Конспект уроку "Література та образотворче мистецтво Росії у другій половині XIX століття". Мистецтво другої половини ХІХ століття

Дорофєєв Н.В.

ВСТУП

В одному зі своїх творів А. І. Герцен писав про російський народ, "потужний і нерозгаданий", який "зберіг величні риси, живий розум і широкий розгул багатої натури під гнітом кріпосного стану і на петровський наказ утворюватися відповів через сто років величезним явищем Пушкіна ". Звісно, як А. З. Пушкіна мав на увазі Герцен. Пушкін став символом своєї епохи, коли стався стрімкий злет у культурному розвитку Росії. Час пушкіна, першу третину ХІХ століття, недарма називають " золотим століттям " російської культури.

Початок XIX століття - час культурного та духовного піднесення в Росії. Якщо в економічному та соціально-політичному розвитку Росія відставала від передових європейських держав, то в культурних досягненнях вона не тільки йшла нарівні з ними, а й часто випереджала. Розвиток російської культури у першій половині ХІХ століття спиралося на перетворення попереднього часу. Проникнення елементів капіталістичних відносин на економіку посилило потреба у грамотних і освічених людях. Міста стали основними культурними центрами. Нові соціальні верстви втягувалися у суспільні процеси. Культура розвивалася і натомість дедалі зростаючої національної самосвідомості російського народу й у з цим мала яскраво виражений національний характер. Істотний вплив на літературу, театр, музику, образотворче мистецтво справила Вітчизняна війна 1812 року, яка у небувалою мірою прискорила зростання національної самосвідомості російського народу, його консолідацію. Сталося зближення з російським народом інших народів Росії. Проте консервативні тенденції у політиці імператорів Олександра І та Миколи I стримували розвиток культури. Уряд активно боролося із проявами передової суспільної думки. Кріпацтво не давало можливості користуватися високими культурними здобутками всьому населенню.

Епоха Визволення дала сильний поштовх культурному розвитку Росії. Зміни в економічному та політичному житті після падіння кріпосного права створювали нові умови для розвитку культури. Втягування в ринкові відносини дедалі ширших верств селянства з усією гостротою поставило питання початковому народному освіті. Це викликало небачене раніше зростання кількості сільських та міських шкіл. Промисловість, транспорт та торгівля виявляли дедалі ширший попит на фахівців із середньою та вищою освітою. Значно зросли лави інтелігенції. Її духовні запити викликали зростання книговидавничої справи, піднімали тиражі газет та журналів. На цій хвилі йшов розвиток театру, живопису, інших мистецтв. Культура Росії другої половини XIX - початку XX століття ввібрала художні традиції, естетичні та моральні ідеали "золотого століття" попереднього часу. На рубежі століть XIX - XX століть у духовному житті Європи та Росії з'явилися тенденції, пов'язані зі світоощадженнями людини XX століття. Вони вимагали нового осмислення соціальних та моральних проблем. Все це призводило до пошуку нових образотворчих методів та засобів. У Росії її склався своєрідний історико-художній період, що його сучасника назвали " срібним століттям " російської культури.

Уславлення подвигу народу, ідея його духовного пробудження, викриття виразок кріпосницької Росії - такі основні теми образотворчого мистецтва 19 століття.

Російська живопис у першій половині 19 століття.

Для російського образотворчого мистецтва характерні романтизм і реалізм. Проте офіційно визнаним методом був класицизм. Академія мистецтв стала консервативним і відсталим закладом, який перешкоджав будь-яким спробам свободи творчості. Вона вимагала суворо дотримуватися канонів класицизму, заохочувала написання картин на біблійні та міфологічні сюжети. Молодих талановитих російських художників не задовольняли рамки академізму. Тому вони найчастіше зверталися до портретного жанру.

Кіпренський Орест Адамович, російський художник. Видатний майстер російського образотворчого мистецтва романтизму відомий як чудовий портретист. У картині «Дмитро Донський на Куликовому полі» (1805, Російський музей) продемонстрував впевнене знання канонів академічної історичної картини. Але рано областю, де його талант розкривається найбільш природно та невимушено, стає портрет. Перший його мальовничий портрет («А. К. Швальбе», 1804, там-таки), написаний у «рембрандтівській» манері, виділяється своїм виразним і драматичним світлотіньовим строєм. З роками його майстерність, що виявилося в умінні створювати насамперед неповторні індивідуально-характерні образи, підбираючи особливі пластичні засоби, щоб цю характерність відтінити, міцніє. Вражаючою життєвості сповнені: портрет хлопчика А. А. Челіщева (близько 1810-11), парні зображення подружжя Ф. В. та Є. П. Ростопчиних (1809) та В. С. та Д. Н. Хвостових (1814, все - Третьяковська галерея). Художник все частіше обігрує можливості кольорових та світлотіньових контрастів, пейзажного фону, символічних деталей («Є. С. Авдуліна», близько 1822, там же). Навіть великі парадні портрети художник вміє зробити лірично, майже інтимно невимушеними (Портрет лейб-гусарського полковника Євграфа Давидова, 1809, Російський музей). Його портрет молодого, омріяного поетичною славою А.С. Пушкіна одна із найкращих у створенні романтичного образу. У Кіпренського Пушкін виглядає урочисто і романтично, в ореолі поетичної слави. "Ти мені лестиш, Оресте", - зітхнув Пушкін, глянувши на готове полотно. Кіпренський був також віртуозним малювальником, який створив (переважно в техніці італійського олівця і пастели) зразки графічної майстерності, які часто перевершують відкритою, хвилююче легкою своєю емоційністю його мальовничі портрети. Це і побутові типажі («Сліпий музикант», 1809, Російський музей; «Калмичка Баяуста», 1813, Третьяковська галерея), і відома серія олівцевих портретів учасників Вітчизняної війни 1812 (малюнки із зображенням Є. І. Чаплиця, А. Р. Шевченка). Томілова, П. А. Оленіна, той же малюнок з поетом Батюшковим та ін;1813-15, Третьяковська галерея та ін збори); героїчне початок тут набуває щирого відтінку. Велика кількість нарисів і текстові свідчення показують, що митець весь свій зрілий період тяжів до створення великої (за його словами з листа А. М. Оленіну 1834 року), «ефектної, чи, російською мовою, ударистої і чарівної картини», де в алегоричній формі було б зображено підсумки європейської історії, так само як і призначення Росії. «Читачі газет в Неаполі» (1831, Третьяковська галерея) - на вигляд просто груповий портрет - насправді є потайно-символічний відгук на революційні події в Європі. Однак найбільш честолюбні з мальовничих алегорій Кіпренського залишилися нездійсненими, або зникли (подібно до «Анакреонової гробниці», завершеної в 1821). Ці романтичні пошуки, однак, набули масштабного продовження у творчості К. П. Брюллова та А. А. Іванова.

Реалістичну манеру відбивали твори В.А. Тропініна. Ранні портрети Тропініна, написані у стриманій барвистій гамі (сімейні портрети графів Моркових 1813-го і 1815-го років, обидва - у Третьяковській галереї), ще повністю належать до традиції століття Просвітництва: модель є в них безумовним і стабільним центром образу. Пізніше колорит живопису Тропініна стає інтенсивнішим, обсяги зазвичай ліпляться чіткіше і скульптурно, але найголовніше - вкрадливо наростає суто романтичне відчуття рухливої стихії життя, лише частиною, фрагментом якої видається герой портрета («Булахов», 1823; «К. Р. Равич»). , 1823; автопортрет, близько 1824; всі три - там же). Такий і А. С. Пушкін на знаменитому портреті 1827 (Всеросійський музей А. С. Пушкіна, р. Пушкін): поет, поклавши руку на стос паперу, як би «слухає музу», вслухається в творчу мрію, що оточує образ незримим ореолом . Він також написав портрет А.С. Пушкіна. Перед глядачем постає навчена життєвим досвідом, не дуже щаслива людина. На портреті Тропініна поет по-домашньому привабливий. Якимось особливим старомосковським теплом та затишком віє від робіт Тропініна. До 47-річного віку перебував він у кріпосній неволі. Тому, напевно, такі свіжі, такі одухотворені на його полотнах обличчя простих людей. І нескінченна молодість і чарівність його «Мережини». Найчастіше В.А. Тропінін звертався до зображення людей з народу ("Мережина", "Портрет сина" та ін.).

Художні та ідейні шукання російської суспільної думки, очікування змін відбилися у картинах К.П. Брюллова "Останній день Помпеї" та А.А. Іванова "Явлення Христа народу".

Великим твором мистецтва є картина «Останній день Помпеї» Карла Павловича Брюллова (1799–1852). У 1830 р. на розкопках античного міста Помпеї побував російський художник Карл Павлович Брюллов. Він гуляв стародавніми мостовими, милувався фресками, і в його уяві вставала та трагічна ніч серпня 79 р. н. е., коли місто було засипане розпеченим попелом і пемзою Везувія, що прокинувся. Через три роки картина «Останній день Помпеї» здійснила тріумфальну подорож із Італії до Росії. Художник знайшов дивовижні фарби для зображення трагедії стародавнього міста, що гине під лавою і попелом Везувію, що вивергається. Картина перейнята високими гуманістичними ідеалами. Вона показує мужність людей, їх самовідданість, виявлені під час страшної катастрофи. Брюллов був в Італії з відрядження Академії мистецтв. У цьому навчальному закладі було добре поставлене навчання техніці живопису та малюнка. Проте Академія однозначно орієнтувалася на античну спадщину та героїчну тематику. Для академічного живопису характерні декоративний пейзаж, театральність загальної композиції. Сцени із сучасного життя, звичайний російський пейзаж вважалися недостойними пензля художника. Класицизм у живопису отримав назву академізму. Брюллов був пов'язаний з Академією усією своєю творчістю.

