sukob s društvom.

U portretima "za sebe" i autoportretima umjetnik slobodno eksperimentira s kompozicijom i efektima chiaroscuro, mijenja ton sheme boja, odijeva svoje modele u fantastičnu ili egzotičnu odjeću, varira poze, geste, dodatke ("Flora", 1634. , Sankt Peterburg, Državni muzej Ermitaž ).

Godine 1635. naslikana je poznata slika prema biblijskoj priči "Žrtva Abrahamova", koja je bila cijenjena u svjetovnom društvu.

Godine 1642. van Rijn je od Streljačkog društva dobio narudžbu za grupni portret za ukrašavanje nove zgrade platnom. Slika je pogrešno nazvana "Noćna straža". Bilo je umrljano čađom, a tek u 17. stoljeću istraživači su došli do zaključka da se radnja koja se odvija na platnu odvija danju.

Rembrandt je temeljito dočarao svaki detalj mušketira u pokretu: kao da je u jednom trenutku vrijeme stalo kada je milicija napustila mračno dvorište pa ih je van Rijn uhvatio na platnu.

Kupcima se nije svidjelo što je nizozemski slikar odstupio od kanona koji su se razvili u 17. stoljeću. Zatim su grupni portreti bili ceremonijalni, a sudionici su portretirani anfas bez ikakve statičnosti.

Prema znanstvenicima, ova je slika bila razlog bankrota umjetnika 1653. godine, jer je uplašila potencijalne kupce.

Tragične promjene u Rembrandtovoj osobnoj sudbini (smrt novorođene djece, majke, 1642. - bolest i smrt Saskije, koja mu je ostavila devetomjesečnog sina Tita), pogoršanje njegove financijske situacije zbog tvrdoglava nespremnost da se žrtvuje sloboda duha i kreativnosti u korist promjenjivih ukusa građanstva, zaoštrila je i razotkrila postupno sazrijevajući sukob između umjetnika i društva.

Informacije o privatnost Rembrandt 1640-ih u dokumentima se malo toga sačuvalo. Od učenika ovog razdoblja poznat je samo Nicholas Mas iz Dordrechta. Očigledno je umjetnik nastavio živjeti u velikom stilu, kao i prije. Obitelj pokojne Saskije izrazila je zabrinutost kako je on raspolagao njezinim mirazom. Titusova dadilja, Gertje Dirks, tužila ga je jer je prekršio obećanje da će se oženiti; kako bi riješio ovaj incident, umjetnik se morao odvojiti.

U kasnim 1640-ima, Rembrandt se sprijateljio sa svojom mladom sluškinjom Hendrikje Stoffels, čija slika treperi u mnogim portretnim djelima ovog razdoblja: Flora (1654), Žena koja se kupa (1654), Hendrikje na prozoru (1655)). Župno vijeće osudilo je Hendrickje zbog "grešnog suživota" kada se 1654. s umjetnikom rodila njezina kći Cornelia. Tijekom ovih godina Rembrandt se udaljava od tema koje imaju grandiozan nacionalni ili univerzalni zvuk.

Umjetnik je dugo radio na graviranim portretima burgomestra Jana Sixa (1647.) i drugih utjecajnih građana. Sve njemu poznate metode i tehnike graviranja korištene su u izradi pažljivo izrađenog bakropisa "Krist liječi bolesne", poznatijeg kao "List od stotinu guldena", - za tako veliku cijenu za 17. stoljeća da je nekoć prodana. Na ovom bakropisu, koji zadivljuje suptilnošću igre svjetla i sjene, radio je sedam godina, od 1643. do 1649. godine.

Godine 1653., doživljavajući financijske poteškoće, umjetnik je gotovo svu svoju imovinu prenio na svog sina Titusa, nakon čega je 1656. proglasio bankrot. Nakon prodaje 1657-58. kuću i imanje (sačuvan je zanimljiv katalog Rembrandtove zbirke umjetnina), umjetnik seli na periferiju Amsterdama, u židovsku četvrt, gdje provodi ostatak života.

Titova smrt 1668. bila je jedan od posljednjih udaraca sudbine za umjetnika; njega samog nije bilo godinu dana kasnije.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn umro je u listopadu 1669. Imao je 63 godine. Bio je star, bolestan i siromašan. Bilježnik nije morao trošiti puno vremena na sastavljanje popisa umjetnikove imovine. Popis je bio kratak: “tri nošena dresa, osam maramica, deset beretki, pribor za slikanje, jedna Biblija”.

Slike

Povratak izgubljenog sina

Poznata slika "Povratak izgubljenog sina", jedno od posljednjih Rembrandtovih djela. Napisana je u godini njegove smrti i postala je vrhunac njegova talenta.

Ovo je najveća Rembrandtova slika vjerska tema. Rembrandtova slika na zapletu novozavjetne parabole o izgubljenom sinu.

Parabola o izgubljenom sinu nalazi se u Evanđelju po Luki. Ona govori o mladiću koji je napustio očevu kuću i proćerdao svoje nasljedstvo. U besposličarenju, razvratu i pijanstvu provodio je dane sve dok nije završio u oboru, gdje je jeo iz istog korita sa svinjama. U očajnoj situaciji i potpunom siromaštvu, mladić se vraća ocu, spreman postati njegov posljednji rob. Ali umjesto prijezira, nailazi na kraljevski prijem, umjesto ljutnje - sveopraštajuću, duboku i nježnu očinsku ljubav.

1669. Rembrandt pred gledateljem igra ljudsku dramu. Boje leže na platnu u gustim potezima. Mračne su. Umjetnik ne mari za sporedne likove, čak i ako ih je mnogo. Pažnja je ponovno prikovana za oca i sina. Stari otac, pogrbljen od tuge, okrenut je prema gledatelju. Na ovom licu je i bol, i oči umorne od isplakanih suza, i sreća dugo očekivanog susreta. Sin nam je okrenut leđima. Ukopao se kao dijete u očevo kraljevsko ruho. Ne znamo što izražava njegovo lice. Ali ispucale pete, gola lubanja skitnice, jadna odjeća govore dovoljno. Kao ruke oca, koje stežu ramena mladića. Kroz smirenost ovih ruku, koje opraštaju i podržavaju, Rembrandt je već tu posljednji put pripovijeda svijetu univerzalnu parabolu o bogatstvu, strastima i porocima, pokajanju i oprostu. “... Ustat ću, otići ću svome ocu i reći mu: Oče! Sagriješio sam protiv neba i pred tobom i nisam više dostojan zvati se tvojim sinom; prihvati me kao jednog od svojih najamnika. Ustao je i otišao ocu. I dok je još bio daleko, ugleda ga njegov otac i sažali mu se; i, trčeći, pade mu za vrat i poljubi ga.

Osim oca i sina, na slici su prikazana još 4 lika. Riječ je o tamnim siluetama koje se teško razlikuju na tamnoj pozadini, no tko su one ostaje misterij. Neki su ih prozvali "braćom i sestrama" protagonista. Karakteristično je da Rembrandt izbjegava sukob: parabola govori o ljubomori poslušnog sina, a harmonija slike ni na koji način nije narušena.

Van Gogh je vrlo točno rekao o Rembrandtu: “Moraš umrijeti nekoliko puta da bi tako crtao... Rembrandt prodire u tajnu tako duboko da govori o predmetima za koje nema riječi ni u jednom jeziku. Zato Rembrandta zovu: mađioničar. A ovo nije jednostavan zanat.”

Noćna straža

Tradicionalno je poznat naziv pod kojim je Rembrandtov skupni portret "Govor streljačke čete kapetana Fransa Banninga Cocka i poručnika Willema van Ruytenbürga", napisan 1642. godine.

