Выражение картина маслом что означает. Масляная картина

Практически все великие художники творили маслом. Их картины и сотни лет спустя выглядят впечатляюще. Для того чтобы добиться таких же пейзажей и живописи маслом нужно знать много нюансов работы с этим материалом. Данная статья даст лишь некоторое представление о технике работы с масляными красками. Основное понимание и создание собственного стиля придет интуитивно во время написания своего шедевра.

Что собой представляют масляные краски

Перед тем, как начать работу с масляными красками не лишним будет узнать, что все они являются смесью сухого красящего пигмента и льняного масла, которое высыхает, окисляясь на воздухе. Это окисление влечет за собой кристаллизацию красящего вещества, поэтому после полного высыхания масло невозможно удалить.

Краски фасуют в металлические тюбики, из которых их надо вылавливать на палитру и смешивать между собой мастихином. Масло - довольно густой материал. Неподготовленному человеку бывает довольно непросто справиться с ним в первый раз.

Какие инструменты нужны для рисования маслом

Кисти для живописи маслом нужно выбирать специальные. Они должны быть довольно жесткими и упругими. Они идеально подходят для того, чтобы наносить разнообразные мазки и добавлять картине объема краской, но ими довольно неудобно мешать масло. Для этих целей лучше приобрести мастихин: небольшой металлический шпатель с деревянной ручкой.

Также вам понадобится инструмент, которым вы будете корректировать рисунок, пока он еще не успел высохнуть. Это может быть тот же мастихин, влажная тряпочка или резиновый скребок.

Для того чтобы было удобно рисовать, лучше приобрести или сделать самостоятельно мольберт, на который вы сможете поместить холст. Саму ткань натягивают на рамку, о которой также нужно позаботиться заранее. Чтобы сохранить краски на картине яркими как можно дольше, их нужно закрепить с помощью лака.

Техника живописи маслом

Для того чтобы создать картину маслом, сначала нужно подготовить холст, закрепив его в штакетнике и загрунтовав. Следующий шаг - смешивание краски разных цветов на палитре с целью получения нужного оттенка. Затем ее наносят кистью на вертикально стоящий холст. Каждый слой нужно оставить до полного высыхания. В противном случае краски смешаются между собой, и изображение будет "грязным". Происходит процесс высыхания довольно медленно: порой должно пройти не менее трех дней до того момента, когда можно будет наложить новый слой. Всего можно работать с маслом до 12 часов подряд. Потом работу требуется отложить для того, чтобы она просохла.

Не существует определенной системы в написании живописи и пейзажей маслом. Все эти правила о том, что писать нужно сверху вниз или наоборот снизу вверх, на самом деле не имеют под собой никакого основания. Опытные художники говорят, что рисовать картину лучше отдельными цветовыми пятнами, чтобы сразу оценить их сочетаемость друг с другом. Хорошо сразу обозначить самое темное место на картине и самое светлое и остальные цветовые акценты сравнивать с ними: не темнее ли оно самого темного места и не светлее ли самого светлого.

Особенности, которые важно знать

Каждый новый слой должен быть таким же по толщине или толще предыдущего, в противном случае по живописи маслом могут пойти трещины.
Через три-шесть месяцев после того, как картина полностью просохнет, изображение необходимо закрепить с помощью дамарского лака.
Пока краски влажные ими очень просто сделать градиент. Для этого нужно нанести полосами оттенки, которые вы хотите перевести один в другой, и потом сухой кистью начать смешивать их между собой, двигаясь в горизонтальном иди вертикальном направлении, соответственно остальным мазкам. Работать нужно средней кистью и двигаться от самого темного цвета к самому светлому, а потом вернуться чистой кистью от светлого участка к среднему. Добавьте пару параллельных полос нужных цветов, чтобы закрепить результат.
Фиксирующий слой при работе с масляными красками ни в коем случае не должен быть клеевым.
Не нужно злоупотреблять разбавителями краски. Несмотря на то, что создавать живопись маслом гораздо проще, если краска немного более жидкая, чем в тюбике.