Він мав могутню уяву, пильне око і вірну руку - і в нього народжувалися живі творіння, узгоджені з канонами академізму. Воістину з пушкінським витонченістю він умів відобразити на полотні і красу оголеного людського тіла, і тремтіння сонячного променя на зеленому листі. Немеркнутими шедеврами російського живопису назавжди залишаться його полотна «Вершниця», «Вірсавія», «Італійський ранок», «Італійський полудень», численні парадні та інтимні портрети. Проте митець завжди тяжів до великих історичних тем, зображення значних подій людської історії. Багато його задумів у цьому плані не було здійснено. Ніколи не залишала Брюллова думка створити епічне полотно на сюжет із російської історії. Він починає картину «Облога Пскова військами короля Стефана Баторія». На ній зображено кульмінаційний момент облоги 1581, коли псковські ратники в. городяни кидаються в атаку на поляків, що прорвалися до міста, і відкидають їх за стіни. Але картина залишилася незакінченою, і завдання створення справді національних історичних картин було здійснено не Брюлловим, а наступним поколінням російських художників. Однорічний Пушкіна, Брюллов пережив його на 15 років. Останні роки він хворів. З автопортрета, написаного на той час, на нас дивиться рудувата людина з тонкими рисами обличчя і спокійним, задумливим поглядом.

У першій половині ХІХ ст. жив та творив художник Олександр Андрійович Іванов (1806-1858). Все своє творче життя він присвятив ідеї духовного пробудження народу, втіливши її у картині «Явление Христа народу». Понад 20 років працював він над картиною «Явлення Христа народу», в яку вклав усю міць та яскравість свого таланту. На передньому плані його грандіозного полотна в очі впадає мужня постать Іоанна Хрестителя, що вказує народу на Христа, що наближається. Його постать дана на віддалі. Він ще не прийшов, він іде, він обов'язково прийде, каже митець. І світлішають, очищаються обличчя і душі тих, хто чекає на Спасителя. У цій картині він показав, як говорив пізніше І. Є. Рєпін, «пригноблений народ, який прагне слова свободи».

У першій половині ХІХ ст. у російську живопис входить побутовий сюжет. Одним із перших до нього звернувся Олексій Гаврилович Венеціанов (1780-1847). Він присвятив свою творчість зображенню життя селян. Це життя він показує в ідеалізованому, прикрашеному вигляді, віддаючи данину модному тоді сентименталізму. Проте картини Венеціанова «Гумно», «На жниві. Літо», «На ріллі. Весна», «Селянка з волошки», «Захарка», «Ранок поміщиці», відображаючи красу і шляхетність простих російських людей, служили утвердженню гідності людини незалежно від її соціального стану.

Його традиції продовжив Павло Андрійович Федотов (1815-1852). Його полотна реалістичні, наповнені сатиричним змістом, що викриває торговельну мораль, побут і звичаї верхівки суспільства ("Сватання майора", "Свіжий кавалер" та ін.). Свій шлях художника-сатирика він починав, будучи офіцером-гвардійцем. Тоді він робив веселі, бешкетні замальовки армійського побуту. У 1848 р. на академічній виставці було представлено його картину «Свіжий кавалер». Це була зухвала глузування не лише з тупого, самовдоволеного чиновництва, а й з академічних традицій. Брудний халат, у який одягнувся головний герой картини, дуже вже нагадував античну тогу. Брюллов довго стояв перед полотном, а потім сказав автору напівжартома напівсерйозно: «Вітаю вас, ви перемогли мене». Комедійно-сатиричний характер носять інші картини Федотова («Сніданок аристократа», «Сватання майора»). Останні його картини дуже сумні («Анкор, ще анкор!», «Вдова»). Сучасники справедливо порівнювали П.А. Федотова у живопису з Н.В. Гоголем у літературі. Викриття виразок кріпосницької Росії – основна тема творчості Павла Андрійовича Федотова.

Російський живопис другої половини 19 століття.

Друга половина ХІХ ст. ознаменувалася розквітом російського образотворчого мистецтва. Воно стало справді великим мистецтвом, було перейнято пафосом визвольної боротьби народу, відгукувалося на запити життя і активно вторгалося у життя. У образотворчому мистецтві остаточно утвердився реалізм - правдиве і всебічне відображення життя народу, прагнення перебудувати це життя на засадах рівності та справедливості.

Центральною темою мистецтва став народ, як пригноблений і страждає, а й народ - творець історії, народ-борець, творець всього кращого, що є у житті.

Твердження реалізму в мистецтві проходило в запеклій боротьбі з офіційним напрямом, представником якого було керівництво Академії мистецтв. Діячі академії вселяли своїм учням ідеї про те, що мистецтво вище за життя, висували лише біблійну та міфологічну тематику для творчості художників.

9 листопада 1863 р. велика група випускників Академії мистецтв відмовилася писати конкурсні роботи на запропоновану тему зі скандинавської міфології та залишила Академію. На чолі бунтарів стояв Іван Миколайович Крамський (1837-1887). Вони об'єдналися в артіль і почали жити комуною. Через сім років вона розпалася, але на той час зародилося «Товариство пересувних художніх виставок», професійно-комерційне об'єднання художників, що стояли на близьких ідейних позиціях.

«Передвижники» були єдині у своєму неприйнятті «академізму» з його міфологією, декоративними пейзажами та пихатою театральністю. Вони хотіли зображувати живе життя. Чільне місце у їхній творчості посіли жанрові (побутові) сцени. Особливою симпатією передвижників користувалося селянство. Вони показували його потребу, страждання, пригнічений стан. На той час - у 60-70-ті рр. ХХ ст. ХІХ ст.- ідейна сторона мистецтва цінувалася вище, ніж естетична. Лише згодом митці згадали про самоцінність живопису.

Мабуть, найбільшу данину ідейності віддав Василь Григорович Перов (1834–1882). У своїх творах Перов пристрасно викриває існуючий лад, з великою майстерністю та переконливістю показує важку частку народу. У картині «Сільський хресний хід на Великдень» художник показав російське село у святковий день, злидні, безпробудне пияцтво, сатирично зобразив сільське духовенство. Вражає своїм драматизмом, безвихідною скорботою одна з найкращих картин Перова - «Проводи покійника», яка розповідає про трагічну долю сім'ї, яка залишилася без годувальника. Великою популярністю користуються його картини «Останній шинок біля застави», «Старі батьки на могилі сина». Тонким гумором та ліризмом, любов'ю до природи перейняті картини «Мисливці на привалі», «Рибалка». Його творчість пронизана любов'ю до народу, прагненням осмислити явища життя та мовою мистецтва правдиво розповісти про них. Картини Перова належать до найкращих зразків російського мистецтва. Його творчість хіба що перегукується з поезією Некрасова, з творами Островського, Тургенєва. Досить згадати його картини, як «Приїзд станового на слідство», «Чаювання в Митищах». Деякі роботи Перова пройняті справжнім трагізмом (Трійка, Старі-батьки на могилі сина). Пензлі Перова належить ряд портретів його знаменитих сучасників (Островського, Тургенєва, Достоєвського).

Деякі полотна «передвижників», писані з натури чи під враженням від реальних сцен, збагатили наші уявлення про селянське життя. У картині С. А. Коровіна «На світі» показано сутичка на сільському сході між багатієм та бідняком. В. М. Максимов зобразив лють, сльози та горе сімейного поділу. Урочисту святковість селянської праці відбито у картині Г. Г. М'ясоїдова «Кістки».

Ідейним вождем Товариства пересувних виставок був Іван Миколайович Крамський (1837–1887) – чудовий художник та теоретик мистецтва. Крамський боровся проти так званого "чистого мистецтва". Він закликав художника бути людиною та громадянином, своєю творчістю боротися за високі суспільні ідеали. У творчості Крамського чільне місце займала портретна живопис. Крамський створив цілу галерею чудових портретів російських письменників, художників, громадських діячів: Толстого, Салтикова-Щедріна, Некрасова, Шишкіна та інших. Йому належить один із найкращих портретів Льва Толстого. Пильний погляд письменника не залишає глядача, з якої точки він не дивився на полотно. Один із найсильніших творів Крамського - картина «Христос у пустелі».

«Передвижники» здійснили справжні відкриття пейзажного живопису. Олексій Кіндрійович Саврасов (1830-1897) зумів показати красу та тонкий ліризм простого російського пейзажу. У 1871 майстер створює низку кращих своїх робіт («Печерський монастир під Нижнім Новгородом», Нижегородський художній музей; «Розлив Волги під Ярославлем», Російський музей), у т. ч. знамениту картину «Грачі прилетіли» (Третьяківська галерея), що стала популярним російським пейзажем, свого роду мальовничим символом Росії. Етюдна робота над «Грачами» точилася у березні, у с. Молвітіно (нині Сусаніно) Буйського повіту Костромської губернії. Талий сніг, весняні граки на берізках, сіро-блакитне, бляке небо, темні хати та стародавня церква на тлі стиле далеких лук, - все сплавилося в образ дивовижної поетичної чарівності. Картині властивий справді чарівний ефект впізнаваності, «вже баченого» (deja-vue, говорячи мовою психології) - причому не тільки десь біля Волги, де писалися «Грачі», а чи не в будь-якому куточку країни. Тут «настрій» -як особливий споглядальний простір, що поєднує картину з глядачем - остаточно перетворюється на особливий компонент образу; це влучно фіксує І. М. Крамської, коли пише (у листі до Ф. А. Васильєва, 1871), торкаючись інших пейзажів на виставці: «все це дерева, вода і навіть повітря, а душа є лише в «Грачах». Незримо зрима «душа», настрій життєдай і наступні речі Саврасова: чудові московські пейзажі, що органічно поєднують побутову простоту переднього плану з великими далями («Сухарева вежа», 1872, Історичний музей, Москва; «Вигляд на Московський Кремль8,7») Російський музей), віртуозний з передачі вологи та світлотіні «Проселок» (1873, Третьяковська галерея), сентиментальну «Могилу над Волгою» (1874, Алтайський крайовий музей образотворчих мистецтв, Барнаул), світлозарну «Райдугу» (1875, Російський музей) картину «Зимовий краєвид. Іней» (1876-77, Воронезький музей образотворчих мистецтв). У пізній період майстерність Саврасова різко слабшає. Життєво опустившись, страждаючи на алкоголізм, він живе за рахунок копій зі своїх найкращих робіт, насамперед із «Грачів».

