Мистецтво епохи відродження найвищою мірою. Особливості мистецтва епохи відродження
Епоха Відродження чи Ренесанс подарувала нам величезну кількість великих творів мистецтва. То справді був сприятливий період у розвиток творчості. З Ренесансом пов'язані імена багатьох великих художників. Ботічеллі, Мікеланджело, Рафаель, Леонардо Да Вінчі, Джотто, Тіціан, Корреджо – це лише мала частина імен творців того часу.
З цим періодом пов'язано виникнення нових стилів та живопису. Підхід до зображення людського тіла став практично науковим. Художники прагнуть реальності - вони опрацьовують кожну деталь. Люди та події на картинах того часу виглядають вкрай реалістично.
Історики виділяють кілька періодів у розвитку живопису за доби Відродження.
Готика – 1200-і роки. Популярний стиль у дворі. Відрізнявся помпезністю, химерністю, зайвою барвистістю. Як фарби застосовувалася. Картини являли собою тематика яких - вівтарні сюжети. Найвідоміші представники цього напряму – італійські художники Вітторе Карпаччо, Сандро Ботічеллі.
Сандро Ботічеллі
Проторенесанс - 1300-ті роки. Саме тоді відбувається перебудова вдач у живопису. Релігійна тематика відходить на задній план, а світська набуває все більшої популярності. Картина займає місце ікон. Людей зображують реалістичніше, для художників стають важливими міміка, жести. З'являється новий жанр образотворчого мистецтва. Представниками цього часу є Джотто, Пьєтро Лоренцетті, П'єтро Кавалліні.
Раніше Відродження – 1400-і роки. Розквіт нерелігійного живопису. Навіть лики на іконах стають більш живими - вони набувають людських рис обличчя. Художники більш ранніх періодів намагалися малювати пейзажі, але вони були лише доповненням, фоном до основного зображення. У період раннього відродження стає самостійним жанром. Продовжує розвиватись і портрет. Вчені відкривають закон лінійної перспективи, на цій основі будують свої картини та художники. На їх полотнах можна побачити правильний тривимірний простір. Яскраві представники цього періоду Мазаччо, П'єро Делла Франческо, Джованні Белліні, Андреа Мантенья.
Високе Відродження - Золотий Вік. Кругозір митців стає ще ширшим - їхні інтереси простягаються в простір Космосу, вони розглядають людину, як центр світобудови.
У цей час з'являються «титани» Відродження – Леонардо Да Вінчі, Мікеланджело, Тіціан, Рафаель Санті та інші. Це люди, інтереси яких не обмежувалися живописом. Їхні пізнання сягали набагато далі. Найяскравішим представником був Леонардо Да Вінчі, який був не лише великим живописцем, а й вченим, скульптором, драматургом. Він створив фантастичні техніки в живописі, наприклад, «смуффато» - ілюзію серпанку, яка використовувалася при створенні знаменитої «Джоконди».
Леонардо Да Вінчі
Пізніше Відродження- Згасання епохи Ренесансу (середина 1500-х кінець 1600-х). Цей час пов'язаний із змінами, релігійною кризою. Розквіт закінчується, лінії на полотнах стають нервовішими, йде індивідуалізм. Образом картин все частіше стає юрба. Талановиті роботи належать перу Паоло Веронезе, Якопо Тіноретто.
Паоло Веронезе
Італія подарувала світу найталановитіших художників епохи Відродження, про них в історії живопису зустрічається найбільше згадок. Тим часом в інших країнах у цей період живопис також розвивався, і вплинув на розвиток цього мистецтва. Живопис інших країн цей період називають Північним Відродженням.
Подробиці Категорія: Образотворче мистецтво та архітектура епохи Відродження (Ренесанс) Розміщено 19.12.2016 16:20 Переглядів: 6770Епоха Відродження – час культурного розквіту, час розквіту всіх мистецтв, але найбільше повно виразив дух свого часу було образотворче мистецтво.
Епоха Відродження, або Ренесанс(Фр. «Наново» + «Народжений») мала світове значення в історії культури Європи. Відродження прийшло зміну Середнім століттям і передувало епосі Просвітництва.
Головні риси епохи Відродження- Світський характер культури, гуманізм та антропоцентризм (цікавість до людини та її діяльності). У період епохи Відродження розквітає інтерес до античної культури і відбувається як би її відродження.
Відродження виникло Італії – його перші ознаки з'явилися ще XIII-XIV ст. (Тоні Парамоні, Пізано, Джотто, Оркання та ін). Але твердо воно встановилося з 20-х років XV ст., а до кінця XV ст. досягло свого найвищого розквіту.
В інших країнах відродження почалося значно пізніше. У XVI ст. починається криза ідей Відродження, наслідок цієї кризи – виникнення маньєризму та бароко.
Періоди доби Відродження
Епоху Відродження ділять на 4 періоди:
1. Проторенесанс (2-я половина XIII ст.-XIV ст.)
2. Раннє Відродження (початок XV-кінець XV ст.)
3. Високе Відродження (кінець XV-перші 20 років XVI ст.)
4. Пізнє Відродження (середина XVI-90-ті роки XVI ст.)
У становленні Відродження свою роль зіграло падіння Візантійської імперії. Візантійці, що перебралися до Європи, привезли з собою свої бібліотеки та твори мистецтва, не відомі середньовічній Європі. У Візантії ніколи не поривали і з античною культурою.
Поява гуманізму(суспільно-філософського руху, яке розглядало людину як найвищу цінність) було пов'язано з відсутністю в італійських містах-республіках феодальних відносин.
У містах стали виникати світські центри науки та мистецтва, які не контролювала церква. діяльність яких перебувала поза контролем церкви. У XV в. було винайдено друкарство, яке відіграло важливу роль у поширенні нових поглядів у всій Європі.
Короткі характеристики періодів Відродження
Проторенесанс
Проторенесанс є предтечею Відродження. Він ще тісно пов'язаний із середньовіччям, з візантійськими, романськими та готичними традиціями. Він пов'язаний з іменами Джотто, Арнольфо ді Камбіо, братами Пізано, Андреа Пізано.
Андреа Пізано. Барельєф "Створення Адама". Опера-дель-Дуомо (Флоренція)
Живопис Проторенесанса представлений двома художніми школами: Флоренції (Чімабуе, Джотто) та Сієни (Дуччо, Сімоне Мартіні). Центральною фігурою живопису був Джотто. Його вважали реформатором живопису: він наповнив релігійні форми світським змістом, здійснив поступовий перехід від площинних зображень до об'ємних та рельєфних, звернувся до реалістичності, ввів у живописі пластичний обсяг фігур, зобразив у живописі інтер'єр.
Раннє Відродження
Це період із 1420 по 1500 гг. Художники Раннього Відродження Італії черпали мотиви із життя, наповнювали традиційні релігійні сюжети земним змістом. У скульптурі це були Л. Гіберті, Донателло, Якопо делла Кверча, сім'я делла Роббіа, А. Росселліно, Дезідеріо і Сеттіньяно, Б. і Майано, А. Верроккьо. У їх творчості починають розвиватися статуя, що вільно стоїть, мальовничий рельєф, портретний бюст, кінний монумент.
В італійському живописі XV ст. (Мазаччо, Філіппо Ліппі, А. дель Кастаньо, П. Уччеллo, Фра Анджеліко, Д. Гірландайо, А. Поллайоло, Верроккьо, П'єро делла Франческа, А. Мантенья, П. Перуджино та ін.) характерні відчуття гармонійної впорядкованості світу, до етичних та громадянських ідеалів гуманізму, радісне сприйняття краси та різноманіття реального світу.
Родоначальником ренесансної архітектури Італії став Філіппо Брунеллескі (1377-1446) – архітектор, скульптор та вчений, один із творців наукової теорії перспективи.
Особливе місце в історії італійської архітектури займає Леон Баттіста Альберті (1404-1472). Цей італійський учений, архітектор, письменник і музикант епохи Раннього Відродження здобув освіту в Падуї, вивчав право у Болоньї, надалі жив у Флоренції та Римі. Створив теоретичні трактати "Про статую" (1435), "Про живопис" (1435-1436), "Про архітектуру" (опублікований в 1485). Виступав на захист "народної" (італійської) мови як літературної, в етичному трактаті "Про сім'ю" (1737-1441) розробляв ідеал гармонійно розвиненої особистості. В архітектурній творчості Альберті тяжів до сміливих експериментальних рішень. Він був одним із зачинателів нової європейської архітектури.
Палаццо Ручеллаї
Леон Баттіста Альберті розробив новий тип палаццо з фасадом, на всю висоту обробленим рустом та розчленованим трьома ярусами пілястр, які виглядають конструктивною основою будівлі (палаццо Ручеллаї у Флоренції, побудований Б. Росселліно за планами Альберті).
Навпаки Палаццо стоїть Лоджія Ручеллаї, де проводилися прийоми та банкети для торгових партнерів, святкували весілля.
Лоджія Ручеллаї
Високе Відродження
Це час найпишнішого розвитку стилю Відродження. В Італії воно тривало приблизно з 1500 по 1527 р. Тепер центр італійського мистецтва з Флоренції переміщається до Риму, завдяки вступу на папський престол Юлія II, людину честолюбну, сміливу, заповзятливу, яка привернула до свого двору кращих художників Італії.
Рафаель Санті "Портрет папи Юлія II"
У Римі будується безліч монументальних будівель, створюються чудові скульптури, пишуться фрески та картини, які досі вважаються шедеврами живопису. Античність, як і раніше, цінується високо і ретельно вивчається. Але наслідування стародавнім не заглушає самостійність художників.
