Трагедия жизни и творчества рембрандта. Рембрандт – все, что надо знать о знаменитом голландском художнике

Рембрандт Харменс ван Рейн (1606-1669) - голландский художник, рисовальщик и гравёр, великий мастер светотени, крупнейший представитель золотого века голландской живописи.

Биография Рембрандта ван Рейна

Рембрандт Харменс ван Рейн родился в голландском городе Лейден в 1606 году 15 июля. Отец Рембрандта был зажиточным мельником, мать – хорошо пекла, была дочерью пекаря. Фамилия «ван Рейн» означает дословно «с Рейна», то есть с реки Рейн, где у прадедов Рембрандта стояли мельницы. Из 10 детей в семье Рембрандт был самым младшим. Другие дети пошли по стопам родителей, а Рембрандт избрал другой путь – художественный, и получил образование в Латинской школе.

В возрасте 13 лет Рембрандт начал учиться рисовать, а также поступил в городской университет. Возраст тогда никого не смущал, главное в то время были знания на уровне. Многие ученые предполагают, что Рембрандт поступил в университет не для того, чтобы учиться, а чтобы получить отсрочку от армии.

Первым учителем Рембрандта был Якоб ван Сваненбюрх. В его мастерской будущий художник провел около трех лет, затем переехал в Амстердам на учебу к Питеру Ластману.

С 1625 по 1626 гг. Рембрандт вернулся в свой родной город, и завел знакомства с художниками, и некоторыми учениками Ластмана.

Все же после долгих раздумий Рембрандт решил, что карьеру художника надо делать в столице Голландии, и снова перебрался в Амстердам, и женился на богатой горожанке Саскии ван Эйленбург, а полотно «Урок анатомии доктора Тюлпа» принесло молодому живописцу всеобщее признание.

Творчество Рембрандта ван Рейна

Для мастера началось самое благополучное в его жизни десятилетие. У него появилось множество учеников (школа Рембрандта).

В этот период им написаны такие шедевры, как «Автопортрет с Саскией» (1635 г.) и «Даная» (1636 г.).

Чрезвычайно жизнерадостное искусство Рембрандта 30-х гг. сочетает в себе опыт мастеров Возрождения и барокко и новаторский подход к классическим сюжетам.

Период успехов внезапно завершился в 1642 г.: великолепная работа «Ночной дозор» - групповой портрет членов Стрелковой гильдии Амстердама - была отвергнута заказчиками, не оценившими новаций художника и подвергшими его резкой критике.

Рембрандт практически перестал получать заказы, его покинули почти все ученики. В том же году скончалась Саския.

С 40-х гг. Рембрандт отказался в творчестве от театральных эффектов, в его живописи усилилось мистическое, созерцательное начало. Нередко художник обращался к образу своей второй жены - Хендрикье Стоффельс.

Глубиной, спокойствием и эмоциональной насыщенностью отмечены картина «Святое семейство» (1645 г.), серия автопортретов, лучшие пейзажи. Но неудачи продолжали преследовать Рембрандта: в 1656 г. он был объявлен несостоятельным должником, имущество распродано с аукциона, а семья перебралась в скромный дом в еврейском квартале Амстердама.

Заказанное ратушей полотно «Заговор Юлия Цивилиса» (1661 г.) разделило судьбу «Ночного дозора». В 1663 г. художник похоронил жену и сына.

Несмотря на ухудшение зрения, Рембрандт продолжал писать картины. Своеобразным итогом его творчества стал холст «Возвращение блудного сына» (1668-1669 гг.).

Автопортреты Рембрандта запечатлели почти все этапы его жизни и стадии творческого пути. Они замечательны сами по себе, так как позволяют нам проследить развитие мастера, а также потому, что многие более поздние художники – от сэра Джошуа Рейнолдса до Марка Шагала – пробовали подражать примеру Рембрандта в надежде понять что-то о самих себе.

Картина Рембрандта «Портрет Якоба де Гейна III» занесена в Книгу рекордов Гиннеса как наиболее часто похищаемое произведение искусства в мире. Картина была украдена и найдена четыре раза. Ей даже дали прозвище «Рембрандт на вынос». Портрет хранится в Лондоне, в галерее Далвич.

Часть картин художника Рембрандта, в том числе известные «Даная», «Жертвоприношение Авраама» и «Немилость Амана», хранятся в Государственном Эрмитаже (Санкт-Петербург). В 1985 году душевнобольной плеснул на «Данаю» серную кислоту. Реставрация шла долгих 20 лет. Теперь «Данаю» можно увидеть лишь за толстым слоем защитного стекла.

«Исследовательский проект Рембрандт» — это группа ученых, анализирующих наследие великого художника. Проект работает с 1968 года.

До этого времени считалось, что кисти художника принадлежит 800 картин. Проект эту цифру опроверг: после тщательных исследований оказалось, что их всего около 350.

Остальные написаны учениками Рембранда, а также художниками, на которых повлиял Рембрандт. Например, знаменитый «Мужчина в золотом шлеме» из Берлинской картинной галереи, долгое время считавшийся работой мастера, оказался картиной другого неизвестного художника.

При написании этой статьи были использованы материалы таких сайтов: place-fact.com ,

Если вы нашли неточности или желаете дополнить эту статью, присылайте нам информацию на электронный адрес admin@сайт, мы и наши читатели будем вам очень благодарны.

Творчество Рембрандта Харменса ван Рейна (1606-1669) знаменует наивысший расцвет голландского искусства XVII века и одну из вер­шин мирового искусства вообще. Демократическое и истинно гуман­ное, проникнутое горячей верой в торжество справедливых жизнен­ных начал, оно воплотило в себе самые передовые и жизнеутверждаю­щие идеи своего времени. Художник поднял изобразительное искусство на новую ступень, обогатив его небывалой жизненностью и пси­хологической глубиной. Рембрандт создал новый живописный язык, в котором главную роль играли тонко разработанные приемы светотени и насыщенный, эмоционально напряженный колорит. Духовная жизнь человека стала отныне доступной изображению средствами реалисти­ческого искусства.

Рембрандт выступил новатором во многих жанрах. Как портре­тист, он явился создателем своеобразного жанра портрета-биографии, где долгая жизнь человека и его внутренний мир раскрывались во всей своей сложности и противоречивости. Как исторический жи­вописец, он претворил далекие античные и библейские легенды в со­гретый высоким гуманизмом рассказ о реальных земных человеческих чувствах и отношениях.

Середина 1630-х годов - время наибольшей близости Рембрандта к общеевропейскому стилю барокко, пышному и шумному, насыщен­ному театральным пафосом и бурным движением, контрастами света и тени, противоречивым соседством натуралистических и декоратив­ных моментов, чувственности и жестокости.

В барочный период написано «Снятие с креста» (1634). Картина иллюстрирует евангельскую легенду о том, как Иосиф Аримафейский, Никодим и Другие ученики и близкие Христа, получив разрешение Пилата, сняли ночью тело Христа, завернули его в бога­тую плащаницу и похоронили.

Легенда рассказана Рембрандтом с потрясающей жизненной прав­дой. Трагическая смерть учителя и сына повергла участников собы­тия в глубокое горе. Художник вглядывается в лица, стараясь про­никнуть в души людей, прочесть реакцию каждого на происходящее. Взволнованно передает он обморок Марии, матери Христа, плач и стенания женщин, страдание и скорбь мужчин, испуг и любопытство подростков.

В этом произведении Рембрандт отталкивался от известной кар­тины Рубенса того же названия, используя отдельные композиционные мотивы вели­кого фламандца и стремясь превзойти его в выражении душевных движений героев.

Другим важным достижением этой картины, наряду с индиви­дуализацией чувств действующих лиц, явилось использование света для достижения цельности многофигурной композиции. Три главных момента легенды - снятие с креста, обморок Марии и расстилание плащаницы - освещены тремя различными источниками света, ин­тенсивность которых убывает сообразно с уменьшением значения сцены.

Начало нового периода в жизни и творческой деятельности масте­ра было отмечено двумя важными событиями, которые произошли в 1642 году: безвременной смертью Саскии, горячо любимой жены, оставившей ему годовалого сына, и созданием картины «Ночной до­зор»- большого группового портрета амстердамских стрелков, самого знаменитого произведения мастера.

Семейная трагедия и завершение ответственного заказа поставили Рембрандта перед сложными проблемами личной и творческой жизни. Художник выходит из этого кризиса возмужавшим и умудренным. Его искусство становится серьезнее, собраннее и глубже, а главное, в нем все явственней проступает интерес к внутренней жизни человека, к тому, что творится в его душе.

В тесной связи с эволюцией творчества Рембрандта в 1640-е годы следует рассматривать и одно из главнейших произведений худож­ника - «Даная» , хотя на картине стоит дата 1636. На создание обра­за Данаи, легендарной греческой царевны, заточенной своим отцом, чтобы избежать предсказанной ему гибели от руки внука, Рембрандта вдохновила его первая любовь - Саския. Но через десять лет, как по­казали новейшие исследования, художник, неудовлетворенный перво­начальным решением, существенно перерабатывает образ главной ге­роини. Моделью для окончательного варианта картины послужила ему, по-видимому, Гертье Диркс, молодая вдова, поселившаяся в доме Рембрандта после смерти Саскии сначала как нянька годовалого Титуса, а затем и на правах полной хозяйки. Таким образом, голова, пра­вая рука и в значительной степени тело Данаи, ожидающей в своей темнице возлюбленного (по легенде, влюбившийся в Данаю Зевс про­ник к ней в виде золотого дождя), а также фигура старухи-служанки оказались написанными заново, в смелой широкой манере середины и второй половины 1640-х годов. Почти все остальные детали картины остались такими, какими были написаны в 1636 году, характерным для предшествующего периода аккуратным, рисующим мазком.

Значительным изменениям подвергся и колорит картины. В пер­воначальном варианте господствовали холодные тона, типичные для середины 1630-х годов. Заменив золотой дождь первого варианта золотым светом, как бы предвещающим появление влюбленного бога, Рембрандт выполняет теперь центральную часть картины в теплом тоне с золотистой охрой и красной киноварью в ка­честве доминант.

Во втором варианте, то есть в 1646-1647 годах, Даная получила и углубленную психологическую характеристику, благодаря которой раскрылся сокровенный внутренний мир женщины, вся сложная и противоречивая гамма ее чувств и переживаний. «Даная», таким образом,-наглядный конкретный пример становления знаменитого рембрандтовского психологизма.