Федір Олександрович Васильєв (1850–1873) прожив коротке життя. Його творчість, що обірвалася на самому початку, збагатила вітчизняний живопис поряд з динамічними, хвилюючими пейзажами. Художнику особливо вдавали перехідні стани в природі: від сонця до дощу, від затишшя до бурі. Виходець із сім'ї поштового службовця, навчався у Малювальній школі Товариства заохочення мистецтв, а також у 1871 р. в Академії мистецтв; 1866-67 працював під керівництвом І. І. Шишкіна. Видатний талант Васильєва склався рано і потужно в картинах, що вражають глядача своїм психологічним драматизмом. Чудовою «поезією при натуральності враження» (за словами І. М. Крамського, близького друга Васильєва, про корінну властивість його творчості в цілому) перейнята вже картина «Перед дощем» (1869, Третьяковська галерея). У 1870 мандрував Волгою разом з І. Є. Рєпіним, в результаті з'явилася картина «Вид на Волзі. Баржі» (1870, Російський музей) та інші роботи, відзначені тонкістю світлоповітряних ефектів, майстерністю передачі річкової та повітряної вологи. Але не у зовнішніх ефектах тут суть. У творах Васильєва природа, наче відгукуючись на рухи людської душі, у сенсі психологізується, висловлюючи складну гаму почуттів між розпачом, надією і тихим сумом. Найбільш відомі картини «Відлига» (1871) і «Мокрий луг» (1872; обидві в Третьяковській галереї), де постійний інтерес художника до перехідних, невизначено-хитких станів натури втілюється в образи осяяння крізь меланхолійну імлу. Це - свого роду натурні сни про Росію, які витримують зіставлення з пейзажними мотивами І. З. Тургенєва чи А. А. Фета. Художник (судячи з його листування з Крамським) мріє про створення якихось небачених творів, про символічні пейзажі-одкровення, які могли б зцілити людство, обтяжене «злочинними задумами». Але дні його вже пораховано. Захворівши на туберкульоз, він переселяється в 1871 в Ялту. Фатальна хвороба, зливаючись із враженнями від південної природи, яка постає в нього не святковою, але відчужено-тривожною, надає його живопису ще більшої драматичної напруженості. Тривожно і похмуро найзначніше його полотно цього періоду – «У Кримських горах» (1873, Третьяковська галерея). Гірська дорога, що тоне в серпанку, написана в похмурих коричнево-сірих тонах, набуває тут потойбічного відтінку, подібності безвихідної дороги в нікуди. Вплив мистецтва Васильєва, посилений трагізмом його ранньої смерті, був дуже значним. Романтична традиція, остаточно відмовляючись від уявлень про пейзаж як декоративне видовище, досягла в його роботах особливої духовної змістовності, що віщує мистецтво символізму і модерну, пейзаж чеховсько-левітанівської доби.

Творчість Віктора Михайловича Васнецова (1848-1926) тісно пов'язані з російськими народними казками, билинами, сюжети що він брав основою своїх картин. Його найкращий твір - «Три богатирі». Перед глядачем улюблені герої російського билинного епосу - богатирі, захисники російської землі та рідного народу від численних ворогів.

Співаком російського лісу, епічної широти російської природи став Іван Іванович Шишкін (1832-1898). Архіпа Івановича Куїнджі (1841 -1910) приваблювала мальовнича гра світла та повітря. Таємниче світло місяця в рідкісних хмарах, червоні відблиски зорі на білих стінах українських хат, косі ранкові промені, що пробилися крізь туман і грають у калюжках на дорозі, що розкисла, - ці та багато інших мальовничих відкриття відбито на його полотнах. Для ранніх робіт Шишкіна («Вигляд на острові Валаамі», 1858, Київський музей російського мистецтва; «Рубка лісу», 1867, Третьяковська галерея) характерна деяка дрібність форм; дотримуючись традиційного для романтизму «кулісного» побудови картини, чітко розмічаючи плани, не досягає ще переконливого єдності образу. У таких картинах, як «Полудень. В околицях Москви» (1869, там же), ця єдність постає вже очевидною реальністю, насамперед за рахунок тонкої композиційної та світло-повітряно-колористичної координації зон неба та землі, ґрунту (останню Шишкін відчував особливо проникливо, у цьому відношенні не маючи собі рівних у російському пейзажному мистецтві).

У 1870-ті роки. майстер входить у пору безумовної творчої зрілості, яку свідчать картини «Сосновий бір. Щогловий ліс у В'ятській губернії» (1872) і «Жито» (1878; обидві – Третьяковська галерея). Зазвичай уникаючи хиткіх, перехідних станів природи, художник фіксує її вищий літній розквіт, досягаючи вражаючої тональної єдності саме за рахунок яскравого, полуденного, літнього світла, що визначає всю колористичну шкалу. Монументально-романтичний образ Природи з великої літери незмінно присутній у картинах. Нові ж, реалістичні віяння, проступають у тому проникливій увазі, з якою виписуються прикмети конкретного шматка землі, куточку лісу чи поля, конкретного дерева. Шишкін - чудовий поет як грунту, а й дерева, тонко відчуваючий характер кожної породи [в найбільш типових своїх записах він зазвичай згадує непросто «ліс», а ліс з «осокорея, в'язів і частиною дубів» (щоденник 1861 року) чи « ліс ялиновий, сосновий, осика, береза, липа» (з листа І. В. Волковському, 1888)]. З особливим полюванням художник пише породи найпотужніші і найміцніші типу дубів і сосен - у стадії зрілості, старості і, нарешті, смерті в буреломі. Класичні твори Шишкіна – такі, як «Жито» або «Серед долини рівні...» (картина названа за піснею А. Ф. Мерзлякова; 1883, Київський музей російського мистецтва), «Лісові дали» (1884, Третьяковська галерея) – сприймаються як узагальнені, епічні образи Росії. Художнику однаково вдаються і далеві види, і лісові «інтер'єри» («Сосни, освітлені сонцем», 1886; «Ранок у сосновому лісі» де ведмеді написані К. А. Савицьким, 1889; обидві – там же). Самостійну цінність мають його малюнки та етюди, що є деталізованим щоденником природного життя. Плідно працював також у галузі офорту. Друкуючи свої тонко нюансовані пейзажні офорти у різних станах, видаючи їх як альбомів, Шишкін потужно активізував інтерес до цього виду мистецтва. Педагогічною діяльністю займався мало (зокрема, керував пейзажною майстернею Академії мистецтв у 1894-95), але мав серед своїх учнів таких художників, як Ф. А. Васильєв та Г. І. Чорос-Гуркін. Його образи, незважаючи на свою «об'єктивність» і принципову відсутність психологізму, властивого «пейзажу настрою» саврасівсько-левитановського типу, завжди мали великий поетичний резонанс (недарма Шишкін належав до улюблених художників А. А. Блоку). У Єлабузі відкрито будинок-музей художника.

До кінця ХІХ ст. вплив передвижників впав. У образотворчому мистецтві з'явилися нові напрями. Портрети пензля В.А. Сєрова та пейзажі І.І. Левітана були співзвучні з французькою школою імпресіонізму. Частина художників поєднувала російські художні традиції з новими образотворчими формами (М.А. Врубель, Б.М. Кустодієв, ІЛ. Білібін та ін.).

Своєю вершиною російський пейзажний живопис XIX ст. досягла у творчості учня Саврасова Ісаака Ілліча Левітана (1860-1900). Левітан – майстер спокійних, тихих краєвидів. Людина дуже боязка, сором'язлива і вразлива, вона вміла відпочивати тільки наодинці з природою, переймаючись настроєм пейзажу, що полюбився.

Якось приїхав він на Волгу писати сонце, повітря та річкові простори. Але сонця не було, по небу повзли нескінченні хмари, не припинялися похмурі дощі. Художник нервувався, поки не втягнувся в цю погоду і не виявив особливу красу сизо-бузкових фарб російської негоди. З того часу Верхня Волга, заштатне містечко Плес міцно увійшли до його творчості. У тих краях він створив свої «дощові» роботи: «Після дощу», «Похмурий день», «Над вічним спокоєм». Там були написані умиротворені вечірні пейзажі: «Вечір на Волзі», «Вечір. Золотий плес», «Вечірній дзвін», «Тиха обитель».

В останні роки життя Левітан звернув увагу на творчість французьких художників-імпресіоністів (Е. Мане, К. Моне, К. Пісарро). Він зрозумів, що в нього з ними багато спільного, що їхні творчі пошуки йшли у тому ж напрямі. Як і вони, він вважав за краще працювати не в майстерні, а на повітрі (на пленері, як кажуть художники). Як і вони, він висвітлив палітру, вигнавши темні землісті фарби. Як і вони, він прагнув сфотографувати скороминущість буття, передати рухи світла і повітря. У цьому вони пішли далі за нього, але майже розчинили у світлоповітряних потоках об'ємні форми (будинки, дерева). Він уникнув цього.

«Картини Левітана вимагають повільного розгляду,- писав великий знавець його творчості К. Г. Паустовський.- Вони не приголомшують очей. Вони скромні і точні, подібно до чеховських розповідей, але чим довше вдивляєшся в них, тим дедалі милішою стає тиша провінційних посад, знайомих річок і путівців».

На другу половину ХІХ ст. припадає творчий розквіт І. Є. Рєпіна, В. І. Сурікова та В. А. Сєрова.