Platno nizozemskog majstora prepuno je mnogih "iznenađenja". Počnimo s činjenicom da naziv slike koja nam je poznata ne odgovara stvarnosti: patrola prikazana na njoj zapravo nije uopće noć, već najviše danju. Samo što je Rembrandtov rad nekoliko puta bio lakiran, zbog čega je jako potamnio. Osim toga, gotovo 100 godina (od početkom XVIII do početka 19. stoljeća) platno je krasilo jednu od dvorana amsterdamske gradske vijećnice, gdje je visjelo točno ispred kamina, prekriveno čađom iz godine u godinu. Ne čudi da već početkom XIX stoljeća iza slike se čvrsto učvrstio naziv "Noćna straža": do tada je povijest njezina stvaranja bila potpuno zaboravljena i svi su bili sigurni da majstor prikazuje mračno doba dana. Tek 1947. godine, tijekom restauracije u Rijksmuseumu u Amsterdamu, gdje se slika i danas nalazi, pokazalo se da je njezin kolorit neusporedivo svjetliji nego što se uobičajeno vjerovalo. Štoviše, kratke sjene koje bacaju likovi pokazuju da se radnja odvija između podneva i dva sata popodne. Međutim, restauratori nisu uklonili sve slojeve tamnog laka, bojeći se da ne oštete boju, pa je Noćna straža i sada prilično sumračna.

Pravi naziv platna je "Govor streljačke čete kapetana Fransa Banninga Cocka i poručnika Wilhema van Reitenburga". Ovo je grupni portret mušketira-milicije jednog od okruga Amsterdama. Od 1618. do 1648. u Europi je trajao Tridesetogodišnji rat, a stanovnici nizozemskih gradova su se naoružali kako bi obranili svoje domove. Rembrandtova kreacija, zajedno s portretima drugih streljačkih četa, trebala je krasiti glavnu dvoranu u Kloveniersdolenu, sjedištu gradskih strijelaca. Ali kupci su bili razočarani: Rembrandt nije ispao monumentalan formalni portret, već žanrovska slika u kojoj su jedva pronalazili vlastita lica, često poluskrivena drugim likovima. Ipak bih! Uostalom, umjetnik je, pored 18 kupaca (od kojih je svaki dao oko 100 zlatnih guldena za svoj portret - vrlo impresivan iznos u to vrijeme), na platno stisnuo još 16 ljudi! Tko su oni, ne zna se.

Muzej – Povijesni muzej Amsterdama?

tri križa

Jedan od Rembrandtovih najpoznatijih bakropisa, ima pet stanja. Potpisan i datiran samo treći, stoga je ostatak Rembrandt smatrao posrednim. Peto stanje je vrlo rijetko, poznato je samo pet primjeraka.

Bakropis prikazuje dramatičan trenutak Kristove smrti na golgotskom križu, opisan u evanđeljima. U ovom bakropisu Rembrandt je u neviđenim razmjerima koristio tehniku ​​rezača i "suhe igle", što je povećalo kontrast slike.

Dana 2. prosinca 2008. ovaj bakropis (stanje IV) prodan je u Christie's za £421,250.

Skidanje s križa

Godine 1814. Aleksandar I. kupio je galeriju Malmaison od carice Josephine. Neke od slika potječu iz poznate galerije Kassel, uključujući Skidanje s križa. Prethodno su ta platna bila vlasništvo gđe de Ruwer u Delftu, a zajedno s drugim slikama iz njezine zbirke kupio ih je zemaljski grof Hesse-Kassela Ludwig VII. Godine 1806. njegovu je galeriju preuzeo Napoleon i darovao je Josephine.

Godine 1815., nasljednik Landgrofa od Hesse-Kassela Ludwig VII, nekadašnji saveznik Aleksandra I., iznio je zahtjev caru za povrat slika koje je zaplijenio Napoleon. Ovaj zahtjev je odlučno odbio Aleksandar I, koji je platio novac za slike i na sve moguće načine pokazao pažnju Josephine i njezinoj kćeri Hortense. Godine 1829. Hortense, koja je u to vrijeme nosila titulu vojvotkinje od Saint-Leua, kupila je trideset slika iz galerije Malmaison.
Tema "Skidanje s križa" imala je veliku ikonografsku tradiciju u europskoj umjetnosti. Njezin najveći uspjeh bila je Rubensova oltarna slika u katedrali u Antwerpenu, nadaleko poznata po Worstermanovoj gravuri.

Rembrandtova stvaralačka misao luta negdje u blizini te tradicije, služeći se njome i istovremeno stalno birajući druge putove. Neuobičajeni za dotadašnji razvoj europske umjetnosti, oni su vrlo karakteristični za osobni Rembrandtov stvaralački način, i nije uzalud što "Skidanje s križa" izvana tako snažno podsjeća na "Nevjeru apostola Tome".
Rubens je prikazao uzvišenu tugu skupine veličanstvenih i lijepih ljudi o veličanstvenom i lijepom heroju; Rembrandt nemirna masovna noćna scena. Brojni se likovi ili povlače u tamu, ili padaju u tračak svjetla, a čini se da se svjetina kreće, živi, ​​tuguje za raspetim i sažaljeva njegovu majku. Nema ničeg idealnog u izgledu ljudi, mnogi od njih su grubi, ružni. Njihovi osjećaji su vrlo jaki, ali to su osjećaji običnih ljudi, ne prosvijetljeni tom uzvišenom katarzom koja je u Rubensovom slikarstvu.

Mrtvi Krist je čovjek poput njih; upravo zbog snage njihove tuge njegova patnja i smrt poprimaju poseban značaj. Ključ sadržaja slike možda nije toliko Krist, koliko osoba koja ga podupire i prislanja svoj obraz uz njega.
S umjetničkog gledišta, fragmentirana, nemirna kompozicija je inferiorna u odnosu na poznatu Rubensovu sliku i neka djela samog Rembrandta, izvedena u istim godinama. Na primjer, "Nevjera apostola Tome", manje značajna po svom sadržaju, izgleda izvana skladnija i cjelovitija. Međutim, u Skidanju s križa Rembrandtovo svojstveno razumijevanje biblijske evanđeoske teme dolazi jasnije do izražaja.

Djelo mladog Rembrandta razlikuje se od svog prototipa u najosnovnijim crtama. Prije svega, nije nastala ni formalno ni suštinski kao molitveni dom. oltarna slika. Njegova veličina ormarića nije usmjerena na percepciju gomile, već na individualno iskustvo. Ova apelacija na osjećaje i svijest jedne osobe, uspostavljanje bliskog duhovnog kontakta s gledateljem natjeralo je umjetnika da stvori potpuno novi sustav umjetnička sredstva i trikove. Rembrandt je prizor evanđeoske legende vidio kao tragičan pravi događaj, iz temelja ga lišavajući mistične i herojske patetike.

Težeći najvećoj iskrenosti i istinitosti slike, Rembrandt je u blizini križa prikazao blisku gomilu ljudi, šokiranih tugom, tražeći obiteljsko jedinstvo jedni s drugima pred licem strašna smrt. Smeđe-maslinasti tonski kolorit ujedinio je cijelu kompoziciju, a svjetlosni je tok dramatično oštro istaknuo njezino glavno semantičko središte. Najveću dubinu patnje utjelovljuje lik Majke Božje koja je pala u nesvijest sa svojim mršavim, mršavim licem trudbenice. Druga skupina ožalošćenih nalazi se na lijevom kraju prostorne dijagonale - žene s poštovanjem polažu pokrov, ispunjavajući svoju izravnu dužnost u odnosu na pokojnika. Kristovo klonulo tijelo koje podupire starac - utjelovljenje izmučenog ljudskog tijela - izaziva prije svega osjećaj duboke samilosti.

židovska nevjesta

Jedan od najnovijih i najpopularnijih tajanstvene slike Rembrandta. Ime joj je dao 1825. amsterdamski kolekcionar Van der Hop. Pogrešno je vjerovao da prikazuje oca koji svojoj židovskoj kćeri daje ogrlicu za vjenčanje. Možda se radi o portretu po narudžbi, no odjeća likova očito je slična onoj staroj, biblijskoj, stoga su kao ime predloženi Artakserkso i Estera, Jakov i Rahela, Abram i Sara, Boaz i Ruta.