Творчество Рембрандта 1650-х годов отмечено прежде всего дости­жениями в области портрета. Внешне портреты этого периода отли­чаются, как правило, большим размером, монументальными формами. спокойными позами. Модели обычно сидят в глубоких креслах, поло­жив на колени руки и повернувшись прямо к зрителю. Светом выде­лены лицо и кисти рук. Это всегда пожилые, умудренные долгим жиз­ненным опытом люди - старики и старухи с печатью невеселых дум па лицах и нелегкого труда на руках. Подобные модели давали худож­нику блестящие возможности показать не только внешние приметы преклонного возраста, но и духовный облик человека. В собрании Эр­митажа эти работы хорошо представлены незаказными портретами:

«Старик в красном», «Портрет старушки» и «Портрет старика еврея».

Мы не знаем имени человека, послужившего моделью для портре­та «Старик в красном». Рембрандт писал его дважды: в портрете 1652 го­да (Национальная галерея, Лондон) он изображен сидящим в кресле с подлокотниками, в глубокой задумчивости склонившим голову на правую руку; эрмитажный вариант трактует ту же тему- человек на­едине со своими думами. На этот раз художник применяет строго сим­метричную композицию, изображая неподвижно сидящего старика в фас. Но тем заметнее движение мысли, едва уловимая смена выраже­ния лица: оно кажется то суровым, то более мягким, то усталым, то вдруг озаренным приливом внутренней силы и энергии. То же происходит и с руками: они кажутся то судорожно сжатыми, то лежащими обессиленно. Художник достигает этого прежде всего благодаря блестящему мастерству светотени, которая в зависимости от ее силы и контрастности вносит в изображение элегическую расслабленность или драматическое напряжение. Огромную роль играет при этом и манера нанесения краски на холст. Изрытое морщинами лицо старика и узловатые натруженные руки обретают художественную, выразительность благодаря вязкому месиву красок, в котором переплетающиеся жирные мазки передают структуру формы, а тонкие лессировки придают ей движение и жизнь.

Безымянный старик в красном с подчеркнутым достоинством, силой духа и благородством стал выражением новой этической позиции художника, открывшего, что ценность личности не зависит от официального положения человека в обществе.

К середине 1660-х годов Рембрандт завершает свое самое проник­новенное произведение - «Возвращение блудного сына». Его можно рассматривать как завещание Рембрандта-человека и Рембрандта-художника. Именно здесь идея всепрощающей любви к человеку, к униженным и страждущим - идея, которой Рембрандт служил всю свою жизнь,- находит наивысшее, совершеннейшее воплощение. И именно в этом произведении мы встречаемся со всем богатством и разнообразием живописных и технических приемов, которые вырабо­тал художник за долгие десятилетия творчества.

Оборванный, обессиленный и больной, промотавший свое состоя­ние и покинутый друзьями, появляется сын на пороге отчего дома и здесь, в объятиях отца, находит прощение и утешение. Безмерная свет­лая радость этих двоих - старика, потерявшего всякие надежды на встречу с сыном, и сына, охваченного стыдом и раскаянием, прячуще­го лицо на груди отца,- составляет главное эмоциональное содержа­ние произведения. Молча, потрясенные, застыли невольные свидетели этой сцены.

Художник предельно ограничивает себя в цвете. В картине доми­нируют золотисто-охристые, киноварпо-красные и черно-коричневые тона при бесконечном богатстве тончайших переходов внутри этой скупой гаммы. В нанесении красок на холст участвуют и кисть, и шпа­тель, и черенок кисти; но и это Рембрандту кажется недостаточным-он наносит краски на холст непосредственно пальцем (так написана, например, пятка левой ноги блудного сына). Благодаря разнообразию приемов достигается повышенная вибрация красочной поверхности - краски то горят, то сверкают, то глухо тлеют, то как бы светятся из­нутри, и ни одна деталь, ни один, даже самый незначительный, уголок холста не оставляет зрителя безучастным.

Только умудренный огромным жизненным опытом человек и ве­ликий, проделавший большой путь художник мог создать это гениаль­ное и простое произведение.

Творчество Рембрандта

1. Автопортреты

За свою жизнь Рембрандт сделал около восьмидесяти автопортретов – картин, гравюр и рисунков. Для него это была своего рода автобиография, даже если потом портреты продавались. Один из первых – «Автопортрет» из амстердамского Рейксмузеума, где растрепанный двадцатидвухлетний живописец всматривается в свое лицо, пытаясь с помощью светотени передать впервые пробудившееся осознание себя художником.

Рис. 1. "Автопортрет" около 1628 г.

На автопортрете 1629 года яркий луч высвечивает безбородое пытливое лицо, оттененное кружевным воротником. А вот автопортрет того же года, хранящийся в Гааге, более официален. На маленькой картине «Художник в своей мастерской» (1629 г.), которую долгое время приписывали Герриту Доу, нашему взору открывается лейденская мастерская Рембрандта, со столом, мольбертом, палитрой и ступкой для растирания красок. Себя художник изобразил непривычно далеко от картины, словно желая дать зрителю почувствовать, как он сам видит и понимает живопись.

В более зрелых портретах иной раз выражена душа художника, а иной раз тщательно выписан его наряд. «Автопортрет» 1640 года, картина необычайно изысканная и гармоничная, запечатлел тридцатичетырехлетнего Рембрандта, занявшего прочное положение в Амстердаме. Ориентирами для художника были тициановский «Портрет дворянина», ныне хранящийся в Лондоне, а в ту пору находившийся в коллекции друга Рембрандта португальского еврея Альфонсо Лопеса, и «Портрет Бальдассара Кастильоне» Рафаэля. В сближении с итальянскими мастерами чувствуется вызов со стороны Рембрандта, словно подчеркивающего непривычным нарядом XVI века свою духовную близость с великими предшественниками. Он пишет себя в костюмах, по обычаю своей мастерской, где хранились самые разнообразные наряды для моделей, перечисленные в инвентарных описях, - «Автопортрет» 1658 года из нью-йоркской коллекции Фрика. Но ему нравится также изображать себя в одежде амстердамского торговца с цепью, подвесками и меховой отделкой, или художника, осознающего свою роль и положение в обществе, как на «Автопортрете за мольбертом» (1660 г.) или на другом автопортрете с палитрой и кистями из лондонского Кенвуд-Хауса, – скромная одежда, на голове простой белый берет, волевое, умное выражение морщинистого лица. А взгляд властный, гордый и ставший очень усталым в последние годы, омраченные материальными невзгодами и семейными неурядицами.

Рис. 2. "Автопортрет" 1660 г.

Необычный кельнский «Автопортрет», написанный около 1665 года, выразительный и беспристрастный, показывает Рембрандта еще способным улыбаться. Последние же два автопортрета 1669 года, хранящиеся в Лондоне и Гааге, один - со сложенными руками, другой - в разноцветном тюрбане поверх длинных седых волос, передают горечь и разочарование человека, оттесненного на задний план своими же бывшими учениками, человека, в 1641 году слывшего «одним из самых выдающихся живописцев своего времени».

2. Ранний период творчества

Рембрандт начал свой путь В Лейдане – первые его самостоятельные работы относятся к середине 20-х годов; с 1632 года и до конца жизни Рембрандт работал в Амстердаме – главном художественном центре страны. Вторая половина 20-х и 30-е годы были временем поисков Рембрандтом своего пути и творческого метода.

Рембрандт изучает реальность, стремится овладеть ее разнообразными аспектами (о чем свидетельствуют его рисунки), но преимущественный его интерес вызывают индивидуальный человеческий характер и многообразие проявлений духовной жизни.

Внимание к внутренней жизни человека определяет своеобразие и первых сюжетных картин Рембрандта (Товий и его жена», 1625 – 1626, «Апостол Павел в темнице», 1627). Акцент на психологическом переживании события, которое Рембрандт хочет увидеть как бы глазами его участников, особенно ярко выражен в «Христе в Эммаусе» (ок. 1629). Художник показывает реакцию персонажей – волнение, испуг, потрясение. Но, как и в ранних автопортретах, эмоциональные аффекты еще однозначны и форсированы, позы и жесты слишком демонстративны.

В произведениях конца 20-х – начала 30-х годов уже выявляется роль света как средства усиления эмоциональной выразительности сцены. В «Апостоле Павле» освещение подчеркивает настроение героя. В «Христе в Эммаусе» противопоставление света и тени передает внезапность и силу охватившего апостолов чувства.

Историческая живопись стала наряду с портретом основной областью творчества Рембрандта. Сюжеты Ветхого и Нового завета позволяли придать содержанию произведения образную масштабность, а его смыслу – обобщающий характер. Обращение к религиозно-мифологической тематике не означало для Рембрандта отказа от жизненной правдивости изображения, – напротив, он ставит своей целью совместить реальное, земное, конкретное с тем возвышенным духом и общезначимым смыслом, который заключен в легенде.

Однако живописный стиль раннего периода противоречив. Рембрандту не всегда удается органически соединить возвышенность и достоверность, величественность чувств и грубоватую правду реальности. Так, в «Христе в Эммаусе» слишком резок контраст обыденности (простонародный облик персонажей и будничность антуража) и чудесного события.

Отвергая ходульную условность и идеализацию, Рембрандт дегероизирует персонажей религиозных и мифологических сказаний, но при этом чрезмерно акцентирует прозаизм натуры и низменность страстей («Свадьба Самсона», 1635 г.). С другой стороны, возвышенное еще идентифицируется для Рембрандта с внешней приподнятостью сцены, с ее патетикой и бурной динамикой, – в произведениях середины и второй половины 30-х годов не случайно сказывается воздействие итальянского и фламандского барокко («Жертвоприношение Авраама», 1634г; «Ослепление Самсона»).

Тяга Рембрандта к зрелищной пышности и драматическим коллизиям – так же как и его бравада, желание развенчать привычные художественные нормы и идеалы – была во многом связана со стремлением уйти от прозаизма и бюргерской ограниченности устоявшегося уклада буржуазного быта. Из мира повседневности его влечет в мир героики и фантастики. В 30-е годы он часто пишет себя и своих близких в «исторических» костюмах, в великолепных, фантастических одеяниях («Саския в виде Флоры», 1634 г; автопортреты из Пти Пале, из Берлина и Лувра, 1634 г.). Эти как их называют, воображаемые портреты словно воплощали некую мечту о прекрасном человеке, об образе, возвышенном над будничной реальностью.

