Dorofeev N.V.

INTRODUCERE

Într-una dintre lucrările sale, A. I. Herzen a scris despre poporul rus, „puternic și nerezolvat”, care „a păstrat trăsături maiestuoase, o minte plină de viață și o desfătare largă de o natură bogată sub jugul iobăgiei și a răspuns ordinului lui Petru de a fi format o sută de ani mai târziu, cu apariția uriașă a lui Pușkin”. Desigur, nu numai A.S. Pușkin se referea la Herzen. Pușkin a devenit un simbol al erei sale, când a existat o creștere rapidă a dezvoltării culturale a Rusiei. Epoca lui Pușkin, prima treime a secolului al XIX-lea, nu este în zadar numită „epoca de aur” a culturii ruse.

Începutul secolului al XIX-lea este o perioadă de ascensiune culturală și spirituală în Rusia. Dacă în dezvoltarea economică și socio-politică Rusia a rămas în urma statelor europene avansate, atunci în realizările culturale nu numai că a ținut pasul cu acestea, dar le-a depășit adesea. Dezvoltarea culturii ruse în prima jumătate a secolului al XIX-lea s-a bazat pe transformările timpului anterior. Pătrunderea elementelor relațiilor capitaliste în economie a crescut nevoia de oameni alfabetizați și educați. Orașele au devenit principalele centre culturale. Noi pături sociale au fost atrase în procesele sociale. Cultura s-a dezvoltat pe fondul conștiinței de sine naționale din ce în ce mai mari a poporului rus și, în acest sens, a avut un caracter național pronunțat. Războiul Patriotic din 1812 a avut un impact semnificativ asupra literaturii, teatrului, muzicii și artelor plastice, ceea ce a accelerat creșterea conștiinței naționale de sine a poporului rus și consolidarea acesteia într-un grad fără precedent. A avut loc o apropiere de poporul rus al altor popoare din Rusia. Cu toate acestea, tendințele conservatoare din politica împăraților Alexandru I și Nicolae I au împiedicat dezvoltarea culturii. Guvernul a luptat activ împotriva manifestărilor de gândire socială progresistă. Iobăgie a făcut imposibil ca întreaga populație să se bucure de înalte realizări culturale.

Epoca Eliberării a dat un impuls puternic dezvoltării culturale a Rusiei. Schimbările în viața economică și politică după căderea iobăgiei au creat noi condiții pentru dezvoltarea culturii. Atragerea în relațiile de piață a unor secțiuni din ce în ce mai largi ale țărănimii a ridicat problema învățământului public primar cu toată acuitatea ei. Acest lucru a determinat o creștere fără precedent a numărului de școli rurale și urbane. Industria, transporturile și comerțul au prezentat o cerere tot mai mare de specialiști cu studii medii și superioare. Rândurile intelectualității au crescut considerabil. Cercetările ei spirituale au determinat creșterea editării de carte, au crescut circulația ziarelor și revistelor. Dezvoltarea teatrului, picturii și a altor arte a fost pe același val. Cultura Rusiei din a doua jumătate a secolului al XIX-lea - începutul secolului al XX-lea a absorbit tradițiile artistice, idealurile estetice și morale ale „epocii de aur” din perioada anterioară. La începutul secolelor XIX - XX, în viața spirituală a Europei și a Rusiei au apărut tendințe legate de viziunea asupra lumii a unei persoane din secolul al XX-lea. Ei au cerut o nouă înțelegere a problemelor sociale și morale. Toate acestea au dus la căutarea de noi metode și mijloace vizuale. În Rusia, s-a dezvoltat o perioadă istorică și artistică deosebită, pe care contemporanul său a numit-o „epoca de argint” a culturii ruse.

Preamărirea isprăvii poporului, ideea trezirii lor spirituale, denunțarea plagilor Rusiei feudale - acestea sunt principalele teme ale artelor plastice ale secolului al XIX-lea.

Pictura rusă din prima jumătate a secolului al XIX-lea.

Artele plastice rusești au fost caracterizate de romantism și realism. Cu toate acestea, metoda recunoscută oficial a fost clasicismul. Academia de Arte a devenit o instituție conservatoare și inertă care a împiedicat orice încercare de libertate creativă. Ea a cerut să respecte cu strictețe canoanele clasicismului, a încurajat scrierea de picturi pe subiecte biblice și mitologice. Tinerii artiști ruși talentați nu au fost mulțumiți de cadrul academicismului. Prin urmare, au apelat adesea la genul portretului.

Kiprensky Orest Adamovich, artist rus. Un maestru remarcabil al artei plastice rusești a romantismului, cunoscut ca un minunat portretist. În pictura „Dmitri Donskoy pe câmpul Kulikovo” (1805, Muzeul Rus) a demonstrat o cunoaștere încrezătoare a canoanelor tabloului istoric academic. Dar de la început, zona în care talentul său se dezvăluie cel mai natural și natural este portretul. Primul său portret pictural („A. K. Schwalbe”, 1804, ibid.), scris în maniera „rembrandtiană”, se remarcă prin sistemul său expresiv și dramatic de lumini și umbre. De-a lungul anilor, priceperea sa - manifestată prin capacitatea de a crea, în primul rând, imagini individuale-caracteristice unice, alegând mijloace plastice speciale pentru a pune în evidență această caracteristică - se întărește. Plin de o vitalitate impresionantă: un portret al unui băiat de A. A. Chelishchev (circa 1810-11), imagini pereche ale soților F. V. și E. P. Rostopchin (1809) și V. S. și D. N. Khvostov (1814, toate - Galeria Tretiakov). Artistul se joacă din ce în ce mai mult cu posibilitățile de culoare și contraste de lumini și umbre, fundal peisaj, detalii simbolice („E. S. Avdulina”, despre 1822, ibid.). Artistul știe să realizeze liric chiar și portrete ceremoniale mari, aproape intim relaxate („Portretul vieții husari colonel Yevgraf Davydov”, 1809, Muzeul Rus). Portretul său al unui tânăr A.S. Pușkin este unul dintre cei mai buni în crearea unei imagini romantice. Pușkinul lui Kiprensky arată solemn și romantic, într-un halou de glorie poetică. „Mă flatezi, Oreste”, a oftat Pușkin, privind pânza terminată. Kiprensky a fost, de asemenea, un desenator virtuoz, care a creat (în principal în tehnica creionului italian și a pastelului) exemple de pricepere grafică, depășindu-și adesea portretele picturale cu o emoție deschisă, captivantă de ușoară. Acestea sunt tipuri de zi cu zi („Muzicianul orb”, 1809, Muzeul Rus; „Kalmychka Bayausta”, 1813, Galeria Tretiakov) și celebra serie de portrete în creion ale participanților la Războiul Patriotic din 1812 (desene care îl înfățișează pe E. I. Chaplits, A. R. Tomilova) , P. A. Olenina, același desen cu poetul Batiușkov și alții, 1813-15, Galeria Tretiakov și alte colecții); începutul eroic capătă aici o conotaţie sinceră. Un număr mare de schițe și dovezi textuale arată că artistul, de-a lungul perioadei sale de maturitate, a gravitat spre crearea unui tablou mare (în propriile sale cuvinte dintr-o scrisoare către A. N. Olenin din 1834), „spectaculos sau, în rusă, izbitor și magic. ”, unde rezultatele istoriei europene, precum și destinul Rusiei, ar fi reprezentate în formă alegorică. „Cititorii de ziare din Napoli” (1831, Galeria Tretiakov) - în aparență doar un portret de grup - de fapt, există un răspuns simbolic secret la evenimentele revoluționare din Europa. Cu toate acestea, cele mai ambițioase dintre alegoriile pitorești ale lui Kiprensky au rămas neîmplinite sau au dispărut (precum „mormântul lui Anacreon”, finalizat în 1821). Aceste căutări romantice au primit însă o continuare pe scară largă în lucrările lui K. P. Bryullov și A. A. Ivanov.