Ілля Юхимович Рєпін (1844-1930) народився в Чугуєві, в сім'ї військового поселенця. Йому вдалося вступити до Академії мистецтв, де його учителем став П. П. Чистяков, який виховав цілу плеяду знаменитих художників (В. І. Сурікова, В. М. Васнецова, М. А. Врубеля, В. А. Сєрова). Багато чого навчився Рєпін також у Крамського. У 1870 р. молодий художник здійснив подорож Волгою. Численні етюди, привезені з подорожі, він використав для картини Бурлаки на Волзі (1872). Вона справила сильне враження на громадськість. Автор відразу висунувся до лав найвідоміших майстрів. Критикуючи прихильників «чистого мистецтва», він писав: «Навколишнє життя мене надто хвилює, не дає спокою, сама проситься на полотно; дійсність надто обурлива, щоб зі спокійною совістю вишивати візерунки, надамо це вихованим панянкам». Рєпін став прапором передвижників, їхньою гордістю і славою.

Рєпін був дуже різнобічним художником. І. Є. Рєпін був чудовим майстром у всіх жанрах живопису і в кожному сказав своє нове слово. Центральна тема його творчості – життя народу у всіх її проявах. Він показав народ у праці, у боротьбі, прославив борців за волю народу. Його китиці належить низка монументальних жанрових полотен. Найкращим твором Рєпіна в 70-ті роки була картина «Бурлаки на Волзі». Картина була сприйнята як подія художнього життя Росії, вона стала символом нового напряму в образотворчому мистецтві. Рєпін писав, що «суддя тепер мужик, тому треба відтворювати його інтереси». Мабуть, не менше враження, ніж «Бурлаки», справляє «Хресна хода в Курській губернії». Яскраве блакитне небо, пронизані сонцем хмари дорожнього пилу, золоте сяйво хрестів і шат, поліція, простий народ і каліки - все вмістилося на цьому полотні: велич, сила, неміч і біль Росії.

У багатьох картинах Рєпіна торкалася революційної тематики («Відмова від сповіді», «Не чекали», «Арешт пропагандиста»). Революціонери на його картинах тримаються просто і природно, цураючись театральних поз і жестів. На картині «Відмова від сповіді» засуджений до смерті ніби навмисне сховав руки в рукави. Художник явно співчував героям своїх картин.

Ряд репінських полотен написано на історичні теми («Іван Грозний та його син Іван», «Запорожці, які пишуть лист турецькому султану» та ін.). Рєпін створив цілу галерею портретів вчених (Пирогова, Сєченова), письменників (Толстого, Тургенєва, Гаршина), композиторів (Глінки, Мусоргського), художників (Крамського, Сурікова). На початку XX ст. він отримав замовлення на картину "Урочисте засідання Державної ради". Художнику вдалося не тільки композиційно розмістити на полотні таку велику кількість присутніх, а й дати психологічну характеристику багатьом з них. Серед них були такі відомі діячі, як С. Ю. Вітте, К. П. Побєдоносцев, П. П. Семенов-Тян-Шанський. Малопомітний на картині, але дуже тонко виписаний Микола ІІ.

Василь Іванович Суріков (1848-1916) народився у Красноярську, у козацькій родині. Розквіт його творчості припадає на 80-ті рр., коли він створив три найзнаменитіші свої історичні картини: «Ранок стрілецької кари», «Меншиков у Березові» та «Бояриня Морозова». Його твори «Ранок стрілецької кари», «Меншиков у Березові», «Бояриня Морозова», «Підкорення Сибіру Єрмаком Тимофійовичем», «Степан Разін», «Перехід Суворова через Альпи» - вершина російського та світового історичного живопису. Велич російського народу, його краса, незламна воля, його важка і складна доля - ось те, що надихало художника.

Суріков добре знав побут і звичаї минулих епох, умів давати яскраві психологічні характеристики. Крім того, він був чудовим колористом (майстром кольору). Досить згадати сліпуче свіжий, іскристий сніг у «Боярині Морозовій». Якщо підійти до полотна ближче, сніг як би «розсипається» на сині, блакитні, рожеві мазки. Цей мальовничий прийом, коли два-три різні мазки на відстані зливаються і дають потрібний колір, широко використовували французькі імпресіоністи.

Валентин Олександрович Сєров (1865–1911), син композитора, писав пейзажі, полотна на історичні теми, працював як театральний художник. Але славу йому принесли насамперед портрети.

У 1887 р. 22-річний Сєров відпочивав в Абрамцеві, підмосковній дачі мецената С. І. Мамонтова. Серед його численних дітей молодий митець був своєю людиною, учасником їхніх гучних ігор. Якось після обіду в їдальні випадково затрималися двоє - Сєров та 12-річна Веруша Мамонтова. Вони сиділи за столом, на якому залишилися персики, і за розмовою Веруша не помітила, як митець почав накидати портрет. Робота розтяглася на місяць, і Веруша сердилась, що Антон (так по-домашньому звали Сєрова) змушує її годинами сидіти у їдальні.

На початку вересня «Дівчинка з персиками» було закінчено. Незважаючи на невеликий розмір, картина, написана в рожево-золотистих тонах, здавалася дуже просторою. У ній було багато світла та повітря. Дівчинка, що присіла за стіл на хвилину і зупинила погляд на глядача, зачаровувала ясністю і одухотвореністю. Та й усе полотно було овіяне суто дитячим сприйняттям повсякденності, коли щастя себе не усвідомлює, а попереду - ціле життя.

Мешканці абрамцевського будинку, звичайно, розуміли, що на їхніх очах відбулося диво. Але лише час дає остаточні оцінки. Воно і поставило «Дівчинку з персиками» до ряду кращих портретних робіт у російському та світовому живописі.

На наступний рік Сєров зумів майже повторити своє чаклунство. Він написав портрет своєї сестри Марії Симонович («Дівчина, освітлена сонцем»). Назва закріпилася трохи неточна: дівчина сидить у тіні, а променями ранкового сонця освітлена галявина на другому плані. Але на картині все так разом, так одно - ранок, сонце, літо, молодість і краса, - що найкращу назву важко придумати.

Сєров став модним портретистом. Перед ним позували відомі письменники, артисти, художники, підприємці, аристократи навіть царі. Мабуть, не всім, кого він писав, лежала в нього душа. Деякі великосвітські портрети, за філігранної техніки виконання, вийшли холодними.

Кілька років Сєров викладав у Московському училищі живопису, скульптури та архітектури. Він був вибагливим педагогом. Противник застиглих форм живопису, Сєров натомість вважав, що творчі пошуки повинні ґрунтуватися на твердому володінні технікою малюнка та мальовничого письма. Багато видатних майстрів вважали себе учнями Сєрова: М. С. Сар'ян, К-Ф. Юон, П. В. Кузнєцов, К. С. Петров-Водкін.

Багато картин Рєпіна, Сурікова, Левітана, Сєрова, «передвижників» потрапили до зборів Третьякова. Павло Михайлович Третьяков (1832-1898), представник старовинного московського купецького роду, був незвичною людиною. Худий і високий, з окладистою бородою і тихим голосом, він був схожий на святого, ніж на купця. Збирати картини російських художників почав з 1856 р. Захоплення переросло у основну справу життя. На початку 90-х років. збори досягли рівня музею, поглинувши майже весь стан збирача. Пізніше воно перейшло у власність Москви. Третьяковська галерея стала всесвітньо відомим музеєм російського живопису, графіки та скульптури.

У 1898 р. у Петербурзі, в Михайлівському палаці (творіння К. Россі) було відкрито Російський музей. До нього надійшли твори російських художників з Ермітажу, Академії мистецтв та деяких імператорських палаців. Відкриття цих двох музеїв хіба що увінчало досягнення російської живопису в XIX ст.

ВИСНОВОК

Російське образотворче мистецтво, пройняте передовими ідеями на той час, служило великої гуманної мети - боротьбі визволення людини, за соціальне перебудову всього суспільства.

Загалом у першій половині XIX століття Росія досягла вражаючих успіхів у галузі культури. До світового фонду надовго увійшли твори багатьох російських художників. Завершився процес формування національної культури.

На рубежі XIX-XX ст. модерністські пошуки призвели до складання групи художників, що об'єдналися навколо журналу "Світ мистецтва" (А.М. Бенуа, К.А. Сомов, Є.Є. Лансере, Л.С. Бакст, Н.К. Реріх, І.Е. Грабар та ін.). "Світ майстері" проголосили нові художньо-естетичні принципи, що протистояли реалістичним поглядам передвижників, і схильність академізму. Вони пропагували індивідуалізм, свободу мистецтва від соціальних та політичних проблем. Головне для них – краса та традиції російської національної культури. Особливу увагу вони приділяли відродженню та новій оцінці спадщини минулих епох (XVIII – початку XIX ст.), а також популяризації західноєвропейського мистецтва.

На початку XX ст. виник "російський авангард". Його представники К.С. Малевич, Р.Р. Фальк, М.З. Шагал та інші проповідували мистецтво "чистих" форм та зовнішньої безпредметності. Вони були попередниками абстракціонізму і вплинули на розвиток світового мистецтва.

На другу половину ХІХ ст. припадає творчий розквіт І. Є. Рєпіна, В. І. Сурікова та В. А. Сєрова.

ВИСНОВОК

Романтизм у живописі

Представники: Франсіско Гойя, Антуан-Жан Гро, Теодор Жеріко, Ежен Делакруа, Карл Брюллов, Вільям Тернер, Каспар Давид Фрідріх, Карл Фрідріх Лессінг, Карл Шпіцвег, Карл Блехен, Альберт Бірштадт, Фредерік Едвін Чёрч.

Розвиток романтизму в живописі протікало у гострій полеміці з прихильниками класицизму. Романтики докоряли своїх попередників у «холодній розсудливості» та відсутності «руху життя». У 20-30-х роках роботи багатьох художників відрізнялися патетикою, нервовою збудженістю; в них намітилося тяжіння до екзотичних мотивів та гри уяви, здатної відвести від «тьмяної повсякденності». Боротьба проти застиглих класицистських норм тривала довго, майже півстоліття. Першим, кому вдалося закріпити новий напрямок та «виправдати» романтизм, був Теодор Жерико.

Однією з відгалужень романтизму у живопису є стиль бидермейер.