В этот период Рембрандт не только ищет собственный идеал жизни и человека – он создает и произведения, которые предвещают его дальнейший путь. «Снятие с креста» (между 1633 и 1639 гг.) написано под воздействием знаменитой композиции Рубенса, но сюжет трактован Рембрандтом как камерная сцена: это дает возможность зрителю почувствовать как нечто лично к нему относящееся, лично к нему взывающее человеческую трагедию – гибель измученного страданиями Христа и горе его близких. Свет, прорезающий тьму, рождает ощущение напряженной тишины, накала чувств, величия драмы.

В 30-е годы Рембрандт был самым популярным живописцем Амстердама. К нему приходят успех, слава, материальное благополучие. В его мастерскую стекаются ученики.

Рембрандт исполняет в это время множество заказных портретов. Они написаны с большой пластической силой, великолепно передают сходство, схватывают характерное в облике, но своего пути в портретной живописи Рембрандт еще не нашел. И все же, быть может, не случайно, что Рембрандту, портретисту по складу дарования, именно в произведении этого жанра – групповом портрете корпорации амстердамских стрелков – удалось воплотить идеал героики, не впадая в крайности театральной патетики и гротескного заострения, добиться органического слияния поэтической приподнятости, окрашенной ноткой фантастики, и реальной жизненности («Ночной дозор», окончен в 1642 г.).

Замысел художника был необычен: к портретам восемнадцати заказчиков он добавил вымышленные персонажи и связал их сюжетным мотивом: выступлением роты, которая выходит из-под арки и переходит мост через канал. Фигуры и лица то скрадывает тень, то выхватывает яркий свет дня. В группе стрелков мы видим затесавшихся в нее прохожих, в том числе девочку в золотисто-желтом платье, подобно яркому огоньку, мелькающую в этой энергичной мужской толпе.

Соединение портретных изображений с безымянными фигурами, динамика композиции придали ей большую жизненную убедительность. Но своеобразие «Ночного дозора» заключается в том, что это не только групповой портрет, но и массовая сцена. Мотив движения, выступления стрелков, величественная архитектура фона, красочные разнообразные костюмы, контрасты света и тени, наконец, огромные размеры картины создают впечатление торжественного шествия, значительного общественного события. «Ночной дозор» стал монументальной композицией, где ясно звучит тема патриотического подъема, торжества гражданского духа. Рембрандт вновь утверждает ее тогда, когда гражданский пафос и демократические идеалы из голландской действительности и из голландского искусства. Картина «Ночной дозор» стала как бы образом республиканской Голландии, групповой портрет получил значение исторической картины.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn

Крупнейший представитель золотого века, художник, гравёр, великий мастер светотени – и все это в одном имени Рембрандт.

Родился Рембрандт 15 июля 1606 году в Лейдене. Этот великий голландский художник сумел воплотить в своих произведениях весь спектр человеческих переживаний с такой эмоциональной насыщенностью, которой до него не знало изобразительное искусство.

Ж изнь

Он вырос в многодетной семье состоятельного владельца мельницы Хармена Герритсзона ван Рейна. Помимо прочего в имуществе ванн Рейна было еще два дома, а также он получил значительное приданое от жены Корнелии Нелтье. Мать будущего художника была дочерью пекаря и разбиралась в кулинарии, Семья матери даже после Нидерландской революции сохраняла верность католическому вероисповеданию.

В Лейдене Рембрандт посещал латинскую школу при университете, но не любил точные науки, наибольший интерес проявлял к живописи. Понимая этот факт, его родители в 13 лет отдали Рембрандта учиться изобразительному искусству к лейденскому историческому живописцу Якобу ван Сваненбюрху, который был католиком. Разнообразные по жанру и тематике произведения Рембрандта проникнуты идеями нравственности, духовной красоты и достоинства обычного человека, пониманием непостижимой сложности его внутреннего мира, многогранности его интеллектуального богатства, глубины его душевных переживаний. Про Якоба до нас дошло очень мало информации, по этому и историки и искусствоведы не могут точно сказать о влиянии Сваненберха на творческой манеры Рембрандта.

Потом в 1623 году он учился в Амстердаме у модного тогда живописца Питера Ластмана, после чего, вернувшись в Лейден, открыл в 1625 году совместно со своим земляком Яном Ливенсом собственную мастерскую.

Питера Ластман прошел стажировку в Италии и был специализирован на исторических, мифологических и библейских сюжетах. Когда Рембрандт открыл мастерскую и начал набирать учеников, за короткое время он стал значительно известен. Если смотреть на первые работы художника, сразу можно понять, что стиль Ластмана – пристрастие к пестроте и мелочности исполнения, оказало огромное влияние на молодого художника. К примеру его работы «Побиении камнями св. Стефана» (1629), «Сцене из древней истории» (1626) и «Крещении евнуха» (1626), очень яркие, необычайно красочны, Рембрандт стремится тщательно выписать каждую деталь материального мира. Почти все герои предстают перед зрителем наряженными в причудливые восточные наряды, блистают драгоценностями, что создаёт атмосферу мажорности, парадности, праздничности

В 1628 году двадцатидвухлетний художник был признан «в высшей степени знаменитым» мастером, известным портретистом.

Картина «Иуда возвращает серебряники» (1629) – вызвала восторженный отзыв известного знатока живописи Константина Гюйгенса, секретаря штатгальтера Фредерика Хендрика Оранского: «…это дрожащее жалким трепетом тело - вот, что я предпочитаю хорошему вкусу всех времен».

Благодаря связям Константина Рембрандт вскоре обзаводится богатыми почитателями искусства: из-за посредничества Хейгенса принц Оранский заказывает у художника несколько религиозных работ, таких как «Христос перед Пилатом» (1636).

Настоящий успех к художнику приходит в Амстердаме. 8 июня 1633 года Рембрандт знакомится с дочерью богатого бюргера Саскией ван Эйленбюрх и завоевывает прочное положение в обществе. Большинство полотен художник написал, находясь в столице Нидерландов.

Амстердамом - шумным портовым и промышленным городом, в который стекались товары и диковинки со всего света, где люди богатели на торговых и банковских сделках, куда устремлялись в поисках пристанища изгои феодальной Европы и где благополучие зажиточных бюргеров соседствовало с удручающей нищетой, связывает прочные связи с художником.

Амстердамский период творчества Рембрандта начался с ошеломляющего успеха, который ему принес «Урок анатомии доктора Тульпа» (1632, Гаага, Маурицхейс), изменивший традицию голландского группового портрета. Привычной демонстрации позирующих художнику людей общей профессии Рембрандт противопоставил драматургию вольно решенной сцены, участники которой - члены гильдии хирургов, внимающие своему коллеге, объединены интеллектуально и духовно активным включением в процесс научного исследования.

Рембрандт вдохновлен красотой своей возлюбленной, поэтому часто пишет ее портреты. Спустя три дня после свадьбы ван Рейн изобразил женщину серебряным карандашом в шляпе с широкими полями. Саския появлялась на картинах нидерландца в уютной домашней обстановке. Образ этой пухлощекой женщины появляется на многих полотнах, например, загадочная девочка на картине «Ночной дозор» сильно напоминает возлюбленную художника.

Тридцатые годы в жизни Рембрандта были периодом славы, богатства и семейного счастья. Он получал множество заказов, был окружен учениками, страстно увлекся коллекционированием произведений итальянских, фламандских и голландских живописцев, античной скульптуры, минералов, морских растений, старинного оружия, предметов восточного искусства; в работе над картинами экспонаты коллекции нередко служили художнику в качестве реквизита.

Произведения Рембрандта этого периода чрезвычайно разнообразны; они свидетельствуют о неустанном, подчас мучительном поиске художественного осмысления духовной и социальной сущности человека и природы и демонстрируют тенденции, которые неотступно, шаг за шагом подводят художника к конфликту с обществом.

В портретах «для себя» и автопортретах художник свободно экспериментирует с композицией и эффектами светотени, меняет тональность цветовой гаммы, облачает свои модели в фантастические или экзотические одежды, варьирует позы, жесты, аксессуары (“Флора”, 1634, Санкт-Петербург, Государственный Эрмитаж).

В 1635 году написана знаменитая картина по библейскому сюжету «Жертвоприношение Авраама», которую по достоинству оценили в светском обществе.

В 1642 году ван Рейн получил заказ от Стрелкового общества на групповой портрет, чтобы украсить полотном новое здание. Картина ошибочно получила название «Ночной дозор». Она была запачкана сажей, и только в 17 веке исследователи пришли к выводу, что действие, разворачивающееся на полотне, происходит в дневное время.

Рембрандт досконально изобразил каждую деталь мушкетеров, находящихся в движении: будто бы в определенный момент остановилось время, когда ополченцы выходили из темного дворика, чтобы ван Рейн запечатлел их на полотне.

Заказчикам не понравилось, что нидерландский живописец отошел от канонов, которые развивались в 17 веке. Тогда групповые портреты были парадными, а участники изображались анфас без какой-либо статики.

По мнению ученых, эта картина и послужила поводом для банкротства художника в 1653 году, так как отпугнула потенциальных клиентов.

Трагические перемены в личной судьбе Рембрандта (смерть новорожденных детей, матери, в 1642 году - болезнь и смерть Саскии, оставившей ему девятимесячного сына Титуса), ухудшение материального положения из-за его упорного нежелания жертвовать свободой духа и творчества в угоду изменчивым вкусам бюргеров, обострили и обнажили исподволь зревший конфликт между художником и обществом.

Сведений о частной жизни Рембрандта в 1640-е гг. в документах сохранилось мало. Из учеников этого периода известен только Николас Мас из Дордрехта. Видимо, художник продолжал жить на широкую ногу, как прежде. Семейство покойной Саскии высказывало озабоченность тем, как он распорядился её приданым. Няня Титуса, Гертье Диркс, подала на него в суд за нарушение обещания жениться; ради улаживания этого инцидента художнику пришлось раскошелиться.