Maniera realistă a fost reflectată în lucrările lui V.A. Tropinină. Portretele timpurii ale lui Tropinin, pictate în culori restrânse (portretele de familie ale conților Morkovs din 1813 și 1815, ambele în Galeria Tretiakov), aparțin încă în totalitate tradiției Epocii Luminilor: modelul este centrul necondiționat și stabil al imaginii în lor. Mai târziu, colorarea picturii lui Tropinin devine mai intensă, volumele sunt de obicei modelate mai clar și mai sculptural, dar cel mai important, un sentiment pur romantic al elementelor în mișcare ale vieții crește insinuator, doar o parte din care eroul portretului pare să fie. fie un fragment („Bulahov”, 1823; „K. G. Ravich” , 1823; autoportret, circa 1824; toate trei - ibid.). Așa este A. S. Pușkin în celebrul portret din 1827 (Muzeul All-Russian al lui A. S. Pușkin, Pușkin): poetul, punând mâna pe un teanc de hârtie, de parcă „ascultă muza”, ascultă visul creator care înconjoară imaginea cu un halou invizibil . A pictat și un portret al lui A.S. Pușkin. Înainte ca privitorul să pară înțelept prin experiența de viață, nu o persoană foarte fericită. În portretul lui Tropinin, poetul este fermecător într-un mod familiar. O oarecare căldură și confort special vechi de Moscova emană din lucrările lui Tropinin. Până la 47 de ani, a fost în robie. Prin urmare, probabil, chipurile oamenilor obișnuiți sunt atât de proaspete, atât de inspirate de pânzele sale. Iar tinerețea și farmecul lui „Dantelărie” sunt nesfârșite. Cel mai adesea, V.A. Tropinin s-a îndreptat către imaginea oamenilor din popor („Dântelarul”, „Portretul unui fiu” etc.).

Căutările artistice și ideologice ale gândirii sociale rusești, așteptarea schimbărilor, s-au reflectat în picturile lui K.P. Bryullov „Ultima zi a Pompeii” și A.A. Ivanov „Apariția lui Hristos în popor”.

O mare operă de artă este pictura „Ultima zi a Pompeii” de Karl Pavlovich Bryullov (1799-1852). În 1830, artistul rus Karl Pavlovich Bryullov a vizitat săpăturile orașului antic Pompei. S-a plimbat de-a lungul trotuarelor antice, a admirat frescele, iar acea noapte tragică din august 79 d.Hr. a apărut în imaginația lui. e., când orașul era acoperit cu cenușă roșie și piatră ponce a Vezuviului trezit. Trei ani mai târziu, tabloul „Ultima zi a Pompeii” a făcut o călătorie triumfală din Italia în Rusia. Artistul a găsit culori uimitoare pentru a înfățișa tragedia orașului antic, murind sub lavă și cenușa erupției Vezuviului. Imaginea este impregnată de idealuri umaniste înalte. Arată curajul oamenilor, abnegația lor, demonstrată în timpul unei catastrofe groaznice. Bryullov a fost în Italia într-o călătorie de afaceri de la Academia de Arte. În această instituție de învățământ, pregătirea în tehnica picturii și desenului era bine înființată. Cu toate acestea, Academia sa concentrat fără echivoc asupra moștenirii antice și a temelor eroice. Pictura academică s-a caracterizat printr-un peisaj decorativ, teatralitatea compoziției generale. Scene din viața modernă, un peisaj rusesc obișnuit au fost considerate nedemne de pensula artistului. Clasicismul în pictură a fost numit academism. Bryullov a fost asociat cu Academia cu toată munca sa.

Avea o imaginație puternică, un ochi ager și o mână fidelă - și a produs creații vii, în concordanță cu canoanele academismului. Cu adevărat cu grația lui Pușkin, el a reușit să surprindă pe pânză frumusețea unui corp uman gol și tremurul unei raze de soare pe o frunză verde. Pânzele sale „Călăsătoarea”, „Bathsheba”, „Dimineața italiană”, „Amiaza italiană”, numeroasele portrete ceremoniale și intime vor rămâne pentru totdeauna capodopere ale picturii rusești. Cu toate acestea, artistul a gravitat întotdeauna către teme istorice mari, spre reprezentarea unor evenimente semnificative din istoria omenirii. Multe dintre planurile sale în acest sens nu au fost puse în aplicare. Bryullov nu a părăsit niciodată ideea de a crea o pânză epică bazată pe un complot din istoria Rusiei. Începe pictura „Asediul Pskovului de către trupele regelui Ștefan Batory”. Ea descrie punctul culminant al asediului din 1581, când războinicii din Pskov și. orășenii se grăbesc să atace polonezii care au pătruns în oraș și să-i arunce înapoi în spatele zidurilor. Dar tabloul a rămas neterminat, iar sarcina de a crea picturi istorice cu adevărat naționale a fost îndeplinită nu de Bryullov, ci de următoarea generație de artiști ruși. La aceeași vârstă cu Pușkin, Bryullov i-a supraviețuit cu 15 ani. A fost bolnav în ultimii ani. Dintr-un autoportret pictat la acea vreme, se uită la noi un bărbat roșcat cu trăsături delicate și o privire calmă, gânditoare.