Вершина Ренесансу – творчість Леонардо да Вінчі (1452-1519), Мікеланджело Буонарроті (1475-1564) та Рафаеля Санті (1483-1520).
Пізніше Відродження
В Італії це період із 1530-х по 1590-1620-ті роки. Мистецтво та культура цього часу дуже різноманітні. Дехто вважає (наприклад, британські вчені), що «Відродження як цілісний історичний період закінчилося з падінням Риму в 1527». Мистецтво пізнього Відродження є дуже складною картиною боротьби різних течій. Багато художників не прагнули вивчати природу та її закони, а лише зовні намагалися засвоїти «манеру» великих майстрів: Леонардо, Рафаеля та Мікельанджело. З цього приводу старий Мікеланджело сказав якось, дивлячись, як художники копіюють його "Страшний суд": "Багато хто це моє мистецтво зробить дурнями".
У Південній Європі перемогла Контрреформація, яка не вітала будь-яке вільнодумство, включаючи оспівування людського тіла та воскресіння ідеалів античності.
Відомими художниками цього періоду були Джорджоне (1477/1478-1510), Паоло Веронезе (1528-1588), Караваджо (1571-1610) та ін. Караваджовважається засновником стилю бароко.
Живопис епохи Відродження становить золотий фонд як європейського, а й світового мистецтва. Період Ренесансу прийшов на зміну темному Середньовіччю, підпорядкованому до мозку кісток церковним канонам, і передував подальшому Просвіті та Новому часу.
Обчислювати тривалість періоду залежить від країни. Епоха культурного розквіту, як її прийнято називати, почалася в Італії в XIV ст., а вже потім поширилася по всій Європі і досягла свого апогею до кінця XV ст. Історики ділять цей період у мистецтві на чотири етапи: Проторенесан, раннє, високе та пізнє Відродження. Особливу цінність та інтерес представляє, безумовно, італійський живопис епохи Відродження, проте не варто зважати і на французьких, німецьких, нідерландських майстрів. Саме про них у контексті часових періодів Ренесансу далі й йтиметься у статті.
Проторенесанс
Період Проторенесансу тривав із другої половини XIII ст. по XIV ст. Він тісно пов'язаний із Середньовіччям, у пізній етап якого зародився. Проторенесанс є попередником Відродження та поєднує в собі візантійські, романські та готичні традиції. Перш за все віяння нової епохи виявилися у скульптурі, а вже потім у живописі. Остання була представлена двома школами Сієни та Флоренції.
Головною фігурою періоду був художник та архітектор Джотто ді Бондоне. Представник флорентійської школи живопису став реформатором. Він намітив шлях, яким вона далі розвивалася. Особливості живопису епохи Відродження беруть початок саме у цей період. Прийнято вважати, що Джотто вдалося подолати у своїх роботах загальний для Візантії та Італії стиль іконопису. Він зробив простір не двомірним, а тривимірним, використовуючи для створення ілюзії глибини світлотінь. На фото картина "Поцілунок Юди".
Представники флорентійської школи стояли біля витоків епохи Відродження та робили все, щоб вивести живопис із тривалого середньовічного застою.
Період Проторенессанс розділився на дві частини: до і після його смерті. До 1337 працюють найяскравіші майстри і відбуваються найважливіші відкриття. Після Італію накриває епідемія чуми.
Живопис епохи Відродження: коротко про ранній період
Раннє Відродження охоплює період тривалістю 80 років: з 1420 по 1500 р. У цей час воно ще не остаточно відходить від минулих традицій і, як і раніше, пов'язане з мистецтвом Середньовіччя. Проте вже відчувається подих нових тенденцій, майстри починають частіше звертатися до елементів класичної давнини. Зрештою, художники повністю кидають середньовічний стиль і починають сміливо користуватися кращими зразками античної культури. Зазначимо, що процес йшов досить повільно, крок за кроком.
Яскраві представники раннього Відродження
Творчість італійського художника П'єро Франческа справи повністю належить до періоду раннього Відродження. Його твори відрізняє шляхетність, велична краса та гармонія, точність перспективи, м'яка кольорова гама, наповнена світлом. В останні роки життя крім живопису він поглиблено вивчав математику і навіть написав два власні трактати. Його учнем був ще один відомий живописець, Луки Синьореллі, а стиль позначився роботах багатьох умбрійських майстрів. На фото вище фрагмент фрески у церкві Сан Франческо в Ареццо "Історія цариці Савської".
Доменіко Гірландайо – це ще один яскравий представник флорентійської школи живопису доби Відродження раннього періоду. Він був засновником відомої художньої династії та головою майстерні, де починав юний Мікеланджело. Гірландайо був знаменитим і успішним майстром, який займався не тільки фресковими розписами (капелла Торнабуоні, Сікстинська), а й верстатним живописом («Поклоніння волхвів», «Різдво», «Старий з онуком», «Портрет Джованни Торнабуоні» – на фото нижче).
Високе Відродження
Цей період, у який відбувся пишний розвиток стилю, припадає на 1500-1527 рр. У цей час відбувається переміщення центру італійського мистецтва до Риму з Флоренції. Пов'язано це зі сходженням на папський престол честолюбного, заповзятливого Юлія II, який залучив до свого двору найкращих художників Італії. Рим став чимось на зразок Афін за часів Перікла і переживав неймовірний підйом та будівельний бум. При цьому спостерігається гармонія між галузями мистецтва: скульптура, архітектура та живопис. Епоха Відродження об'єднала їх. Вони ніби йдуть пліч-о-пліч, доповнюючи один одного і взаємодіючи.
Античність вивчається в період Високого Відродження більш ґрунтовно та відтворюється з максимальною точністю, строгістю та послідовністю. Гідність та спокій замінюють кокетливу красу, а середньовічні традиції забуваються зовсім. Вершину Ренесансу знаменує творчість трьох найбільших італійських майстрів: Рафаель Санті (картина «Донна Велата» на зображенні вище), Мікеланджело та Леонардо да Вінчі («Мона Ліза» – на першому фото).
Пізніше Відродження
Пізніше Відродження охоплює Італії період із 1530-х по 1590-1620-ті роки. Мистецтвознавці та історики зводять твори цього часу до спільного знаменника з великою часткою умовності. Південна Європа перебувала під впливом захопленої в ній Контрреформації, яка з великою побоюванням сприймала всяке вільнодумство, в тому числі і відродження ідеалів античності.
У Флоренції спостерігалося домінування маньєризму, що характеризується надуманістю кольорів та зламаними лініями. Втім, до Парми, де працював Корреджо, він дістався тільки після смерті майстра. Свій шлях розвитку мала венеціанська живопис доби Відродження пізнього періоду. Палладіо і Тіціан, які працювали там до 1570-х років, є його найяскравішими представниками. Їхня творчість не мала нічого спільного з новими віяннями в Римі та Флоренції.
Північне Відродження
Цей термін використовується для характеристики епохи Відродження в усій Європі, яка перебувала за межами Італії загалом і зокрема у німецькомовних країнах. Воно має низку особливостей. Північне Відродження був однорідним й у країні характеризувалося специфічними рисами. Мистецтвознавці поділяють його на кілька напрямків: французький, німецький, нідерландський, іспанський, польський, англійський тощо.
Пробудження Європи йшло двома шляхами: розвиток та поширення гуманістичного світського світогляду, та розвиток ідей відновлення релігійних традицій. Обидва вони стикалися, іноді зливалися, але водночас були антагоністами. Італія обрала перший шлях, а Північна Європа – друга.
На мистецтво півночі, в т. ч. живопис, епоха Відродження практично не впливала аж до 1450 р. З 1500 вона поширилася по всьому континенту, проте в деяких місцях вплив пізньої готики зберігся аж до настання бароко.
Північне Відродження характеризується значним впливом готичного стилю, менш пильною увагою до вивчення античності та анатомії людини, деталізованою та ретельною технікою письма. Важливе ідеологічне впливом геть нього справила Реформація.
Французьке Північне Відродження
Найбільш близьким до італійського є французький живопис. Епоха Відродження для культури Франції стала найважливішим етапом. У цей час активно зміцнюється монархія та буржуазні відносини, релігійні ідеї Середньовіччя відходять на другий план, поступаючись місцем гуманістичним тенденціям. Представники: Франсуа Кенель, Жан Фуке (на фото фрагмент "Меленського диптиха" майстра), Жан Клуз, Жан Гужон, Марк Дюваль, Франсуа Клуе.
Німецьке та голландське Північне Відродження
Видатні роботи Північного Відродження створені німецькими та фламандо-голландськими майстрами. Істотну роль цих країнах як і грала релігія, і вона сильно впливала живопис. Епоха Відродження пройшла в Нідерландах та Німеччині іншим шляхом. На відміну від твору італійських майстрів художники цих країн людину не ставили до центру всесвіту. Протягом всього XV в. вони зображали його в стилі готики: легким та безтілесним. Найбільш яскравими представниками голландського Ренесансу є Хуберт ван Ейк, Ян ван Ейк, Роберт Кампен, Гуго ван дер Гус, німецька – Альберт Дюрер, Лукас Кранах старший, Ганс Гольбейн, Маттіас Грюневальд.
На фото автопортер А. Дюрера 1498 р.
Незважаючи на те, що роботи північних майстрів значно відрізняються від творів італійських живописців, вони в будь-якому випадку визнані безцінними експонатами образотворчого мистецтва.
