Современное искусство по кусочку. Примитивизм, фовизм
Это течение возникло в изобразительном искусстве конца XIX- начала XX в. Оно отличается намеренным опрощением изобразительных средств и обращением художников к формам примитивного искусства: первобытного, средневекового, народного, детского творчества.
Обычно понятия «примитивизм» и «наивное искусство» отождествляют. Но мы с этим категорически не согласны, потому что наивное искусство – это искусство непрофессионалов, а примитивизм – в определённой степени стилизация. Мы видим «примитивные» картины у многих художников, имевших академическое художественное образование или прошедших школу живописи у различных мастеров. Они имели опыт работы и в других стилях. Это, например, Поль Гоген, Михаил Ларионов, Пабло Пикассо, Наталья Гончарова, Пауль Клее, Климент Редько, Юрий Васнецов и многие другие. Возможно, работы таких больших мастеров не совсем правильно называть «стилизацией», это их собственный стиль, который в основе имеет пластику примитивного искусства. Но и наивным их творчество также назвать нельзя, потому что примитивные способы творческого самовыражения они выбрали сознательно, а не в силу недостатка художественного образования. Например, профессиональный художник Сергей Заграевский с самого начала своей творческой деятельности сохраняет один и тот же характерный для него стиль. Мы назовём этот стиль примитивизмом. А кто-то, возможно, поспорит с нами и отнесёт его картины к наивному искусству.
Сергей Заграевский «Яблоневый сад» (1992)
Конечно, невозможно многообразие творческих способов самовыражения, почерков и приёмов уложить в определённый стиль. Никогда художественная мысль не ограничивается рамками стиля, раз и навсегда выбранным направлением.
В связи с этим хочется вспомнить творчество М. Шагала.
М. Шагал «Белое распятие» (1938). Холст, масло, 254,3 х 139, 7 см. Институт искусств (Чикаго)
Картина создана художником под влиянием впечатлений от преследования евреев в Центральной и Восточной Европе. Она аллегорична. Образ распятого Иисуса для Шагала является новым символом – переживающего смертные муки еврейства.
В этой картине смешаны символизм , историзм и простодушная серьёзность примитивизма.
Марк Шагал (1887-1985) 
Родился в г. Витебске. Получил традиционное домашнее еврейское образование. Занимался в Рисовальной школе Общества поощрения художеств, у Л.С. Бакста в частной художественной школе Е. Н. Званцевой, затем продолжил художественное образование в Париже, где познакомился с художниками и поэтами-авангардистами .
Где бы он ни жил: в Петербурге, Париже, США – всюду он оставался сыном еврейского народа, но всегда хранил в сердце родной город, рисуя его тихие улочки и низенькие дома. Витебск называют второй по значимости «моделью» художника. А первой была Белла, жена и муза – с 1909 г. и до конца жизни.
М. Шагал «Над городом» (1918)
У Шагала отчётливо видна осознанная примитивизация пластического языка, только в такой форме он мог (и желал) выражать себя. Он так говорил о своих попытках стать художником: «Наверно, я вообще не поддаюсь обучению. Или меня не умели учить... Я способен только следовать инстинкту. Понимаете? А школьные правила мне не лезут в голову».
Шагал учился не только у авангардистов – он работал и у мастера вывесок. В витебском Народном художественном училище Шагал вместе с мастерами вывесок и их учениками готовил оформление города к 1-й годовщине революции. Художник изучал и детское творчество. В своей книге «Моя жизнь» он пишет: «Я не уставал восхищаться их рисунками, их вдохновенным лепетом...». В его работах, особенно в графике, проявились черты детского рисунка.
М. Шагал любил бытовые сюжеты и наполнял их фантастикой, предчувствием чуда, мифологичными символами и животными.
У истоков европейского примитивизма – творчество П. Гогена, А. Матисса, А. Модильяни.