În prima jumătate a secolului al XIX-lea. a trăit și a lucrat artistul Alexander Andreevici Ivanov (1806-1858). Și-a dedicat întreaga viață creatoare ideii de trezire spirituală a oamenilor, întruchipând-o în tabloul „Apariția lui Hristos în popor”. Mai bine de 20 de ani a lucrat la tabloul „Arătarea lui Hristos către popor”, în care a pus toată puterea și strălucirea talentului său. În prim-planul pânzei sale grandioase, atrage atenția figura curajoasă a lui Ioan Botezătorul, arătând oamenii spre Hristos care se apropie. Figura lui este dată în depărtare. Încă nu a venit, vine, cu siguranță va veni, spune artistul. Iar chipurile și sufletele celor care îl așteaptă pe Mântuitorul se luminează, se curăță. În această poză, el a arătat, după cum a spus mai târziu I. E. Repin, „un popor asuprit, însetat de cuvântul libertății”.

În prima jumătate a secolului al XIX-lea. Pictura rusă include intriga de zi cu zi. Unul dintre primii care i s-a adresat a fost Alexei Gavrilovici Venetsianov (1780-1847). Și-a dedicat munca înfățișării vieții țăranilor. El arată această viață într-o formă idealizată, înfrumusețată, aducând un omagiu sentimentalismului la modă de atunci. Cu toate acestea, picturile lui Venetsianov „Ara”, „La recoltă. Vara”, „Pe teren arabil. Primăvara”, „Femeia țărană cu flori de colț”, „Zakharka”, „Dimineața proprietarului”, care reflectă frumusețea și noblețea oamenilor obișnuiți, au servit la afirmarea demnității unei persoane, indiferent de statutul său social.

Tradițiile sale au fost continuate de Pavel Andreevici Fedotov (1815-1852). Pânzele sale sunt realiste, pline de conținut satiric, expunând moralitatea mercenară, viața și obiceiurile elitei societății („Major’s Matchmaking”, „Fresh Cavalier”, etc.). Și-a început cariera ca satiric ca ofițer de gardă. Apoi a făcut schițe amuzante și răutăcioase ale vieții armatei. În 1848, pictura sa „The Fresh Cavalier” a fost prezentată la o expoziție academică. A fost o batjocură îndrăzneață nu numai a birocrației stupide, mulțumită de sine, ci și a tradițiilor academice. Roba murdară, pe care personajul principal al imaginii l-a îmbrăcat, semăna foarte mult cu o togă antică. Bryullov a stat mult timp în fața pânzei, apoi i-a spus autorului jumătate în glumă pe jumătate serios: „Felicitări, m-ați învins”. Alte tablouri ale lui Fedotov („Micul dejun al unui aristocrat”, „Matchmaking-ul maiorului”) sunt, de asemenea, de natură comică și satiric. Ultimele sale tablouri sunt foarte triste („Ancoră, mai multă ancoră!”, „Văduvă”). Contemporanii au comparat pe bună dreptate P.A. Fedotov în pictură cu N.V. Gogol în literatură. Demascarea plagilor Rusiei feudale este tema principală a operei lui Pavel Andreevici Fedotov.

Pictura rusă din a doua jumătate a secolului al XIX-lea.

A doua jumătate a secolului al XIX-lea a fost marcată de înflorirea artelor plastice rusești. A devenit o artă cu adevărat mare, impregnată de patosul luptei de eliberare a oamenilor, răspunzând cerințelor vieții și intrând activ în viață. Realismul a fost în cele din urmă stabilit în artele vizuale - o reflectare veridică și cuprinzătoare a vieții oamenilor, dorința de a reconstrui această viață pe baza egalității și justiției.

Tema centrală a artei a fost oamenii, nu numai cei asupriți și suferinzi, ci și oamenii - creatorul istoriei, oamenii-luptător, creatorul a tot ce este mai bun în viață.

Stabilirea realismului în artă a avut loc într-o luptă încăpățânată cu tendința oficială, reprezentată de conducerea Academiei de Arte. Lucrătorii academiei și-au inspirat studenții cu ideea că arta este mai presus de viață, au propus doar teme biblice și mitologice pentru munca artiștilor.

La 9 noiembrie 1863, un grup mare de absolvenți ai Academiei de Arte a refuzat să scrie lucrări competitive pe tema propusă din mitologia scandinavă și a părăsit Academia. Rebelii au fost conduși de Ivan Nikolaevici Kramskoy (1837-1887). S-au unit într-un artel și au început să locuiască într-o comună. Șapte ani mai târziu, s-a destrămat, dar în acest moment s-a născut „Asociația Expozițiilor de Artă Itinerante”, o asociație profesională și comercială de artiști care se aflau pe poziții ideologice apropiate.

„Rătăcitorii” au fost uniți în respingerea „academismului” cu mitologia sa, peisajele decorative și teatralitatea pompoasă. Au vrut să înfățișeze viața vie. Locul principal în munca lor a fost ocupat de scenele de gen (de zi cu zi). Țărănimea s-a bucurat de o simpatie deosebită față de Rătăcitori. Ei i-au arătat nevoia, suferința, poziția asuprită. La acea vreme - în anii 60-70. Secolul al XIX-lea - latura ideologică a artei a fost apreciată mai sus decât estetica. Abia cu timpul artiștii și-au amintit valoarea inerentă a picturii.

Poate cel mai mare tribut adus ideologiei a fost oferit de Vasily Grigorievici Perov (1834-1882). În lucrările sale, Perov denunță cu pasiune sistemul existent, cu multă pricepere și persuasivitate arată soarta grea a oamenilor. În tabloul „Procesiune rurală de Paște”, artistul a arătat satul rusesc într-o sărbătoare, sărăcie, beție neîngrădită, a înfățișat satiric clerul rural. Unul dintre cele mai bune tablouri ale lui Perov, „Văzând morții”, care povestește despre soarta tragică a unei familii rămase fără întreținerea familiei, este izbitoare în drama, durerea fără speranță. Picturile sale „Ultima crâșmă la avanpost”, „Bătrânii părinți la mormântul fiului lor” sunt foarte faimoase. Umorul subtil și lirismul, dragostea pentru natură sunt impregnate de picturile „Vânători în repaus”, „Pescuitul”. Opera sa este pătrunsă de dragoste pentru oameni, de dorința de a înțelege fenomenele vieții și de limbajul artei de a spune cu adevărat despre ele. Picturile lui Perov sunt printre cele mai bune exemple de artă rusă. Opera sa pare să aibă ceva în comun cu poezia lui Nekrasov, cu operele lui Ostrovsky, Turgheniev. Este suficient să ne amintim picturile sale precum „Sosirea ofițerului de poliție pentru anchetă”, „Bea ceai în Mytishchi”. Unele dintre lucrările lui Perov sunt impregnate de o tragedie autentică („Troica”, „Bătrâni părinți la mormântul fiului”). Perov a pictat o serie de portrete ale contemporanilor săi celebri (Ostrovski, Turgheniev, Dostoievski).