Saskia kao Flora

Rembrandtova slika, naslikana 1634., koja vjerojatno prikazuje umjetnikovu ženu Saskiju van Uylenbuch u liku starotalijanske božice cvijeća, cvjetanja, proljeća i poljskih plodova Flore.

Godine 1633. Saskia van Uylenbürch postala je nevjesta Rembrandta van Rijna. Šarmantni portret mlade Saskije odjevene u Floru nijemi je, ali rječiti svjedok ovog “godišnjeg doba proljeća i ljubavi” briljantne slikarice.

Zamišljeno, ali nedvojbeno sretno lice djevojke sasvim je u skladu s osjećajima mladenke. Nije više živahno dijete koje bezbrižno gleda u Božji svijet. Pred njom je ozbiljan zadatak: odabrala je novi put i mora se predomisliti i ponovno osjetiti mnogo, mnogo stvari prije nego što uđe u punoljetnost. Pokrivalo za glavu i štapić upleten cvijećem zasigurno upućuju na Floru, starorimsku božicu proljeća. Odijelo božice napisano je nevjerojatnom vještinom, ali prava veličina Rembrandtova talenta očituje se u izrazu nježnosti koju je umjetnik dao njezinu licu.

Voljena supruga unijela je svjetlo sreće i duševnog zadovoljstva u usamljenu nastambu skromnog umjetnika. Rembrandt je volio odijevati Saskiju u baršun, svilu i brokat, prema običaju tog vremena, obasipao ih je dijamantima i biserima, s ljubavlju gledajući kako njezino ljupko, mlado lice osvaja iz briljantne odjeće.

Muzej - Državni Ermitaž

Stil

Duboko humanističko u svojoj biti i savršeno u svojoj jedinstvenoj umjetničkoj formi, Rembrandtovo djelo postalo je jedan od vrhunaca razvoja ljudske civilizacije. Žanrovski i tematski raznolika, Rembrandtova djela prožeta su idejama o moralu, duhovnoj ljepoti i dostojanstvu običnog čovjeka, razumijevanju neshvatljive složenosti njegova unutarnjeg svijeta, svestranosti njegova intelektualnog bogatstva i dubine njegovih emocionalnih doživljaja. Skrivene u sebi mnoge nerazjašnjene misterije, slike, crteži i bakropisi ovog izuzetnog umjetnika plijene pronicljivošću psiholoških karakteristika likova, filozofskim prihvaćanjem stvarnosti, uvjerljivim opravdavanjem neočekivanih umjetničkih odluka. Njegovo tumačenje biblijskih priča, drevnih mitova, drevnih legendi i prošlosti rodne zemlje kao stvarno značajnih događaja u povijesti čovjeka i društva, duboko proživljenih životnih sudara pojedinih ljudi otvorilo je put slobodnoj i višeznačnoj interpretaciji tradicijskih slike i teme.

Volite Rembrandta

Poznata muza Rembrandta Saskia bila je najmlađa kći burgomester grada Leeuwardena. Ova bjeloputa crvenokosa ljepotica odrasla je u velikoj i vrlo imućnoj obitelji. Kad je djevojčica imala 12 godina, umrla je majka obitelji. Ali djevojka još uvijek nije znala što odbiti, a kada je došlo vrijeme, postala je vrlo zavidna nevjesta.

Značajan susret između umjetnika i mlade dame dogodio se u kući djevojčinog rođaka, umjetnika Hendricka van Uylenburga, koji je također bio trgovac antikvitetima. Rembrandt je doslovno opčinjen djevojkom: nježna blistava koža, zlatna kosa ... Ovome dodajte sposobnost vođenja ležernog razgovora. U šali je pozvala poznatog slikara da joj naslika portret. I to je sve što treba: Saskia je idealan model za Rembrandtove subjekte u tamnim i prigušenim tonovima.

Rembrandt počinje slikati portret. Sa Saskiom se ne susreće samo na seansama. Mijenjajući svoj princip, pokušava ići u zabavne šetnje i zabave. Kad je rad na portretu završen i česti susreti prestali, Rembrandt shvaća: to je ona koju želi oženiti. Godine 1633. Saskia van Uylenburg postala je umjetnikova nevjesta, a 22. srpnja 1634. održano je dugo očekivano vjenčanje.

Brak sa Saskiom umjetniku otvara put visoko društvo. Otac burgomestra ostavio je voljenoj kolosalno nasljedstvo: 40 000 florina. Čak i od malog dijela ovog iznosa moglo se ugodno živjeti mnogo, mnogo godina.

Sretni i voljeni supružnici počeli su opremati zajedničku kuću. Ubrzo je počeo nalikovati muzeju. Zidovi su bili ukrašeni gravurama Michelangela i slikama Raphaela. Saskija je pristajala na sve, jako je voljela svog muža. A on ju je zauzvrat obasipao draguljima, plaćao najprofinjenije toalete. I, naravno, pokušao je uhvatiti svoju omiljenu sliku. Rembrandt je, moglo bi se reći, postao kroničarom svog obiteljskog života. U prvim danima medeni mjesec supružnika, naslikan je poznati “Autoportret sa Saskijom na koljenima”.

Godine 1635. u obitelji je rođen prvi sin, ali nije dugo živio, a to je bio užasan udarac za mladu majku.

Dugo se nije htjela odvojiti od tijela svog sina, otjerala je sve od sebe, ne puštajući mrtvo dijete. Nesretna majka šetala je s njim po kući, uspavljivala ga i nazivala svim nježnim imenima kojima su ona i njezin muž u prvim sretnim danima nazivali Rembrantusa.

Rembrandt je bio svjestan da, s izuzetkom sati provedenih za štafelajem, može živjeti samo u blizini Saskije. Samo s njom osjeća se kao muškarac: ljubav je izvor života, a on voli samo Saskiju, i nikoga više.

Nakon Rembrantove smrti, Saskija je rodila još dvoje djece. Tek je četvrto dijete, Titus, koji je rođen 1641. godine, uspio preživjeti teške godine djetinjstva. Dječak je dobio ime po pokojnoj Tiziji, Saskijinoj sestri.

Međutim, neprestano rađanje štetno je utjecalo na Saskijino zdravlje. Pojava čisto pejzažnih slika umjetnika u kasnim 1630-ima ponekad se objašnjava činjenicom da je u to vrijeme, zbog bolesti svoje supruge, Rembrandt provodio puno vremena s njom izvan grada. U 1640-ima umjetnik piše relativno malo portreta.

Saskia van Uylenburg umrla je 1642. Imala je samo trideset godina. U lijesu je izgledala kao živa ...

U to je vrijeme Rembrandt radio na poznatoj slici "Noćna straža".

Kuća muzej Rembrandt

Muzej umjetnosti na Jodenbreestraatu u židovskoj četvrti Amsterdama. Muzej je otvoren 1911. godine u kući koju je Rembrandt kupio na vrhuncu svoje slave 1639. godine i u kojoj je živio do svog bankrota 1656. godine.

Za gotovo 20 godina života (od 1639. do 1658.) na Jodenbrestraatu, Rembrandt je uspio stvoriti mnoga lijepa djela, postati slavan, prikupiti jedinstvenu zbirku slika i rijetkosti iz cijelog svijeta, steći učenike, protratiti bogatstvo svoje prve žene, izgubiti svoje glavne kupce, napraviti velike dugove i staviti kuću na udar.

Rembrandt je također morao rasprodati velik dio svoje raskošne zbirke slika i antikviteta, uključujući djela velikog europski umjetnici, rimske biste careva, pa čak i japanski bojni oklopi, kao i preseljenje u skromniji stan. Nakon što je preživio obje žene, pa čak i vlastitog sina, Rembrandt je umro u siromaštvu i usamljenosti.