Анри Матисс (1869-1954)
А. Матисс – французский художник и скульптор, лидер течения фовистов . Он искал свой путь: сначала писал картины в духе импрессионизма, затем работал в технике пуантилизма (в статье «Постимпрессинизм»), а позже создал новый стиль, вошедший в историю искусства под названием «фовизм». Для его картин периода начала XX в. характерны плоские формы, чёткие линии и менее строгий пуантилизм.
В 1906 г. Матисс побывал в Алжире и открыл для себя скульптуру народов Африки, стал интересоваться примитивизмом и классической японской ксилографией.
А. Матисс «Натюрморт с апельсинами» (1912)
Амедео Модильяни (1884-1920)
Итальянский художник и скульптор, работал в основном в стиле экспрессионизм . Но, испытав влияние многих художников парижской школы (Тулуз-Лотрека, Сезанна, Пикассо, Ренуара), впитал их особенности. В его творчестве присутствуют также отголоски примитивизма и абстракции .
А. Модильяни «Портрет Марии Васильевой» (1918)
Впрочем, некоторые искусствоведы примитивизм считают стилистической маскировкой экспрессионизма. Например, творения гениального австрийского экспрессиониста Оскара Кокошки только специалистам напоминают народные картинки.
Картина Оскара Кокошки
У некоторых художников начала XX в., относящихся к различным художественным направлениям и стилям, присутствуют работы в стиле примитивизм. Вот примеры этих работ.
П. Пикассо «Танцовщица» (1907-1908)
М. Ларионов «Офицерский парикмахер» (1909)
П. Клее «Акробатический номер» (1923)
П. Гоген «Жёлтый Христос» (1889). Холст, масло. 91,1 х 74,3 см. Галерея Олбрайт-Нокс (Буффало)
Эта картина П. Гогена считается одним из ключевых произведений в символизме, но исполнена в стиле примитивизма.
Безграничные муки, принимаемые Христом, противоречат «незамечаемости» этой жертвы людьми. Художник обращается к «вечной» теме, стремясь понять и объяснить себе и другим в своих работах смысл жертвенного служения. Главная тема картины – людская отчужденность и от Бога, и от неба. Но и в выражении лица самого Христа читается не столько любовь к человечеству, сколько сомнения, не была ли напрасной его жертва – на Его лице отображена та стадия страдания, которая граничит с апатией, безразличием ко всему окружающему.
«Венера» М. Ларионова (1912), созданная в стиле примитивизма, похожа на рисунок на заборе, да ещё и с надписью. Конечно, здесь и речи не может быть о наивном искусстве – это явная и намеренная стилизация, насмешка.
Н. Гончарова «Хоровод» (1910)
А вот примитивизм Н. Гончаровой выражен в грубоватой монументальности крестьянских фигур. Несмотря на искусственную статичность ее образов, картины Н. Гончаровой полны мощного вечного движения. Её примитивизм – вариант экспрессионизма.
И в настоящее время художники нередко обращаются к этому стилю. Примитив не скован традицией «школы», он свободен от канонов, отсюда его непосредственность.
Две разновидности примитива: лубочный и романтико-идиллический – оказались долгожителями. Они продолжают жить в примитиве наших дней.
Д. Завгородний «Странный бык»
Д. Завгородний «Северное сияние»
Александр Григорьев-Саврасов 2015-10-23 в 02:10
Хочу нарушить традицию всеобщего восхищения сладкими картинками и сказать: “Это гениально!” - о произведениях совсем другого рода.
Будучи приверженцем традиционных взглядов на изобразительное искусство, я всё же не желаю быть слепым и не видеть прекрасного в иных формах творчества.
В великом множестве различных “измов” затерялось такое направление как наивное искусство, и именно в честь него я хочу написать эту статью.
Данное направление существует и, конечно же, имеет своих героев как, впрочем, и их почитателей.