В конце 1640-х Рембрандт сошёлся со своей молодой служанкой Хендрикье Стоффелс, образ которой мелькает во многих портретных работах этого периода: («Флора» (1654), «Купающаяся женщина» (1654), «Хендрикье у окна» (1655)). Приходской совет осудил Хендрикье за «греховное сожительство», когда в 1654 году у неё с художником родилась дочь Корнелия. В эти годы Рембрандт отходит от тем, имеющих грандиозное национальное либо общечеловеческое звучание.

Художник подолгу работает над гравированными портретами бургомистра Яна Сикса (1647) и других влиятельных бюргеров. Все известные ему приёмы и техники гравировки пошли в ход при изготовлении тщательно проработанного офорта «Христос, исцеляющий больных», более известного как «Лист в сто гульденов», - именно за такую огромную для 17-ого века цену он был однажды продан. Над этим офортом, поражающим тонкостью светотеневой игры, он работал семь лет, с 1643 по 1649 годы.

В 1653 году, испытывая материальные трудности, художник передал почти всё своё имущество сыну Титусу, после чего заявил в 1656 г. о банкротстве. После распродажи в 1657-58 гг. дома и имущества (сохранился интересный каталог художественного собрания Рембрандта) художник перебрался на окраину Амстердама, в еврейский квартал, где провёл остаток жизни.

Смерть Титуса в 1668 году стала для художника одним из последних ударов судьбы; его самого не стало годом позже.

Рембрандт Харменс ван Рейн умер в октябре 1669 году. Ему было 63 года. Он был стар, болен и нищ. Нотариусу не пришлось тратить много времени на составление описи имущества художника. Опись была краткой: “три поношенных фуфайки, восемь носовых платков, десять беретов, принадлежности для написания картин, одна Библия”.

К артины

Возвращение блудного сына

Знаменитая картина «Возвращение блудного сына», одна из последних работ Рембрандта. Она была написана в год его смерти, и стала вершиной проявления его таланта.

Это самое большое полотно Рембрандта на религиозную тему. Картина Рембрандта на сюжет новозаветной притчи о блудном сыне.

Притчу о блудном сыне мы встречаем в Евангелие от Луки. Она рассказывает о юноше, покинувшем отцовский дом и промотавшем наследство. В праздности, распутстве и пьянстве проводил он свои дни, пока не оказался на скотном дворе, где питался из одного корыта со свиньями. Находясь в отчаянном положении и полной нищете, юноша возвращается к отцу, готовый стать его последним рабом. Но вместо презрения он находит царский прием, вместо гнева – всепрощающую, глубокую и нежную отцовскую любовь.

1669 год. Рембрандт разыгрывает перед зрителем человеческую драму. Краски лежат на холсте густыми мазками. Они темные. Художнику неважны второстепенные персонажи, пусть их и не мало. Внимание вновь приковано к отцу и сыну. Старый, сгорбленный горем отец, обращен к зрителю лицом. В этом лице и боль, и усталые от выплаканных слез глаза, и счастье долгожданной встречи. Сын повёрнут к нам спиной. Он уткнулся по младенчески в царское одеяние отца. Мы не знаем, что выражает его лицо. Но растрескавшиеся пятки, голый череп бродяги, бедное одеяние говорят достаточно. Как и руки отца, сжимающие плечи юноши. Через спокойствие этих рук, прощающих и поддерживающих, Рембрандт уже в последний раз рассказывает миру вселенскую притчу о богатстве, страстях и пороках, раскаянии и прощении. «…встану, пойду к отцу моему и скажу ему: отче! я согрешил против неба и пред тобою и уже недостоин называться сыном твоим; прими меня в число наемников твоих. Встал и пошел к отцу своему. И когда он был еще далеко, увидел его отец его и сжалился; и, побежав, пал ему на шею и целовал его».

Помимо отца и сына на картине изображены ещё 4 персонажа. Это тёмные силуэты, которые с трудом различимы на тёмном фоне, но кто они такие - остаётся загадкой. Некоторые называли их «братьями и сёстрами» главного героя. Характерно, что Рембрандт избегает конфликта: в притче говорится о ревности послушного сына, а гармония картины ничем не нарушена.

Ван Гог очень точно сказал о Рембрандте: «Надо умереть несколько раз, дабы так рисовать… Рембрандт проникает в тайну так глубоко, что вещает о предметах, для которых нет слов ни в каком языке. Вот почему Рембрандта и называют: волшебником. И это не простое ремесло.”

Ночной дозор

Название, под которым традиционно известен групповой портрет Рембрандта «Выступление стрелковой роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема ван Рёйтенбюрга», написанный в 1642 году.

Полотно голландского мастера таит в себе множество «сюрпризов». Начнем с того, что привычное нам название картины не соответствует действительности: патруль, изображенный на ней, на самом деле вовсе не ночной, а самый что ни на есть дневной. Просто работу Рембрандта несколько раз покрывали лаком, из-за чего она сильно потемнела. Кроме того, почти 100 лет (с начала XVIII до начала XIX века) полотно украшало один из залов амстердамской ратуши, где висело прямо напротив камина, год за годом покрываясь копотью. Неудивительно, что уже к началу XIX века за картиной прочно утвердилось название «Ночной дозор»: к этому времени история ее создания была основательно забыта, и все были уверены, что мастер изобразил именно темное время суток. Только в 1947 году, во время реставрации в Рейксмузеуме Амстердама, где картина находится по сей день, выяснилось, что ее колорит несравненно светлее, чем принято было считать. Более того, короткие тени, отбрасываемые персонажами, свидетельствуют о том, что дело происходит между полуднем и двумя часами дня. Однако реставраторы не стали снимать все слои темного лака, боясь повредить краску, поэтому и сейчас «Ночной дозор» довольно сумеречен.

Настоящее название полотна - «Выступление стрелковой роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Вильхема ван Рейтенбурга». Это групповой портрет мушкетеров-ополченцев одного из районов Амстердама. С 1618 по 1648 год в Европе шла Тридцатилетняя война, и жители голландских городов брались за оружие, дабы защищать свои дома. Творение Рембрандта вместе с портретами других стрелковых рот должно было украсить главный зал в Кловенирсдолене - штабе городских стрелков. Но заказчики были разочарованы: у Рембрандта получился не монументальный парадный портрет, а жанровая картина, на которой они с трудом отыскивали собственные лица, зачастую наполовину закрытые другими персонажами. Еще бы! Ведь художник кроме 18 заказчиков (каждый из которых выложил за свой портрет около 100 золотых гульденов - весьма внушительную по тем временам сумму) втиснул на холст еще 16 человек! Кто они - неизвестно.

Музей – Амстердамский исторический музеи?

Три креста

Один из самых знаменитых офортов Рембрандта, имеет пять состояний. Подписано и датировано только третье, следовательно, остальные Рембрандт считал промежуточными. Пятое состояние – очень редкое, известно только пять экземпляров.

На офорте изображён драматичный момент смерти Христа на голгофском кресте, описанный в евангелиях. В этом офорте Рембрандт в небывалых до того масштабах использовал технику резца и «сухой иглы», что усилило контрастность изображения.

2 декабря 2008 года на аукционе Кристис этот офорт (IV состояние) был продан за 421250 фунтов стерлингов.

Снятие с креста

B 1814 году Александром I y императрицы Жозефины была пpиобретена принадлежавшая ей Мальмезонская гaлерея. Некоторые из картин происходили из известной Кассельской галереи, в том числе «Снятие c креста». Ранее эти полотна являлись собственностью госпожи де Рувер в Дельфте и вместе с другими картинами ее собрания были куплены ландграфом Гессен-Кассельским Лудвигом VII. B 1806 году его галерея была захвачена Наполеоном и подарена Жозефине.

Преемник ландграфа Гессен-Кассельского Лудвига VII, бывший союзник Александра I, предъявил в 1815 году императору требование o возврате захваченных Наполеоном картин. Это требовaние было решительно отвергнуто Александром I, уплатившим за картины деньги и всячески выказывавшим внимание Жозефине ее дочери Гортензии. B 1829 году y Гортензии, носившей в то время титул герцогини Сен-Лё, было куплено тридцать картин, происходивших из Мальмезонской галереи.
Темa «Снятие с креста» имела в европейском искусстве большую иконографическую традицию. Ее высшим достижением считалaсь aлтaрнaя картина Рубенса в антверпенском соборе, широко известная по гравюре Ворстермана.

Творческая мысль Рембрандта бродит где-то рядом с этой трaдицией, используя ее и в то же время постоянно выбирая иные пути. Необычные для предшествующего развития европейского искусства, они в высшей степени характерны для личной творческой манеры Рембрандта недаром « Снятие с креста» внешне так сильно напоминает «Неверие апостола Фомы ».
Рубенс изобразил возвышенную скорбь группы величественных и прекрасных людей o величественном и прекрасном герое; Рембрандт беспокойную массовyю ночную сценy. Многочисленные фигуры то отступают во тьму, то попадают в луч света, и кажется, что толпа движется, живет, горюя о распятом и жалея его мать. B облике людей нет ничего идеального, многие из них грубы, некрaсивы. Чувства их очень сильны, но это чyвства обыкновенных людей, не просветленные тем возвышенным катарсисом, который есть в картине Рубенсa.

Мертвый Христос такой же человек, как они; именно благодаря силе их горя его страдания и смерть приобретают особое значение. Ключом к содержанию картины служит, пожалуй, не столько Христос, сколько поддерживающий его и прижимающийся к нему щекой человек.
C художественной точки зрения дробная, беспокойная композиция уступает и знаменитой картине Рубенса, и некоторым работам самого Рембрандта, исполненным в те же годы. Например, менее значительное по своему содержанию «Неверие апостола Фомы» представляется внешне более гармоничными целостным. Однако в «Снятии с креста» отчетливее выступает присущее Рембрандту понимание библейско-евангельской тематики.

Работа молодого Рембрандта отличается от своего прототипа самыми основными чертами. Прежде всего она не создана ни формально, ни по существу как моленный алтарный образ. Ее кабинетный размер адресован не восприятию толпы, a индивидуальному переживанию. Это обращение к чувствам и сознанию одного человека, установление близкого душевного контакта со зрителем заставило художника создать совершенно новую систему художественных средств и приемов. Рембрандт увидел сцену евангельской легeнды как трагическое реальное событие, принципиально лишив его мистического и героического пафоса.