С чего начать

Прежде чем создать свое первое творение необходимо понять, что вы будете рисовать и наметить эскиз карандашом. Рисунок лучше выбирать с крупными деталями. Все мелкие части могут "потеряться" даже в самых аккуратных масляных мазках. Если вы хотите повторить какой-то понравившийся вам образ или мотив можно заранее перевести его на холст с помощью копировальной бумаги. Для этого его нужно будет перевести на тонкую кальку, а уже потом перенести на сам холст. Ваш эскиз обязательно нужно закрепить грунтовкой для ткани либо тонким слоем фиксажной жидкости, которая продается в любом магазине для творчества.

Как правильно создать эскиз

Специалисты советуют наносить набросок будущей композиции угольным карандашом, потому что его легче всего убрать с загрунтованной поверхности, просто протерев влажной тряпкой. Правда угольный набросок обязательно нужно будет закрепить на холсте фиксирующим составом. В противном случае он будет смешиваться с краской, и придаст ей грязный оттенок. К тому же угольная пыль будет препятствовать закреплению краски на ткани. Также для создания наброска для живописи маслом на холсте можно обвести угольную зарисовку простым карандашом, сангиной или жидко разведенной скипидаром краской, а затем смахнуть угольную пыль.

Работа с цветом

Если вам что-то известно о соотношении цветов и их оттенков, то, скорее всего, вы справитесь без цветового круга. Всем остальным он поможет более грамотно подойти к выбору цветовой палитры для своей картины. Все цвета делят на теплые и холодные в зависимости от подтона, который в них присутствует. К теплым относят цвета с желтым подтоном, к холодным - с серым. Все цвета, которые расположены в цветовом круге друг напротив друга, называются дополнительными, например, желтый и фиолетовый являются дополнительными цветами по отношению друг к другу. Если на картине такие цвета будут находиться рядом, то они будут усиливать яркость свою и соседнего оттенка. Если их нанести один на другой, они нейтрализуют друг друга. Для того чтобы получить необходимый оттенок, нужно добавить в исходный цвет немного дополнительного цвета и поэкспериментировать с пропорциями. Например, чтобы создать приглушенный желто-оранжевый цвет недостаточно просто добавить в желтую краску оранжевого пигмента. Вы должны будете снизить интенсивность обоих оттенков каплей фиолетовой краски, которая является дополнительной по отношению к ним. Для того чтобы первое время не запутаться в этих тонкостях, приобретите цветовой круг. Написав несколько картин, вы уже будете работать на автомате, забыв про круг. Для того, чтобы научить свои глаза распознавать большее количество разных оттенков, а также научиться находить наилучшие цветовые решения, лучше отправиться на курсы живописи маслом. Опытный преподаватель подскажет, на что стоит обратить внимание, как "обуздать" цветопередачу и какие упражнения помогут стать более чутким живописцем.

Живопись маслом известных художников

Вот несколько картин, нарисованных маслом, которые помогут вам обрести вдохновение и побудят приступить к рисованию.

Русский художник Иван Константинович Айвазовский, как никто другой передавал всю глубину и красоту моря. Его картины поражают своей реалистичностью. Мазки он использовал преимущественно мелкие и аккуратные для более точной проработки деталей.

Исаак Ильич Левитан в своих работах также использует мелкие мазки. С их помощью ему удается показать листву на деревьях и в водоеме, свежую зеленую траву. Его картины очень живые и в то же время абсолютно спокойные.

В отличие от вышеназванных русских художников Ван Гог был любителем широкого мазка и размашистых линий. Он не уделял большого внимания мелочам, его яркой чертой была динамика в работах.

Современная живопись

Среди ныне живущих художников масляные краски также остаются любимым материалом для творчества. Вот лишь некоторые картины, для того, чтобы иметь представление о современной живописи маслом.

Эта картина создана художником Лораном Парселье. Мягкими и аккуратными мазками он пишет свет, много зелени, солнечные блики и словно легкое дуновение ветра.

Еще один современный художник - Джозеф Лорассо. Он создает картины маслом, изображая на них важные моменты из жизни простых людей - объятия, поцелуи. На его холстах люди скучают, целуются, стесняются, проявляют нежность и страсть. Краски он выбирает преимущественно темных и приглушенных оттенков, чтобы ничего не отвлекало от изображенных сцен.