Dva i pol stoljeća kasnije, 1911. godine, po nalogu kraljice Wilhelmine, kuća je pretvorena u muzej koji, za razliku od, primjerice, Van Goghovog muzeja, prije svega nije umjetnička galerija, već restaurirana apartmani velikog umjetnika: ogromna kuhinja na prvom katu, soba za primanje, glavna spavaća soba i spavaća soba za goste su na drugom katu, najveća soba vile - studio - na trećem, au potkrovlju su radionice njegovih učenika.

Interijer je bilo moguće obnoviti uz pomoć popisa imovine koji je sačinio javni bilježnik prilikom prodaje cjelokupne umjetnikove imovine na dražbi te crteža samog umjetnika na kojima je prikazao svoj dom.

Ovdje možete vidjeti njegove osobne stvari, namještaj iz 17. stoljeća i druge zanimljive izloške poput prekrasnog stroja za bakropis ili prekomorskih rijetkosti.

U muzeju su izložene gotovo sve gravure velikog Rembrandta - 250 od 280, veličanstveni umjetnikovi autoportreti, crteži koji prikazuju njegove roditelje, ženu i sina Tita, prekrasne poglede na Amsterdam i njegovu okolicu.

Čak i muzejski toalet zahtijeva posebnu pažnju: tamo možete vidjeti crteže Rembrandta na odgovarajuću temu: žena čuči u grmlju i muškarac koji stoji u pozi karakterističnoj za ovu instituciju.

Rane godine

Razumijevanje osnova

Povratak

Slika

Kupci

autoportreti

sat anatomije

Portret Silvija

Lijepa Danaja

Primjena

Rane godine

Čudo od djeteta rođeno je 1606. godine u gradu Leidenu, u kući mlinara Harmena van Rijna. Na krštenju je dobio prilično rijetko ime Rembrandt. Iako je obitelj već imala petero djece, rođenje šestog nije uznemirilo, već razveselilo roditelje. Otac obitelji bio je prilično imućan čovjek: osim mlina i sladare, imao je dvije kuće, a za ženu je uzeo dobar miraz.

Dječak je svoje prve godine proveo u rodnom mlinu, na obalama rukavca Rajne (po imenu ove rijeke njegova je obitelj dobila prezime). Vjerojatno mu se više puta dogodilo da promatra zrake sunca, kada su, probijajući se kroz krovni prozor šupe mlina, zlatnim prugama probijale sitne čestice prašine od brašna. Možda su ga ta iskustva iz djetinjstva naučila tim čarobnim učincima svjetla i sjene, koji su kasnije ovjekovječili njegovo ime. Diveći se u večernjim satima tihim valovima svoje rodne rijeke, obasjane jantarnim zalaskom sunca, i nijansama prozirne magle koja se diže s njezine glatke površine, Rembrandt je po prvi put pogodio tajne boje, koje je samo on znao dati slikama .

Cjelokupna atmosfera i duh građanske nizozemske obitelji toga vremena morali su razviti snažne, cjelovite karaktere, vedre i vedre u svakodnevnom životu, čvrste u časovima nesreće i tuge. Odgajani u strogim vjerskim pravilima, Nizozemci su tražili zabavu i opuštanje od napornog rada u uskom obiteljskom krugu i čitanja Biblije.

Za briljantnog tinejdžera ulice i tržnice Leidena bile su polje promatranja; ovdje je upoznao svakojake tipove, koje je nevještom rukom prenio na papir. Crni Perzijanac naletio je na plavokosog Engleza. Ljudi svih nacija, karaktera, javnih propisa prolazile su pred znatiželjnim očima dječaka, poput šarenih slika kaleidoskopa. Periferija grada, iako nije bila osobito slikovita, nije bila lišena osebujne ljepote.

Nakon što su završili tečaj u narodnoj školi, Rembrandtova starija braća ušla su u podučavanje obrtnika. Stari Harmen je mlađeg sina namijenio drugim aktivnostima. Dječak je pohađao latinsku školu, kasnije mu je otac želio omogućiti pristup sveučilištu, kako bi mogao, kad je postao punoljetan, "svojim znanjem koristiti rodnom gradu i domovini".

Ovakav pogled na oca Rembrandta nije bio iznimka. U svojoj kulturi i obrazovanju, baš kao iu organizaciji svog društvenog poretka, Nizozemci su u 17. stoljeću bili dvjesto godina ispred ostatka Europe.

Nizozemci su visoko cijenili znanost. Kada su građani Leidena zamoljeni da izaberu nagradu, tražili su da se u gradu osnuje sveučilište. Njegova je slava bila tolika da su strani vladari smatrali čašću studirati ovdje.

Rembrandta je malo zanimala znanost, privlačilo ga je slikarstvo. Čim je Rembrandtov otac primijetio sklonost svoga sina, odmah mu je dao priliku da slijedi svoj poziv.

Razumijevanje osnova

U dobi od oko 16 godina, mladić je ušao kod prvog učitelja, svog rođaka Jacoba van Swanenbürcha, umjetnika, danas potpuno zaboravljenog. Tri godine je mladi Rembrandt stjecao početne vještine svoje umjetnosti. Kako se van Swanenbürch odnosio prema mladom studentu, kakav je moralni i estetski utjecaj imao na budućeg tvorca Lekcije anatomije, ne znamo. Ove prve studentske godine nisu ostavile ni najmanjeg traga u tadašnjim analima. U djelima Rembrandta primjetniji je utjecaj još dvojice učitelja Jorisa van Schootena i Jana Peinasa.

Joris je svojedobno bio prilično poznat slikar naturalističkog, realističkog smjera. Slikao je portrete burgomestra, slike sa sastancima raznih korporacija.Njegovo slikarstvo odlikuje se originalnošću. Vjerojatno njemu Rembrandt duguje razvoj onih osobina koje otkrivaju sve njegove kreacije; suptilno razumijevanje prirode, želja za prikazivanjem stvarnosti kakva jest, sposobnost prenošenja snažnog životnog toka na mrtvo platno.

Jan Peinas bio je poznat kao izvrstan kolorist. Vjeruje se da je Rembrandt od njega preuzeo te tople, iako pomalo tmurne tonove, onu moćnu, a istodobno meku paletu nijansi koje i danas slikama jednoga genija daju neodoljiv šarm. U svakom slučaju, Peynasovo osvjetljenje pomalo podsjeća na Rembrandtovo.

Zatim je mladi umjetnik na šest mjeseci završio u radionici amsterdamskog slikara Petera Lastmana od kojeg je učio graviranje.

Povratak

Dvadesetogodišnji Rembrandt se vratio rodni grad. Ovdje je nastavio svoje studije sam, pod vodstvom samo svog genija i majke prirode. Prve slike koje su došle do nas datiraju iz 1627. godine: jedna od njih je "Apostol Petar u zatvoru", druga je "Mjenjač". To su mladenački pokušaji, ne od posebnog interesa; ali na drugoj slici, u nevjerojatno lijepoj svjetlosti koja izvire iz svijeće, napola zaklonjena rukom mjenjača, već se može prepoznati budući Rembrandt.

Uz slikarstvo, mladi van Rijn marljivo se bavio graviranjem. Jedna od njegovih prvih gravura je portret njegove majke s oznakom 1628. Vidi se da je na ovim gravurama radila ruka puna ljubavi. Tijekom tog razdoblja svoje umjetničke karijere Rembrandt je nekoliko puta urezao lik svoje majke. Najznačajnija od ovih grafika poznata je kao Rembrandtova Majka pod crnim velom. Časna starica sjedi u naslonjaču ispred stola; njezine ruke, koje su u svoje vrijeme mnogo radile, sklopljene su na koljenima. Lice izražava smirenost koju daje samo svijest o životu koji se živi ispravno i pošteno, ispunjen dužnošću. Finiš gravure je doista nevjerojatan: svaka bora, svaka čvorna vena na naboranim starim rukama puna je života i istine.