Тяга к прекрасному есть у каждого из нас, не все имеют образование, но главное, что должно быть у творца — это желание высказаться. Как он будет это делать, какую форму, язык, трактовку изберёт — его право.
Традиционно обратимся к Википедии: Наивное искусство (англ. na?ve art) - одно из направлений примитивизма XVIII-XXI вв., включающее как самодеятельное искусство (живопись, графику, декоративное искусство, скульптуру, архитектуру), так и изобразительное творчество художников-самоучек.
Таких энтузиастов на просторах нашей страны и вообще в мире бесчисленное множество, среди них есть и те, кто достоин пристального внимания.
Самодеятельные художники — это своего рода живой родник, из которого может напиться как неискушённый зритель, так и высоколобый профессионал.
Мы привыкли воспринимать изобразительное творчество как невесту, непременно в белом, оно должно быть привлекательным, нарочито красивым, улыбчивым и, конечно, скромным.
Искусство многогранно, и видеть в нём только праздник — однобоко. Искусство — это способ познания, с его помощью Вы можете постичь радость и печаль, заглянуть в самые потаённые уголки человеческой души и представить космические дали.
Именно это движет творческим человеком вне зависимости от того, имеет он специальное образование либо нет.
Те художники, которых причисляют к наивному искусству, как правило, и понятия не имеют о данном жанре. Их мотивация понятна — это желание выразить своё отношение к миру доступными средствами.
В таком творчестве подкупает искренность и простота, отсутствие украшательства и желания понравиться зрителю. Великолепные качества, вот бы помпезным профессионалам взять их на вооружение!
Уверен, у многих есть примеры из реальной жизни, Вы знаете таких людей, либо слышали о них. Я, к примеру, знаю многих.
Мой старый знакомый дядя Ваня мастер резьбы по дереву. У него всё ручной работы — от поставленных им когда-то стен своего дома до стульев, столов и прочей хозяйственной мелочи.
Он утоляет свой творческий зуд не только резьбой, но и пишет внушительные полотна, которые закрывают все стены его дома.
Когда я спрашиваю его: “Дядя Ваня, откуда у Вас такая любовь к живописи?” — он отвечает, не задумываясь, что с детства мечтал стать профессиональным художником. Что-то там в его жизни не сложилось, он не профессиональный, но художник, и я по-другому к нему не отношусь.
У дяди Вани было несколько выставок в местной блиотеке и, конечно же, есть свои почитатели.
Подобных примеров много. Как и в профессиональной среде — кто-то ярче, кто-то скромней, но всех их объединяет искренняя любовь к творчеству. Что интересно, именно к творчеству, так как скопированных мотивов в багаже таких художников крайне мало.
На каком-то подсознательном уровне они понимают, что внешняя красивость не главное.
Вы только посмотрите на творчество небезызвестной бабы Любы (Любовь Майкова) — это гениально! Писать она начала в 79 лет, вот вам и начинающий художник!
Чего нет в её работах? Конечно, академизма, умения лепить форму, передавать достоверно видимую картинку, внешней красивости и т.д.
Что же в них есть? Мир конкретного человека, дорогие ему образы, в её картинах ощущается лёгкость бытия и творческая свобода.
За плечами этого человека целая жизнь, которая вряд ли была легкой, но автор сохранил юношескую непринуждённость и любовь к жизни.
Сейчас нас пичкают сладкими картинками сладкие художники, а где такие бабы Любы с их лёгкостью бытия, где истинные художники со своими мирами и собственным взглядом на искусство?
В живописи эпоху соцреализма и государственной пропаганды сменила эпоха украшательства. Знаю, она тоже пройдёт, рано или поздно основной ценностью художника будет его уникальность.
Конечно, здесь многое зависит от зрителя, но я в него верю! Я верю, что зритель — слышащий, видящий и думающий. Я хочу верить в то, что зритель — личность и сам принимает решения, что ему близко, чему он будет сопереживать.
Какая разница, в каком жанре работает художник? Важно, какие цели он перед собой ставит — выражать себя честно или угождать?