Живописи епохи Відродження, як і всієї культурі загалом, властивий світський характер, гуманізм і так званий антропоцентризм, або, інакше кажучи, першорядний інтерес до людини та її діяльності. У цей час стався справжній розквіт інтересу до античного мистецтва, і відбулося його відродження. Епоха подарувала світу цілу плеяду геніальних скульпторів, архітекторів, письменників, поетів та художників. Ніколи раніше і після культурний розквіт не мав такого масового характеру.
- Високе Відродження.
- Творчість Леонардо да Вінчі, Тіціана, Рафаеля, Мікеланджело.
- Північний Ренесанс: мистецтво Нідерландів та Німеччини.
Високе Відродження
Мистецтво Високого Відродження посідає кінець 15 і перші три десятиліття 16 століття. "Золоте століття" італійського мистецтва хронологічно було дуже коротким, і тільки у Венеції він продовжився довше, аж до середини століття. Але саме в цей час були створені чудові витвори титанів Відродження.
Найвищий підйом культури відбувався найскладніший історичний період життя Італії, за умов різкого економічного та політичного ослаблення італійських країн. Турецькі завоювання на Сході, відкриття Америки та нового морського шляху до Індії позбавляють італійські міста їхньої ролі найважливіших торгових центрів; роз'єднаність і постійна міжусобна ворожнеча роблять їх легкою здобиччю централізованих північно-західних держав, що міцніють. Переміщення всередині країни капіталів з торгівлі та промисловості на землеробство та поступове перетворення буржуазії на стан земельних власників сприяло поширенню феодальної реакції. Вторгнення французьких військ 1494 року, спустошливі війни перших десятиліть 16 століття, розгром Риму надзвичайно послабили Італію. Саме в цей час, коли над країною нависла загроза її повного поневолення іноземними завойовниками, розкриваються сили народу, який вступає у боротьбу за національну незалежність, за республіканську форму правління, зростає його національна самосвідомість. Про це свідчать народні рухи початку 16 століття у багатьох італійських містах, зокрема у Флоренції, де республіканське правління встановлювалося двічі: з 1494 по 1512 рік і з 1527 по 1530 роки. Величезне суспільне піднесення послужило основою розквіту потужної культури Високого Відродження. У складних умовах перших десятиліть 16 століття сформувалися принципи культури та мистецтва нового стилю.
Відмінною особливістю культури Високого Відродження було надзвичайне розширення суспільного кругозору її творців, масштабність уявлень про мир і космос. Змінюється погляд на людину та її ставлення до світу. Сам тип художника, його світогляд, становище у суспільстві рішуче відрізняються від того, яке займали майстри 15 століття, ще багато в чому пов'язані зі станом ремісників. Художники Високого Відродження - як люди величезної культури, але творчі особистості, вільні від рамок цехового устою, що змушують зважати на свої задуми представників правлячих класів.
У центрі їхнього мистецтва, узагальненого з художньої мови, образ ідеально прекрасної людини, досконалої фізично і духовно, не абстрактний від дійсності, але наповнений життям, внутрішньою силою та значущістю, титанічною міццю самоствердження. Найважливішими осередками нового мистецтва поряд із Флоренцією на початку 16 століття стають папський Рим та патриціанська Венеція. З 1530-х років у Середній Італії наростає феодально-католицька реакція, а разом з нею поширюється занепадний напрямок у мистецтві, що отримав назву маньєризму. І вже у другій половині 16 століття виникають тенденції антиманьєристичного мистецтва.
У цей пізній період, коли зберігають свою роль лише окремі осередки ренесансної культури, саме вони дають найбільш значні за художніми достоїнствами твори. Такі пізні витвори Мікеланджело, Палладіо та великих венеціанців.
Творчість Леонардо да Вінчі
Окремі тенденції мистецтва Високого Відродження передбачалися у творчості видатних художників 15 століття і виражалися у прагненні величності, монументалізації та узагальненості образу. Однак справжнім засновником стилю Високого Відродження був Леонардо да Вінчі, геній, творчість якого знаменувала грандіозний якісний зрушення в мистецтві. Значення його всеосяжної діяльності, наукової та художньої, стало зрозумілим лише тоді, коли було досліджено розрізнені рукописи Леонардо. У його нотатках і малюнках - геніальні прозріння в різних галузях науки і техніки. Він був, за словами Енгельса, «як великим художником, і великим математиком, механіком і інженером, якому завдячують важливими відкриттями найрізноманітніші галузі фізики».
Мистецтво для Леонардо було засобом пізнання світу. Багато його замальовок є ілюстрацією наукової праці, і водночас це твори високого мистецтва. Леонардо втілював собою новий тип художника - вченого, мислителя, який вражає широтою поглядів, багатогранністю таланту.
Леонардо народився у селищі Анкіано, неподалік міста Вінчі. Він був позашлюбним сином нотаріуса та простої селянки. Навчався він у Флоренції, у майстерні скульптора та живописця Андреа Верроккьо. Одна з ранніх робіт Леонардо – фігура ангела у картині Верроккьо «Хрещення» (Флоренція, Уффіці) – виділяється серед застиглих персонажів тонкою одухотвореністю і свідчить про зрілість її творця.
До ранніх творів Леонардо належить і що зберігається в Ермітажі «Мадонна з квіткою» (так звана «Мадонна Бенуа», близько 1478), рішуче відрізняється від численних мадонн 15 в. Відмовляючись від жанровості та ретельної деталізації, властивих творам майстрів раннього Відродження, Леонардо поглиблює характеристики, узагальнює форми. Тонко модельовані бічним світлом постаті молодої матері та немовляти заповнюють майже весь простір картини. Природні та пластичні рухи фігур, органічно пов'язаних між собою. Вони чітко виступають на темному тлі стіни. Чисте блакитне небо, що відкривається у вікні, пов'язує фігури з природою, з неосяжним світом, в якому панує людина. У врівноваженому побудові композиції відчувається внутрішня закономірність. Але вона виключає теплоти, наївної краси, спостеріганої в житті.
У 1480 році Леонардо вже мав свою майстерню та отримував замовлення. Однак пристрасне захоплення наукою часто відволікало його від занять мистецтвом. Недописаними залишилися велика вівтарна композиція «Поклоніння волхвів» (Флоренція, Уффіці) та «Святий Ієронім» (Рим, Ватиканська пінакотека). У першій художник прагнув перетворення складної монументальної композиції вівтарного образу в пірамідально побудовану, легко доступну для огляду групу, до передачі глибини людських почуттів. У другій – до правдивого зображення складних ракурсів людського тіла, простору пейзажу.
Не знайшовши належної оцінки свого таланту при дворі Лоренцо Медічі з його культом вишуканої витонченості, Леонардо вступив на службу до міланського герцога Лодовіко Моро. Міланський період творчості Леонардо (1482-1499) виявився плідним. Тут на всю міць розкрилася багатогранність його обдарування як вченого, винахідника та художника.
Свою діяльність він розпочав із виконання скульптурного монумента – кінної статуї батька герцога Лодовіко Моро Франческо Сфорца. Велика модель монумента, що отримала одностайну високу оцінку сучасників, загинула під час взяття Мілана французами 1499 року. Збереглися лише малюнки - нариси різних варіантів пам'ятника, зображення то здибленого, повного динаміки скакуна, то коня, що урочисто виступає, що нагадує композиційні рішення Донателло і Верроккьо. Мабуть, цей останній варіант і був втілений у модель статуї. Вона значно перевершувала за розмірами пам'ятники Гаттамелате та Коллеоні, що дало привід сучасникам і самому Леонардо називати монумент "великим колосом". Цей твір дозволяє вважати Леонардо одним із найбільших скульпторів того часу.
Не дійшло до нас жодного здійсненого архітектурного проекту Леонардо. І все ж таки його малюнки та проекти будівель, задуми створення ідеального міста говорять про його дар видатного архітектора.
До міланського періоду відносяться мальовничі твори зрілого стилю - "Мадонна в гроті" та "Таємна вечеря". Мадонна в гроті (1483-1494, Париж, Лувр) - перша монументальна вівтарна композиція Високого Відродження. Її персонажі Марія, Іоанн, Христос та ангел набули рис величі, поетичної одухотвореності та повноти життєвої виразності. Об'єднані настроєм задумливості та дією – немовля Христос благословляє Іоанна – у гармонійну пірамідальну групу, немов овіяні легкою серпанком світлотіні, персонажі євангельської легенди видаються втіленням ідеальних образів мирного щастя.