Стремясь к предельной искренности и правдивости изображения, Рембрандт показал около креста тесную толпу людей, потрясенных горем, ищущих родственного единства друг с другом перед лицом страшной смерти. Коричнево-оливковый тональный колорит объединил всю композицию, а световой поток выделил драматически резко главный его смысловой центр. Наибольшая глубина страдания воплощена в образе упавшей без чувств Богоматери c ее худым изможденным лицом труженицы. Вторая группа оплакивающих расположена на левом конце пространственной диагонали - женщины благоговейно стелют плащаницу, выполнял свой прямой долг по отношению к умершему. Поддерживаемое стариком поникшее тело Христа - воплощение измученной человеческой плоти - вызывает прежде всего чувство глубокого сострадания.

Еврейская невеста

Одна из последних и самых загадочных картин Рембрандта. Название ей дал в 1825 году амстердамский коллекционер Ван дер Хоп. Он ошибочно полагал, что на ней изображен отец, дарящий дочери-еврейке ожерелье на свадьбу. Возможно, это заказной портрет, но одежда персонажей явно похожа на старинную, библейскую, поэтому в качестве названия предлагались «Артаксеркс и Эсфирь», «Иаков и Рахиль», «Абрам и Сарра», «Вооз и Руфь».

Саския в образе Флоры

Картина работы Рембрандта, написанная в 1634 году, на которой, вероятно, изображена жена художника Саския ван Эйленбух в образе древнеиталийской богини цветов, расцвета, весны и полевых плодов Флоры.

В 1633 году Саския ван Эйленбюрх стала невестой Рембрандта ван Рейна. Очаровательный портрет юной Саскии в наряде Флоры является немым, но красноречивым свидетелем этой “поры весны и любви” гениального живописца.

Задумчивое, но, несомненно, счастливое лицо девушки вполне соответствует чувствам невесты. Она теперь не резвое дитя, беззаботно смотрящее на Божий мир. Перед ней серьезная задача: она избрала новый путь и многое-многое приходится ей передумать и перечувствовать, прежде чем она вступит во взрослую жизнь. Увитые цветами головной убор и жезл, безусловно, указывают на Флору, древнеримскую богиню весны. Наряд богини написан с удивительным мастерством, но подлинное величие таланта Рембрандта проявляется в выражении нежности, которое художник придал ее лицу.

Любимая жена внесла в одинокое жилище скромного художника свет счастья и сердечного довольства. Рембрандт любил наряжать Саскию в бархат, шелк и парчу, по обычаю того времени, осыпал бриллиантами и жемчугом, с любовью наблюдая, как выигрывает ее прелестное, молодое лицо от блестящего наряда

Музей – Государственный Эрмитаж

С тиль

Глубоко гуманистическое по своей сути и совершенное в своей неповторимой художественной форме творчество Рембрандта стало одной из вершин развития человеческой цивилизации. Разнообразные по жанру и тематике произведения Рембрандта проникнуты идеями нравственности, духовной красоты и достоинства обычного человека, пониманием непостижимой сложности его внутреннего мира, многогранности его интеллектуального богатства, глубины его душевных переживаний. Таящие в себе множество нераскрытых загадок, картины, рисунки и офорты этого замечательного художника покоряют проницательными психологическими характеристиками персонажей, философским приятием действительности, убедительной оправданностью неожиданных художественных решений. Его трактовка сюжетов из Библии, античных мифов, древних преданий и прошлого родной страны как реально осмысленных событий истории человека и общества, глубоко прочувствованных жизненных коллизий конкретных людей открыла путь свободной и многозначной интерпретации традиционных образов и тем.

Л юбовь Рембрандта

Знаменитая муза Рембрандта Саския была младшей дочерью бургомистра города Леуварден. Эта белокожая рыжая красавица выросла в большой и очень обеспеченной семье. Когда девице минуло 12 лет, мать семейства скончалась. Но девушка по-прежнему не знала ни в чем отказа, а когда подошло время, стала очень завидной невестой.

Знаковая встреча художника и юной особы состоялась в доме кузена девушки, художника Хендрике ван Эйленбурга, который к тому же был торговцем антиквариатом. Рембрандт буквально сражен девушкой: светящаяся нежная кожа, золотые волосы… Прибавьте к этому умение вести непринужденную беседу. Шутя, она предложила известному живописцу написать ее портрет. А тому только того и надо: Саския – идеальная модель для рембрандтовских сюжетов в темных и приглушенных тонах.

Рембрандт начинает писать портрет. Он встречается с Саскией не только на сеансах. Изменяя своему принципу, старается бывать на увеселительных прогулках и званых вечерах. Когда работа над портретом была закончена и частые встречи прекратились, Рембрандт понимает: вот та, на которой он хочет жениться. В 1633 году Саския ван Эйленбург стала невестой художника, а 22 июля 1634 года состоялась долгожданная свадьба.

Брак с Саскией открывает художнику путь в высшее общество. Отец-бургомистр оставил любимице колоссальное наследство: 40 000 флоринов. Даже на малую часть этой суммы можно было безбедно существовать долгие-долгие годы.

Счастливые и влюбленные супруги начали обустраивать общий дом. Скоро он стал напоминать музей. Стены украшали гравюры Микеланджело и полотна Рафаэля. Саския была на всё согласна, она очень любила мужа. А тот, в свою очередь, осыпал ее драгоценностями, оплачивал самые изысканные туалеты. И, разумеется, стремился запечатлеть любимый образ. Рембрандт, можно сказать, стал летописцем своей семейной жизни. В первые дни медового месяца супругов был написан знаменитый «Автопортрет с Саскией на коленях».

В 1635 году в семье родился первый сын, но прожил он очень недолго, и это стало для юной матери страшным ударом.

Она долго не хотела расставаться с телом сына, гнала от себя всех, не выпуская из рук мёртвого ребёнка. Несчастная мать ходила с ним по дому, баюкая и называя его всеми нежными именами, которыми она вместе с мужем называла Рембрантуса в первые счастливые дни.

Рембрандт сознавал, что за исключением часов, проводимых у мольберта, жить он может только около Саскии. Только с ней он чувствует себя человеком: любовь - источник жизни, а любит он одну Саскию, и никого больше.

После смерти Рембрантуса Саския ещё дважды теряла детей при рождении. Лишь четвёртый ребёнок, Титус, появившийся на свет в 1641 году, смог пережить трудные годы младенчества. Мальчик был назван этим именем в память покойной Тиции, сестры Саскии.

Однако постоянные роды оказали пагубное влияние на здоровье Саскии. Появление у художника чисто пейзажных изображений в конце 1630-х годов объясняют иногда тем, что в это время в связи с болезнью жены Рембрандт вместе с ней много бывал за городом. Портретов в 1640-х годах художник пишет сравнительно мало.

Саския ван Эйленбург скончалась в 1642 году. Ей было всего тридцать лет. В гробу она выглядела как живая…

В это время Рембрандт работал над знаменитым полотном «Ночной дозор».

Д ом-музей Рембрандта

Художественный музей на улице Йоденбреестраат в Еврейском квартале Амстердама. Музей открылся в 1911 году в доме, который Рембрандт приобрёл на пике славы в 1639 году и в котором проживал до своего банкротства в 1656 году.

За почти 20 лет жизни (с 1639 по 1658 год) на улице Йоденбрестрат Рембрандт успел создать множество прекрасных работ, прославиться, собрать уникальную коллекцию картин и редкостей со всего мира, обзавестись учениками, растратить состояние первой супруги, потерять основных заказчиков, наделать огромных долгов и пустить дом с молотка.

Рембрандту пришлось также распродать большую часть своей роскошной коллекции картин и антиквариата, включающих работы великих европейских художников, римские бюсты императоров, и даже японские боевые доспехи, а также переехать в более скромное жилище. Пережив обеих жён и даже собственного сына, Рембрандт умер в бедности и одиночестве.

Спустя два с половиной столетия, в 1911 году по приказу корлевы Вильгельмины дом был превращен в музей, который, в отличие, к примеру, от музея Ван Гога - это, прежде всего, не картинная галерея, а восстановленные апартаменты великого художника: огромная кухня на первом этаже, приёмная, спальня хозяина и спальня для гостей – на втором, самое большое помещение особняка – студия – на третьем, а на чердаке - мастерские его учеников.

Восстановить интереьер удалось с помощью описи имущества, составленной нотариусом при продаже всего имущества художника с аукциона, и рисунков самого художника, на которых он отобразил своё жилище.

Здесь можно увидеть его личные вещи, мебель 17 века и другие интересные экспонаты вроде красивейшего офортного станка или заморских редкостей.

В музее выставлены почти все гравюры великого Рембрандта - 250 из 280, великолепные автопортреты художника, рисунки, изображающие его родителей, жену и сына Титуса, чудесные виды Амстердама и его окрестностей.

Особого внимания требует даже музейный туалет: там можно увидеть рисунки Рембрандта на соответствующую тему: женщину, присевшую в кустах, и мужчину, стоящего в позе, характерной для этого заведения.

Первые годы

Постижение азов

Возвращение

Живопись

Заказчики

Автопортреты

Урок анатомии

Портрет Сильвиуса

Прекрасная Даная

Приложение

Первые годы

Чудо-ребенок родился в 1606 году, в городе Лейдене, в домике у мельника Хармена ван Рейна. При крещении его назвали довольно редким именем Рембрандт. Хотя в семье уже было пятеро детей, рождение шестого не огорчило, а обрадовало родителей. Отец семейства был человеком вполне состоятельным: кроме мельницы и солодовни, имел два дома, да и за женой взял хорошее приданое.

Первые годы мальчик провел на родной мельнице, на берегу рукава Рейна (от названия этой реки его семья получила свою фамилию). Вероятно, ему не раз случалось наблюдать за лучами солнца, когда они, пробираясь сквозь слуховое окно мельничного лабаза, пронизывали золотистыми полосами мелкие частицы мучной пыли. Может быть, эти детские впечатления научили его тем волшебным эффектам света и тени, которые впоследствии обессмертили его имя. Любуясь вечером тихими волнами родной реки, озаренными янтарным закатом, и оттенками прозрачного тумана, поднимающегося с ее гладкой поверхности, Рембрандт впервые угадал тайны колорита, который он один умел придавать картинам.

Вся обстановка и дух бюргерской голландской семьи того времени должны были развивать сильные, цельные характеры, бодрые и веселые в ежедневной жизни, твердые в часы несчастья и печали. Воспитанные в строгих правилах религии, голландцы искали развлечений и отдыха от упорного труда в тесном семейном кружке и за чтением Библии.