Восхитительно научилась изображать окружающую действительность маслом и польская художница Юстина Копанья. Ей удается передать текстуру ткани, легкость паруса, гладь воды. Она добавляет объема своим работам не только с помощью цвета, но и, наслаивая краску, что создает очень необычный эффект. От ее полотен невозможно оторвать взгляд.

Вот лишь малая часть того, что нужно знать о масляных красках и нюансах работы с ними. Живопись маслом на картинах - это всегда что-то впечатляющее и прекрасное. Даже если сначала у вас не все будет получаться, не опускайте руки! Творите и, возможно, вашей картиной будут любоваться не только родственники, но и посетители всемирно известных картинных галерей.

Кто не слышал выражение: «Картина Репина «Приплыли»? Эта фраза, намекающая на некий конфуз, уже стала частью народного фольклора. А между тем знаменитый живописец такого полотна вовсе не создавал. Хотя произведение, породившее поговорку, действительно существует. Его автор – другой замечательный художник, наш земляк Лев Соловьев.

Неожиданная встреча
В основе сюжета картины – на первый взгляд совершенно бытовая сцена: женщины устроили купание в реке. Кто-то из них еще раздевается, кто-то уже во всей обнаженной красе заходит в воду. Но чуть поодаль изображены …три оторопевших монаха в лодке, которую принесло к купальщицам коварное течение. Иноки помоложе так и застыли с веслами в руках, словно не зная, как реагировать на неожиданную встречу. А пожилой пастырь добродушно улыбается, дескать: «Ну вот, приплыли!»
Этот холст, пронизанный мягким юмором, был написан Соловьевым в 1870-е годы и носит название «Монахи. Не туда заехали». В советское время волею судеб он оказался в музее города Сумы. Картина экспонировалась рядом с работами Ильи Репина. Данное соседство и породило путаницу в «массовом сознании». Но вернемся к настоящему автору холста. Ведь «Монахи» – далеко не единственный образец его творчества! Кисти Соловьева принадлежат прекрасные жанровые полотна и выразительные портреты. Более того, он много лет занимался педагогической деятельностью и дал путевку в жизнь знаменитым художникам. В нынешнем году исполнилось 175 лет со дня рождения этого замечательного человека.

Пастух-живописец
Лев Григорьевич Соловьев (1837 – 1919) родился в слободе Лушниковка Острогожского уезда, в простой крестьянской семье. Свою трудовую биографию начал еще в детстве – маленькому Леве довелось быть и пастухом, и поводырем для слепых. Тогда же паренек почувствовал тягу к живописи. Позднее художник вспоминал, что он с малых лет все время что-то зарисовывал, пользуясь за неимением красок углем и мелом. Данные опыты приметил заезжий иконописец и забрал талантливого самоучку с собой в Воронеж. Здесь он трудился в мастерской и активно занимался самообразованием. Позже жажда новых знаний привела молодого человека в Петербург. Соловьев посещал уроки в Академии художеств в качестве вольнослушателя. Живописные опыты самородка из народа благосклонно оценивали знатоки искусства. Его произведения неоднократно экспонировались на выставках Императорского общества поощрения художников…
В Северной Пальмире Соловьев провел шесть лет. Однако суетливая столичная жизнь оказалась ему не по нраву, и в 1878 году он вернулся в Воронеж.