Мой знакомый дядя Ваня никому не угождает. Я люблю у него бывать и черпать вдохновение из его чистого колодца. Мы с ним никогда не говорим об искусстве, потому как ему нечего сказать, он не привык говорить, он просто живёт своим творчеством.
Так и вышеупомянутая баба Люба, свободная от академических знаний, отражала на своих полотнах жизнь, которой жила сама. Лично я ценю её подвиг — на исходе лет она оставила миру послание в собственном творчестве.
Замечательный пример начинающим художникам. Начните творить лучше поздно, чем никогда. Не существует непреодолимых трудностей и неразрешимых задач!
Если Вас ещё не покинуло чувство прекрасного, а мир по-прежнему ярок и свеж, расскажите об этом в своих картинах. Расскажите так, как Вы это умеете.
Отговорки, будто бы Вы ещё не обладаете должным мастерством — удел тех, кто им никогда обладать не будет. Как известно, не ошибается тот, кто ничего не делает.
Обращаясь к своим первым попыткам участвовать в выставках профессиональных художников, я с ужасом вспоминаю свои ранние работы. Но меня всегда греет мысль, что это были мои картины, я ни у кого их не копировал и не создавал по мотивам.
Остаться самим собой — непосильная задача, но я желаю Вам её осилить!
Я желаю Вам услышать — “Это гениально!” не потому, что Вы превзошли фотоснимок в своём мастерстве, а потому, что с Ваших полотен нисходит лёгкость бытия . И если Вы только зритель, я желаю Вам в совершенстве овладеть языком визуальных образов и больше никогда не обращаться к услугам косноязычных переводчиков.
Завершая нашу беседу о наивном искусстве, я хотел бы подчеркнуть, что искусство не нуждается в определениях и порой наивное во сто крат сильнее академического. Вы сможете увидеть это сами, если перестанете относиться к нему предвзято.
Мне интересно, есть ли у Вас знакомые , и знаете ли Вы творчество известных художников, работающих в жанре наивного искусства.
Расскажите об этом в комментариях.
Тивадар Костка родился 5 июля 1853 года, в горном селении Кишсебен, принадлежавшем Австрии (ныне Сабинов, Словакия)— венгерский художник-самоучка.
Его отец Ласли Костка был врачом и аптекарем. Будущий художник с детства знал, что станет аптекарем. Но прежде чем стать им сменил много профессий—работал торговым служащим, какое-то время посещал лекции на факультете права, и только потом изучил фармакологию.
Однажды, ему было уже 28 лет, находясь в аптеке, он схватился за карандаш и нарисовал на рецептурном бланке увиденную им из окна простую сцену — проезжающую телегу, запряженную буйволами.С этих пор, или еще раньше, он твердо намерился стать художником, для этого он постарался сколотить небольшой капиталец, который дал ему материальную независимость.
«Старый рыбак»
О себе он писал следующее: «Я, Тивадар Костка, во имя обновления мира отказался от своей юности. Когда я принял посвящение от невидимого духа, у меня было обеспеченное положение, я жил в достатке и удобстве. Но я покинул родину, потому что хотел видеть ее на закате своей жизни богатой и славной. Чтобы достичь этого, я долго путешествовал по Европе, Азии и Африке. Я хотел найти предсказанную мне истину и претворить ее в живопись».
Похоже, что идея стать художником настойчиво не давала покоя Тивадару Костке.
В один прекрасный день он отправляется в Рим, затем в Париж, где встречается с известным венгсрским художником Михаем Мункачи.
А потом возвращается на родину, и в течение четырнадцати лет работает в аптеке, стремясь добиться материальной независимости. Наконец, небольшой капитал накоплен, и он в один прекрасный день сдает аптеку в ареду и уезжает учиться сначала в Мюнхен, а затем в Париж.
Далее следует так хорошо знакомый нам принцип построения судьбы непризнанного гения.