У світ реальних пристрастей і драматичних почуттів переносить найзначніший із монументальних розписів Леонардо - «Таємна вечеря», виконана в 1495-1497 роках для монастиря Санта-Марія делла Граціє в Мілані. Відступивши від традиційного тлумачення євангельського епізоду, Леонардо дає новаторське рішення теми, композиції, що глибоко розкриває людські почуття та переживання. Звівши до мінімуму опис обстановки трапезної, навмисне зменшивши розміри столу і висунувши його до переднього плану, він зосереджує увагу на драматичній кульмінації події, на контрастних характеристиках людей різних темпераментів, прояві складної гами почуттів, що виражаються і в міміці і в жестикуляції, якими слова Христа: «Один із вас зрадить мене». Рішучий контраст апостолам становлять образи зовні спокійного, але сумно-задумливого Христа, що знаходиться в центрі композиції, і зрадника Юди, що сперся на край столу, грубий хижий профіль якого занурений у тінь. Збентеження, підкреслене жестом руки, що судомно стискає гаманець, і похмурий вигляд виділяють його серед інших апостолів, на чиїх освітлених обличчях можна прочитати вираз здивування, співчуття, обурення. Леонардо не відокремлює постать Юди від інших апостолів, як це робили майстри раннього Відродження. І все-таки відразливий образ Юди розкриває ідею зради гостріше і глибше. Усі дванадцять учнів Христа розташовані групами по три людини, по обидва боки від учителя. Деякі з них хвилюються зі своїх місць, звертаючись до Христа. Різноманітні внутрішні рухи апостолів художник підпорядковує строгому порядку. Композиція фрески вражає єдністю, цілісністю, вона суворо врівноважена, центрична за побудовою. Монументалізація образів, масштаб розпису сприяють враженню глибокої значущості зображення, що підпорядковує собі велике простір трапезної. Леонардо геніально вирішує проблему синтезу живопису та архітектури. Розташувавши стіл паралельно стіні, яку прикрашає фреска, він затверджує її площину. Перспективне скорочення бічних стін, зображених на фресці, ніби продовжує реальний простір трапезної.
Фреска дуже зруйнована. Експерименти Леонардо з використанням нових матеріалів не витримали випробування часом, пізні записи та реставрації майже приховали оригінал, який було розчищено лише 1954 року. Але гравюри, що збереглися, і підготовчі малюнки дозволяють заповнити всі деталі композиції.
Після взяття Мілана французькими військами Леонардо залишило місто. Почалися роки мандрівок. На замовлення Флорентійської республіки він виконав картон для фрески «Битва при Ангіарі», яка мала прикрасити одну зі стін зали Ради у палаццо Веккйо (будівлю міського самоврядування). Під час створення цього картону Леонардо вступив у змагання з молодим Мікеланджело, який виконував замовлення на фреску «Битва при Кашині» для іншої стіни тієї самої зали. Однак ці картони, які отримали загальне визнання сучасників, не сягнули наших днів. Лише старі копії та гравюри дозволяють судити про новаторство геніїв Високого Відродження в галузі батального живопису.
У повній драматизму і динаміці композиції Леонардо, епізоді битви за прапор, дано момент вищої напруги сил вояків, розкрито жорстоку правду війни. До цього часу відноситься створення портрета Мони Лізи («Джоконда», близько 1504, Париж, Лувр), однієї з найславетніших творів світової живопису. Надзвичайна глибина і значимість створеного образу, у якому риси індивідуального поєднуються з великим узагальненням. Новаторство Леонардо виявилося й у розвитку портретного живопису Відродження.
Пластично опрацьована, замкнута по силуету, велична постать молодої жінки панує над віддаленим, оповитим блакитним серпанком пейзажем зі скелями і водними протоками, що витаються серед них. Складний напівфантастичний пейзаж тонко гармонує з характером та інтелектом, що портретується. Здається, що хитка мінливість самого життя відчувається у виразі її обличчя, пожвавленого ледь вловимою усмішкою, у її спокійно-впевненому, проникливому погляді. Обличчя і випещені руки патриціанки написані з дивовижною обережністю, м'якістю. Найтонша, мов тануча, серпанок світлотіні (так зване сфумато), огортаючи фігуру, пом'якшує контури і тіні; у картині немає жодного різкого мазка чи незграбного контуру.
В останні роки життя Леонардо більшу частину часу приділяв науковим дослідженням. Він помер у Франції, куди приїхав на запрошення французького короля Франциска I і де прожив лише два роки.
Його мистецтво, наукові та теоретичні дослідження, сама його особистість надали величезний вплив на розвиток світової культури. Його рукописи містять незліченні нотатки та малюнки, що свідчать про універсальність генія Леонардо. Тут і ретельно промальовані квіти, і дерева, начерки невідомих знарядь, машин та апаратів. Поряд з аналітично точними зображеннями зустрічаються малюнки, що відрізняються надзвичайним розмахом, епічністю або найтоншим ліризмом. Пристрасний шанувальник досвідченого пізнання, Леонардо прагнув його критичного осмислення, до пошуку узагальнюючих законів. "Досвід - це єдине джерело пізнання", - говорив художник. "Книга про живопис" розкриває його погляди теоретика реалістичного мистецтва, для якого живопис одночасно і "наука і законна дочка природи". У трактаті містяться висловлювання Леонардо щодо анатомії, перспективи, він шукає закономірності побудови гармонійної людської фігури, пише про взаємодію кольорів, про рефлекси. Серед послідовників та учнів Леонардо не було, однак, жодного наближення за силою обдарованості до вчителя; позбавлені самостійного погляду мистецтво, вони лише зовні засвоювали його художню манеру.
Картини та біографія Тіціано Вечелліо
|
|||||||||||||||||||||||||
 |
 |
 |
 |
 |
| Світське кохання (Марство земного) 1515 |
Юнак з розірваною рукавичкою, 1515-1520 | Флора 1515 |
Франческо делла Ровере 1538 |
Портрет молодої жінки , 1536 |
 Любов земна і небесна, 1515 |
 |
 |
 |
 |
 |
| Портрет П'єтро Аретіно 1545 |
Портрет Карла V 1548 |
Дана 1554 |
Сізіф 1549 |
Венера із дзеркалом 1555 |
 |
 |
 |
 |
 |
| Вознесіння Марії, (Ассунта), 1518 | Тарквіній та Лукреція 1568-1571 |
Становище у труну 1524-1526 |
Святий Себастьян 1570 |
Оплакування Христа 1576 |
 |
 |
 |
 |
 |
| Мадонна сімейства Пезаро, 1519-1526 | Бахус та Аріадна 1522 |
Введення в храм 1534-1538 |
, 1546 | Алегорія часу 1565 |
|
|
|||||||||||||||||||||||||
|
|||||||||||||||||||||||||
1514, Музей історії мистецтва, Відень
1560-ті, Ермітаж, Санкт-Петербург
| міфологічні теми (“Свято Венери”, 1518, Прадо, Мадрид; “Стан у труну”, 1520-ті роки, Лувр; “Введення у храм”, 1538, Галерея Академії, Венеція; “Венера Урбінська”, 1538, Уффици), відзначені звучним, заснованим на інтенсивних контрастах синіх та червоних кольорових плям колоритом, багатими архітектурними фонами, до яких митець включав невеликі жанрові сцени та побутові деталі. Кінець 1530-х років – час розквіту портретного мистецтва Тіціана. З дивовижною прозорливістю зображував художник своїх сучасників, зображуючи різні, часом суперечливі риси їх характерів: лицемірство та підозрілість, впевненість та гідність (“Іполито Медічі”, 1532, “Ла Белла”, 1538, – все у галереї Палатина, Флоренція. Виконаним глибокого трагізму пізнім релігійним полотнам Тіціана притаманні цілісність характерів, стоїчне мужність (“Мая Марія Магдалина”, 1560-ті роки, Ермітаж, Санкт-Петербург; “Коронування терновим вінцем”, 1570-ті, Стара Пінакотека, Мюнхен; , 1575, та "П'єта", 1576, обидві - Галерея Академії, Венеція). В основі колориту пізніх творів Тиціана лежить найтонший барвистий хроматизм: колірна гамма, загалом підпорядкована золотистому тону, будується на тонких відтінках коричневого, синьо-сталевого, рожево-червоного, блякло-зеленого. |
|
|
|
|
|
| Світське кохання (Марство земного) 1515 |
Юнак з розірваною рукавичкою, 1515-1520 | Флора 1515 |
Франческо делла Ровере 1538 |
Портрет молодої жінки , 1536 |
| У пізній період своєї творчості Тиціан досяг вершин як у своїй мальовничій майстерності, так і в емоційно-психологічному тлумаченні релігійних та міфологічних тем. Життєстверджуюча краса людського тіла, повнокровність навколишнього світу стали провідним мотивом творів художника з почерпнутими з античної міфології сюжетами (“Дана”, близько 1554, Прадо, Мадрид та Ермітаж, Петербург; “Венера перед дзеркалом”, 1550-і роки, Національна Вашингтон, “Діана та Актеон”, 1556, та “Діана та Каллісто”, 1556-1559, обидві картини у Національній галереї Шотландії в Единбурзі). |
Любов земна і небесна, 1515 |
|
|
|
|
|
| Портрет П'єтро Аретіно 1545 |
Портрет Карла V 1548 |
Дана 1554 |
Сізіф 1549 |
Венера із дзеркалом 1555 |
| Манера листа художника стає виключно вільною, композиція, форма та колір будуються за допомогою сміливого пластичного ліплення, фарби накладаються на полотно не лише пензлем, а й шпателем і навіть пальцями. Прозорі лісування не приховують підмальовки, а місцями оголюють зернисту фактуру полотна. З поєднання гнучких мазків народжуються образи, сповнені трепетної життєвості та драматизму. У 1550-ті роки характер творчості Тиціана змінюється, наростає драматичний початок у його релігійних композиціях (“Мучеництво святого Лаврентія”, 1555, церква Джезуїті, Венеція; “Стан у труну”, 1559, Прадо). У той же час він знову звертається до міфологічної тематики, мотиву квітучої жіночої краси ("Сізіф", 1549-1550; "Дана", 1554; "Венера і Адоніс", 1554, все - Прадо, Мадрид; "Персей і Андромеда", 1556, Збори Уоллеса, Лондон). До цих образів близька також Марія Магдалина, що гірко ридає, в однойменному полотні. |