«Всемирная грамота человечества»
В свое время Лев Григорьевич был очень известным в нашем городе человеком. Он писал лики святых и расписывал храмы по заказу Воронежской епархии, преподавал иконопись в семинарии. Кстати, известно, что на праздновании полуторвекового юбилея учебного заведения в церкви Иоанна Богослова была выставлена особая «световая икона» кисти Соловьева (очевидно, он выполнил ее на стекле).
Кроме того, художник сотрудничал с газетой «Дон» и другими изданиями: писал статьи о живописи, выступал с обзорами выставок. А в начале 1890-х открыл Частные рисовальные классы, что позже выросли в целую школу. Причем уроки в ней велись совершенно бесплатно! Таков был жизненный принцип Соловьева, видевшего в творчестве Божий дар, который люди призваны развивать в себе и бескорыстно передавать другим. Свое понимание духовных задач художника Лев Григорьевич описал в статье «Живопись и рисование». Он называл изобразительное искусство «всемирной грамотой человечества, научающей …читать живую книгу вселенной». А Воронежская бесплатная рисовальная школа, основанная Соловьевым и такими же подвижниками – супругами Пономаревыми, должна была по мысли создателей стать центром просвещения и «нравственного братского сотрудничества» учеников.Здесь приобрели первый опыт выдающиеся мастера живописи Александр Бучкури, Павел Шмаров, Елена Киселева, Александр Куприн и многие другие. После революции на базе школы открылись Воронежские свободные художественные мастерские, вокруг которых тогда «крутилась» вся творческая жизнь города.

Дом с секретом
Особая история связана с домом Соловьева, который находился на улице Консисторской (ныне – Фрунзе). Деревянный особнячок до наших дней не дожил, но сохранились его описания и, судя по ним, это было настоящее культурное явление! Вот что рассказывал о нем в 1902 году читателям журнала «Новое дело» писатель и публицист Евгений Марков: «…деревянный домик, наполовину вросший своим кирпичным нижним этажом в глинистый косогор обрыва, …садик, набитый в беспорядочной тесноте фруктовыми и тенистыми деревьями, никогда не запертая калитка… Открыли дверь – и сами себе не верите. Вы в музее, в картинной галерее. Начиная с прихожей во всех комнатках, на всех стенах, во всех простенках этюды, рисунки, масляные картины; висят, стоят, лежат в тесноте бесхитростной студии, среди полотен, палитр, мольбертов и гипсовых фигур». Именно в этом домике-музее художник проводил свои первые занятия с учениками.

Борец со смертью
Лев Григорьевич прожил долгую, интересную жизнь и до последних дней сохранял верность своему идеалу творца-подвижника. Эту светлую и бескорыстную любовь к искусству в свое время тонко подметил выдающийся философ, один из родоначальников русского космизма Николай Федоров. Он был дружен с Соловьевым, посещал его дом и даже посвятил хозяину удивительного особнячка на Консисторской статью. Там есть такие слова: «Созидатель этого музея …поставил себе целью «спасать от смерти, что можно»… Он как бы всех желает сделать рисующими, живописующими, как бы оживляющими, спасающими от смерти. Это человек не XIX, а XX века, …постоянно работающий для будущего».

Самым лучшим методом в живописи Лев Соловьев считал рисование с натуры. Только эта «манера», по мысли художника, дает возможность отразить живые впечатления и всемерно способствует рождению неповторимого стиля. Соловьев писал: «Раскрытая книга природы перед очами разума человеческого всегда была, есть и будет единственным, ничем незаменимым первоисточником для всех существующих наук и искусств».

Особенно живописцу удавались сюжетные картины и портреты. Его основные работы: «Транспарант в память 200-летия Петра I», «Альбом иллюстраций к произведениям Н. А. Некрасова», «Кустарь-сапожник», «Воронежская Гретхен», «Тряпичник-меняла», «Сельский базар», «Гибель Викулиной рощи». Несколько этюдов Соловьева находятся в Государственном Русском музее и одна жанровая картина представлена в Третьяковской галерее. Большое собрание произведений хранится в областном художественном музее имени Крамского.

Услышав выражение "Картина маслом!", мы понимаем, что речь идёт о чём-то красочном, живописном, удивительном и внезапном. Некоторые в этом выражении даже усматривают аллюзию на картину Репина "Приплыли" "Не ждали". ;)
Но почему именно картина и именно маслом (а не карандашом, акварелью или кремом на торте)?

Почему картина, понятно - потому что обычно так говорят про "остановленное мгновение": "его глазам предстала картина...".