………………………………….

Якщо заглянути в тлумачний словник російської, можна знайти таке визначення романтизму:
напрям у літературі, музиці, живопису та театрі, що виник на початку XIX ст., що боровся з канонами класицизму, що висував на перший план особистість і почуття і використовував у своїй творчості історичні та народно-поетичні теми;

напрям у літературі та мистецтві, пройнятий оптимізмом і прагненням яскравих образах показати високе призначення людини.

Як очевидно з визначення, романтизм охоплює великий пласт різних видів мистецтва. Мета мого реферату – дослідити розвиток романтизму одному з них, саме у живопису, шляхом виявлення найяскравіших представників цього напрями у Європі та Росії та проведення аналізу їхніх робіт.

I. Романтизм у західноєвропейському живописі

Якщо родоначальницею класицизму була Франція, то “щоб знайти коріння… романтичної школи, – писав одне із сучасників, – нам слід вирушити у Німеччину. Там народилася вона, і там утворили свої уподобання сучасні італійські та французькі романтики”.

Роздроблена Німеччина не знала революційного піднесення. Багатьом з німецьких романтиків був далекий пафос передових соціальних ідей. Вони ідеалізували середньовіччя. Віддавалися несвідомим душевним поривам, міркували про покинутість людського життя. Мистецтво багатьох було пасивним і споглядальним. Кращі свої твори вони створили в галузі портретного та пейзажного живопису.

Видатним портретистом був Отто Рунге (1777-1810). Портрети цього майстра при зовнішньому спокої вражають інтенсивним і напруженим внутрішнім життям.

Образ поета-романтика побачений Рунґе в “Автопортреті”. Він уважно розглядає себе і бачить темноволосого, темноокого, серйозного, повного енергії, вдумливого і вольового хлопця. Художник-романтик хоче пізнати себе. Манера виконання портрета швидка і розмаїста, начебто вже у фактурі твору має бути передана духовна енергія творця; у темній барвистій гамі виступають контрасти світлого та темного. Контрастність – характерний мальовничий прийом майстрів-романтиків.

Вловити мінливу гру настроїв людини, зазирнути їй у душу завжди намагатиметься художник романтичного складу. І в цьому плані благодатним матеріалом будуть для нього дитячі портрети. У “Портреті дітей Хюльзенбек” (1805) Рунге як передає жвавість і безпосередність дитячого характеру, а й знаходить для світлого настрою особливий прийом. Фоном у картині є пейзаж, який свідчить не лише про колористичний дар художника, захоплене ставлення до природи, а й про появу нових проблем майстерного відтворення просторових відносин, світлових відтінків предметів на відкритому повітрі. Майстер-романтик, бажаючи злити своє "Я" з просторами Всесвіту, прагнути сфотографувати чуттєво-відчутний образ природи. Але цій чуттєвістю зображення він вважає за краще бачити символ великого світу, "ідею художника".

Рунґе одним із перших художників-романтиків поставив перед собою завдання синтезу мистецтв: живопису, скульптури, архітектури, музики. Художник фантазує, підкріплюючи свою філософську концепцію ідеями знаменитого німецького мислителя у першій половині XVII в. Якоба Беме. Світ - якесь містичне ціле, кожна частинка якого виражає ціле. Ця ідея споріднена з романтиками всього європейського континенту.

Інший видатний живописець-романтик Німеччини Каспар Давид Фрідріх (1774-1840) віддав перевагу всім іншим жанрам пейзажу і писав протягом усього свого життя лише картини природи. Основним мотивом творчості Фрідріха є ідея єдності людини та природи.

"Прислухайтеся до голосу природи, який говорить усередині нас", - дає настанову художник своїм учням. Внутрішній світ людини уособлює нескінченність Всесвіту, тому, почувши себе, людина може осягнути і духовні глибини світу.

Позиція вслуховування визначає основну форму “спілкування” людини з природою та її зображення. Це велич, таємниця чи просвітленість природи та свідомий стан спостерігача. Правда, дуже часто в ландшафтний простір своїх картин Фрідріх не дозволяє "увійти" фігурі, але в тонкій проникливості образного ладу просторів, що розкинулися, відчувається присутність почуття, переживання людини. Суб'єктивізм у зображенні пейзажу в мистецтво лише з творчістю романтиків, провіщаючи ліричне розкриття природи в майстрів другої половини ХІХ ст.. Дослідники відзначають у роботах Фрідріха “розширення репертуару” пейзажних мотивів. Автора цікавлять море, гори, ліси та різноманітні відтінки стану природи у різну пору року та доби.

1811-1812 рр. відзначені створенням серії гірських пейзажів як результату подорожі художника до гор. ”Ранок у горах” мальовничо представляє нову природну реальність, що народжується у променях сонця, що сходить. Рожевато-лілові тони огортають і позбавляють їх обсягу та матеріальної тяжкості. Роки бою з Наполеоном (1812-1813) звертають Фрідріха до патріотичної тематики. Ілюструючи, надихаючись драмою Клейста, він пише “Могилу Армінія” – пейзаж із могилами давніх німецьких героїв.

Фрідріх був тонким майстром морських пейзажів: "Віки", "Схід місяця над морем", "Загибель "Надії" у льодах".

Останні роботи художника – “Відпочинок на полі”, “Велике болото” та “Спогад про Великі гори”, ”Велетенські гори” – низка гірських кряжів та каміння на затемненому передньому плані. Це, мабуть, повернення до пережитого відчуття перемоги людини над собою, радість піднесення на “вершину світу”, прагнення до непокорених висів, що світлішають. Почуття художника особливим чином компонують ці гірські громади, і знову читається рух від темряви перших кроків до майбутнього світла. Гірська вершина на задньому плані виділено як центр духовних устремлінь майстра. Картина дуже асоціативна, як будь-яке творіння романтиків, і передбачає різні рівні прочитання та тлумачення.

Фрідріх дуже точний у малюнку, музично-гармонійний у ритмічному побудові своїх картин, у яких намагається говорити емоціями кольору, світлових ефектів. “Багато дано мало, небагатьом багато. Кожному відкривається душа природи інакше. Тому ніхто не сміє передавати іншому свій досвід і свої правила як обов'язковий беззастережний закон. Ніхто не є мірилом для всіх. Кожен несе у собі міру лише самого себе і більш-менш споріднених собі натур”, – це міркування майстра доводить дивовижну цілісність його внутрішнього життя й творчості. Неповторність художника відчутна лише у свободі його творчості – у цьому стоїть романтик Фрідріх.

Найбільш формальним видається розмежування з художниками - "класиками" - представниками класицизму іншої гілки романтичного живопису Німеччини - назарейців. Заснований у Відні і в Римі (1809-1810) "Союз Святого Луки" об'єднував майстрів ідеєю відродження монументального мистецтва релігійної проблематики. Середньовіччя було улюбленим періодом для романтиків. Але у своїх мистецьких пошуках назарейці звернулися до традицій живопису раннього Відродження в Італії та Німеччині. Овербек та Гефорр були ініціаторами нового союзу, до якого пізніше приєдналися Корнеліус, Шнофф фон Карольсфельд, Фейт Фюріх.

Руху назарейців відповідали свої форми протистояння академікам-класицистам у Франції, Італії, Англії. Наприклад у Франції з майстерні Давида виділилися звані художники-“примитивисты”, в Англії – прерафаеліти. У дусі романтичної традиції вони вважали мистецтво “вираженням часу”, “духом народу”, та їх тематичні чи формальні переваги, спочатку які звучали як гасло об'єднання, через деякий час перетворилися на такі доктринерські принципи, як й у Академії, заперечуваної ними.

Мистецтво романтизму мови у Франції розвивалося особливими шляхами. Перше, що відрізняло його від аналогічних рухів інших країнах, – це активний, наступальний (“революційний”) характер. Поети, письменники, музиканти, художники відстоювали свої позиції як створенням нових творів, а й участю у журнальної, газетної полеміці, що дослідниками характеризується як “романтична битва”. У романтичній полеміці ”відточили своє пір'я” знамениті В.Гюго, Стендаль, Жорж Санд, Берліоз та багато інших письменників, композиторів, журналістів Франції.

Романтичний живопис у Франції виникає як опозиція класицистичної школи Давида, академічного мистецтва, що називається «школою» в цілому. Але розуміти це треба ширше: це була опозиція офіційної ідеології доби реакції, протест проти її міщанської обмеженості. Звідси і патетичний характер романтичних творів, їхня нервова збудженість, тяжіння до екзотичних мотивів, до історичних і літературних сюжетів, до всього, що може відвести від «тьмяної повсякденності», звідси ця гра уяви, а іноді, навпаки, мрійливість та повна відсутність активності.

Представники «школи», академісти повставали передусім проти мови романтиків: їхнього збудженого гарячого колориту, їхнього моделювання форми, не тієї, звичної для «класиків», статуарно-пластичної, а побудованої на сильних контрастах кольорових плям; їх експресивного малюнка, що навмисно відмовився від точності; їх сміливої, іноді хаотичної композиції, позбавленої величності та непорушного спокою. Енгр, непримиренний ворог романтиків, до кінця життя говорив, що Делакруа «пише шаленою мітлою», а Делакруа звинувачував Енгра та всіх художників «школи» у холодності, розсудливості, без руху, у тому, що вони не пишуть, а «розмальовують» свої картини. Але це була не проста зіткнення двох яскравих, абсолютно різних індивідуальностей, це була боротьба двох різних художніх світоглядів.

Боротьба ця тривала майже півстоліття, романтизм у мистецтві здобував перемоги не легко і не відразу, і першим художником цього напряму був Теодор Жерико (1791-1824) – майстер героїчних монументальних форм, який поєднав у своїй творчості і класицистичні риси, і риси самого романтизму. і, нарешті, сильний реалістичний початок, що справила величезний вплив на мистецтво реалізму середини в XIX ст. Але за життя він був оцінений лише небагатьма близькими друзями.