Câteva pânze ale „Rătăcitorilor”, pictate din viață sau sub impresia unor scene reale, ne-au îmbogățit ideile despre viața țărănească. Pictura de S. A. Korovin „Despre lume” arată o încăierare la o întâlnire rurală între un om bogat și un om sărac. V. M. Maksimov a captat furia, lacrimile și durerea diviziunii familiei. Festivitatea solemnă a muncii țărănești este reflectată în pictura lui G. G. Myasoedov „Cositoare”.

Liderul ideologic al Asociației Expozițiilor Itinerante a fost Ivan Nikolaevich Kramskoy (1837-1887), un artist remarcabil și teoretician al artei. Kramskoy a luptat împotriva așa-numitei „arte pure”. I-a chemat artistului să fie om și cetățean, să lupte pentru idealuri sociale înalte cu munca sa. În opera lui Kramskoy, locul principal a fost ocupat de portrete. Kramskoy a creat o întreagă galerie de portrete minunate ale scriitorilor, artiștilor, personalităților publice ruși: Tolstoi, Saltykov-Șcedrin, Nekrasov, Șișkin și alții. El deține unul dintre cele mai bune portrete ale lui Lev Tolstoi. Privirea scriitorului nu părăsește privitorul, din orice punct ar privi pânza. Una dintre cele mai puternice lucrări ale lui Kramskoy este pictura „Hristos în deșert”.

Rătăcitorii au făcut descoperiri autentice în pictura peisajului. Alexey Kondratievich Savrasov (1830-1897) a reușit să arate frumusețea și lirismul subtil al unui peisaj rusesc simplu. În 1871, maestrul a creat o serie dintre cele mai bune lucrări ale sale („Mănăstirea Peșterilor de lângă Nijni Novgorod”, Muzeul de Artă din Nijni Novgorod; „Revărsarea Volga lângă Yaroslavl”, Muzeul Rus), inclusiv faimoasa pictură „Cururile au sosit. ” (Galeria Tretiakov), care a devenit cel mai popular peisaj rusesc, un fel de simbol pitoresc al Rusiei. Lucrarea de studiu la „Rooks” a fost în martie, în sat. Molvitino (acum Susanino) din districtul Buysky din provincia Kostroma. Zăpadă topită, curburi de primăvară pe mesteacăni, un cer de culoare gri-albastru, decolorat, colibe întunecate și o biserică străveche pe fundalul pajiștilor reci și îndepărtate - totul s-a contopit într-o imagine de un farmec poetic uimitor. Imaginea este caracterizată de un efect cu adevărat magic de recunoaștere, „deja văzut” (deja-vue, în limbajul psihologiei) - și nu numai undeva lângă Volga, unde au fost scrise „Rooks”, ci aproape în orice colț al țară. Aici „starea” – ca spațiu contemplativ deosebit care unește tabloul cu privitorul – se transformă în cele din urmă într-o componentă cu totul specială a imaginii; I. N. Kramskoy surprinde bine acest lucru atunci când scrie (într-o scrisoare către F. A. Vasiliev, 1871), referindu-se la alte peisaje din expoziție: „toate acestea sunt copaci, apă și chiar aer, iar în Rooks există doar suflet”. „Suflet” vizibil invizibil, starea de spirit dă viață lucrărilor ulterioare ale lui Savrasov: peisaje minunate din Moscova, combinând organic simplitatea cotidiană a primului plan cu distanțe maiestuoase („Turnul Sukhareva”, 1872, Muzeul de Istorie, Moscova; „Vedere a Kremlinului din Moscova, Primăvara", 1873, Muzeul Rus), virtuoz în transferul umidității și clarobscurului "Drumul de țară" (1873, Galeria Tretiakov), sentimental "Momântul peste Volga" (1874, Muzeul Regional de Arte Frumoase Altai, Barnaul), luminos " Curcubeu” (1875, Muzeul Rus), tablou melancolic „Peisaj de iarnă. Frost” (1876-77, Muzeul de Arte Plastice Voronezh). În perioada ulterioară, priceperea lui Savrasov slăbește brusc. Degradat într-un mod lumesc, suferind de alcoolism, el trăiește din copiile celor mai bune lucrări ale sale, în primul rând de la Rooks.