А маслом - потому что именно масляная живопись издавна известна как наиболее яркая и красочная. После ограниченного набора привычных натуральных красителей (земляные пигменты да сок некоторых растений) возможность растереть в порошок любой цветной минерал и склеить этот порошок маслом была настоящей революцией. (Между прочим, синяя краска ультрамарин долгое время так и делалась из лазурита и стоила дороже золота! Просто не было в минеральной природе другого синего.) Набор доступных цветов для художника резко расширился, и возросла яркость красок. Да и слово "живописно" употребляют, когда хотят подчеркнуть красочность картины или образа. А под "живописью" обычно понимают именно масляную.

Всё это я знал (теоретически); поэтому, когда мне стукнуло в голову попробовать рисовать, я и не подумал вспоминать детское баловство с акварелью, а обратился сразу к маслу.
С чего мне вообще пришло в голову рисовать? Да с того же, с чего и детям нравится это занятие.
Ну и ещё потому, что девушка взяла "на слабо": "вот у меня знакомые выставляются, а ты всякой ерундой компьютерной занимаешься". :)

И я не выдержал. Нашёл в книжном магазине показанный на фото набор масляных красок; а кисточки у меня были с детства (правда, слишком мягкие, акварельные, но я-то не знал таких тонкостей!).
Вероятно, есть доля истины, когда мужчин упрекают в нежелании спрашивать дорогу и читать инструкции. Да, надо сказать, и инструкций-то взять было негде - Интернета в 1993 году не наблюдалось, а специально искать и покупать какой-нибудь учебник не хотелось - мало ли, вдруг эта блажь ничем не кончится и краски будут выкинуты на антресоли и забыты...

В общем, я понятия не имел о технике живописи. О том, что нужен растворитель. О том, что основание для живописи надо правильно подготовить (загрунтовать). И о других мелочах. Зато в голове у меня был свежий образ из очередной командировки: закат над бескрайним полем с нежными зелёными всходами. Низкое солнце давало удивительно контрастную картину, и стройные ряды зелени, уходящие за горизонт, мелькали перед моим взором. Вот это я и задумал изобразить, присовокупив сюда абстрактную картину взлетающего фотонного звездолёта и похожую на него очертаниями птицу-облако. Да, это я впечатлился, увидев пару работ сюрреалистов; подобные упражнения мне казались куда как привлекательнее, нежели какой-то никому не интересный натюрморт.
А ещё у меня на картине должен был быть наблюдатель в скафандре, вальяжно восседающий затылком к нам на антигравитационном кресле. :)

А.Донской. Облака над полем. 1993, к., м. (точный размер не помню, что-то около формата A4)

За неимением холста (и неумением обращаться с ним) я взял обыкновенную картонку от папки "Дело" (люди старшего поколения помнят, что это такое), и приступил к работе.

Писать маслом оказалось не так-то просто.
С самого же начала я обнаружил, что краска в тюбиках слишком густая, и размазать её качественно, чтобы сделать растяжку закатного неба, невозможно. А о том, что это можно при желании сделать и руками, я никогда бы не подумал из-за врождённой брезгливости. :)

Затем я с удивлением обнаружил, что краска мгновенно впитывается в картон, теряя все свои свойства и даже немного изменяя цвет.
Наконец, я замучился рисовать тысячи зелёных ростков на поле: из-за густоты краски вместо тонких линий получались невнятные кляксы...
Особенно проблемным получился фотонный звездолёт, который должен был быть намечен лёгкими штрихами. Штрихи получались рваные - густая белая краска совсем не желала укладываться в ровную линию.
Зато размазывать розовое, чтобы получить как бы освещённые закатом края облака-лебедя, мне понравилось.

Задуманное антигравитационное кресло я таки нарисовал - оно получилось похожим то ли на перо, то ли на лепесток белого цветка. Поразмыслив и трезво оценив невозможность тонкой работы неразведёнными красками из тюбика, наблюдателя в скафандре я изображать не стал. Только добавил на кресло несколько радужных штрихов для создания призрачной прозрачности.

В довершение ко всему я достал из-под ванны оставшуюся от давнишнего ремонта банку лака и залил им едва высохшую картину, чтобы скрыть матовые пожухлые места, где всё масло из краски перешло в картон. Лак оказался старым и заметно жёлтым, что придало работе ни с чем не сравнимый антикварный колорит. Тем же лаком, не скупясь, я обильно залил и наспех сколоченную рамку.
На этом первая картина маслом была готова!