З ім'ям Теодора Жаріко пов'язані перші блискучі успіхи романтизму. Вже ранніх його картинах (портрети військових, зображення коней) античні ідеали відступили перед безпосереднім сприйняттям життя.

Новий етап розвитку реалізму в російській художній культурі другої половини пов'язаний із проникненням у глибини людської свідомості та почуття, у складні процеси суспільного життя. Творам мистецтва, створеним тим часом властивий гуманістичний пафос, високі моральні та естетичні ідеали.

Російська література другої половини ХІХ століття.

Російська література другої половини ХІХ століття продовжує традиції Пушкіна, Лермонтова, Гоголя. Відчутно сильний вплив критики на літературний процес, особливо магістерської дисертації Н.Г.Чернишевського „Естетичні відносини мистецтва до дійсності”. Його теза у тому, що прекрасне є життя, є основою багатьох літературних творів другої половини ХІХ століття. Звідси походить бажання розкрити причини соціального зла. Головною темою творів літератури і, ширше, творів російської художньої культури стає тим часом тема народу, її гострий соціально - політичний сенс. У літературних творах з'являються образи мужиків - праведників, бунтарів та альтруїстів-філософів. Твори І.С.Тургенєва, Н.А.Некрасова, Л.М.Толстого, Ф.М.Достоєвськоговідрізняються різноманіттям жанрів та форм, стилістичним багатством. Відзначається особлива роль роману в літературному процесі як явища в історії світової культури, у художньому розвитку людства. "Діалектика душі" стала важливим відкриттям російської літератури цього періоду. Поряд з появою "великого роману" в російській літературі з'являються малі оповідальні форми великих російських письменників (дивіться, будь ласка, програму з літератури). Хочеться також відзначити драматичні твори О.Н.Островськогоі А.П.Чехова.

У поезії особливо вирізняється висока громадянська позиція Н.А.Некрасова, прониклива лірика Ф.І.Тютчеваі А.А.Фета.

Російське образотворче мистецтво другої половини ХІХ століття.

Гостре почуття громадянськості стало властиво як творам літератури, а й було характерною рисою образотворчого мистецтва пореформеної Росії. Найяскравішим явищем другої половини ХІХ століття стало створення Товариства пересувних художніх виставок та артілей художників. Їхні твори відрізнялися широтою тематики та різноманіттям жанрів: від сатиричних, побудованих за принципом соціального розмаїття, до філософських, поетичних, повних роздумів про долі Батьківщини, що стверджують гідність та красу людини. Передвижники продовжили традиції російських художників середини ХІХ століття П.А.Федотова і А.А.Іванова.

У творчості передвижників велику роль грав побутовий жанр як найбільш доступний широкому глядачеві, як пов'язаний безпосередньо з повсякденним життям. Тема народних страждань знаходить своє місце у мистецтві російського художника В.Г.Перова(,). У його творах оголена правда життя поєднується з проникливою ліричністю, лаконізмом, глибокою узагальненістю образів. В епічному звучанні полотен особливу роль грає пейзаж, що підкреслює настрій героїв полотен Перова.

Важливу роль творчості передвижників грає портрет, який відкриває глядачеві нового героя - різночинця, демократа, духовно багатого, творчого, активного громадського діяча. Серед робіт Перова хочеться відзначити портрети драматурга та письменника, в яких художник проникає у сутність творчої індивідуальності найбільших представників російської літератури.

Життєвою переконливістю, яскравою індивідуальністю, глибиною та влучністю характеристик відрізняються портрети. І.М.Крамського. Він завжди умів охопити характерне, типове в герої, що зображається, бачив значення обстановки, речей, деталей. Цікавими є портрети і, на яких він сфотографував складність духовного життя, глибину характерів.

Вершиною творчості передвижників та початком нового етапу у розвитку російської національної культури є мистецтво майстрів історичного живопису І.Є.Рєпінаі В.І.Сурікова. Свої історичні полотна Суріков пише на сюжети, що дозволяють розкрити потужну силу народу, передати достовірність історичних подій та наблизити минуле до сучасності. Атмосфера складних протиріч та соціальних конфліктів петровського часу відбилася у картині Сурікова, яку художник трактує як народну трагедію.

В іншому історичному полотні () Суріков створює складний суперечливий образ героїні, чий подвиг, сповнений фізичної та моральної краси, пробуджує в народі незламні сили.

Помітним історичним полотном є твір І.Є.Рєпіна, задум якого виник як відгук на подію сучасності - страту першаберезнів, як утвердження ідеї божевілля та злочинності самодержавства як форми правління. Недарма цю картину Рєпіна заарештували і не дозволяли до показу в Третьяковській галереї.

Глибиною характеристик відрізняються портрети, що належать кисті Рєпіна.

Величчю, багатством, ліризмом у картинах рідної природи, пісенністю наповнені пейзажі російських художників другої половини ХІХ століття. В цей час йде становлення реалістичного пейзажу ( А.Саврасов , Ф.А.Васильєв , Н.Н.Шишкін), ліричного та задушевного ( І.І.Левітан,), соціально - філософського (Левітан,).

Російська музика другої половини ХІХ століття.

У російській музиці другої половини ХІХ століття простежуються зв'язки Польщі з демократичним рухом епохи. У Росії виникають два музичні центри. Один з них знаходиться у Петербурзі, інший – у Москві. У Петербурзі виник рух композиторів, який отримав назву "Могутня купка". До неї входило п'ять композиторів, з яких лише один був професійним музикантом. М.А.Балакірєв. Н.А.Римський-Корсаковбув професійним військовим (морським офіцером), А.П.Бородін- професором хімії, який зробив понад 30 відкриттів у цій галузі, М.П.Мусоргський- медичним прапорщиком, а Ц.А.Кюїгенералом-фортифікатором. Душою та натхненником цього музичного гуртка був критик В.Стасов. У творчості ці композитори йшли лінією розвитку інтонації російського знаменного співу, стверджуючи народно - національний характер музики, зверталися до селянської пісні, до музичної культури інших народів.

Гострі соціальні конфлікти 60-70 років ХІХ століття позначилися музиці М.П.Мусоргского. Композитор звертається до історичних подій, сюжетів, що дозволяють розкрити суперечності російського життя, трагедію народу, грізний розмах визвольної боротьби. Звідси ясний сенс висловлювання Мусоргського: "Те, що минуло, - ось моє завдання". Особливо це стосується його опер "Борис Годунов" і "Хованщина", в яких події минулих століть постають перед нами в сучасному аспекті. У опері " Борис Годунов " композитор глибоко проникає в ідейний задум А.С.Пушкина, використавши за поетом легенду про вбивство царевича Димитрія. Основою драматургії опери є різкі контрасти - зіставлення. Трагічно – суперечивши образ Бориса Годунова, чиї монологи відрізняються пісенно – речитативним характером. Народ у трактуванні Мусоргського постає як велика особистість, одухотворена великою ідеєю.

У творчості Н.А.Римського-Корсакова відчувається поезія та самобутня краса російського національного мистецтва. Розум, доброта, художня обдарованість народу, його мрії про свободу, його уявлення про справедливість – головна тема опер Римського Корсакова. Його героям властивий реалізм фантастичних образів, їхня мальовничість. Особливе місце в операх приділяється музичним пейзажам. Мелодичною красою та різноманітністю музичної палітри виконані його казкові образи (Волхови та Морського царя з опери "Садко", Снігуроньки, Леля, Мізгіря із "Снігуроньки", персонажі із "Золотого півника").

Героїчні образи російського народного епосу становлять основу творчості А.П.Бородіна. Опера "Князь Ігор" - епічна поема про Стародавню Русь, у якій на думку В.Стасова, відчувається "велика сила і ширина, монументальна міць, поєднана пристрастю, ніжністю та красою." В опері звучить патріотичний початок, лірика (пісня Ярославни, танець половецьких дівчат), тема Сходу (арія Кончака, Кончаківни).

Інший, московський, центр музичного мистецтва другої половини ХІХ століття представлений творами П.І.Чайковського, який у своїй творчості розвивав інтонації міського романсу, продовжуючи традиції М.І.Глінки та В.А.Моцарта. Спадщина П.І.Чайковського відрізняється багатством музичних жанрів: Балети "Лебедине озеро", "Лускунчик", "Спляча красуня", опери "Іоланта", "Євгеній Онєгін", шість симфоній, вальси та романси, фортепіанні твори.

Двома вершинами творчості Чайковського є опера "Пікова дама" та "Шоста симфонія". У музичній трагедії "Пікова дама" простежується зв'язок із громадським рухом Росії другої половини XIX століття, тема злочину та покарання. Композитор вносить зміну сюжет і психологічні характеристики героїв. У Пушкіна "Герман" – прізвище, у Чайковського – ім'я. Музична драматургія опери, що відрізняється стрункістю та динамічності, побудована на принципі конфліктного розвитку. Тема трьох карт - тема грошей - входить у конфлікт із лейтмотивом долі Германа та темою кохання. Ці теми перебувають у контрастному розвитку, боротьбі та взаємопроникненні, які розкривають еволюцію внутрішнього світу героя.

Філософська проблема сенсу життя – основна тема Шостої "Патетичної" симфонії Чайковського. У ній звучить конфлікт людини з навколишньою дійсністю, його прагнення світла, до радості, любов до життя і неминучість самовідданої боротьби за їхнє торжество. Контрастні теми виконані трагічним звучанням та високим гуманізмом, вірою композитора у духовні сили особистості.

Для того, щоб Ви правильно сприйняли твори цього часу (другої половини ХІХ століття), варто згадати завдання мистецтва даного періоду. Найважливішою подією, що змінила розвиток живопису, був винахід у 1839 році фотографії. Основне завдання образотворчого мистецтва, яке може бути сформульоване як "я пишу, що бачу", зазнала змін. Імпресіоністи порушили питання по-іншому: "я пишу не що бачу, а як відчуваю". Поява нової техніки у живопису (роздільного мазка) призвела до зміни засобів художньої виразності. Глядач є співавтором витвору мистецтва. Для цього необхідно знайти таку відстань при сприйнятті картин імпресіоністів, щоб фарби змішувалися в оці глядача, перетворюючись на художній образ. Хочеться, щоб ви подивилися картини імпресіоністів у музеї, де відчули б усю їхню чарівність.