Для гениального подростка лейденские улицы и рынки представляли поле для наблюдений; здесь он встречал всевозможные типы, которые неумелой рукой переносил на бумагу. Смуглый перс сталкивался с белокурым англичанином. Люди всех наций, характеров, общественных положений проходили перед любопытными взорами мальчика, точно пестрые картины калейдоскопа. Окрестности города, пусть не особенно живописные, не были лишены своеобразной красоты.

Окончив курс в народной школе, старшие братья Рембрандта поступили в учение к ремесленникам. Младшего сына старик Хармен предназначал для иной деятельности. Мальчик посещал латинскую школу, позднее отец хотел открыть ему доступ в университет, чтобы тот мог, достигнув зрелого возраста, "принести своими знаниями пользу родному городу и отечеству".

Такой взгляд отца Рембрандта вовсе не был исключением. По своей культуре и образованию, точно так же, как и по организации их общественного строя, голландцы в XVII столетии опередили всю остальную Европу на целых двести лет.

Голландцы высоко почитали науку. Когда жителям Лейдена предложили выбрать награду, они попросили основать в городе университет. Слава его была так велика, что иностранные государи считали за честь учиться здесь.

Рембрандта наука мало интересовала, его влекло к живописи. Как только отец Рембрандта заметил склонность сына, он тотчас дал ему возможность следовать призванию.

Постижение азов

Примерно в 16 лет юноша поступил к первому учителю, своему родственнику Якобу ван Сваненбюрху - художнику, теперь совсем забытому. За три года молодой Рембрандт приобрел первоначальные навыки своего искусства. Как относился ван Сваненбюрх к юному ученику, какое нравственное и эстетическое воздействие он имел на будущего творца "Урока анатомии", мы не знаем. Эти первые ученические годы не оставили ни малейшего следа в летописях того времени. В произведениях Рембрандта скорее заметно влияние двух других преподавателей - Йориса ванн Шоотена и Яна Пейнаса.

Йорис был в свое время довольно известным живописцем натуралистического, реального направления. Он писал портреты бургомистров, картины, изображавшие собрания разных корпораций Его живопись отличается оригинальностью. Вероятно, именно ему Рембрандт обязан развитием тех качеств, которые изобличают все его творения; тонкому пониманию природы, стремлению изображать действительность такой, какая она есть, умению передавать на мертвом полотне мощную жизненную струю.

Ян Пейнас пользовался славой замечательного колориста. Полагают, что у него Рембрандт перенял те теплые, хотя несколько мрачные тона, ту могучую и вместе с тем мягкую гамму оттенков, которые до сих пор придают картинам гения неотразимую прелесть. Во всяком случае, освещение Пейнаса слегка напоминает рембрандтовское.

Затем на полгода молодой художник оказался в мастерской амстердамского живописца Питера Ластмана, у которого научился гравированию.

Возвращение

Двадцатилетний Рембрандт снова в родном городе. Здесь он продолжал занятия один, под руководством лишь своего гении и матери-природы. Первые картины, дошедшие до нас, относятся к 1627 году: одна из них - "Апостол Петр в темнице", другая - "Меняла". Это юношеские попытки, не представляющие особенного интереса; но во второй картине, в удивительно красивом свете, исходящем от свечи, наполовину заслоненной рукой менялы, уже можно узнать будущего Рембрандта.

Вместе с живописью молодой ван Рейн усердно занимался гравированием. Одна из первых его гравюр - портрет матери, помеченный 1628 годом. Видно, что любящая рука работала над этими гравюрами. В ту эпоху своей художественной карьеры Рембрандт несколько раз гравировал изображение матери. Самый замечательный из этих эстампов известен под именем "Мать Рембрандта под черной вуалью". Почтенная старушка сидит в кресле перед столом; руки ее, много поработавшие на своем веку, сложены на коленях. Лицо выражает спокойствие, которое дает только сознание правильно и честно прожитой жизни, исполненного долга. Отделка гравюры поистине изумительна: каждая морщинка, каждая узловатая жилка на сморщенных старческих руках полна жизни и правды.

Любимым предметом наблюдения Рембрандта было отражение внутренней, духовной жизни человека на его лице. Он никогда не пропускал случая воспроизвести такое выражение на бумаге или доске.

Правда, в эти годы (1627-1628) он еще не писал тех портретов, которыми так восхищались и восхищаются его поклонники и ценители. Поэтому, кроме двух портретов матери, имеется только несколько гравированных изображений самого художника.

На одном из эстампов мы видим довольно некрасивого юношу с полным лицом, обрамленным густыми волосами. Но черты дышат такой бодростью, самоуверенной силой и добродушием, что поневоле внушают симпатию. На второй гравюре, названной "Мужчина в обрезанном берете", - то же лицо, только с выражением ужаса: глаза почти вышли из орбит, рот полуоткрыт, поворот головы указывает на сильный испуг.

Рембрандт часто пользовался своим лицом для этюдов: это был дешевый и удобный способ упражняться: натурщик ничего не требовал за труды и охотно подчинялся капризам художника. Говорят, сидя перед зеркалом, молодой ван Рейн придавал физиономии разные выражения: гнева, радости, печали, изумления - и старался как можно вернее скопировать свое лицо. Всю жизнь Рембрандт не оставлял этой привычки - во многих музеях Европы находятся его автопортреты, на которых он запечатлел себя в разных возрастах и во всевозможных костюмах.

Живопись

В уме молодого художника давно зрела мысль покинуть родное гнездо. Жизнь маленького провинциального городка с его простыми нравами и узким кругозором была слишком мелочна и тесна для мощной души двадцатичетырехлетнего юноши. Ему хотелось видеть свет, пожить среди шума и простора большого города, развернуться на свободе. Он решил переселиться в Амстердам.

Старый город был очень живописен. Развернувшийся широким веером по берегу реки Амстель. он находился в кольце изящных дач и зеленых садов. Тут было множество элементов, дающих пищу вдохновению, пестрая толпа, разнообразие образов, богатый выбор типов.

В начале 1631 года полный надежд и упований Рембрандт начал новую жизнь. Когда, утомленный работой, он бросал палитру и кисть и отправлялся бродить по улицам и площадям города, Амстердам возбуждал в его восприимчивой душе тысячу доселе неизведанных впечатлений. Этот очаг цивилизации казался второй Венецией, только более оживленной и шумной, без мрачных аристократических дворцов, без таинственного зеленоватого полумрака каналов и лучезарной лазури Адриатики.

Совершенно иную, хотя и не менее живописную картину представляли торговые площади и гавань Амстердама. Прибывающие сюда корабли разгружали товары со всего света. Ткани Востока лежали рядом с зеркалами и фарфором; изящные статуи и вазы Италии белели на темном фоне нюрнбергской мебели. Пестрые крылья тропических птиц и попугаев блестели на солнце; шустрые обезьяны кривлялись среди тюков. Все это вавилонское столпотворение иноземных богатств, весь этот хаос смягчался обилием цветов. Гармония восстанавливалась благодаря множеству гиацинтов, тюльпанов, нарциссов и роз, которые каждый день привозили на рынок гарлемские садоводы.

В темных лавках юноша проводил целые часы и был всегда желанным гостем. Хозяин находил для него среди ворохов всевозможного хлама редкие вещи, богатое оружие, старинные украшения, роскошные наряды. Все это Рембрандт мог купить за полцены. Часто во время таких посещений знаменитый живописец набрасывал или гравировал выразительное лицо кого-нибудь из членов семьи купца, поразившее его красотой или оригинальностью.

Заказчики

Картины и гравюры Рембрандта находили себе покупателей на месте и начали проникать за границу. В самое короткое время художнику удалось обеспечить себе вполне безбедное существование; он зарабатывал столько, что мог даже покупать и собирать редкие и дорогие предметы, В 1631 году Рембрандт написал две работы - "Сретение" и "Святое семейство". Последняя производит несколько странное впечатление. Мы видим не скромное жилище назаретского плотника, а комнату в домике богатого бюргера в Гарлеме или Сардаме. Святая Дева - полная, цветущая голландка в костюме XVII столетия. Лицо младенца, уснувшего у нее на коленях, - тоже тип чисто го северянина.

Все в этой картине - и обстановка, и типы - противоречит современным понятиям об исторической верности и жизненной правде. Но стоит внимательно всмотреться в эту семейную сцену, и все рассуждения о теории искусства уступают место чувству кроткого умиления - столько поэзии и духовной красоты в этой группе, собравшейся около бедной колыбели Спасителя, такая наивная грация в позе спящего ребенка, столько любви и нежности во взгляде молодой матери и в ее улыбке... Св. Иосиф пытливо и задумчиво вглядывается в черты младенца, как бы предвидя тернистый путь, по которому тому придется идти. Весь свет картины сосредоточен на фигуре спящего Иисуса, лишь отдельные лучи скользят по груди и шее Марии, по лицу Иосифа и по скромной постельке.

Выбрав сюжет, Рембрандт весь уходил в него, проникался малейшими подробностями, подвергал его самому всестороннему обсуждению. Обыкновенно первый набросок не удовлетворял его. И Рембрандт, вместо того бы изменять и переделывать, вовсе забрасывал испорченные оттиски и начинал все сызнова. Так из-под его кисти или резца появлялись новые, оригинальные воспроизведения одной и той же темы. Художник никому не поручал печатания своих гравюр: при каждом оттиске он прибавлял несколько штрихов к рисунку, добиваясь новых эффектов, то усиливая, то ослабляя тон. Поэтому снимки одной и той же гравюры часто отличаются друг от друга в мелких подробностях. Даже в такой механической работе виден гений Рембрандта.

Вероятно, в эти первые годы у молодого художника было немало свободного времени - он написал целую серию автопортретов. Но эти работы - уже не первые опыты гениального ученика, а вполне законченные произведения.

Автопортреты

Что заставляло Рембрандта так много и часто писать свое изображение? Может быть, им руководило весьма понятное и законное желание человека, чувствующего свое превосходство над точной, сознающего в душе нечто необыкновенное, передать потомкам свой внешний облик, стремление не исчезнуть бесследно не как художник, а как личность? Может быть, он хотел привлечь внимание любителей живописи, посещавших его мастерскую, и тем увеличить количество заказов?