Fiodor Alexandrovici Vasiliev (1850-1873) a trăit o viață scurtă. Opera sa, întreruptă chiar de la început, a îmbogățit pictura internă cu o serie de peisaje dinamice, incitante. Artistul a avut succes mai ales în stările de tranziție din natură: de la soare la ploaie, de la calm la furtună. Provenit dintr-o familie de angajat poștal, a studiat la Școala de Desen a Societății pentru Încurajarea Artelor, și tot în 1871 la Academia de Arte; în 1866-67 a lucrat sub conducerea lui I. I. Shishkin. Talentul remarcabil al lui Vasiliev s-a dezvoltat devreme și puternic în picturile sale, care impresionează privitorul cu drama lor psihologică. Remarcabilă „poezie cu o impresie naturală” (după I. N. Kramskoy, un apropiat al lui Vasiliev, despre proprietatea fundamentală a operei sale în ansamblu) este deja impregnată de pictura „Înainte de ploaie” (1869, Galeria Tretiakov). În 1870 a călătorit de-a lungul Volgăi împreună cu I. E. Repin, rezultând pictura „Vedere asupra Volgăi. Barges” (1870, Muzeul Rus) și alte lucrări, marcate de subtilitatea efectelor de lumină și aer, de priceperea de a transfera umiditatea râului și a aerului. Dar ideea nu este în efectele externe. În operele lui Vasiliev, natura, parcă ar răspunde mișcărilor sufletului uman, este psihologizată în sens deplin, exprimând o gamă complexă de sentimente între disperare, speranță și tristețe liniștită. Cele mai faimoase picturi sunt The Thaw (1871) și Wet Meadow (1872; ambele în Galeria Tretiakov), unde interesul constant al artistului pentru stările de tranziție, nedeterminat instabile ale naturii este tradus în imagini de iluminare prin ceata melancolică. Acesta este un fel de vise naturale despre Rusia, care pot fi comparate cu motivele peisagistice ale lui I. S. Turgheniev sau A. A. Fet. Artistul (judecând după corespondența cu Kramskoy) visează să creeze niște lucrări fără precedent, la peisaje-revelații simbolice care ar putea vindeca umanitatea, împovărată de „planuri criminale”. Dar zilele lui sunt deja numărate. După ce s-a îmbolnăvit de tuberculoză, s-a mutat în 1871 la Yalta. Boala fatală, îmbinată cu impresiile naturii sudice, care nu i se pare festivă, ci distante și tulburătoare, conferă picturii sale o tensiune și mai dramatică. Anxios și sumbru este pânza sa cea mai semnificativă din această perioadă - „În Munții Crimeii” (1873, Galeria Tretiakov). Scufundat într-o ceață, scris în tonuri sumbre de gri maroniu, drumul de munte de aici capătă o nuanță de altă lume, un fel de drum fără speranță spre nicăieri. Influența artei lui Vasiliev, întărită de tragedia morții sale timpurii, a fost foarte semnificativă. Tradiția romantică, renunțând în cele din urmă la noțiunea de peisaj ca spectacol decorativ, a realizat în operele sale un conținut spiritual deosebit, prefigurand arta simbolismului și modernității, peisajul epocii cehov-levitane.

Opera lui Viktor Mihailovici Vasnetsov (1848-1926) este strâns legată de poveștile populare rusești, epopee, ale căror intrigi le-a luat ca bază pentru picturile sale. Cea mai bună lucrare a lui este „Trei eroi”. În fața spectatorului, eroii preferați ai epicului rusesc sunt eroii, apărătorii pământului rus și oamenii nativi de la numeroși dușmani.

Ivan Ivanovici Șișkin (1832-1898) a devenit cântărețul pădurii rusești, latitudinea epică a naturii rusești. Arkhip Ivanovich Kuindzhi (1841-1910) a fost atras de jocul pitoresc de lumină și aer. Lumina misterioasă a lunii în nori rari, reflexele roșii ale zorilor pe pereții albi ai colibelor ucrainene, razele oblice ale dimineții care străpunge ceața și se joacă în bălți pe un drum plin de noroi - acestea și multe alte descoperiri pitorești sunt surprinse pe el. pânze. Primele lucrări ale lui Șișkin („Vedere pe insula Valaam”, 1858, Muzeul de Artă Rusă din Kiev; „Tăierea unei păduri”, 1867, Galeria Tretiakov) se caracterizează printr-o oarecare fragmentare a formelor; aderând la construcția „scenică” a imaginii, tradițională pentru romantism, delimitând clar planurile, el încă nu realizează o unitate convingătoare a imaginii. În tablouri precum „Amiază. La periferia Moscovei” (1869, ibid.), această unitate apare deja ca o realitate evidentă, în primul rând datorită coordonării subtile compoziționale și lumina-aer-culoare a zonelor cerului și pământului, sol (Șișkin îl simțea pe acesta din urmă în special pătrunzător, în această privință neavându-se egal în arta peisajului rusesc).

În anii 1870 maestrul intră în timpul maturității creatoare necondiționate, lucru dovedit de picturile „Pădurea de pini. Pădurea catargului din provincia Vyatka "(1872) și" Secara "(1878; ambele - Galeria Tretiakov). Evitând, de obicei, stările instabile, de tranziție ale naturii, artistul surprinde cea mai mare înflorire a sa de vară, realizând o unitate tonală impresionantă tocmai datorită luminii strălucitoare, de la amiază, de vară, care determină întreaga gamă de culori. Imaginea monumental-romantică a Naturii cu majusculă este prezentă invariabil în tablouri. Noi tendințe realiste apar în atenția pătrunzătoare cu care sunt scrise semnele unei anumite bucăți de pământ, un colț de pădure sau câmp, un anumit copac. Shishkin este un poet minunat nu numai al solului, ci și al copacului, care simte subtil natura fiecărei specii [în cele mai tipice note ale sale, el menționează de obicei nu doar o „pădure”, ci o pădure de „copaci speciali, ulmi și parte de stejari” (jurnal din 1861) sau „pădure de molid, pin, aspin, mesteacăn, tei” (din scrisoarea către I. V. Volkovsky, 1888)]. Cu o dorință deosebită, artistul pictează cele mai puternice și puternice rase, cum ar fi stejarii și pinii - în stadiul de maturitate, bătrânețe și, în cele din urmă, moarte într-o nebunie. Lucrări clasice ale lui Șișkin - cum ar fi „Secara” sau „Printre valea plată...” (pictura poartă numele cântecului lui A. F. Merzlyakov; 1883, Muzeul de Artă Rusă din Kiev), „Pădurea Dali” (1884, Galeria Tretiakov) ) - sunt percepute ca imagini generalizate, epice ale Rusiei. Artistul reușește în egală măsură atât priveliștile îndepărtate, cât și „interioarele” pădurii („Pini iluminați de soare”, 1886; „Dimineața într-o pădure de pini” unde urșii au fost pictați de K. A. Savitsky, 1889; ambii sunt în același loc). De valoare independentă sunt desenele și studiile sale, care sunt un jurnal detaliat al vieții naturale. A lucrat fructuos și în domeniul gravurii. Imprimând gravurile sale de peisaj fin nuanțate în diferite condiții, publicându-le sub formă de albume, Shishkin a activat puternic interesul pentru această formă de artă. A predat puțin (în special, a condus atelierul de peisaj al Academiei de Arte în 1894-95), dar a avut printre studenți artiști precum F. A. Vasiliev și G. I. Choros-Gurkin. Imaginile sale, în ciuda „obiectivității” lor și a absenței fundamentale a psihologismului, caracteristică „peisajului de dispoziție” de tipul Savrasov-Levitan, au avut întotdeauna o mare rezonanță poetică (nu e de mirare că Shișkin a fost unul dintre artiștii preferați ai lui A. A. Blok). Casa-muzeu a artistului a fost deschisă în Yelabuga.