Rembrandtov omiljeni predmet promatranja bio je odraz unutarnjeg, duhovnog života čovjeka na njegovom licu. Nikada nije propustio priliku da takav izraz reproducira na papiru ili ploči.

Istina, tijekom tih godina (1627-1628) još uvijek nije slikao one portrete kojima su se njegovi obožavatelji i poznavatelji toliko divili i divili. Stoga, uz dva portreta majke, postoji samo nekoliko slika samog umjetnika.

Na jednom od otisaka vidimo prilično ružnog mladića s punim licem uokvirenim gustom kosom. Ali crte odišu takvom vedrinom, samouvjerenom snagom i dobrom naravi da nehotice izazivaju suosjećanje. Na drugoj gravuri pod nazivom "Čovjek u ošišanoj beretki" - isto lice, samo s izrazom užasa: oči su gotovo iskočile iz duplji, usta su poluotvorena, okretanje glave ukazuje na jak strah .

Rembrandt je često koristio svoje lice za studije: bio je to jeftin i prikladan način vježbanja: dadilja nije tražila ništa za svoj rad i spremno se pokoravala umjetnikovim hirovima. Kažu, sjedeći ispred ogledala, mladi van Rijn je svojoj fizionomiji davao različite izraze: ljutnju, radost, tugu, čuđenje - i pokušavao što točnije kopirati svoje lice. Cijeli život Rembrandt nije napustio tu naviku - u mnogim muzejima u Europi nalaze se njegovi autoportreti, na kojima se uhvatio u različitim godinama iu svim vrstama kostima.

Slika

U umu mladog umjetnika odavno je sazrijevala misao o napuštanju rodnog gnijezda. Život malog provincijskog gradića s jednostavnim moralom i skučenim svjetonazorom bio je previše sitan i tijesan za moćnu dušu dvadesetčetverogodišnjeg mladića. Želio je vidjeti svjetlo, živjeti u buci i prostranstvu velegrada, okrenuti se u slobodi. Odlučio se preseliti u Amsterdam.

Stari grad je bio vrlo slikovit. Rasprostranjen u široku lepezu duž obale rijeke Amstel. bio je u krugu dražesnih kućica i zelenih vrtova. Bilo je mnogo elemenata koji su davali hranu inspiraciji, šaroliku publiku, razne slike, bogat izbor tipova.

Početkom 1631. Pun nadanja i nadanja započeo je Rembrandt novi život. Kad je, umoran od posla, bacio paletu i kist i krenuo lutati ulicama i trgovima grada, Amsterdam je u njegovoj prijemčivoj duši probudio tisuću dosad nepoznatih dojmova. Ovo središte civilizacije doimalo se kao druga Venecija, samo živahnija i bučnija, bez sumornih aristokratskih palača, bez tajanstvenog zelenkastog sumraka kanala i blistavog plavetnila Jadrana.

Posve drugačiju, iako ništa manje slikovitu sliku davali su tržnice i amsterdamska luka. Brodovi koji su dolazili ovamo iskrcavali su robu iz cijelog svijeta. Orijentalni tekstil ležao je pored ogledala i porculana; graciozni kipovi i vaze Italije bili su bijeli na tamnoj pozadini nürnberškog namještaja. Šarena krila tropskih ptica i papiga blistala su na suncu; okretni majmuni mrkli su se među balama. Sav ovaj babilonski pandemonij stranih bogatstava, sav ovaj kaos ublažilo je obilje cvijeća. Harmoniju su obnovili mnogi zumbuli, tulipani, narcisi i ruže koje su harlemski vrtlari svakodnevno donosili na tržište.

Mladić je cijele sate provodio u mračnim dućanima i uvijek je bio rado viđen gost. Vlasnik mu je među hrpama svakojakog smeća pronašao rijetke stvari, bogato oružje, starinski nakit, raskošne nošnje. Sve je to Rembrandt mogao kupiti u pola cijene. Često je tijekom takvih posjeta slavni slikar skicirao ili urezivao izražajno lice nekog od članova trgovačke obitelji, koje ga je zadivilo ljepotom ili originalnošću.

Kupci

Rembrandtove slike i gravure našle su kupce u zemlji i počele prodirati u inozemstvo. Umjetnik je u najkraćem mogućem roku uspio sebi osigurati sasvim lagodnu egzistenciju; zarađivao je toliko da je čak mogao kupovati i skupljati rijetke i skupe predmete.Rembrandt je 1631. godine napisao dva djela – Prikazanje i Svetu obitelj. Ovo posljednje ostavlja pomalo čudan dojam. Ne vidimo skromnu nastambu nazarećanina tesara, već sobu u kući bogatog građanina u Harlemu ili Sardamu. Sveta Djevica je punašna, rascvjetala Nizozemka u nošnji iz 17. stoljeća. Lice bebe koja joj je zaspala na krilu također je tip čistog sjevernjaka.

Sve na ovoj slici - i mjesto radnje i tipovi - proturječi modernim konceptima povijesne vjernosti i životna istina. Ali vrijedi pažljivo promotriti ovu obiteljsku scenu, a sve rasprave o teoriji umjetnosti ustupaju mjesto osjećaju krotke nježnosti - toliko poezije i duhovne ljepote u ovoj grupi, okupljenoj kraj siromašne kolijevke Spasitelja, takva naivna milost u pozi usnulog djeteta, toliko ljubavi i nježnosti u očima mlade majke i u njezinu osmijehu... Sveti Josip zaviruje radoznalo i zamišljeno u crte lica bebe, kao da sluti trnovit put kojim će morati proći . Cijelo svjetlo slike usmjereno je na lik usnulog Isusa, samo pojedine zrake klize preko Marijinih prsa i vrata, preko Josipova lica i preko skromne postelje.

Odabravši zaplet, Rembrandt se potpuno upustio u njega, prožet najsitnijim detaljima, podvrgnuo ga najopsežnijoj raspravi. Obično ga prvi nacrt nije zadovoljio. A Rembrandt je, umjesto da mijenja i prepravlja, potpuno napustio oštećene grafike i krenuo ispočetka. Tako su ispod njegova kista ili rezača izašle nove, originalne reprodukcije iste teme. Umjetnik nije nikome povjeravao tiskanje svojih gravura: pri svakom je otisku crtežu dodavao nekoliko poteza, postižući nove efekte, pojačavajući ili slabeći ton. Stoga se slike iste gravure često razlikuju jedna od druge u malim detaljima. Čak iu takvom mehaničkom radu vidljiv je Rembrandtov genij.

Vjerojatno je u tim ranim godinama mladi umjetnik imao puno slobodnog vremena - naslikao je cijeli niz autoportreta. Ali ti radovi više nisu prvi eksperimenti briljantnog učenika, već potpuno gotovi radovi.

autoportreti

Što je natjeralo Rembrandta da toliko i često slika svoj lik? Možda ga je vodila sasvim razumljiva i legitimna želja osobe koja osjeća svoju nadmoć nad egzaktnim, koja je svjesna nečeg izuzetnog u svojoj duši, da potomcima prenese svoj izgled, želja da ne nestane bez traga, ne kao umjetnik, nego kao osoba? Možda je želio privući pozornost ljubitelja umjetnosti koji su posjećivali njegovu radionicu i time povećati broj narudžbi?

Poznavajući Rembrandtovu skromnu i prilično nemarnu nego razboritu narav, teško se može pretpostaviti da su ga vodili isključivo ponos i osobni interes. Dapače, tako ponosna i moćna osoba kao što je Rembrandt, koji, čak i radi kruha svagdašnjeg u danima krajnje bijede i potrebe, nije ni najmanje kompromitirao svoje poglede i navike, jednostavno se nije mogao podvrgnuti hirovima dadilja i modela. .