|
|
|
|
|
| Вознесіння Марії, (Ассунта), 1518 | Тарквіній та Лукреція 1568-1571 |
Становище у труну 1524-1526 |
Святий Себастьян 1570 |
Оплакування Христа 1576 |
| Істотний перелом у творчості художника відбувається на рубежі 1550–1560-х років. Повним динаміки, сум'яття, сильних поривів пристрастей постає світ у серії міфологічних композицій на сюжети «Метаморфоз» Овідія, написаних Тиціаном для Філіпа II: “Діана та Актеон” та “Діана та Каллісто” (1559, Національна галерея, Единбург), ” (1562, Музей Ізабелли Стюарт Гарднер, Бостон), “Полювання Діани” (близько 1565, Національна галерея, Лондон). У цих полотнах, пронизаних стрімким рухом і вібрацією кольору, вже є елемент так званої «пізньої манери», характерної для останніх робіт Тиціана ("Святий Себастьян", 1565-1570, Ермітаж; "Пастух і німфа", 1570, Музей історії мистецтв, Відень, "Покарання Марсія", 1570-і роки, Картинна галерея, Крімржиж; "Оплакування Христа", 1576, Галерея Академії, Венеція). |
|
|
|
|
|
| Мадонна сімейства Пезаро, 1519-1526 | Бахус та Аріадна 1522 |
Введення в храм 1534-1538 |
Папа Павло III з онуками Фарнезе, 1546 | Алегорія часу 1565 |
| Ці полотна відрізняє складна мальовнича структура, розмитість кордону між формами та тлом; поверхня полотна як би виткана з накладених широким пензлем, іноді втертих пальцями мазків. Відтінки доповнюють один одного, взаємопроникних або контрастують тонів утворюють певну єдність, з якої народжуються форми або приглушені мерехтливі фарби. Новаторство «пізньої манери» була зрозуміло сучасниками і оцінено лише пізніше. Мистецтво Тіціана, що найбільш повно розкрив своєрідність венеціанської школи, справило великий вплив на становлення найбільших художників 17 століття від Рубенса і Веласкеса до Пуссена. Мальовнича техніка Тициана справила винятковий впливом геть подальше, до 20 століття, розвиток світового образотворчого мистецтва. |
Творчість Рафаеля Санті
Уявлення про найсвітліші і піднесені ідеали гуманізму Відродження з найбільшою повнотою втілив у своїй творчості Рафаель Санті (1483-1520). Молодший сучасник Леонардо, який прожив коротке, надзвичайно насичене життя, Рафаель синтезував досягнення попередників і створив свій ідеал прекрасної, гармонійно розвиненої людини в оточенні великої архітектури чи пейзажу. Рафаель народився в Урбіно, у ній живописця, який був його учителем. Пізніше він навчався у Тімотео делла Віті та Перуджино, досконало оволодівши манерою останнього. У Перуджино Рафаель сприйняв ту плавність ліній, ту свободу постановки фігури у просторі, які стали характерними для його зрілих композицій. Сімнадцятилітнім юнаком він виявляє справжню творчу зрілість, створивши ряд образів, сповнених гармонії та душевної ясності.
Ніжний ліризм і тонка одухотвореність відрізняють один із ранніх його творів - «Мадонну Конестабіліз» (1502, Санкт-Петербург, Ермітаж), просвітлений образ молодої матері, зображеної на тлі прозорого умбрійського пейзажу. Уміння вільно розташувати фігури у просторі, зв'язати їх друг з одним і з оточенням проявляється у композиції «Заручини Марії» (1504, Мілан, галерея Брера). Простір у побудові пейзажу, гармонія форм архітектури, врівноваженість та цілісність усіх частин композиції свідчать про становлення Рафаеля як майстра Високого Відродження.
З приїздом до Флоренції Рафаель легко вбирає найважливіші завоювання художників флорентійської школи з її яскраво вираженим пластичним початком та широким охопленням дійсності. Змістом його мистецтва залишається лірична тема світлого материнського кохання, якому він надає особливої значущості. Вона отримує зріліший вираз у таких творах, як «Мадонна в зелені» (1505, Відень, Художньо-історичний музей), «Мадонна зі щілинкою» (Флоренція, Уффіці), «Прекрасна садівниця» (1507, Париж, Лувр). По суті, всі вони варіюють один і той же тип композиції, складений з постатей Марії, немовляти Христа і Хрестителя, які на тлі прекрасного сільського пейзажу утворюють пірамідальні групи в дусі знайдених раніше Леонардо композиційних прийомів. p align="justify"> Природність рухів, м'яка пластика форм, плавність співучих ліній, краса ідеального типу мадонни, ясність і чистота пейзажних фонів сприяють виявленню піднесеної поетичності образного ладу цих композицій.
У 1508 році Рафаель був запрошений працювати в Рим, до двору папи Юлія II, людини владної, честолюбної та енергійної, яка прагнула примножити художні скарби своєї столиці і залучити до себе на службу найталановитіших діячів культури того часу. На початку 16 століття Рим вселяв надії на національне об'єднання країни. Ідеали загальнонаціонального порядку створили ґрунт для творчого піднесення, для втілення передових прагнень у мистецтві. Тут, у безпосередній близькості до спадщини античності, розквітає та мужніє талант Рафаеля, набуваючи нового розмаху та рис спокійної величі.
Рафаель отримує замовлення на розписи парадних кімнат (так званих станц) Ватиканського палацу. Ця робота, що тривала з перервами з 1509 по 1517 рік, висунула Рафаеля до найбільших майстрів італійського монументального мистецтва, які впевнено вирішували проблему синтезу архітектури та живопису Відродження. Дар Рафаеля - монументаліста та декоратора - проявився у всьому блиску при розписі Станці делла Сеньятура (кімнати друку). На довгих стінах цієї кімнати, перекритої вітрильними склепіннями, розміщені композиції «Диспут» та «Афінська школа», на вузьких - «Парнас» та «Мудрість, Помірність і Сила», що уособлювали чотири сфери духовної діяльності людини: богослов'я, філософію, поезію та юриспруденцію . Розділене на чотири частини склепіння прикрашене алегоричними фігурами, що становлять єдину декоративну систему з розписами стін. Таким чином, весь простір кімнати виявився заповненим живописом.
 |
 |
 |
 |
 |
| Адам та Єва 1510 |
Афінська школа 1509 |
Тріумф Галатії 1511 |
Диспута 1510 |
Пророк Ісая 1512 |
Об'єднання в розписах образів християнської релігії та язичницької міфології свідчило про поширення серед гуманістів того часу ідей примирення християнської релігії з античною культурою і про безумовну перемогу світського початку над церковним. Навіть у «Диспуті» (спорі отців церкви про причастя), присвяченому зображенню церковних діячів, серед учасників суперечки, можна дізнатися поетів та художників Італії – Данте, Фра Беато Анджеліко та інших живописців та письменників. Про торжество гуманістичних ідей у ренесансному мистецтві, про зв'язок його з античністю говорить композиція «Афінська школа», що прославляє розум прекрасної та сильної людини, античну науку та філософію. Розпис сприймається як втілення мрії про світле майбутнє. З глибини анфілади грандіозних арочних прольотів виступає група античних мислителів, у центрі якої величний сивобородий Платон і впевнений, натхненний Аристотель, жестом руки на землю, засновники ідеалістичної і матеріалістичної філософії. Внизу, ліворуч біля сходів, схилився над книгою Піфагор, оточений учнями, праворуч - Евклід, і тут же, біля краю, Рафаель зобразив поряд з живописцем Содомой самого себе. Це молода людина з ніжним, привабливим обличчям. Усі персонажі фрески поєднані настроєм високого духовного піднесення, глибокої думки. Вони становлять нерозривні у своїй цілісності та гармонійності групи, де кожен персонаж точно займає своє місце і де сама архітектура в її суворій розміреності та величності сприяє відтворенню атмосфери високого підйому творчої думки.
Напруженим драматизмом виділяється фреска «Вигнання Еліодора» у Станці д'Еліодоро. Несподіваність чуда - вигнання грабіжника храму небесним вершником - передана стрімкою діагоналлю головного руху, використанням світлового ефекту. Серед глядачів, які дивляться на вигнання Еліодора, зображено папу Юлія II. Це натяк на сучасні Рафаелю події – вигнання з Папської області французьких військ.
Римський період творчості Рафаеля відзначений високими здобутками й у сфері портрета. Гострохарактерні портретні риси набувають повного життя персонажів «Меси в Больсені» (фрески в Станці д'Еліодоро). До портретного жанру Рафаель звертався й у станкового живопису, виявляючи тут свою самобутність, розкриваючи моделі найбільш характерне і значне. Ним написані портрети папи Юлія II (1511, Флоренція, Уффіці), папи Лева X з кардиналом Людовіко деї Россі та Джуліо деї Медічі (близько 1518, там же) та інші портретні картини. Важливе місце у його мистецтві продовжує займати образ мадонни, що набуває рис великої величі, монументальності, впевненості, сили. Такою є «Мадонна делла седиа» («Мадонна в кріслі», 1516, Флоренція, галерея Пітті) з її гармонійною, замкненою в коло композицією.