Până la sfârșitul secolului al XIX-lea. influenţa Rătăcitorilor a scăzut. Au apărut noi direcții în artele vizuale. Portrete de V.A. Serov și peisaje de I.I. Levitan erau în ton cu școala franceză a impresionismului. Unii artiști au combinat tradițiile artistice rusești cu noi forme picturale (M.A. Vrubel, B.M. Kustodiev, I.L. Bilibin și alții).

Pictura rusă de peisaj din secolul al XIX-lea a atins apogeul. ajuns în opera elevului lui Savrasov Isaac Ilici Levitan (1860-1900). Levitan este un maestru al peisajelor calme și liniștite. Omul este foarte timid, timid si vulnerabil, a stiut sa se relaxeze doar singur cu natura, impregnat de starea de spirit a peisajului pe care l-a iubit.

Odată a venit la Volga să picteze soarele, aerul și întinderile râului. Dar nu era soare, nori nesfârșiti se târau pe cer, ploile terne nu s-au oprit. Artistul a fost nervos până când a fost atras de această vreme și a descoperit farmecul deosebit al culorilor albăstrui-liliac ale vremii rea rusești. De atunci, Volga Superioară, orașul de provincie Pleș a intrat ferm în activitatea sa. În acele părți, și-a creat lucrările „ploioase”: „După ploaie”, „Ziu mohorâtă”, „Deasupra păcii eterne”. Acolo au fost pictate și peisaje de seară liniștite: „Seara pe Volga”, „Seara. Golden reach”, „Sonn de seară”, „Locuință liniștită”.

În ultimii ani ai vieții, Levitan a atras atenția asupra operei artiștilor impresioniști francezi (E. Manet, C. Monet, C. Pizarro). Și-a dat seama că are multe în comun cu ei, că căutările lor creative mergeau în aceeași direcție. Ca ei, a preferat să lucreze nu în studio, ci în aer (în aer liber, după cum spun artiștii). Asemenea lor, a înseninat paleta, alungând culorile întunecate, pământii. Asemenea lor, a căutat să surprindă efemeritatea ființei, să transmită mișcările luminii și ale aerului. În aceasta au mers mai departe decât el, dar aproape au dizolvat forme tridimensionale (case, copaci) în fluxuri de aer ușor. A evitat-o.

„Picturile lui Levitan necesită o examinare lentă”, a scris un mare cunoscător al operei sale, K. G. Paustovsky. „Ele nu uimesc ochiul. Sunt modeste și precise, precum poveștile lui Cehov, dar cu cât le privești mai mult, cu atât devine mai dulce liniștea așezărilor provinciale, a râurilor familiare și a drumurilor de țară.

În a doua jumătate a secolului al XIX-lea. contează înflorirea creativă a lui I. E. Repin, V. I. Surikov și V. A. Serov.

Ilya Efimovici Repin (1844-1930) s-a născut la Chuguev, în familia unui colonist militar. A reușit să intre la Academia de Arte, unde P. P. Chistyakov i-a devenit profesor, care a adus în viață o întreagă galaxie de artiști celebri (V. I. Surikov, V. M. Vasnetsov, M. A. Vrubel, V. A. Serov). Repin a învățat multe și de la Kramskoy. În 1870, tânărul artist a călătorit de-a lungul Volgăi. Numeroase schițe aduse din călătorie, le-a folosit pentru pictura „Vălci de șlep pe Volga” (1872). Ea a făcut o impresie puternică asupra publicului. Autorul a intrat imediat în rândurile celor mai faimoși maeștri. Criticându-i pe susținătorii „artei pure”, el a scris: „Viața din jurul meu mă entuziasmează prea mult, nu-mi dă odihnă, se cere să fie pictată pe pânză; realitatea este prea scandaloasă pentru a broda modele cu conștiința curată - să lăsăm pe seama domnișoarelor bine crescute. Repin a devenit steagul Rătăcitorilor, mândria și gloria lor.

Repin a fost un artist foarte versatil. I. E. Repin a fost un maestru minunat în toate genurile de pictură și în fiecare își spunea noul cuvânt. Tema centrală a operei sale este viața oamenilor în toate manifestările ei. El a arătat oamenii în muncă, în luptă, a glorificat pe luptătorii pentru libertatea poporului. O serie de picturi monumentale de gen aparțin pensulei sale. Cea mai bună lucrare a lui Repin în anii 70 a fost pictura „Transportatori de șlepuri pe Volga”. Imaginea a fost percepută ca un eveniment în viața artistică a Rusiei, a devenit un simbol al unei noi direcții în artele vizuale. Repin a scris că „judecătorul este acum țăran și, prin urmare, este necesar să-i reproducă interesele”. Poate că nu mai puțin impresionant decât „Barge halers” este făcut de „Procesiunea religioasă din provincia Kursk”. Cerul albastru strălucitor, norii de praf de drum străpunși de soare, strălucirea aurie a crucilor și a veșmintelor, poliția, oamenii de rând și schilozii - totul se potrivește pe această pânză: măreția, puterea, slăbiciunea și durerea Rusiei.

În multe dintre tablourile lui Repin au fost atinse teme revoluţionare („Refuzul mărturisirii”, „Nu au aşteptat”, „Arestarea propagandistului”). Revoluționarii din picturile sale sunt păstrați simplu și natural, evitând ipostaze și gesturi teatrale. În tabloul „Refuzul spovedaniei”, omul condamnat, ca intenționat, și-a ascuns mâinile în mâneci. Artistul a simpatizat în mod clar cu eroii picturilor sale.

O serie de picturi ale lui Repin sunt scrise pe teme istorice („Ivan cel Groaznic și fiul său Ivan”, „Cazacii care compun o scrisoare către sultanul turc” etc.). Repin a creat o întreagă galerie de portrete ale oamenilor de știință (Pirogov, Sechenov), scriitorilor (Tolstoi, Turgheniev, Garshin), compozitorilor (Glinka, Mussorgsky), artiștilor (Kramskoy, Surikov). La începutul secolului XX. a primit o comandă pentru pictura „Întâlnirea ceremonială a Consiliului de Stat”. Artistul a reușit nu doar să plaseze un număr atât de mare dintre cei prezenți pe pânză, ci și să ofere o descriere psihologică a multora dintre ele. Printre aceștia s-au numărat figuri atât de cunoscute precum S. Yu. Witte, K. P. Pobedonostsev, P. P. Semenov-Tyan-Shansky. Cu greu se observă în imagine, dar Nicolae al II-lea este scris foarte subtil.