U vrlo kratkom vremenu njegova je radionica postala središte umjetničkog svijeta Amsterdama. Bogati građani stalno su mu se obraćali s narudžbama, unatoč činjenici da je, prema riječima njegovih suvremenika, morao ne samo platiti mnogo novca za posao, već i tražiti, moliti ga da ga preuzme.

sat anatomije

Godinu dana nakon preseljenja u Amsterdam, Rembrandt je stvorio jedno od svojih najvećih djela, Lekciju iz anatomije. Kad bi tvorac "Noćne straže", "Skidanja s križa" i drugih izvanrednih slika napisao samo ovu "Lekciju", bila bi to dovoljna za slavu jednog od prvih slikara tog doba.

U 17. stoljeću u Nizozemskoj, gdje je slikarstvo cvjetalo od samog početka renesanse, članovi pojedinih korporacija rado su naručivali kolektivne portrete. Ovog su običaja osobito slijedili kirurzi. Prije reformacije kirurgija je vegetirala pod jarmom srednjovjekovnog vjerskog despotizma. Tek sredinom 16. stoljeća liječnici su dobili pravo otvoreno studirati svoju specijalnost, bez straha od kazne i progona. Zakon koji dopušta seciranje ljudskih tijela za anatomska istraživanja proglašen je 1555. godine. Za obdukcije sa znanstvenim lancem dodijeljene su posebne prostorije; zvali su se anatomski teatri.

Godine 1632. odjel za anatomiju u Amsterdamu zauzima liječnik i znanstvenik Nicholas Tulp.Želeći dobiti njegov portret kao uspomenu na svog voljenog profesora, članovi korporacije kirurga obratili su se slikaru s molbom da preuzme ovo djelo. . Takvi portreti, prema običajima tog doba, slikani su prema prihvaćenom obrascu: svi su bili smješteni oko stola ili stajali u jednom redu tako da je svako lice bilo jednako vidljivo publici.

Ali svaka rutina bila je strana genijalnosti. Do sada nitko od njegove braće nije u portretiranju postigao onu nesputanu prirodnost i istinitost koje zadivljuju u Lekcijama anatomije. Ova žanrovska slika odiše svježinom, živošću i snagom. Stvorena je rukom ne samo velikog majstora, već i dubokog psihologa i poznavatelja ljudske duše.

Po izrazu lica na portretu lako je pogoditi karakter svakoga, iščitati osjećaje i misli koje ga uzbuđuju. Dr. Tulip stoji nad tijelom koje leži na operacijskom stolu. On pokazuje gole mišiće šake i nehotice, prema navici karakterističnoj za anatome, pomiče vlastite prste, kao da potvrđuje objašnjenja za aktivnost mišića. Doktorovo lice je ozbiljno i mirno; svjesno i pouzdano prenosi svojim slušateljima za njega već sasvim jasne i nedvojbene znanstvene zaključke.

Oko predavača se u uskom krugu okupilo sedam kirurga. U prvom planu, pored Tulipana, troje mladih ljudi. Jedan od njih, očito kratkovidan, pažljivo ispituje izložene mišiće; drugi, kao da su ga pogodili profesorovi argumenti, podigne pogled prema njemu; naposljetku, treći, pokušavajući razabrati pokret Tulipove ruke, napeto prati predavačeva objašnjenja

Iza ove prve skupine stoje još četiri kirurga. Malo iza profesora, sredovječni muškarac marljivo snima predavanje; ruka mu se zaustavila usred rečenice: očito je razmišljao kako točnije izraziti svoju misao. Za sam stol, naslonjen na njega rukom, poluokrenut prema publici, smjestio se naočit mladić. On je skeptik, s gotovo podrugljivim osmijehom na usnama. Od ostalih figura, ona krajnja je puna izražaja: osoba je već zrela, vjerojatno se susrela s mnogim poteškoćama i neriješenim zadacima u svom liječničkom radu. Napisano je u profilu: fiksirajući pogled na Tulip, čini se da se pretvorio u sluh, pokušavajući ne propustiti nijednu riječ.

Preko slike se prelijeva jarka, a istovremeno meka svjetlost: nigdje se ne vide sumorni tonovi koje je Rembrandt kasnije volio koristiti. Ovo osvjetljenje, takoreći, personificira sjaj znanosti, protjerujući svu tamu i prodirući u najudaljenije kutke.

Skoro dvjesto godina "Lekcija anatomije" bila je smještena u zgradi u kojoj je prvi put začuo glas slobodne znanosti u slobodnoj Nizozemskoj. Godine 182. kralj William I. kupio je ovaj biser nizozemske škole za 32.000 florina (Rembrandt je dobio samo 700 guldena) i darovao ga jednoj umjetničkoj galeriji u Den Haagu.

Vijest da je upravo završeni portret Tulipana i njegovih slušatelja već predan kupcima i da krasi zidove anatomskog kazališta brzo se proširila gradom. Gomile znatiželjnika opsjedale su publiku, žureći se diviti novom djelu Rembrandta. Njegova slava je rasla, a s njom i broj narudžbi: svaki od stanovnika grada, koji je imao barem nešto prihoda, želio je dobiti portret njegova djela, barem ugraviran na bakru.

Portret Silvija

Jedan od prvih koji se obratio umjetniku bio je tada poznati propovjednik Jan Cornelis Silvius. Već pri prvom susretu Rembrandt je osjetio duboko poštovanje i simpatiju prema poštovanom pastoru. Odmah je prionuo na depo i bio posebno vrijedan oko izvršenja naloga.

Ubrzo su sazrele prve grafike, ali nisu zadovoljile mladog umjetnika. Činilo mu se da je lice njegova novog prijatelja ispalo suviše hladno i beživotno, da nije uspio uhvatiti onu kombinaciju zamišljene strogosti i srdačne dobrote koja mu se toliko sviđala kod župnika.

Opet sam morao uzeti depo. Rembrandt je pojačao sjene: na licu se pojavilo više života, postalo je istaknutije, ali suptilnost djela, cjelovitost dojma su patili. Ipak, umjetnik je odlučio predati rad kupcu: poslao mu je sva četiri otiska s najiskrenijim pismom. Starac je bio vrlo zadovoljan portretom. Bio je dirnut finoćom majstora koji mu je umjesto jednog dao četiri lista. Opčinjen veselim, živahnim mladićevim karakterom, strogi propovjednik bio je prijateljski nastrojen prema njemu i uveo ga u obitelj, u kojoj je Rembrandt ubrzo postao sam svoj. Ovdje je upoznao dvanaestogodišnju Saskiju.

Lijepa Danaja

Mit o ovoj princezi iz bajke došao je do nas iz daleke prošlosti, a kist velikog umjetnika stvorio je jednu od najpoetičnijih slika u svjetskom slikarstvu na temelju ove radnje.

Grčko proročište predskazalo je kralju Akriziju da će umrijeti od ruke svog unuka. Kralj, koji se bojao smrti, čuvši tako tragično predviđanje, odlučio je zaključiti svoje kćer jedina Danaja u kuli, a najsvirepiji psi u kraljevstvu posađeni da je čuvaju. Ali moćni Zeus ugleda djevojku, zaljubi se u nju i, pretvorivši se u zlatnu kišu, uđe u tamnicu...

Likovni mlaz zlatne boje jarko obasjava lik nage Danaje. Djevojka čeka svog ljubavnika, radosna i ujedno sramežljiva pred Zeusom, pruža ruku prema ljubavi, au očima joj zov, slutnja sreće... Tako savršeno nago žensko tijelo, koje drhti , topla, živa i lijepa, mogla je napisati samo osoba zaslijepljena ljubavlju.

Ova slika je himna mladosti i ljepoti, himna Ženi. Gledajući platno, počinjete shvaćati koliko su Žena i Ljubav lijepe i vječne. Ali malo ljudi zna koliko je složena i dramatična sudbina slike i sudbina genija koji ju je napisao...