Если вас не устрашил первый сюрреалистический опыт чайника, то по тегу "

Интерес к живописи неуклонно растет с каждым годом. Об этом свидетельствует высокий уровень заинтересованности у людей, причем разного возраста и уровня достатка. А с общим интересом растёт запрос на информацию, которую бывает сложно найти в нужном объеме. Поэтому, хочу составить список самых распространенных вопросов, которые интересуют культурное население. Эта информация будет действительно ценной для тех, кто всерьёз начинает увлекаться искусством. Нужно понимать, что масляная живопись является базисом и фундаментом, поэтому ознакомление с её азами должно состояться у каждого. Хоть эта техника и кажется сложной, но на деле она не сложнее акрила или темперы, просто нужно разобраться. Если у вас останутся вопросы, то смело задавайте их в комментариях к этой записи, буду очень рада вам ответить.

Что касается того кто изобрёл их, то принято считать что это был художник Ян ван Эйк. Но это очень популярное заблуждение, ведь он только усовершенствовал их под себя, и этот эксперимент оказался очень удачным. С этого художника всё и началось, масло получило широе распространение в Европе а вскоре, и во всём мире.

Что значит картина маслом?

В живописи это означает, что работа выполнена масляными красками - это такие краски, в основе которых лежит отбелённое рафинированное льняное масло, и пигментные красители (пигмент=цвет). Картины этими красками считаются каноническими, и являются обязательными в академической и станковой живописи. Все самые известные шедевры великих мастеров, выполнены масляными красками на холсте. Картины имеют еще одно интересное свойство, они очень долго сохнут. Чтобы они полностью затвердели и высохли, может понадобиться до месяца, но уже спустя две недели их можно безопасно транспортировать. Для сравнения, акварель или акрил сохнут всего несколько часов.

Часто можно слышать такое выражение, что картина написана на холсте натянутом на подрамник, что же это значит? Холст - это ткань, которая переплетена полотняным видом пряжи. Уже начиная с шестнадцатого века, художники начали на нём начали рисовать, и для них это стало настоящей находкой. Холст бывает разных видов, он может состоять из различных материалов, таких как: полиэстер, хлопок, лён, мешковина. Также они могут иметь различную зернистость: мелкое зерно, среднее, и крупное. Чтобы из него сделать полноценный художественный материал, нужно обработать желатином и нанести специальную грунтовку. Далее, он усердно натягивается на деревянную основу, которая называется - подрамник , он в свою очередь создается из специальных модулей.

Чем их рисуют?

Я лично предпочитаю рисовать мастихином, работы получаются объемными, и с большим количеством плотного масла на холсте. Но в целом, картины рисуют художественными кистями, видов которых существует огромное множество. Нет смысла углубляться в эти тонкости, но иметь представление о таких вещах - обязательно. Для кистей используется два вида волокон: синтетические и натуральные. Синтетические стоят дешевле, служат дольше и стоят на порядок дешевле. В то время как натуральные стоят дороже, и их сложнее отмывать от краски. Еще интересный факт, в них используются волоски которые берутся из хвостов различных животных.

Почему масляные полотна стоят дороже?

Это действительно частый вопрос, и ответ на него весьма банален, все дело в стоимости расходных материалов. Масляные краски и разбавители для них - стоят гораздо больше чем акварель, акрил, и тем более пастель. Не забывайте учесть цену полотна, на котором будет создаваться картина. Ну и плата за работу художника - а это ведь действительно сложный труд. А вся трудность состоит в том, что картина создается примерно в три подхода, и каждый слой требует тщательного прописывания, особенно если речь идет о мелких деталях. Хоть картины маслом стоят дороже остальных, но все-равно ценник не заоблачный, более подробно с ними можно ознакомиться на странице с ценами . А если коротко, то красивая картина среднего размера, обойдется вам в 500-600 гривен, и если не будет очереди и проблем с доставкой, то через две недели полотно может видеть у вас на стене.