Особлива скрута викличе у Вас спілкування з творами постімпресіоністів, які, використовуючи відкриття імпресіоністів (наприклад, у галузі "чистих тонів") вирішили завдання мистецтва в такий спосіб: "я пишу не те, що бачу і не те, що відчуваю, а те, що знаю про ці предмети". Вперше історія живопису з'являється образ не так на рівні очей, але в рівні мозку. Це було особливе сприйняття світу з далекосяжними наслідками. Чотири постімпресіоністи (Тулуз-Лотрек, Сезанн, Гоген і Ван Гог) стали основоположниками багатьох провідних напрямів ХХ століття.

Відзначити, що російське мистецтво другої половини XIX століття розвивалося у протистоянні та одночасно взаємодії двох провідних напрямів: реалістичного та академічного. Різне розуміння завдань мистецтва, самого поняття «краси» визначило і відмінність художніх методів майстрів цих напрямів, надаючи художнього життя Росії напруженість та різноманітність.

Зал Академії другої половини XIX століття

Академічний живопис у другій половині XIX століття в особі найталановитіших своїх представників був хранителькою заповітів майстерності, традицій класичного мистецтва минулого.

Одним із найпопулярніших в академічному живописі цього періоду стає стиль «неогрек». У монументальних полотнах художників світ античності постає у вигляді багатофігурних ефектних видовищ, кривавих драм та камерних ідилічних за духом сцен.

У великій, повній драматичній експресії картині К. Д. Флавицькогона сюжет з історії Риму періоду християнських гонінь «Християнські мученики в Колізеї» (1862) очевидно вплив К. П. Брюллова – кумира академічної молоді середини XIX ст.

Найзнаменитіший твір Г. І. Семирадського«Фріна на святі Посейдона в Елевсіні» (1889) є своєрідною історико-археологічною реконструкцією сцени з античного життя, представленою на тлі чудово написаного пейзажу, що передає соковиту красу середземноморської природи.

В античному жанрі реалізував свої творчі задуми та В. С. Смирнов.У композиції картини «Смерть Нерона» (1888), у її звучному експресивно-декоративному кольоровому рішенні відбилася як властива художнику мальовнича майстерність, а й уроки сучасного європейського мистецтва.

Необхідно підкреслити, що, при всій ефектній виразності творів академічної школи з традиційними мотивами з античної та біблійної історії, чільне місце в художньому процесі цього часу поступово займає реалістичний напрямок, художники якого виражали інтереси та ідейні устремління російського суспільства на новий період розвитку.

Зала В. Г. Перова

Звернути увагу глядачів на різку зміну героя та естетичних уподобань художників-реалістів порівняно з творами попередньої зали. Не релігійні та міфологічні сюжети, як в академічних композиціях, але навколишня дійсність, повсякденне життя різних верств населення (здебільшого – бідних людей) перебувають тепер у центрі уваги художників нового реалістичного спрямування.

Справжньою душею критичного спрямування, що народжується, в живопису був В. Г. Перов, що продовжив традиції П. А. Федотова, і зумів з викривальним пафосом показати багато сторін простого буденного життя. Картина «Паризькі ганчірки»(1864) входить у цикл паризьких робіт художника, які розкривають тему бідності та самотності. Разом із полотнами «Дівчинка зі глечиком» (1869), «Діти-сироти на цвинтарі»(1864 (?)) у російську живопис вривається тема дитинства безрадісного, гіркого, страшного, такого, яке виплеснеться на сторінки російської літератури у дитячих образах Некрасова і Достоєвського.

Представлений в експозиції портрет І.С. Тургенєва(1872) відноситься до кращих портретних робіт Перова, виконаних на рубежі 60-70-х років.

Відзначити, що В. Г. Перов - один з організаторів Товариства пересувних художніх виставок, що виникло в 1870 році, об'єднало московських і петербурзьких художників-реалістів.

Зали І. М. Крамського та К. Є. Маковського

Використовуючи комплексний показ, пропонується зіставити творчість І. М. Крамського та К. Є. Маковського як найбільш яскравих представників реалістичного та академічного напрямів у мистецтві другої половини XIX століття.

І. Н.Крамський- Видатна постать у культурному житті Росії 1860 - 1880-х років. Організатор Петербурзької художньої артілі, одне із творців Товариства пересувних художніх виставок, тонкий художній критик, пристрасно зацікавлений у долях російського мистецтва, він був ідеологом цілого покоління художників-реалістів.

Працюючи в різних жанрах, Крамський найбільших успіхів досяг у портретній творчості. У своїх полотнах він зобразив багатьох діячів російської культури. У залі представлені портрети художників І. І. Шишкіна (1880), Ст Р. Перова (1881), філософа В. С. Соловйова (1885). У портреті Міни Мойсеєва, створеному в 1882 як етюд до картини «Селянин з вуздечкою», Крамський психологічно тонко розробив образ «людини з народу». Поетично виразний портрет Соні Крамської, дочки художника (1882).

Якщо на прапорі художника-реаліста Івана Крамського було написано слово "правда", то на прапорі Костянтина Маковського, що належить до протилежного табору салонно-академічного мистецтва, - слово "краса".

Блискуче передаючи обстановку, вбрання, дорогі тканини та хутра, К. Є. Маковськийнамагався уявити портретованих у виграшному світлі, дотримуючись у своїй точну подібність, але з вникаючи у психологічні характеристики моделей. За словами І. М. Крамського, у цих портретах " кольори підібрані, як букет " . Такі відомі портрети дружини художника, Юлії (1881) та його маленьких дітей – Сергія, майбутнього художнього критика, поета, видавця журналу «Аполлон», та Олени, яка згодом стала скульптором та художником.

Історичний живопис Маковського представлений в експозиції картиною, створеною під враженням від подорожі до Єгипту, "Повернення священного килима з Мекки до Каїра" (1876).

У роки XIX століття розширюється жанровий репертуар живопису реалістичного напрями: поруч із побутової картиною, розвиваються портрет і пейзаж, відроджується інтерес до історичних сюжетів.

Зал Н. Н. Ге

Н. Н. Ге як своєрідний живописець другої половини ХІХ століття. Прагнення художника до філософського осмислення життя, до постановки у своїх творах важливих морально-етичних проблем, що хвилювали російське суспільство. Часте звернення Ге до євангельських сюжетів та нове їхнє тлумачення.

"Таємна вечеря"- одне із значних створінь митця. Розповісти коротко про сюжет картини. Пояснити незвичайність його трактування як історичної драми, основою змісту якої є моральний конфлікт, зіткнення двох протилежних світоглядів (Христос та Юда).

Аналізуючи картину, необхідно показати, як розкривається її ідея в образному ладі твору:

виявлення в композиції двох протилежних сил (освітленої постаті Христа та похмурої – Юди);

психологія образів (розкриття глибоких переживань Христа, Івана, Павла);

виразність образотворчих засобів (відзначити, як за допомогою передачі конкретності обстановки, контрастів кольору та освітлення досягається відчуття напруженості, значущості та реальності великої людської драми).

Комплексно показати портрети.

Портрети, що належать кисті Ге відрізняються простотою, правдивістю, строгістю колірних і композиційних рішень, прагненням передати багатство і складність духовного життя людини, на них, за словами Олександра Бенуа, «відбивається шляхетна душа їх автора».

Зал І. І. Шишкіна

І. І. Шишкін, чия творчість представлена в Російському музеї дуже широко, - не тільки один з найбільших, але й чи не найпопулярніший серед російських пейзажистів другої половини ХІХ століття. Шишкін знав російську природу “вченим чином” і любив її з усією силою своєї могутньої натури. Його роботи стали уособленням торжества національної теми та форми у російському мистецтві.

Комплексно показати пейзажі, представлені в залі, наголосивши на написаній незадовго до смерті художника картині «Корабельний гай» (1898).

Наголосити такі характерні риси, властиві роботам І. І. Шишкіна:

вміння бачити у найпростіших мотивах красу рідної природи;

об'єктивність у передачі її зовнішності;

поєднання конкретності спостереження із великим знанням природи, що лежить в основі його творів;

вираз повноти світовідчуття у світлих та радісних пейзажах.

На закінчення сказати про велике кохання і глибоке розуміння Шишкіним рідної природи, що давало йому можливість так повно і об'єктивно її відтворювати.

Зали художників-жанристів

У цих залах представлені переважно твори побутового жанру другої половини ХІХ століття, створені художниками, які становили ядро Товариства пересувних художніх виставок.

Атмосферу пореформеного села, розкладання патріархального побуту показав В. М. Максимову творі "Сімейний розділ" (1876).

Г. Г. М'ясоїдову своєму великому полотні «Кістки»(1887) відкрив можливість більш узагальненого, монументального розв'язання жанрової картини. Автор оспівав радісний бік буття, передав красу селянської праці, його мірний, злагоджений, майже музичний ритм.

"Ходіння в народ", мітинги, терористичні акти для багатьох політичних діячів 1860 - 1870-х років закінчувалися в'язницями, засланнями, загибеллю. Невипадково популярний тоді у демократичному мистецтві образ революціонера знайшов свій відбиток у картині В. Є. Маковського «Засуджений» (1879).

Створені К. А. Савицькимбагатофігурні картини «Зустріч ікони»(1878) та «На війну»(1880-88) - з'явилися відгуком художника на події, пов'язані з російсько-турецькою війною, що почалася в 1877 р. Головна тема цих полотен – долі селянства. Невипадково Савицького назвуть пізніше «Некрасовим у живопису», «сумником горя народного».