1631. Amsterdam. Nepoznati mladi Rembrandt van Rijn luta kamenim ulicama glavnoga grada. Tek mu je dvadeset i pet godina, a preplavljen je mladenačkim ambicijama - sin leidenskog mlinara Harmena van Rijna prošao je školu leidenskih majstora Swaneburga i Laymana i sanja o osvajanju prijestolnice, već nailazeći na gomile oduševljenih obožavatelja na njegova stopala.

Začudo, uspijeva, iako ne odmah. U početku narudžbe ne idu - bogati građani ne žele i ne vole razbacivati ​​novcem, jer u Amsterdamu Rembrandta još nitko ne poznaje. Ali situacija se iznenada mijenja. Bilo je potrebno samo godinu dana da se mladom umjetniku dive.

Godine 1632. izlaže svoju novu sliku "Lekcija anatomije doktora Tulipana", koja mu donosi pravi uspjeh! Rembrandt odmah postaje moderan umjetnik - sada mu ne manjka mušterija, a među njima ima mnogo dobrostojećih i utjecajni ljudi.

Sve ide jako dobro: mladost, uspjeh, novac i neukrotiva želja za crtanjem...

Jednom je Rembrandt bio pozvan u kuću trgovca umjetninama Hendrika van Uylenburgha.

u bučnom veselo društvo mladi ljudi, ugledao je onu koja mu je zauvijek pogodila srce - mladu Saskiju, Hendrikovu sestričnu.

Iako Saskia nije bila ljepotica u punom smislu riječi - kratak vrat, male oči, debeljuškasti obrazi, ali njezin način komuniciranja s ljudima, njezin meki melodični glas i jednostavno svježa, šarmantna mladost učinili su je neobično šarmantnom u očima mladih. Osim toga, Rembrandta je zadivila njezina inteligencija i živahnost te se djevojci počeo intenzivno udvarati, štoviše, bila je iz vrlo imućne obitelji, među njezinom rodbinom bili su visoki dužnosnici i pastiri, trgovci i brodovlasnici.

Zatim je bilo još nekoliko sastanaka u najvišem amsterdamskom društvu, a Rembrandt je konačno napravio svoj izbor. Nije se mogao zamisliti bez ove djevojke. Umjetnik joj daje službenu prosidbu, koja je rado prihvaćena, a 1634. mladi su se zakonski vjenčali.

Tako su započele najsretnije godine Rembrandtova života. Saskia ne samo da je pružila svoju nesebičnu ljubav svom mužu, već je također donijela značajan miraz i uvela ga u višim krugovima Amsterdamski građani.

Narudžbe su padale jedna za drugom, ime Rembrandta s divljenjem se spominjalo u gotovo svakoj kući, a do tada je on sam već postao dobrostojeća osoba i mogao je svoju ženu okružiti sjajem i luksuzom - kupio ju je skupo haljine, nakit i učinili sve kako obitelj Saskia svoj brak ne bi smatrala neravnopravnim.

O njihovom obiteljskom životu nije sačuvana nikakva arhiva - ni dnevnici, ni bilješke, ni međusobna pisma, ni iskazi očevidaca, ali da je bio ispunjen srećom svjedoče brojni portreti, crteži i gravure koje je izradio Rembrandt.

Novac je omogućio mladom supružniku da ne bude škrt, a on je s entuzijazmom počeo u svojoj kući skupljati širok izbor antičkih rijetkosti, slika, gravura, bakropisa, tepiha, japanskih vaza - što nije bilo u njegovoj zbirci.

Ali, naravno, glavno blago Rembrandta je Saskia. I upravo je ona inspirirala umjetnika da stvori jedno od svojih najboljih djela - da stvori Danae.

U ovoj slici ima toliko osobnog, toliko ljubavi i iskrenosti, da je umjetnik odlučio da ovo platno nikada neće prodati - na kraju krajeva, ono je bilo simbol njihove bezgranične ljubavi i njihove izuzetne sreće.

No pokazalo se da je sreća bila kratkog vijeka, sreća se u jednom trenutku okrenula od obitelji, a niz tragičnih događaja; početkom 1636. godine umire novorođeni prvi sin Rumbarthus, zatim ista tužna sudbina zadesi dvije kćeri rođene jedna za drugom,

U kući je vladala tuga: bilo je teško crtati, bilo je teško gledati stalno uplakanu, ali još uvijek voljenu i dragu Saskiju, novac je postupno otjecao. Ali postojalo je vjerovanje da će se jednom sreća vratiti u kuću, a Bog će im se smilovati.

I tako se sve dogodilo: Saskia je ponovno zatrudnjela i 1641. godine konačno rodila zdravo dijete - sina Titusa.

Sretnom ocu vraća se želja za stvaranjem, au tom razdoblju nastaje čitav ciklus crteža, kao i poznata slika - Saskija se nakon poroda igra u krevetu s Titom.

Umjetnik je bio ispunjen tom temom – temom majke i djeteta.

Činilo se da je sve krenulo nabolje, sreća je opet bila na njegovoj strani, ali sreća opet nije izostala - učestali porođaj narušio je Saskijino zdravlje, počela je pobolijevati, gotovo nije ustajala iz kreveta, a devet mjeseci nakon rođenja sine, umrla je mlada žena, Imala je samo trideset godina!

Rembrandt je pao u tešku depresiju - uostalom, Saskia je sa sobom ponijela sve boje svijeta.

Ali jednog dana, dok je umjetnik sjedio u svom ateljeu, a srce mu je bilo posebno tužno i bolesno, začuo je nečiji ženski glas:

Pij, majstore, odmah će ti biti bolje.

Ispred njega je stajala Titova dojilja koju je Saskija angažirala za života. A Rembrandt je, neočekivano za sebe, iznenada osjetio da mu se sviđa ova žena - srce mu je počelo lupati, kao jednom prilikom susreta sa Saskijom.

Gertje Dirks, udovica brodskog trubača, bila je mlada, zdrava i prilično privlačna žena, ne bez lukavstva. Postupno se čvrsto učvrstila ne samo u gospodarevoj spavaćoj sobi, već je preuzela i svu moć u njegovoj kući.

Gertier nije nimalo nalikovala aristokratkinji Saskiji - bila je žena iz naroda, u kojoj su kipjele zemaljske strasti. No činilo se da Rembrandt uživa u tome. Gertier se sve češće pojavljivao na svojim platnima, i to gol. Njezino veličanstveno, gusto, tako zemaljsko meso ispunjavalo je platna senzualnošću i požudom.

I došao je trenutak kada je Rembrandt odlučio ponovno napisati Danaju. Na prethodnoj slici Danae je bila umotana u najtanje platno - uostalom, voljena, tako nježna i čista Saskia pozirala je umjetniku, a on nije želio da se itko osim njega može diviti ljepoti njezina tijela. Ali jednostavni, grubi Gertier, koji je u njemu uspio probuditi tjelesne strasti, mogao bi se razotkriti pred očima stranaca.

Tako se na Rembrandtovom platnu rađa nova Danaja - spremna na milovanja i ljubavne igre, senzualna, gorljiva, ona čeka svog ljubavnika, želeći da mu pruži sva zemaljska zadovoljstva. A ova nova Danae ima Gertierove crte (Saskia ne može biti tako otvoreno seksi).

Godine su prolazile. Rembrandt je naporno radio. Njegov sin Titus je rastao. A Gertier, koja se pokisla na gospodarovim žlicama, osjećala se kao suverena gospodarica i mučila ju je samo jedna misao - zašto je gospodar ne oženi? Cijeli je život dala Rembrandtu, a on je, čini se, nije namjeravao zvati svojom ženom.