У цей час Рафаель створив найбільше своє творіння «Сікстинську мадонну» (1515-1519, Дрезден, Картинна галерея), що призначалася для церкви св. Сікста у П'яченці. На відміну від ранніх, світліших за настроєм, ліричних мадонн, це великий образ, сповнений глибокого значення. Розсунуті зверху по боках завіси відкривають Марію, що легко йде по хмарах, з немовлям на руках. Її погляд дозволяє зазирнути у світ її переживань. Серйозно і сумно-тривожно дивиться вона кудись у далечінь, ніби передбачаючи трагічну долю сина. Ліворуч від мадонни зображений папа Сікст, захоплено споглядаючи диво, праворуч - свята Варвара, побожно потупила погляд. Внизу два ангели, що дивляться вгору і ніби повертають нас до головного образу - мадонни і її недитячому задумливому немовляті. Бездоганна гармонія та динамічна рівновага композиції, тонкий ритм плавних лінійних обрисів, природність і свобода рухів становлять неперевершену силу цього цілісного, прекрасного образу. Життєва правда та риси ідеалу поєднуються з душевною чистотою складного трагічного характеру Сікстинської мадонни. Прообраз її деякі дослідники знаходили в рисах «Дами в покривалі» (близько 1513, Флоренція, галерея Пітті), але сам Рафаель у листі до свого друга Кастільйоне писав, що в основі його творчого методу лежить принцип відбору та узагальнення життєвих спостережень: «Для того щоб написати красуню, мені треба бачити багатьох красунь, але через брак… у красивих жінках я користуюся деякою ідеєю, яка спадає мені на думку». Так насправді митець знаходить риси, які відповідають його ідеалу, що підноситься над випадковим і минущим.
Рафаель помер тридцяти семи років, залишивши незакінченими розписи вілли Фарнезини, Ватиканські лоджії та низку інших робіт, завершених за картонами та малюнками його учнями. Вільні, витончені, невимушені малюнки Рафаеля висувають їх творця до ряду найбільших рисувальників світу. Його роботи в галузі архітектури та прикладного мистецтва свідчать про нього як про різнобічно обдарованого діяча Високого Відродження, який здобув гучну славу у сучасників. Саме ім'я Рафаеля надалі перетворилося на загальне ім'я ідеального художника.
Численні італійські учні і послідовники Рафаеля зводили в незаперечну догму творчий метод вчителя, що сприяло поширенню наслідуваності в італійському мистецтві і віщувало кризу гуманізму, що назріває.
Творчість Мікеланджело Буонарроті
Кульмінацією Високого Відродження і водночас відображенням глибоких протиріч культури епохи стала творчість третього з титанів італійського мистецтва - Мікеланджело Буонарроті (1475-1564). Навіть у порівнянні з Леонардо і Рафаелем, що вражають своєю різнобічною обдарованістю, Мікеланджело відрізняється тим, що в кожній з областей художньої творчості він залишив грандіозні твори за масштабами і силою, що втілюють найбільш прогресивні ідеї епохи. Мікеланджело був геніальним скульптором, живописцем, архітектором, малювальником, військовим інженером, поетом, і водночас він був борцем за високі гуманістичні ідеали, громадянином, який зі зброєю в руках відстоював свободу і незалежність своєї батьківщини.
Великий художник і борець нероздільні уявленні про Мікеланджело. Все його життя - безперервна героїчна боротьба за утвердження прав людини на свободу, на творчість. Протягом довгого творчого шляху в центрі уваги художника знаходилася людина, дієва, активна, готова до подвигу, охоплена великою пристрастю. У його творах пізнього періоду відбито трагічну аварію ренесансних ідеалів.
Мікеланджело народився в Капрезі (на околицях Флоренції), в сім'ї містоправителя. Тринадцятирічним хлопчиком він вступив до майстерні Гірландайо, а через рік - до художньої школи при дворі Лоренцо Медічі Чудового. Тут, у так званих садах Медічі при монастирі Сан-Марко, він продовжив навчання під керівництвом Бертольдо ді Джованні, переконаного шанувальника античності. Познайомившись із багатою витонченою культурою двору Медічі, із чудовими творами античного та сучасного мистецтва, із уславленими поетами та гуманістами, Мікеланджело не замкнувся у вишуканій придворній обстановці. Вже ранні самостійні твори стверджують його тяжіння до великих монументальних образів, повних героїки та сили. Рельєф «Битва кентаврів» (початок 1490-х років, Флоренція, Каза Буонарроті) розкриває драматизм і бурхливу динаміку сутички, безстрашність та енергію бійців, могутню пластику взаємопов'язаних сильних постатей, пронизаних єдиним стрімким ритмом.
Остаточне формування суспільної свідомості Мікеланджело припадає на час вигнання з Флоренції Медічі та встановлення республіканського ладу. Поїздки до Болонії та Риму сприяють завершенню художньої освіти. Античність відкриває перед ним гігантські можливості, що таяться у скульптурі. У Римі було створено мармурову групу «П'єта» (1498-1501, Рим, собор святого Петра) - перший великий оригінальний твір майстра, пронизане вірою в торжество гуманістичних ідеалів Відродження. Драматичну тему оплакування Христа Богоматір'ю скульптор вирішує в глибоко психологічному плані, виражаючи безмірне горе нахилом голови, точно знайденим жестом лівої руки мадонни. Моральна чистота образу Марії, шляхетна стриманість її почуттів розкривають силу характеру та передані у класично ясних формах, з вражаючою досконалістю. Обидві фігури скомпоновані в нерозривну групу, в якій жодна деталь не порушує замкненого силуету, його пластичної виразності.
 |
 |
 |
 |
| Давид | П'єта | Мадонна з немовлям | Мойсей |
Глибока переконаність, хвилювання спрямованої на подвиг людини захоплюють у статуї Давида (Флоренція, Академія образотворчих мистецтв), виконаної у 1501-1504 роках після повернення скульптора у Флоренцію. В образі легендарного героя знайшла втілення ідея громадянського подвигу, мужньої доблесті та непримиренності. Мікеланджело відмовився від оповідання своїх попередників. На відміну від Донателло та Верроккьо, що зображували Давида після перемоги над ворогом, Мікеланджело представив його перед боєм. Він зосередив увагу на вольової зібраності та напруженості всіх сил героя, переданих пластичними засобами. У цій колосальній статуї ясно виражена особливість пластичної мови Мікеланджело: при зовні спокійній позі героя вся його постать з могутнім торсом і чудово модельованими руками та ногами, його прекрасне натхненне обличчя виражають граничну зібраність фізичних та духовних сил. Усі м'язи здаються пронизаними рухом. Мистецтво Мікеланджело повернуло наготі той етичний зміст, яким вона мала в античній пластиці. Образ Давида набуває і більш широкого значення, як вираження творчих сил вільної людини. Вже в ті часи флорентійці зрозуміли громадянський пафос статуї та її значення, встановивши її в центрі міста перед будівлею палаццо Веккьо як заклик до захисту батьківщини та справедливого правління.
Знайшовши переконливу форму розв'язання статуї (з опорою на одну ногу), майстерно її моделювавши, Мікеланджело змусив забути про ті труднощі, які довелося подолати в роботі з матеріалом. Статуя була висічена з брили мармуру, яку, як всі вважали, зіпсував один невдалий скульптор. Мікеланджело зумів вписати фігуру в готовий мармуровий блок так, щоб вона укладалася в ньому гранично компактно.
Одночасно зі статуєю Давида було виконано картон для розпису зали Ради палаццо Веккьо «Битва при Кашині» (відомий за гравюрами та мальовничою копією). Вступивши у змагання з Леонардо, молодий Мікеланджело отримав вищу громадську оцінку своєї роботи; темі викриття війни та її звірств він протиставив прославлення піднесених почуттів доблесті та патріотизму солдатів Флоренції, що кинулися на поле бою за призовним сигналом труби, готових до подвигу.
Отримавши замовлення від папи Юлія II на спорудження його надгробка, Мікеланджело, не закінчивши «Битву при Кашині», в 1505 переїжджає до Риму. Він створює проект величного мавзолею, прикрашеного численними статуями та рельєфами. Для підготовки матеріалу – мармурових блоків – скульптор виїхав до Каррари. За час його відсутності тато охолов до ідеї спорудження гробниці. Ображений Мікеланджело залишив Рим і лише після наполегливих закликів папи повернувся назад. Цього разу він отримав нове грандіозне замовлення - розпис стелі Сикстинської капели, яку прийняв з великим небажанням, тому що вважав себе насамперед скульптором, а не живописцем. Цей розпис став одним із найбільших творів італійського мистецтва.
У найважчих умовах протягом чотирьох років (1508-1512) працював Мікеланджело, виконавши весь розпис величезного плафона (600 кв. м) власноруч. Відповідно до архітектоніки капели він розчленував зведення, що перекриває її, на ряд полів, розмістивши в широкому центральному полі дев'ять композицій на сюжети з Біблії про створення світу і життя перших людей на землі: «Відділення світла від темряви», «Створення Адама», «Гріхопадіння» , «Сп'яніння Ноя» та ін. По сторонах від них, на схилах склепіння, зображені фігури пророків і сивілл (віщунок), по кутах полів - оголені юнаки; у вітрилах склепіння, розпалубках та люнетах над вікнами-епізоди з Біблії та звані предки Христа. Грандіозний ансамбль, що включає понад триста фігур, є натхненним гімном красі, мощі, розуму людини, прославленням його творчого генія та героїчних діянь. Навіть у образі бога - величного могутнього старця, підкреслять передусім творчий порив, виражений у рухах його рук, наче справді здатних творити світи і давати життя людині. Титанічна сила, інтелект, прозорлива мудрість і піднесена краса характеризують образи пророків: скорботного Єремію, що глибоко замислився, поетично одухотвореного Ісаю, могутню Кумську сівілу, прекрасну юну Дельфійську сівілу. Створюваним Мікеланджело характерам властива величезна сила узагальнення; кожному за персонажа він знаходить особливу позу, поворот, рух, жест.