Vasily Ivanovich Surikov (1848-1916) s-a născut la Krasnoyarsk, într-o familie de cazaci. Perioada de glorie a operei sale cade în anii 80, când a creat trei dintre cele mai faimoase picturi istorice ale sale: „Dimineața execuției Streltsy”, „Menșikov în Berezov” și „Boiar Morozova”. Lucrările sale „Dimineața execuției Streltsy”, „Menșikov în Berezov”, „Boyary Morozova”, „Cucerirea Siberiei de Ermak Timofeevici”, „Stepan Razin”, „Suvorov Trecând Alpii” sunt apogeul picturii istorice rusești și mondiale. . Măreția poporului rus, frumusețea sa, voința neclintită, soarta sa dificilă și dificilă - asta l-a inspirat pe artist.

Surikov cunoștea bine viața și obiceiurile epocilor trecute, știa să dea caracteristici psihologice vii. În plus, a fost un excelent colorist (colorist). Este suficient să ne amintim de zăpada uluitor de proaspătă și strălucitoare din Boyaryna Morozova. Dacă te apropii de pânză, zăpada, așa cum ar fi, „se prăbușește” în linii albastre, albastre, roz. Această tehnică de pictură, când două sau trei linii diferite se îmbină la distanță și dau culoarea dorită, a fost folosită pe scară largă de impresioniștii francezi.

Valentin Alexandrovici Serov (1865-1911), fiul compozitorului, a pictat peisaje, pânze pe teme istorice, a lucrat ca artist de teatru. Dar faima i-a adus, mai presus de toate, portrete.

În 1887, Serov, în vârstă de 22 de ani, se afla în vacanță în Abramtsevo, dacha de lângă Moscova a filantropului S. I. Mamontov. Printre numeroșii săi copii, tânărul artist a fost bărbatul său, un participant la distracția lor. Odată, după cină, doi oameni au zăbovit accidental în sala de mese - Serov și Verusha Mamontova, în vârstă de 12 ani. Stăteau la o masă pe care erau lăsate piersici, iar în timpul conversației Verusha nu a observat cum artista a început să-și schițeze portretul. Munca a durat o lună, iar Verușa era supărată că Anton (cum era numit Serov acasă) o obliga să stea în sala de mese ore întregi.

La începutul lunii septembrie, Fata cu piersici s-a terminat. În ciuda dimensiunilor reduse, tabloul, pictat în tonuri de roz și auriu, părea foarte „spațios”. Era multă lumină și aer în ea. Fata, care s-a așezat la masă parcă un minut și și-a fixat privirea asupra privitorului, fermecată de claritate și spiritualitate. Da, și întreaga pânză a fost acoperită cu o percepție pur copilărească a vieții de zi cu zi, când fericirea nu este conștientă de sine și o viață întreagă este în față.

Locuitorii casei Abramtsevo au înțeles, desigur, că un miracol s-a întâmplat sub ochii lor. Dar numai timpul dă estimări finale. A plasat „Fata cu piersici” printre cele mai bune lucrări de portret din arta rusă și mondială.

În anul următor, Serov a reușit aproape să-și repete magia. A pictat un portret al surorii sale Maria Simonovich („Fata luminată de soare”). Numele a rămas puțin inexact: fata stă la umbră, iar poiana din fundal este luminată de razele soarelui dimineții. Dar în imagine totul este atât de unit, atât de unit - dimineața, soarele, vara, tinerețea și frumusețea - încât este greu să ne gândim la un nume mai bun.

Serov a devenit un portretist la modă. În fața lui s-au pozat scriitori celebri, artiști, artiști, antreprenori, aristocrați, chiar și regi. Aparent, nu pentru toți cei pe care i-a scris, i-a stat sufletul. Unele portrete din înalta societate, cu o tehnică de filigran, s-au dovedit a fi reci.

Timp de câțiva ani, Serov a predat la Școala de Pictură, Sculptură și Arhitectură din Moscova. Era un profesor exigent. Un adversar al formelor înghețate de pictură, Serov, în același timp, credea că căutările creative ar trebui să se bazeze pe o stăpânire solidă a tehnicii desenului și scrisului pictural. Mulți maeștri remarcabili se considerau studenți ai lui Serov: M. S. Saryan, K-F. Yuon, P. V. Kuznetsov, K. S. Petrov-Vodkin.

Multe picturi de Repin, Surikov, Levitan, Serov, „Rătăcitori” au ajuns în colecția lui Tretiakov. Pavel Mihailovici Tretiakov (1832-1898), un reprezentant al unei vechi familii de negustori din Moscova, a fost o persoană neobișnuită. Subțire și înalt, cu o barbă stufoasă și o voce liniștită, părea mai degrabă un sfânt decât un negustor. A început să colecteze tablouri ale artiștilor ruși în 1856. Hobby-ul a devenit principala afacere a vieții sale. La începutul anilor 90. colecția a ajuns la nivelul unui muzeu, absorbind aproape întreaga avere a colecționarului. Mai târziu a devenit proprietatea Moscovei. Galeria Tretiakov a devenit un muzeu faimos mondial de pictură, grafică și sculptură rusă.

În 1898, la Sankt Petersburg, în Palatul Mihailovski (creația lui K. Rossi), a fost deschis Muzeul Rusiei. A primit lucrări ale artiștilor ruși de la Schit, Academia de Arte și unele palate imperiale. Deschiderea acestor două muzee, parcă, a încununat realizările picturii rusești din secolul al XIX-lea.

CONCLUZIE

Arta plastică rusă, impregnată de ideile progresiste ale vremii, a servit unui mare scop uman - lupta pentru eliberarea omului, pentru reorganizarea socială a întregii societăți.

În general, în prima jumătate a secolului al XIX-lea, Rusia a obținut un succes impresionant în domeniul culturii. Fondul mondial a inclus pentru totdeauna lucrările multor artiști ruși. Procesul de formare a culturii naționale a fost încheiat.

La începutul secolelor XIX-XX. Căutările moderniste au dus la formarea unui grup de artiști uniți în jurul revistei „World of Art” (A.N. Benois, K.A. Somov, E.E. Lansere, L.S. Bakst, N.K. Roerich, I.E. Grabar și alții). Lumea Artizanilor a proclamat noi principii artistice și estetice care s-au opus viziunilor realiste ale Rătăcitorilor și înclinației academicismului. Au promovat individualismul, libertatea artei de problemele sociale și politice. Principalul lucru pentru ei este frumusețea și tradițiile culturii naționale ruse. Ei au acordat o atenție deosebită renașterii și noii evaluări a moștenirii epocilor trecute (XVIII - începutul secolelor XIX), precum și popularizării artei vest-europene.