Зная скромный и скорее беспечный, чем расчетливый характер Рембрандта, едва ли можно предположить, что им управляли исключительно самолюбие и корысть. Скорее, просто не мог такой гордый и властный человек, как Рембрандт, который даже ради хлеба насущного в дни крайней бедности и нужды ни на йоту не поступался своими взглядами и привычками, подчиняться капризам натурщиков и моделей.

В самое короткое время его мастерская сделалась средоточием художественного мира Амстердама. Богатые граждане постоянно обращались к нему с заказами, несмотря на то, что ему, по словам современников, надо было не только платить за работу большие деньги, но еще и просить, умолять, чтобы он за нее взялся.

Урок анатомии

Через год после своего переселения в Амстердам Рембрандт создал одно из величайших своих произведений - "Урок анатомии". Если бы творец "Ночного дозора", "Снятия с креста" и других выдающихся картин написал только этот "Урок", его было бы достаточно для славы одного из первых живописцев эпохи.

В XVII веке в Голландии, где живопись процветала с самого начала Возрождения, члены отдельных корпораций охотно заказывали коллективные портреты. Этого обычая в особенности придерживались хирурги. До Реформации хирургия прозябала под гнетом средневекового религиозного деспотизма. Только в середине XVI столетия медики получили право открыто, без страха наказания и преследования заниматься изучением своей специальности. Закон, разрешающий вскрытие человеческих тел для анатомических исследований, был обнародован в 1555 году. Для вскрытий с научной цепью отвели особые помещения; они назывались анатомическими театрами.

В 1632 году кафедру анатомии в Амстердаме занимал врач и ученый Николас Тюльп, Желая получить на память о любимом профессоре его портрет, члены корпорации хирургов обратились к живописцу с просьбой взять на себя эту работу. Такие портреты, по обычаю эпохи, писались по принятому шаблону: все размещались вокруг стола или становились в один ряд так, чтобы каждое лицо было одинаково видно зрителям.

Но всякая рутина была чужда гению. До сих пор никто из его собратьев не достиг в портретной живописи той непринужденной естественности и правды, которые поражают в "Уроке анатомии". Эта жанровая картина дышит свежестью, бодростью и силой. Ее создала рука не только великого мастера, но и глубокого психолога и знатока человеческой души.

По выражению лиц на портрете легко угадать характер каждого, прочесть волнующие его чувства и мысли. Доктор Тюльп стоит над телом, лежащим на операционном столе. Он демонстрирует обнаженные мускулы руки, причем невольно, по привычке, свойственной анатомам, двигает собственными пальцами, как бы подтверждая объяснения деятельности мускулов. Лицо врача серьезно и спокойно; он сознательно и уверенно передает слушателям научные выводы, которые для него уже вполне ясны и несомненны.

Вокруг лектора тесным кружком столпились семь хирургов. На первом плане, рядом с Тюльпом, трое молодых людей. Один из них, очевидно, близорукий, внимательно рассматривает открытую мускулатуру; второй, как бы пораженный доводами профессора, вскинул на него глаза; наконец, третий, стараясь разглядеть движение руки Тюльпа, напряженно следит за объяснениями лектора

За этой первой группой - еще четыре хирурга. Немного позади профессора мужчина средних пет старательно записывает лекцию; рука его остановилась на полуслове: он, видимо, обдумывает, как бы точнее выразить мысль. У самого стола, опираясь на него рукой, вполуоборот к зрителям поместился красивый молодой человек. Он - скептик: на его губах почти насмешливая улыбка. Из остальных фигур полна экспрессии крайняя: человек уже зрелый, вероятно, встретивший немало затруднений и неразрешенных задач в своей деятельности в качестве врача. Он написан в профиль: устремив глаза на Тюльпа, кажется, весь превратился в слух, стараясь не пропустить ни одного слова.

По картине разлит яркий и вместе с тем мягкий свет: нигде не видно мрачных тонов, которыми впоследствии так любил пользоваться Рембрандт. Это освещение как бы олицетворяет сияние науки, изгоняющее всякую тьму и проникающее в самые отдаленные уголки.

Почти двести лет "Урок анатомии" находился в здании, где впервые зазвучал в свободной Голландии голос свободной науки. В 182В году король Вильгельм I купил эту жемчужину голландской школы за 32 тысячи флоринов (Рембрандт получил всего 700 гульденов) и пожертвовал ее картинной галерее в Гааге.

Весть о том, что только что оконченный портрет Тюльпа и его слушателей уже сдан заказчикам и украшает стены анатомического театра, быстро распространилась по городу. Толпы любопытных осаждали аудиторию, спеша полюбоваться новым произведением Рембрандта. Слава его росла, а с ней и число заказов: каждый из жителей города, имевший хоть какой-то достаток, хотел получить портрет его работы, хотя бы гравированный на меди.

Портрет Сильвиуса

Одним из первых обратился к художнику знаменитый в то время проповедник Ян Корнелис Сильвиус. При первом же свидании Рембрандт почувствовал глубокое уважение и симпатию к почтенному пастору. Он сразу принялся за депо и особенно старательно отнесся к исполнению заказа

Вскоре поспели первые оттиски, но они не удовлетворили молодого художника. Ему казалось, что лицо его нового друга получилось слишком холодным и безжизненным, что не удалось уловить то соединение вдумчивой строгости и сердечной доброты, которое так нравилось ему в пасторе.

Снова пришлось взяться за депо. Рембрандт усилил тени: в лице появилось больше жизни, оно стало более рельефным, но тонкость работы, цельность впечатления пострадали. Тем не менее художник решился сдать работу заказчику: он отослал ему все четыре оттиска с самым задушевным письмом. Старик остался очень доволен портретом. Его тронула деликатность мастера, отдавшего в его распоряжение вместо одного листа целых четыре. Плененный веселым, живым характером юноши, строгий проповедник дружелюбно отнесся к нему и ввел его в семью, где Рембрандт скоро сделался своим человеком. Здесь он встретил двенадцатилетнюю Саскию.

Прекрасная Даная

Миф об этой сказочной принцессе дошел до нас из далекого прошлого, а кисть великого художника создала по этому сюжету одно из самых поэтичных полотен в мировой живописи.

Греческий оракул предсказал царю Акрисию, что тот умрет от руки своего внука. Страшившийся смерти царь, услышав столь трагическое предсказание, решил заключить свою единственную дочь Данаю в терем, а охранять ее посадил самых свирепых псов в царстве. Но могущественный Зевс увидел девушку, влюбился в нее и, превратившись в золотой дождь, проник в темницу...

Ликующий поток золотого цвета ярко освещает фигуру обнаженной Данаи. Девушка ждет возлюбленного, радуясь и одновременно робея перед Зевсом, она тянется навстречу любви, и в глазах ее - призыв, предчувствие счастья... Такое совершенное обнаженное женское тело, трепетное, теплое, живое и прекрасное, мог написать только человек, ослепленный любовью.

Эта картина - гимн молодости и красоте, гимн Женщине. Глядя на полотно, начинаешь понимать, насколько прекрасны и вечны Женщина и Любовь. Но немногие знают, как сложна и драматична судьба картины и судьба гения, написавшего ее...

1631 год. Амстердам. По мощеным улицам столицы бродит никому еще не известный молодой Рембрандт ван Рейн. Ему - только двадцать пять, и его переполняют юношеские амбиции - сын лейденского мельника Хармена ван Рейна прошел школу лейденских мастеров Сванебурга и Лаймана и мечтает завоевать столицу, уже видя толпы восторженных поклонников у своих ног.

Как ни удивительно - ему это удается, правда, не сразу. Поначалу заказы не идут - зажиточные бюргеры не хотят и не любят пускать деньги на ветер, ведь в Амстердаме Рембрандта еще никто не знает. Но ситуация неожиданно меняется. Понадобился только год, чтобы о молодом художнике восхищенно заговорили.

В 1632 году он выставляет свою новую картину "Урок анатомии доктора Тюльпа", которая приносит ему настоящий успех! Мгновенно Рембрандт становится модным художником - теперь у него нет недостатка в заказчиках, и среди них много вполне обеспеченных и влиятельных людей.

Все идет очень удачно: молодость, успех, деньги и неукротимое желание рисовать...

Однажды Рембрандт был приглашен в дом торговца картинами Хендрика ван Эйленбурха.

В шумной веселой компании молодых людей он увидел ту, которая навсегда поразила его сердце, - юную Саскию, кузину Хендрика.

Хотя Саския не была красавицей в полном смысле этого слова - короткая шея, маленькие глазки, пухлые щечки, но ее манера общаться с людьми, ее мягкий мелодичный голос, да и просто свежая прелестная юность делали ее в глазах молодых людей необыкновенно очаровательной. Вдобавок, Рембрандта поразили ее ум и живость, и он начал усиленно ухаживать за девушкой, к тому же, она была из очень богатой семьи, среди ее родственников - высокопоставленные чиновники и пастыри, купцы и судовладельцы.

Потом было еще несколько встреч в высшем амстердамском обществе, и Рембрандт, наконец, окончательно сделал свой выбор. Без этой девушки он себя уже не мыслил. Художник делает ей официальное предложение, которое с радостью принимается, и в 1634 году молодые люди сочетаются законным браком.

Так начались самые счастливые годы жизни Рембрандта. Саския не только подарила мужу свою беззаветную любовь, но и принесла значительное приданое и ввела его в высшие круги амстердамского бюргерство.

Заказы посыпались один за другим, имя Рембрандта с восхищением упоминалось почти в каждом доме, и сам он к тому времени стал уже вполне обеспеченным человеком и мог окружить жену блеском и роскошью - он покупал ей дорогие платья, драгоценности и делал все, чтобы семья Саскии не считала их брак неравным.

Об их семейной жизни не сохранилось никаких архивов - ни дневников, ни записей, ни писем друг к другу, ни рассказов очевидцев, но о том, что она была наполнена счастьем, говорят многочисленные портреты, рисунки и гравюры, сделанные Рембрандтом.

Деньги позволяли молодому супругу не скупиться, и он увлеченно начал собирать в своем доме самые разнообразные антикварные редкости, картины, гравюры, офорты, ковры, японские вазы - чего только не было в его коллекции.

Но, конечно, главное сокровище Рембрандта - Саския. И именно она вдохновила художника на создание одной из лучших его работ - на создание "Данаи".

В этой картине столько личного, столько любви и откровенности, что художник решил никогда не продавать это полотно - ведь оно было символом их безграничной любви и их необыкновенного счастья.