Якщо окремих образах пророків знайшли втілення трагічні роздуми, то образах оголених — юнаків, про рабів, передано відчуття радості буття, невгамовної сили та енергії. Їхні фігури, представлені у складних ракурсах, у рухах, набувають найбагатшої пластичної розробки. Усі вони, не руйнуючи площини склепінь, збагачують їх, виявляють тектоніку, посилюючи загальне враження гармонії. Поєднання грандіозних масштабів, суворої сили дії, краси та зібраності кольору породжує почуття свободи та впевненості в урочистості людини.
Північний Ренесанс
Відродження являло собою міжнародне явище, що охопило, крім Італії, де воно виразило себе з найбільшою силою, а також Нідерланди, Німеччину, Францію, Іспанію. Сьогодні з'явився спеціальний термін «Північне Відродження», який описує особливості Ренесансу інших країнах Європи. Під ним мають на увазі «не тільки чисто географічну характеристику, а й деякі особливості Ренесансу в Англії, Німеччині, Іспанії, Нідерландах, Швейцарії та Франції. Дуже важливою особливістю Північного Відродження було те, що воно відбувалося в період Реформації, а також те, що в культурі народів цих країн через історичні причини не було такої великої кількості пам'яток античності, як в Італії»'.
Реформація(від латів. reformatio - перетворення) являла собою такий самий сильний релігійний рух, яким нині є, наприклад, фундаменталізм в ісламських країнах. Обидва вони виступали за повернення до початкових цінностей віри (до її фундаменту) та вимагали серйозних змін (реформації) існуючої релігійної практики.
Початок Реформації поклав виступ у 1517 році в Німеччині Мартіна Лютера (1483-1546), що висунув 95 тез, які відкидали основні догмати католицизму. Ідеологи Реформації заперечували необхідність католицької Церкви з її ієрархією та духовенства взагалі, права Церкви на земельні багатства, відкидаючи католицьке Священне передання загалом. Під ідейним прапором Реформації проходили селянські війни 1524–1526 рр. у Німеччині, Нідерландах та Англійська революція. Реформація започаткувала протестантизму (у вузькому значенні реформація - проведення релігійних перетворень у його дусі).
Німецьке Відродженнястало завершенням духовної (лютеранська реформа) та соціальної (піднесення селянства) кризи, яка тривала півстоліття і сильно змінила середньовічну Німеччину. З творчістю трьох художників – Грюневальда (між 1470 та 1475–1528), Дюрера (1471–1528) та Гольбейна Молодшого (1497 або 1498–1543) – пов'язаний «золотий вік» німецького живопису. Не маючи цілісності італійського Ренесансу, німецьке Відродження розвивалося у хронологічно короткий період і не мало свого логічного продовження.
Визначним представником Відродження Німеччини, творчість якого визначало німецьке мистецтво протягом багато часу, був художник і майстер гравюри Дюрер. Вважається, що Дюрер був однаково обдарований як художник, гравер і рисувальник; малюнок і гравюра займають у нього велике, часом навіть чільне місце. Спадщина Дюрера-рисувальника, що налічує понад 900 аркушів, за широкістю та різноманіттям може бути зіставлена лише зі спадщиною Леонардо да Вінчі. Він блискуче володів усіма відомими тоді графічними техніками - від срібного штифта і очеретяного пера до італійського олівця, вугілля, акварелі Як і для майстрів Італії, малюнок став для нього найважливішим етапом роботи над композицією, що включає ескізи, штудії голів, рук, ніг, драпірування. Це інструмент вивчення характерних типів – селян, ошатних кавалерів, нюрнберзьких модниць. Дюрер вплинув на розвиток німецького мистецтва першої половини XVI століття. Найбільший майстер гравюри в Європі Дюрер прославився своїм циклом робіт на теми «Апокаліпсису» (1498).
Його різнобічна діяльність стала одним із втілень «титанізму» Відродження. Він - єдиний майстер Північного Відродження, який за спрямованістю та багатогранністю своїх інтересів, прагненням опанувати закони мистецтва, розробкою досконалих пропорцій людської фігури та правил перспективної побудови може бути зіставлений із найбільшими майстрами італійського Ренесансу. Пору розквіту мистецтва німецького Відродження часто називають «епохою Дюрера».
Сучасниками Дюрера були великі майстри живопису Ганс Гольбейн Молодший, Грюневальд та Лукас Кранах Старший (1472–1553).
Точним, чітким за характеристикою портретам (живопис та малюнок) Гольбейна Молодшого, його картинам на релігійні теми, гравюрам властиві реалізм, ясність та велич мистецтва Ренесансу, монументальна цілісність композиції («Мертвий Христос», 1521). Грюневальд, життя якого ще мало вивчена, представляє інший напрямок німецького Відродження: почуття йому панують над розумом, а суб'єктивність - над об'єктивним аналізом. Геній художника втілився у головному творі - «Ізенгеймському вівтарі» (1512-1515), де містичні образи є сусідами з гуманістичними, просвітленими. Його творчість, пов'язана з ідеологією народних низів та єресями, виконана драматичною силою, напругою, динамізмом.
Серед талановитих творців німецького Відродження почесне місце займає портретист Лукас Кранах Старший, придворний художник Фрідріха Мудрого та друг М. Лютера, завдяки діяльності якого особливий розвиток отримав краєвид. Він започаткував школу пейзажу, відомої під назвою Дунайської школи.
Ренесанс в АНГЛІЇ. АНГЛІЙСЬКИЙ Ренесанс прославився не так живописом і архітектурою, як театром. Його розквіт припав на кінець XVI - початок XVII століття, досягнувши своєї вершини у творчості Вільяма Шекспіра (1564-1616). Кінець XVI століття - період небувалого пожвавлення театрального життя в Англії, час економічного піднесення та перетворення країни на світову державу. Його називають ще «єлизаветинською епохою». Виріс престиж театру; акторів, що раніше зневажалися бродячих комедіантів, оточували загальною увагою, вони користувалися заступництвом меценатів-вельмож. У 1576 року у Лондоні відкрився перший загальнодоступний театр, до середини 80-х таких театрів було кілька. Трупа Шекспіра, яка отримала в 1589 статус королівської, змінила не одну сцену, поки нарешті в 1598-1599 гг. для неї не було збудовано постійне приміщення, назване Театр «Глобус». Драматург Шекспір став співвласником театру. П'єси Шекспіра (всього їх налічується 37) відбивали політичне та духовне життя Англії тієї епохи.
Перші комедії Шекспіра, зокрема "Багато шуму з нічого" (1598), пройняті оптимізмом. Однак на рубежі XVI та XVII ст. його світосприйняття змінилося. Останні роки правління Єлизавети були відзначені народними заворушеннями та економічним занепадом. Падав авторитет держави та Церкви. У трагедіях "Ромео і Джульєтта" (1595), "Гамлет" (1601), "Отелло" (1604), "Король Лір" (1605) показано кризу загальнолюдських цінностей і моралі. Герої Шекспіра - мислячі, відчувають і страждають особистості, які переживають втрату життєвих орієнтирів, а навколишній світ нездатний допомогти їм знайти себе.
МИСТЕЦТВО ЕПОХИ ВІДРОДЖЕННЯ
1. Загальна характеристика епохи.
2. Література.
3. Живопис.
4. Архітектура. Скульптури.
Загальна характеристика епохи
Відродження (франц. renaissance – «ренесанс») – явище культурного розвитку низки країн Центральної та Західної Європи. Хронологічно епоха Відродження охоплює період XIV–XVI ст. Термін «Відродження» було вперше запроваджено у XVI ст. відомим італійським художником, архітектором та істориком мистецтва Джорджіо Вазарі. Епоха Відродження - це епоха великих економічних та соціальних перетворень у житті багатьох держав Європи, епоха гуманізму та освіти.
У цей період у різних галузях життєдіяльності людського суспільства виникають сприятливі умови для небувалого злету культури. Розвиток науки і техніки, великі географічні відкриття, переміщення торгових шляхів та поява нових торгових та промислових центрів суттєво розширювало та змінювало уявлення людини про навколишній світ. Змінюються уявлення про саму людину. Найважливішою рисою світогляду епохи Відродження був індивідуалізм. Інший характерною рисою нового світогляду було пробудження національної самосвідомості. У людей виникає відчуття патріотизму, формується поняття вітчизни.
Періодизація:
1. Передродження (дученто) - XIII ст.
2. Проторенесанс (треченто) - XIV ст.
3. Високе Відродження (кватроченто) - XV ст.
4. Пізнє Відродження (чинквеченто) - XVI ст.
Література
Франческо Петрарка був першим поетом Відродження. Він автор збірки віршів «Канцоньєре» (книга пісень), присвяченої коханій поетові – Лаурі. Увійшли до збірки вірші різноманітні за жанром, але переважно є сонети. Любовні переживання непросто описуються поетом, а й аналізуються.
Яскравим письменником доби Відродження був Нікколо Макіавеллі – політичний діяч пізнього Відродження, автор трактату «Государ». У літературі з'являється новий тип героя – герой-макіавеліст. Поява такого типу героя була першою ознакою кризи гуманістичної ідеології.