Uskoro je umjetnik pozvan u "Komoru obiteljskih svađa" (takva je institucija postojala u Amsterdamu u 17. stoljeću) i naređeno mu je da gospođi Dirks plaća 200 guldena godišnje. Za ono vrijeme - priličan iznos, ali Rembrandt je spreman na sve, samo da se riješi gadne i skandalozne žene. Svi nježni osjećaji prema njoj davno su nestali, pogotovo otkako se u kući pojavila nova sluškinja - Hendrikje Stoffels, kći vojnika koji je služio na granici s Vestfalijom. Ispostavilo se da je skromna, slatka, ljubazna i ubrzo je ova tiha, predana djevojka osvojila ne samo srce umjetnika, već i svih u kući.

Rembrandt se iskreno zaljubio u nju i prvi put nakon što je Saskia htjela ozakoniti vezu. Ali, nažalost, to je bilo nemoguće - prema uvjetima Saskijine oporuke, oženivši se, lišen je prava upravljanja imovinom svog sina Tita i korištenja njegovog prihoda.

Ali Hendrickje nije ništa očekivala niti zahtijevala, glavna stvar je da su bili zajedno, a ona je mogla dati Rembrandtu svoju mladost, mir i sreću, a 1654. - svoju kćer, voljenu Corneliju.

Rembrandt nije ostao dužan, međutim, svoju voljenu nije mogao obasuti nakitom ili novcem - tijekom ovih godina postajalo ih je sve manje, ali napisao je nevjerojatnu galeriju njezinih portreta.

I jednog dana, jedne tihe, mirne večeri, dok su sjedili u radionici i o nečemu razgovarali, on je odjednom oštro ustao, otišao do Danae i, bacivši je pogled, uzeo boje i kist, odmah dajući princeza iz bajke ima Hendrickier.

Tako se pojavila treća verzija ovog tajanstvenog i lijepog platna.

U međuvremenu je amsterdamsko društvo ključalo - građani su bili ogorčeni načinom života umjetnika koji je odavno postao slavan. Njegova sluškinja, kurva i preljubnica, živi s njim u grijehu! No pravi skandal izbio je nakon što su se proširile glasine da je trudna Hendrikje pozirala umjetniku za sliku Kupanje Bat-Šebe,

Djevojka je pozvana u kalvinijski konzistorij i zahtijevala je da napusti umjetnika, prijeteći da će u protivnom biti ekskomunicirana.

Sada je teško zamisliti što je za mladu ženu značilo biti isključena iz večernje pričesti – bila je to užasna sramota.

No Hendrickje je, unatoč njezinoj tihoj, popustljivoj naravi, naglo odbila - na kraju krajeva, ništa se nije moglo mjeriti s njezinom bezgraničnom ljubavi, a ona je i dalje nastavila živjeti s Rembrandtom.

Obitelji je bilo teško. Prošle su uspješne i dobro hranjene godine, nitko nije kupio Rembrandtove slike, a postupno su morali prodati sva blaga - tepihe, oružje, vaze, slike koje je skupljao s takvom ljubavlju.

Godine 1656. Rembrandt je konačno bankrotirao. “Inventar slika, namještaja i kućanskog pribora koji pripada Rembrandtu van Rijnu, koji živi na Breestraatu u blizini prevodnice sv. Ante”, poreznici su savjesno opisali Rembrandtovu imovinu. U jednom od paragrafa inventara, uz kože lava i lavice i dvije šarene haljine, nalazi se "velika slika" Danaja ".

Platno, s kojim se umjetnik nikada nije rastajao, otišlo je u tuđe ravnodušne ruke.

A onda je obitelj izgubila i samu kuću - kupio ju je susjed postolar - i preselila se u jednu od najsiromašnijih četvrti Amsterdama.

Nesreća i gubitak nastavili su ih progoniti. Ne izdržavši te teške životne kušnje, Hendrickje umire 1663., a za njim i Titus - nedavno se oženio šarmantnom Magdalenom van Lo, koja nije mogla bez supruga i nije ga dugo nadživjela.

Svi koje je Rembrandt volio napustili su umjetnika, ostale su samo dvije djevojke - kći Cornelia i mala unuka Titya.

Vrijeme je neumoljivo išlo naprijed, a zdravlje također neumoljivo odlazilo. Rembrandt je slabio, živio u strašnom siromaštvu i poniženju. Ali što je njegova sudbina bila teža, to je njegova umjetnost dobivala više mudrosti i dubine.

Njegova smrt nije izazvala nikakav interes u Amsterdamu - pomislite, ima mnogo takvih umjetnika čije se slike prodaju čak i na tržnicama uz divljač, meso i ribu!

I nitko tada nije pomislio da je zemlja izgubila jednog od svojih najvećih sinova...

Što je s Danae? U čije je ruke dospjela najdraža Rembrandtova slika?

Promijenivši nekoliko vlasnika, početkom XVII st. završila je u zbirci francuskog bankara Pierrea Crozata, a nakon njegove smrti naslijedio ju je nećak baruna Thiersa i tek 1770. godine prodana. Među novim vlasnicima Crozatovog blaga bila je i ruska carica Katarina II., koja je s velikim entuzijazmom skupljala svoju zbirku slika.

Napokon je "Danae" pronašla dostojno mjesto za sebe - u dvoranama Ermitaža. Kad je stigla ovamo, odmah je izazvala žestoke rasprave; gdje je zlatna kiša, zašto Kupid plače na postelji, zašto je prsten na prstu lijeve ruke? Onda to uopće nije Danae! Ili možda Dalila, čekajući Samsona, ili biblijska Hagara?

Sva su pitanja otklonjena nedavno, kada je Rembrandtovo remek-djelo proučavano uz pomoć X-zraka. Osvijetlivši platno, zaprepašteni znanstvenici ispod jedne slike ugledali su još jedno! U prvoj verziji, Saskia je prikazana s prstenom na prstu, kako i priliči udanoj dami, a tijelo joj je stidljivo prekriveno laganim velom. Umjetnik ju je iščupao kad se pojavio Gertier Dirks, pa vjerojatno zato Kupid plače, oplakuje preminulu ljubav i divnu Saskiju.

Ali priča tu nije završila. Jednog sunčanog subotnjeg dana, 15. srpnja 1985., mladić Bryunas Maigis, koji je stigao u Lenjingrad iz Kaunasa, otišao je u Ermitaž: i odmah otišao u Rembrandtovu dvoranu. Prilazeći "Danae" izvukao je nož i uzviknuo "Sloboda Litvi!" nasrnuo na nju. Nakon što je izrezao sliku, polio ju je i litrom sumporne kiseline. Šokirano muzejsko osoblje zanijemilo - ovo se nikada nije dogodilo u muzeju! Pomahnitali vandal je uhićen, a na ispitivanju je rekao da je u časopisu Ogonjok pročitao članak da je - " glavna slika u glavnom sovjetskom muzeju". U izopačenom umu Litvanca Rembrandtovo remek-djelo pretvorilo se u svojevrsni simbol ruskog carstva koje je tlačilo Litvance.

I dok je policija izvodila Maigisa iz Ermitaža, muzejsko je osoblje užasnuto gledalo kako se mlaz kiseline slijeva preko slike, nagrizajući sloj boje i platno. Hitno su pozvani restauratori i najbolji kemičari grada. Osakaćena slika prebačena je u laboratorij, oprana i počeli su razmišljati što učiniti s njom - nakon svega, kiselina je ostavila strašne brazde, osim toga, Danaijeva bedra i trbuh izrezani su nožem.

Kao rezultat burne rasprave došli su do kompromisnog rješenja - ono što je potpuno oštećeno ne treba obnavljati, ali ono što se može obnoviti - obnoviti. A restauratori su nakon suludog vandalskog čina uspjeli spasiti sliku.

Rembrandtovo remek-djelo i dalje raduje posjetitelje Ermitaža, a svi, prilazeći mu, ponovno osjećaju šarm ženske ljepote i užitak čekanja čuda. I, naravno, divi se vještini velikog Nizozemca Rembrandta von Rhinea, čiju su 400. obljetnicu rođenja prošle godine proslavili svi poznavatelji besmrtne umjetnosti.