Он понял, что те навыки, которые он приобретет в процессе учебы, не соответствуют его восприятию. А потому бросает учебу и в 1895 году отправляется в путешествие по Италии, чтобы рисовать пейзажи. Путешествовал также по Греции, Северной Африке и Ближнему Востоку.
В 1900 сменил свою фамилию Костка на псевдоним Чонтвари.
Ценность его произведений многими критиками подвергалась сомнениям. В Европе их выставляли, (правда, без особого успеха), но в своей родной Венгрии Чонтвари раз и навсегда нарекли сумасшедшим. Только под конец жизни приехал он в Будапешт и привез туда свои полотна. Попытался завещать их местному музею, но никому они оказались не нужны. В 1919 году Тивадар Костка Чонтвари по-настоящему сошел с ума и умер нищим, одиноким, осмеянным и никому не нужным.
Похоронив несчастного, родственники начали делить добро. А добра всего было - одни лишь картины. И вот, посоветовавшись с «экспертами», полотна решили сдать в утиль, как обычный холст, а деньги поделить между собой, чтобы все было по-честному.
В это время случайно или совсем даже не случайно (странное совпадение, однако!) мимо проходил молодой архитектор Гедеон Герлоци. Он-то и спас творения художника, заплатив за них несколько больше, чем предлагал старьевщик. Сейчас картины Тивадара Чонтвари хранятся в музее города Печа (Венгрия).
И вот, совсем недавно, одному из сотрудников музея, в процессе рассматривания картины Костки «Старый рыбак», написанной в 1902 году, пришло в голову приложить к ней зеркало. И тут он увидел, что картина-то на полотне не одна, а как минимум - две! Попробуйте сами разделить полотно зеркалом, и вы увидите или бога, сидящего в лодке, на фоне мирного, можно сказать, райского пейзажа, или самого дьявола, позади которого бушуют черные волны. А может, и в других картинах Чонтвари, есть скрытый смысл? Ведь не так-то прост был, оказывается, бывший аптекарь из деревушки Игло.
) в своих экспрессивных размашистых работах смогла сохранить прозрачность тумана, легкость паруса, плавное покачивание корабля на волнах.
Ее картины поражают своей глубиной, объемом, насыщенностью, а текстура такова, что от них невозможно оторвать взгляд.
Теплая простота Валентина Губарева
Художник-примитивист из Минска Валентин Губарев не гонится за славой и просто делает то, что любит. Его творчество безумно популярно за рубежом, но почти незнакомо его соотечественникам. В середине 90-х годов в его бытовые зарисовки влюбились французы и заключили с художником контракт на 16 лет. Картины, которые, казалось бы, должны быть понятны только нам, носителям «скромного обаяния неразвитого социализма», понравились европейской публике, и начались выставки в Швейцарии, Германии, Великобритании и других странах.
Чувственный реализм Сергея Маршенникова
Сергею Маршенникову 41 год. Он живет в Санкт-Петербурге и творит в лучших традициях классической русской школы реалистичной портретной живописи. Героинями его полотен становятся нежные и беззащитные в своей полуобнаженности женщины. На многих самых известных картинах изображена муза и жена художника - Наталья.
Близорукий мир Филипа Барлоу
В современную эпоху картинок высокого разрешения и расцвета гиперреализма творчество Филипа Барлоу (Philip Barlow) сразу привлекает внимание. Однако от зрителя требуется определенное усилие для того, чтобы заставить себя смотреть на размытые силуэты и яркие пятна на полотнах автора. Наверное, так видят мир без очков и контактных линз люди, страдающие близорукостью.
Солнечные зайчики Лорана Парселье
Живопись Лорана Парселье (Laurent Parcelier) - это удивительный мир, в котором нет ни грусти, ни уныния. У него вы не встретите хмурых и дождливых картин. На его полотнах много света, воздуха и ярких красок, которые художник наносит характерными узнаваемыми мазками. Это создает ощущение, будто картины сотканы из тысячи солнечных зайчиков.