Но счастье оказалось недолговечным, фортуна в какой-то миг отвернулась от семьи, и началась череда трагических событий; в начале 1636 года умирает новорожденный первый сын Румбартус, затем та же печальная участь постигает и двух дочерей, родившихся друг за другом,

В доме воцарился траур: трудно было рисовать, трудно смотреть на постоянно заплаканную, но по-прежнему любимую и родную Саскию, постепенно утекали деньги. Но оставалась вера в то, что когда-нибудь счастье вернется в дом, и Бог смилостивится над ними.

Так все и произошло: Саския снова забеременела и в 1641 году, наконец-то, родила здорового ребенка - сына Титуса.

К счастливому отцу возвращается желание творить, и в этот период появляется целый цикл рисунков, а также знаменитая картина - Саския после родов играет в постели с Титусом.

Художника переполняла эта тема - тема матери и ребенка.

Казалось, что все налаживается, удача - снова на его стороне, но опять счастье не задерживается - частые роды подорвали здоровье Саскии, она начала болеть, почти не вставала с постели, а спустя девять месяцев после рождения сына молодая женщина скончалась, Ей было всего тридцать!

Рембрандт впал в тяжелую депрессию - ведь Саския унесла с собой все краски мира.

Но однажды, когда художник сидел в своей мастерской, и на душе было особенно тоскливо и тошно, он услышал чей-то женский голос:

Выпейте, хозяин, вам сразу станет легче.

Перед ним стояла нянька Титуса, которую еще при жизни наняла Саския. И Рембрандт, неожиданно для себя, вдруг почувствовал, что эта женщина нравится ему - сердце заколотилось, как когда-то при встрече с Саскией.

Гертье Диркс, вдова корабельного трубача, была молодой, здоровой и вполне привлекательной женщиной, к тому же не лишенной хитрости. Постепенно она прочно воцарилась не только в спальне хозяина, но и забрала всю власть в его доме.

Гертье совсем не походила на аристократку Саскию - это была женщина из народа, в которой бурлили земные страсти. Но, похоже, Рембрандту это нравилось. Гертье все чаще появлялась на его полотнах, причем нагая. Ее пышная, плотная, такая земная плоть наполняла полотна чувственностью и вожделением.

И наступил момент, когда Рембрандт решил переписать "Данаю". На прежней картине Даная была закутана в тончайшее полотно - ведь художнику позировала любимая, такая нежная и чистая Саския, и он не хотел, чтобы кто-то, кроме него, мог любоваться прелестью ее тела. А вот простую, грубоватую Гертье, сумевшую разбудить в нем плотские страсти, вполне можно было обнажить перед взглядами посторонних.

Так на полотне Рембрандта рождается новая Даная - готовая к ласкам и любовным играм, чувственная, пылкая, она ждет своего возлюбленного, желая подарить ему все земные наслаждения. И у этой новой Данаи - черты лица Гертье (Саския не могла быть столь откровенно сексуальной).

Шли годы. Рембрандт много работал. Его сын Титус подрастал. А Гертье, раздобревшая на хозяйских харчах, чувствовала себя полновластной хозяйкой и мучилась лишь одной мыслью - почему хозяин не женится на ней? Она всю жизнь отдала Рембрандту, а он, похоже, и не собирался назвать ее своей супругой.

Вскоре художника вызвали в "Камеру семейных ссор" (такое заведение существовало в Амстердаме XVII века) и присудили тому выплачивать госпоже Диркс по 200 гульденов ежегодно. По тем временам - сумма немалая, но Рембрандт готов на все, лишь бы избавиться от противной и скандальной бабы. Все нежные чувства к ней давно прошли, тем более что в доме появилась новая служанка - Хендрикье Стоффелс, дочь солдата, служившего на границе с Вестфалией. Она оказалась скромной, милой, доброй, и вскоре эта тихая, преданная девушка завоевала не только сердце художника, но и всех в доме.

Рембрандт искренне полюбил ее и впервые после Саскии желал узаконить отношения. Но, к сожалению, это было невозможно - по условиям завещания Саскии, женившись, он лишался права управлять имуществом своего сына Титуса и пользоваться его доходами.

Но Хендрикье ничего не ждала и не требовала, главное, что они были вместе, и она могла дарить Рембрандту свою молодость, покой и счастье, а в 1654 году - и дочь, любимую Корнелию.

Рембрандт не оставался в долгу, правда, он не мог осыпать любимую драгоценностями или деньгами - их в эти годы становилось все меньше и меньше, но зато написал удивительную галерею ее портретов.

А однажды, в тихий спокойный вечер, когда они сидели в мастерской и о чем-то переговаривались, он вдруг резко поднялся, подошел к "Данае" и, кинув на нее взгляд, взял в руки краски и кисть, тут же придав сказочной принцессе черты Хендрикье.

Так появился третий вариант этого загадочного и прекрасного полотна.

Тем временем амстердамское общество бурлило - бюргеры возмущались образом жизни давно уже ставшего известным художника. Его служанка, распутница и прелюбодейка, живет с ним во грехе! Но настоящий скандал разразился после того, как пошли слухи, что беременная Хендрикье позировала художнику для картины "Купающаяся Вирсавия",

Девушку вызвали в кальвинийскую консисторию и потребовали уйти от художника, угрожая, в противном случае, отлучить от церкви.

Сейчас трудно представить, что значило для молодой женщины отлучение от вечернего причастия, - это был страшный позор.

Но Хендрикье, несмотря на тихий, податливый нрав, резко отказалась - ведь ничто не могло соперничать с ее безграничной любовью, и она по-прежнему продолжала жить с Рембрандтом.

Семье приходилось несладко. Ушли в прошлое благополучные и сытые годы, картины Рембрандта уже никто не покупал, и постепенно пришлось распродать все сокровища - ковры, оружие, вазы, картины, которые он собирал с такой любовью.

В 1656 году Рембрандта окончательно объявили банкротом. "Инвентарь картин, мебели и домашней утвари, принадлежащих Рембрандту ван Рейну, проживающему по улице Бреестраат близ шлюза святого Антония", - добросовестно описывали имущество Рембрандта чиновники налоговой службы. В одном из параграфов описи, рядом со шкурами льва и львицы и двумя пестрыми платьями, значится "большая картина "Даная".

Полотно, с которым художник никогда не расставался, ушло в чужие равнодушные руки.

А потом семья лишилась и самого дома - его купил сосед-сапожник - и переселилась в один из самых беднейших районов Амстердама.

Несчастья и потери продолжали их преследовать. Не выдержав этих тяжелых жизненных испытаний, в 1663 году умирает Хендрикье, а за ней и Титус - он совсем недавно женился на очаровательной Магдалене ван Ло, которая не смогла жить без мужа и не надолго пережила его.

Все, кого любил Рембрандт, покидали художника, остались лишь две девочки - дочь Корнелия и маленькая внучка Тития.

Время неумолимо двигалось вперед, и также неумолимо уходило здоровье. Рембрандт слабел, живя в страшной нищете и унижении. Но чем жестче била его судьба, тем больше мудрости и глубины приобретало его искусство.

Его смерть не вызвала в Амстердаме никакого интереса - подумаешь, таких художников, чьи картины продаются лаже на рынках наравне с дичью, мясом и рыбой, - в Голландии множество!

И никто тогда не подумал, что страна потеряла одного из самых великих своих сынов...

А что "Даная"? В чьи руки попало самое любимое Рембрандтом полотно?

Сменив нескольких хозяев, в начале XVII века она оказалась в коллекции французского банкира Пьера Кроза, а после его смерти перешла по наследству племяннику барону Тьера, и только в 1770 году ее продали. Среди новых обладателей сокровищ Кроза оказалась и русская императрица Екатерина II, с огромным энтузиазмом собиравшая свою коллекцию живописи.

Наконец-то, "Даная" нашла для себя достойное место - в залах Эрмитажа. Попав сюда, она сразу же возбудила жаркие споры; где же золотой дождь, отчего рыдает амурчик на ее кровати, почему на пальце левой руки - кольцо? Тогда это вовсе не Даная! А может, Далила, ожидающая Самсона, или библейская Агарь?

Все вопросы были сняты совсем недавно, когда рембрандтовский шедевр изучили с помощью рентгеновских лучей. Просветив полотно, изумленные ученые увидели под одной картиной другую! В первом варианте была изображена Саския с кольцом на пальце, как и положено замужней даме, а ее тело стыдливо прикрыто легким покрывалом. Художник сорвал его, когда появилась Гертье Диркс, потому, наверное, и рыдает амурчик, оплакивая ушедшую любовь и чудесную Саскию.

Но история на этом не закончилась. В солнечный субботний линь, 15 июля 1985 года, молодой человек Брюнас Майгис, приехавший в Ленинград из Каунаса, прошел в Эрмитаж: и сразу же направился в зал Рембрандта. Подойдя к "Данае", он вытащил нож и с криком "Свободу Литве!" набросился на нее. Порезав картину, он вдобавок вылил на нее литр серной кислоты. Потрясенные сотрудники музея были ошарашены - подобного в музее никогда не случалось! Безумца-вандала арестовали, и на допросе он сказал, что прочитал в журнале "Огонек" статью о том, что это - "главная картина в главном советском музее". В извращенном сознании литовца шедевр Рембрандта превратился в своеобразный символ русской империи, угнетавшей литовцев.

А пока милиционеры уводили Майгиса из Эрмитажа, сотрудники музея с ужасом наблюдали, как текут по картине струйки кислоты, разъедая красочный слой и холст. Срочно были вызваны реставраторы и лучшие химики города. Изуродованную картину перенесли в лабораторию, промыли и стали думать, что с ней делать - ведь кислота оставила страшные борозды, кроме того, ножом изрезаны бедра и живот Данаи.

В результате горячих споров пришли к компромиссному решению - то, что испорчено совсем, не восстанавливать, а то, что можно отреставрировать - отреставрировать. И реставраторы сумели-таки сохранить картину после безумного акта вандализма.

Шедевр Рембрандта по-прежнему радует посетителей Эрмитажа, и каждый, подходя к нему, вновь ощущает очарование женской красоты и прелесть ожидания чуда. И, конечно же, восхищается мастерством великого голландца Рембрандта вон Рейна, 400-летие которого отмечалось в прошлом году всеми ценителями бессмертного искусства.