Важливо, що побутова картина 1870 – 1880-х років. значно відрізняється від жанру середини століття:

укрупнення формату виражає тенденцію до ширшого панорамного розгортання життєвої картини;

збагачується тематика: від викриття приватних проявів соціального зла та пороків людської натури мистецтво переходить до оспівування краси народного побуту, акцентуючи моральну гідність російської людини.

У 80-ті роки XIX століття на сцену російського мистецтва виходять художники нового покоління, які мали збагатити російське реалістичне мистецтво новими рисами.

Зал В. Д. Полєнова

У. Д. Поленов – творець жанрового пейзажу. Саме у пейзажах цього майстра ми вперше стикаємося з атмосферою ліричного смутку за патріархальним садибним побутом, що йде в небуття. («Московський дворик», «Зарослий став»).

Основа творчої спадщини В. Д. Полєнова - історичні композиції на євангельські сюжети.

Центральний твір євангельського циклу – "Христос і грішниця" (1888).

Художник продовжує традицію постановки етичних проблем в історичній картині, але зосереджується не так на психологічному протиставленні героїв, як на достовірній реконструкції сцени історичного побуту, наголошує на предметах обстановки дії, костюмах, архітектурі та пейзажному оточенні.

Варто зазначити, що саме Поленов першим із російських живописців почав експонувати на виставках етюди, перетворивши таким чином допоміжний ескіз до картини на самостійний мальовничий твір. («Ерехтейон. Портік каріатид»).

Вищу точку розвитку російського реалізму другої половини ХІХ століття знаменує творчий спадок І. Є. Рєпіна.

Перший зал І. Є. Рєпіна

Коротка характеристика творчості І. Є. Рєпіна як видатного художника-реаліста. Жанрова різноманітність його творчості (історичний живопис, жанровий, портретний). Зазначити, що у ГРМ велика та цікава колекція творів художника.

У першій репинській залі, не даючи детального аналізу робіт, показати дипломну роботу художника «Воскресіння дочки Яїра», кілька ранніх портретів, назвавши деякі з них (на вибір екскурсовода), і виділити як основний твір цього часу картину "Бурлаки на Волзі".

Великий інтерес Рєпіна до народної теми та її втілення у різних жанрах (побутова картина, історична композиція).

Друга зала І. Є. Рєпіна

«Запорожці, які пишуть лист турецькому султану»- одне з великих створінь Рєпіна – історичного живописця.

Короткі відомості про роботу Рєпіна над картиною.

Аналізуючи «Запорожців» слід показати, як розкривається ідея картини (прославлення сили та мужності вільного народу) у загальному оптимістичному звучанні твору, його образному ладі:

у композиції (відповідність принципу її побудови патріотичної ідеї твору);

у колірному рішенні (майже локальна звучність кольору народжує відчуття завзяття та запалу козацької вольниці);

у яскравих колоритних образах героїв (звернути увагу на майстерню розробку художником їхньої індивідуальної характеристики).

Твердження позитивного образу сучасника в роботах Рєпіна-портретиста. Показати портрети видатних діячів науки і культури, що знаходяться в залі (портрети В. В. Стасова, А. К. Глазунова, А. І. Куїнджі та ін.).

Зал А. І. Куїнджі.

Твори А. І. Куїнджіпоказати комплексно.

Своєрідність творчої діяльності Куїнджі. Великий інтерес художника до яскравих, ефектних сторін навколишнього світу, підкреслити переважне звернення художника до картин південної природи.

Особливості творчих пошуків Куїнджі розглянути на одній із великих його робіт «Місячна ніч на Дніпрі»,відзначивши:

великий емоційний вплив пейзажу, його поетичність;

любов до яскравого кольорового строю;

узагальнене трактування кольору, що надає пейзажу рис декоративності;

роль світла у пейзажах художника;

пошуки виразної узагальненої форми.

Розвиток російської школи пейзажу другої половини ХІХ століття завершується творчістю І. І. Левітана.

Зала І. І. Левітана

І. І. Левітан- один із найвідоміших пейзажистів в історії російського мистецтва. У ГРМ знаходиться невелика, але дуже цікава колекція його пізніх творів, виконаних у різній техніці (олійний живопис, пастель).

Вказавши на картину «Сутінки, місяць», пастели «Похмурий день», «Пізня осінь», «Луг на узліссі», підкреслити глибину ліричного переживання художником природи, уміння через її образ передати глибину духовного світу людини. Сила емоційного впливу пейзажу.

Картина "Озеро".Задум останнього великого твору Левітана (створення узагальненого образу рідної природи: «Русь» – первісна назва картини).

Короткий опис краєвиду. Наголосити на національному характері відтвореного художником мотиву. Особливості його просторової побудови. Майстерність Левітана в передачі трепетності живої природи (прозорість повітря, рух потоків сонячного світла, зворушена легким вітром синя поверхня озера з хмарами, що відображаються в ній і т. д.). Звернути увагу на те, як узагальненим трактуванням форми та звучністю кольору художник досягає виразу епічної величності пейзажу, його мажорного настрою.

Наприкінці сказати про великий внесок Левітана у розвиток пейзажного живопису.

Третя зала І. Є. Рєпіна

Продовжуючи розмову про творчість І. Є. Рєпіна, виділити картину «Урочисте засідання Державної ради» як одне з найзначніших здобутків пізньої творчості художника.

«Урочисте засідання Державної Ради у день її 100-річноїювілею 7 травня 1901 року»- Парадний груповий портрет. Повідомити, що у залі експонується як названий твір, так і частина підготовчих матеріалів до нього.

Підготовчий період - робота Рєпіна над ескізом (показати його) та етюдами.

Етюди до картини - одне з найяскравіших досягнень Рєпіна-живописця та психолога. Показати кілька етюдів (Побєдоносцева, Вітте, Ігнатьєва та ін.). Звернути увагу до гостроту психологічної характеристики героїв.

Майстерність живописного виконання етюдів. Наголосити на вільній, енергійній манері листа, емоційній виразності кольору.

Особливості художнього виконання картини:

своєрідність композиції (основа її - форма овалу; природне розташування у композиції великої кількості учасників засідання, суворість її загальної побудови);

побудова перспективи у картині з кількох точок зору (зближення планів, роль масштабного зіставлення постатей);

відповідність колористичного устрою картини її змісту (побудова колориту на переважному поєднанні червоного, білого, темно-зеленого, що створює враження особливої урочистості);

картина Рєпіна та її місце в історії російського портрета кінця XIX – початку XX ст. Відродження художником жанру групового портрета.

Зали В. І. Сурікова

Колекція творів В. І. Сурікова- Одна з найцінніших у зборах Російського музею.

Коротка характеристика творчості В. І. Сурікова (цікавість художника до історичних подій минулого Росії; теми, що найбільше залучали Сурікова, -

складання російської державності, поворотні моменти історії, героїчні звершення народу). Розуміння Сурікова історії як боротьби народних мас (головний герой суріковських картин - народ).

Назвати всі великі роботи художника, які є у зборах музею.

У ГРМ знаходяться твори 1890-1900-х р.р., тоді як у ГТГ – ранні твори майстра.

Детальніше зупинитися на картині «Підкорення Сибіру Єрмаком».

Повідомити коротку інформацію про відтворену подію. "Дві стихії зустрічаються" - так визначить Суріков основний задум картини-епопеї "Підкорення Сибіру Єрмаком" (1895), створенням якої він немов затвердив свій зв'язок з Сибіром, з козацтвом.

Велика сила емоційної дії масштабної історичної картини.

У короткому аналізі картини слід звернути увагу, як її трагічне зміст розкривається:

в композиції (протиставлення двох протиборчих сил - невеликого загону козаків, даних крупним планом, і величезного війська Кучума; основа композиції - рух, воно походить від жесту руки Єрмака, підкоряючись якому всі прагнуть в бурном натиску зліва направо; підкреслена скупченість людей посилено людей; битви);

в мальовничому ладі (А. Н. Бенуа: «У цій щемливій по меланхолії мозаїці бурих, жовтих, чорнуватих фарб дзвенить весь жах, весь підйом грандіозної сцени.» - В. Нікольський. Суріков. М., Гос. изд-во, 1925 .С. 20);

у характеристиці учасників битви (спокійні у своїй мужності воїни Єрмака і шалені у своїй завзятості та сум'ятті вороги);

об'єктивна оцінка художником події російської історії

У висновку відзначити, що «Підкорення Сибіру Єрмаком» так само, як і дві попередні роботи художника («Ранок стрілецької страти» і «Бояриня Морозова»), належать до найбільших суріковських картин-епопей.

Розповідь про творчість Сурікова доповнити коротким повідомленням про інші його роботи у ГРМ.

Жанрова картина «Взяття снігового містечка»(1891) написана художником на батьківщині в Красноярську, відкриває новий період у його творчості, пов'язаний із створенням трьох монументальних полотен на сюжети героїчної історії Росії.

Картина "Перехід Суворова через Альпи" (1899)присвячена легендарній події 1799 року. «Головне у картині, - говорив Суриков, - рух, Хоробрість беззавітна, - покірні слову полководця, йдуть…». В останньому великому полотні

«Степан Разін» (1907)відчуваються тенденції нового російського мальовничого реалізму – безподійність, поетизація історії, надзвичайна активність пейзажу та пошуки монументальних форм вираження.

У залах присвячених творчості Сурікова, окрім історичних полотен та підготовчих робіт до них, можна побачити і ранні академічні композиції, і чудові портрети пізнього періоду. "Портрет невідомої на жовтому фоні", "Сибірячка"- Втілення улюбленого Сурікова типу жіночої, виконаної гармонії краси. "Автопортрет" 1915 року – останнє зі створених художником чотирнадцяти своїх зображень.

Короткий висновок оглядової екскурсії.

Завершуючи екскурсію необхідно сказати про своєрідність та самобутність російського мистецтва; про багатство та різноманітність представлених в експозиції творів, що створювалися протягом майже тисячоліття тощо.

Якщо у ГРМ є тимчасові виставки, запропонувати екскурсантам оглянути їх самостійно.