Динамика города в работах Джереми Манна
Маслом на деревянных панелях американский художник Джереми Манн (Jeremy Mann) пишет динамичные портреты современного мегаполиса. «Абстрактные формы, линии, контраст светлых и темных пятен - все создает картину, которая вызывает то чувство, которое человек испытывает в толпе и суматохе города, но также может выразить и спокойствие, которое обретается при созерцании тихой красоты», - говорит художник.
Иллюзорный мир Нила Саймона
На картинах британского художника Нила Саймона (Neil Simone) все не так, как кажется на первый взгляд. «Для меня мир вокруг - это череда хрупких и постоянно меняющихся форм, теней и границ», - говорит Саймон. И на его картинах все действительно иллюзорно и взаимосвязано. Границы смываются, а сюжеты перетекают друг в друга.
Любовная драма Жозефа Лорассо
Итальянец по происхождению современный американский художник Жозеф Лорассо (Joseph Lorusso) переносит на холст сюжеты, подсмотренные им в повседневной жизни обычных людей. Объятия и поцелуи, страстные порывы, минутки нежности и желания наполняют его эмоциональные картины.
Деревенская жизнь Дмитрия Лёвина
Дмитрий Лёвин - признанный мастер русского пейзажа, зарекомендовавший себя как талантливый представитель русской реалистической школы. Важнейший источник его искусства - привязанность к природе, которую он нежно и страстно любит и частью которой себя ощущает.
Яркий восток Валерия Блохина
Работы Владимира Любарова находятся в Государственном Русском музее, Государственной Третьяковской галерее, российских частных коллекциях, а также в музеях и частных коллекциях многих стран мира.
Владимир Любаров - известный книжный график, проиллюстрировавший более ста книг, среди которых Вольтер, Рабле, Гоголь, Стругацкие, Шолом-Алейхем, Зингер. Одиннадцать лет он был главным художником журнала “Химия и жизнь”, а в начале перестройки организовал с группой писателей первое в России частное книгоиздательство “Текст”.
Однако в 1992 году Любаров неожиданно для окружающих резко изменил свою жизнь. Отказавшись от амплуа престижного столичного художника, он купил маленький дом в полузаброшенной деревне Перемилово на краю Владимирской области и с головой окунулся в простую крестьянскую жизнь.
Занявшись живописью, он начал изображать своих новых земляков. “Картинки из русской жизни” имели огромный успех на Западе, и вскоре Любарова приглашают с выставками в Бельгию, Германию, Францию и Швейцарию. А вскоре пришел успех и в России. За последние годы прошли две персональные выставки художника в одной из самых престижных московских галерей - Галерея "Дом Нащокина" , а в 2008 году состоялась персональная выставка Владимира Любарова в Государственной Третьяковской галерее .
У " Нашей улицы " (так называлась одна из выставок художника) Владимира Любарова нет точного географического адреса: где она расположена - в городе ли, в деревне или просто в чистом поле - неизвестно. И живут на ней люди разных кровей и вероисповеданий - русские, евреи и лица неопределенной "кавказской национальности".
Персонажи отличаются друг от друга не только национальной экипировкой, но и временем, в котором живут: оно на "Нашей улице" течет и вперед и назад, и вкривь и вкось, а то и вовсе стоит на месте, как то угодно художнику. И вместе с тем это типичная российская глубинка: реалии узнаются сразу - и грязный рынок, и типичный провинциальный вокзал, и Парк культуры с непременной "девушкой с веслом", и толпящиеся в очередях, а также выпивающие на лоне природы граждане.
Проживает на "Нашей улице" и небольшая еврейская община, состоящая из "русских евреев" - сапожников и раввинов, резников и портных. Вполне органично вписавшись в российские пейзажи, они соблюдают субботу, едят мацу на Песах, изучают Тору и Талмуд и думают все больше о вечном.