Найбільшою фігурою європейського Відродження був Еразм Роттердамський - письменник, філолог, філософ, богослов, автор праць з педагогіки, перекладач з грецької та латини.
Найбільш яскраво передові ідеї французького Відродження було втілено у творчості Ф.Рабле, автора знаменитого роману «Гаргантюа та Пантагрюель». Рабле ставив собі завдання написати пародію на героїчний епос. Основні відмінності роману від епосу зводяться до:
· Роман - втілення не колективного (безособового) початку, а особистого;
· Герой роману - індивідуальність, а не узагальнений образ;
· Роман завжди орієнтований на сучасність.
У романі Рабле висміює, з одного боку, численні претензії церкви, з другого - невігластво і лінь ченців. Рабле яскраво показує всі пороки католицького духовенства, які викликали масовий протест під час Реформації - непомірне прагнення наживи, претензії пап на політичне панування в Європі, ханжеське благочестя, яке прикриває розбещеність служителів церкви. Сильно дістається середньовічній схоластиці - відірваним від реального життя роздумам про місце Бога в земному бутті - та відомим філософам-схоластам зокрема. Середньовічної відсталості та безправ'я Рабле протиставляє ідеали свободи та самодостатності людини. Найбільш повно своє бачення цих ідей на практиці автор виклав в епізоді з абатством Телем, яке брат Жан організує з дозволу Гаргантюа. В абатстві відсутні примус та забобони та створені всі умови для гармонійного розвитку людської особистості. Статут абатства складається з одного правила: «Роби, що хочеш». Розділи про Телемське абатство, а також про виховання Гаргантюа під керівництвом Понократа є закінченим втіленням принципів гуманізму в романі Рабле. У цьому плані «Гаргантюа і Пантагрюэль» - найяскравіший літературний пам'ятник епохи Відродження, коли відбувався злам однієї культурної парадигми - середньовічної, і виникнення інший - ренесансної.
Творчості видатних іспанських гуманістів епохи, таких як М. Сервантес, Лопе де Вега та інші, були властиві глибокий національно-історичний зміст, патріотизм, висока оцінка гідності людини.
У Великобританії також спостерігався найбільший зліт літературної творчості. Досить назвати ім'я геніального драматурга та поета В. Шекспіра. У творчості Шекспіра можна умовно виділити чотири основні періоди:
1. 1590-1594. Початок драматургічної діяльності Шекспіра. Перші п'єси орієнтовані античні зразки. Так, у хроніках «Генріх VI», «Річард III» відчутно вплив «кривавої трагедії» на кшталт Сенеки. У цей період Шекспір пише і комедії «Комедія помилок», «Приборкання норовливої».
2. 1595-1600. Комедія «Два веронці» - перехідний твір. Романтичний період Створюються комедії «Сон літньої ночі», «Дванадцята ніч». До цього періоду належить трагедія «Ромео та Джульєтта».
3. 1601–1609. Час створення величезних трагедій. П'єси Шекспіра "Гамлет", "Макбет", "Отелло", "Король Лір" - відображають кризу гуманістичної ідеології. Віра в ідею про початкову доброту людини похитнулася, стало очевидним, що зло корениться в самій людській природі. Герої Шекспіра перебувають у владі пристрастей, вони здатні на злочини. Тут трагедія полягає не лише у зіткненні особистості та суспільства, а й у внутрішніх протиріччях у душі героя. Проблема виводиться на загальний філософський рівень, причому характери залишаються надзвичайно багатогранними та психологічно об'ємними. При цьому дуже важливо, що у великих трагедіях Шекспіра повністю відсутнє фаталістичне ставлення до року, що зумовлює трагедію. Головний акцент, як і раніше, ставиться на особистості героя, який формує свою долю та долі оточуючих. Змінюється характер комедій. Вони отримали назву «похмурих комедій» чи «проблемних п'єс».
4. 1609–1613. Період "романтичних драм". Найяскравіший приклад «Зимова казка». Це - поетичні казки, які відводять від реальності у світ мрії. Повна усвідомлена відмова від реалізму та відхід у романтичну фантазію закономірно трактується шекспірознавцями як розчарування драматурга у гуманістичних ідеалах, визнання неможливості досягнення гармонії. Цей шлях - від торжествуюче-радісної віри в гармонію до втомленого розчарування - практично минуло і весь світогляд Ренесансу.
Живопис
Початком ренесансного живопису вважають епоху Дученто. Проторенесанс ще тісно пов'язаний із середньовічними романськими, готичними та візантійськими традиціями. Художники кінця XIII – початку XIV ст. ще далекі від наукового вивчення навколишньої дійсності. Вони висловлюють свої уявлення неї, ще використовуючи умовні образи візантійської образотворчої системи. Але іноді вигляд архітектурних споруд так точно відтворено, що це свідчить про існування замальовок з натури. Традиційні релігійні персонажі починають зображуватися у світі, наділеному властивостями реальності – обсягом, просторовою глибиною, матеріальною речовинністю. Починається пошук прийомів передачі на площині об'єму та тривимірного простору. Майстри цього часу відроджують відомий античності принцип світлотіньового моделювання форм. Завдяки її фігурі та будівлі набувають щільності та об'єму. Очевидно, першим, хто застосував античну перспективу, був флорентієць Ченні ді Пепо, прозваний Чимабуе. На жаль, найзначніша його робота - серія розписів на теми з Апокаліпсису, життя Марії та апостола Петра в церкві Сан Франческо в Ассизі дійшла до нас майже в зруйнованому стані. Найкраще збереглися його вівтарні композиції, що знаходяться у Флоренції та в музеї Лувру. Вони теж сягають візантійських прототипів, але в них чітко проступають риси нового підходу до релігійного живопису. Творчість Чимабуе було вихідним пунктом тих нових процесів, які визначили подальший розвиток живопису.
Великі художники з'являються сміливими новаторами, які відкидають традиційну систему. Таким реформатором в італійському живописі XIV століття слід визнати Джотто ді Бондоне. Він творець нової живописної системи, великий перетворювач всього європейського живопису, справжній родоначальник нового мистецтва. Найвідоміша з робіт Джотто, що дійшли до нас, - цикл розписів у капелі справ Арена в Падуї, присвячений євангельським сказанням про життя Христа. Цей мальовничий унікальний ансамбль – один із етапних творів в історії європейського мистецтва. Замість роз'єднаних окремих сцен та постатей, властивих середньовічному живопису, Джотто створив єдиний епічний цикл. Тридцять вісім сцен із життя Христа та Марії («Зустріч Марії та Єлизавети», «Поцілунок Юди», «Оплакування» та ін.) мовою живопису пов'язані в єдину розповідь. Замість звичного золотого візантійського тла Джотто вводить пейзажне тло. Фігури вже не ширяють у просторі, а знаходять твердий ґрунт під ногами. І хоча вони ще малорухливі, у них видно прагнення передати анатомію людського тіла та природність руху. Джотто надає формам майже скульптурної відчутності, важкості, щільності. Він моделює рельєф, поступово висвітлюючи основний барвистий фон. Цей принцип світлотіньового моделювання, що дозволяв працювати чистими, яскравими фарбами без темних тіней, став пануючим в італійському живописі до XVI століття. З численних пізніх фрескових циклів Джотто, що згадуються в джерелах, збереглися лише розписи двох капел флорентійської церкви Сайту Кроче. Вони присвячені святому Франциску Ассизькому, засновнику ордена злиденних ченців, який жив наприкінці XII - початку XIII ст. Це мальовниче прославлення вчення Св. Франциска невипадково. Св. Франциск започаткував нове світовідчуття людини. Людина для нього - чудове божественне творіння, якому доручено своєю любов'ю оживити світ. Він вчив, що в усьому існуючому розлита божа благодать – у зірках, рослинах, тваринах, яких він називав братами. Він не засуджував світ за його гріховність, а милувався його божественною гармонією. Францисканство було складовою проторенесансного світовідчуття. Не відновлення античності та заперечення християнства, а відродження та просвітлення людини дія. Це нове слово у світовому мистецтві живопису.
Характерна риса живопису пізнього Кватроченто - різноманіття шкіл та напрямів. У цей час складаються флорентійська, умбрійська (П'єро делла Франческа, Пінтуріккьо, Перуджино), північно-італійська (Андреа Мантеньї), венеціанська (Антонелло да Мессіна, Джованні Белліні) школи. Один із найвидатніших художників Кватроченто – Сандро Боттічелі – виразник естетичних ідеалів двору знаменитого тирана, політика, мецената, поета та філософа Лоренцо Медічі, прозваного Чудовим. У мистецтві Боттічеллі відбувається своєрідний синтез середньовічного містицизму з античною традицією, ідеалів готики та Відродження. У його міфологічних образах відбувається відродження символізму. Він зображує прекрасних античних богинь над чуттєвих образах земної краси, а романтичних, одухотворених, піднесених образах. Дві картини, що прославили його, - «Народження Венери» і «Весна». У них ми бачимо своєрідний жіночий образ Боттічеллі: подовжений овал обличчя, довгий ніс з тонкими ніздрями, підняті брови, широко відкриті, здивовані, мріють і ніби страждають очі. Боттічеллі напрочуд поєднував язичницьку чуттєвість і підвищену одухотвореність, скульптурну жорсткість і ніжну крихкість, вишуканість, лінійну точність і емоційність, мінливість. Картини Боттічеллі, крім своєї безпосередньої виразності, мають ще приховане емоційне звучання.