Многие сюжеты Любарова откровенно литературны, навеяны легендами, библейскими притчами, рассказами, где-то за ними маячат тени Шолом-Алейхема, Бабеля, Исаака Башевиса Зингера и героев русских сказок.
О литературности в живописи иногда говорят, как о недостатке того или иного художника. И напрасно говорят. Литература как мать всех искусств была для многих самых великих живописцев мощным источником вдохновения. Сколько полотен навеяно книгой книг - Библией!
Говоря о картинах Любарова, знатоки часто произносят слова «лубок» и «наивность». Ну конечно, лубок тут имеет место и наивность - тоже. Hо какая наивность? Наивными, как я понимаю, чаще всего считают художников, которые, имея природные способности к живописи, специального образования не получили, соответствующей техникой не овладели, но поражают своих почитателей свежестью взгляда на жизнь и «вынужденным» пренебрежением законами изобразительного искусства.
Любаров к такой породе художников никак не относится. Он - высокий профессионал и искусством своим владеет в совершенстве. Но что роднит его с наивными художниками, так это умение посмотреть на мир взглядом, незамутненным профессионализмом, удивиться увиденному, может быть, даже по-детски, и заставить нас испытать такое же удивление. В этом смысле каждый настоящий художник наивен, и каждое истинное творение искусства в известной степени тоже наивно.
Он обладает редким даром видеть в частных фактах и ситуациях повседневности особый, метафорический смысл, связь времен и национальных традиций, смешное и значительное.
Работы художника свидетельствуют о высокой профессиональной культуре, о творческой изобретательности и неповторимой стилистической манере автора, его причастности к судьбам своих персонажей.
Эмоциональный, содержательный диапазон произведений Владимира Любарова несет в себе неподдельное очарование и глубину искреннего сопереживания многоликому миру, нас окружающему, глубину его философского обобщения и гротескной интерпретации, что само по себе уже заслуживает серьезного внимания и вдумчивого отношения как к личности мастера, так и к его творческим устремлениям.
Искусство Любарова несомненно принадлежит к ярким, неподражаемым явлениям современной отечественной художественной культуры.
Валентин Родионов - Генеральный директор Государственной Третьяковской галереи
Прогуливаясь недавно по Новому Арбату, обнаружил Владимир Любаров на лотках и стендах, щедро заставленных произведениями «народного творчества», и немалое количество картинок Владимира Любарова. Все эти картинки были снабжены его «собственноручной» подписью. А некоторые из них - так даже сразу тремя: под картинкой, на паспарту и на обороте. Чтоб уж наверняка. И никто бы не сомневался. Честно говоря, больше всего расстроил художника Любарова не сам факт торговли подделками на Новом Арбате, а качество этих изделий. Не напрягаются ребята.
ребята. Отпечатаны арбатские «клюквы» на ксероксе, потом от руки раскрашены. Там, где арбатским умельцам не нравится цвет, они его смело меняют. Совершенствуют, так сказать. А где уж совсем отрываются - так это в названиях картинок. Сочиняют свои - и мы, дескать, не лыком шиты. Постоял-постоял художник Любаров возле стенда, порассматривал «свои» картинки и - давай, думает, куплю.
А что? По полторы «тыщи» рублей большие картинки, а маленькие - так вообще по триста. Налетай - не скупись. Вот и Любаров мелочиться не стал - купил большую картинку. У него она, правда, называлась «Хор», а тут - «Без фальши». Почему? - заморачиваться не стал, тем более что в ходе жесткой дискуссии с продавцом («Я те клянусь, оригинал!» - «Ну, ты мне рассказывай! Я же вижу, раскрашенный ксерокс!» - «Мужчина, берите картину или идите себе мимо!») цену на «самого себя» удалось спустить до семисот. Что было приятно. И опять же есть теперь что показать друзьям и знакомым.