La începutul secolului XX. a apărut „avangarda rusă”. Reprezentanții săi K.S. Malevici, R.R. Falk, M.Z. Chagall și alții au predicat arta formelor „pure” și a non-obiectivității exterioare. Ei au fost precursorii abstractionismului și au avut un impact uriaș asupra dezvoltării artei mondiale.

A doua jumătate a secolului al XIX-lea a fost marcată de înflorirea artelor plastice rusești. A devenit o artă cu adevărat mare, impregnată de patosul luptei de eliberare a oamenilor, răspunzând cerințelor vieții și intrând activ în viață. Realismul a fost în cele din urmă stabilit în artele vizuale - o reflectare veridică și cuprinzătoare a vieții oamenilor, dorința de a reconstrui această viață pe baza egalității și justiției.

Tema centrală a artei a fost oamenii, nu numai cei asupriți și suferinzi, ci și oamenii - creatorul istoriei, oamenii-luptător, creatorul a tot ce este mai bun în viață.

Stabilirea realismului în artă a avut loc într-o luptă încăpățânată cu tendința oficială, reprezentată de conducerea Academiei de Arte. Lucrătorii academiei și-au inspirat studenții cu ideea că arta este mai presus de viață, au propus doar teme biblice și mitologice pentru munca artiștilor.

La 9 noiembrie 1863, un grup mare de absolvenți ai Academiei de Arte a refuzat să scrie lucrări competitive pe tema propusă din mitologia scandinavă și a părăsit Academia. Rebelii au fost conduși de Ivan Nikolaevici Kramskoy (1837-1887). S-au unit într-un artel și au început să locuiască într-o comună. Șapte ani mai târziu, s-a destrămat, dar în acest moment s-a născut „Asociația Expozițiilor de Artă Itinerante”, o asociație profesională și comercială de artiști care se aflau pe poziții ideologice apropiate.

„Rătăcitorii” au fost uniți în respingerea „academismului” cu mitologia sa, peisajele decorative și teatralitatea pompoasă. Au vrut să înfățișeze viața vie. Locul principal în munca lor a fost ocupat de scenele de gen (de zi cu zi). Țărănimea s-a bucurat de o simpatie deosebită față de Rătăcitori. Ei i-au arătat nevoia, suferința, poziția asuprită. La acea vreme - în anii 60-70. Secolul al XIX-lea - latura ideologică a artei a fost apreciată mai sus decât estetica. Abia cu timpul artiștii și-au amintit valoarea inerentă a picturii.

Poate cel mai mare tribut adus ideologiei a fost oferit de Vasily Grigorievici Perov (1834-1882). În lucrările sale, Perov denunță cu pasiune sistemul existent, cu multă pricepere și persuasivitate arată soarta grea a oamenilor. În tabloul „Procesiune rurală de Paște”, artistul a arătat satul rusesc într-o sărbătoare, sărăcie, beție neîngrădită, a înfățișat satiric clerul rural. Unul dintre cele mai bune tablouri ale lui Perov, „Văzând morții”, care povestește despre soarta tragică a unei familii rămase fără întreținerea familiei, este izbitoare în drama, durerea fără speranță. Picturile sale „Ultima crâșmă la avanpost”, „Bătrânii părinți la mormântul fiului lor” sunt foarte faimoase. Umorul subtil și lirismul, dragostea pentru natură sunt impregnate de picturile „Vânători în repaus”, „Pescuitul”. Opera sa este pătrunsă de dragoste pentru oameni, de dorința de a înțelege fenomenele vieții și de limbajul artei de a spune cu adevărat despre ele. Picturile lui Perov sunt printre cele mai bune exemple de artă rusă. Opera sa pare să aibă ceva în comun cu poezia lui Nekrasov, cu operele lui Ostrovsky, Turgheniev. Este suficient să ne amintim picturile sale precum „Sosirea ofițerului de poliție pentru anchetă”, „Bea ceai în Mytishchi”. Unele dintre lucrările lui Perov sunt impregnate de o tragedie autentică („Troica”, „Bătrâni părinți la mormântul fiului”). Perov a pictat o serie de portrete ale contemporanilor săi celebri (Ostrovski, Turgheniev, Dostoievski).

Câteva pânze ale „Rătăcitorilor”, pictate din viață sau sub impresia unor scene reale, ne-au îmbogățit ideile despre viața țărănească. Pictura de S. A. Korovin „Despre lume” arată o încăierare la o întâlnire rurală între un om bogat și un om sărac. V. M. Maksimov a captat furia, lacrimile și durerea diviziunii familiei. Festivitatea solemnă a muncii țărănești este reflectată în pictura lui G. G. Myasoedov „Cositoare”.

Liderul ideologic al Asociației Expozițiilor Itinerante a fost Ivan Nikolaevich Kramskoy (1837-1887), un artist remarcabil și teoretician al artei. Kramskoy a luptat împotriva așa-numitei „arte pure”. I-a chemat artistului să fie om și cetățean, să lupte pentru idealuri sociale înalte cu munca sa. În opera lui Kramskoy, locul principal a fost ocupat de portrete. Kramskoy a creat o întreagă galerie de portrete minunate ale scriitorilor, artiștilor, personalităților publice ruși: Tolstoi, Saltykov-Șcedrin, Nekrasov, Șișkin și alții. El deține unul dintre cele mai bune portrete ale lui Lev Tolstoi. Privirea scriitorului nu părăsește privitorul, din orice punct ar privi pânza. Una dintre cele mai puternice lucrări ale lui Kramskoy este pictura „Hristos în deșert”.

Rătăcitorii au făcut descoperiri autentice în pictura peisajului. Alexey Kondratievich Savrasov (1830-1897) a reușit să arate frumusețea și lirismul subtil al unui peisaj rusesc simplu. În 1871, maestrul a creat o serie dintre cele mai bune lucrări ale sale („Mănăstirea Peșterilor de lângă Nijni Novgorod”, Muzeul de Artă din Nijni Novgorod; „Revărsarea Volga lângă Yaroslavl”, Muzeul Rus), inclusiv faimoasa pictură „Cururile au sosit. ” (Galeria Tretiakov), care a devenit cel mai popular peisaj rusesc, un fel de simbol pitoresc al Rusiei. Lucrarea de studiu la „Rooks” a fost în martie, în sat. Molvitino (acum Susanino) din districtul Buysky din provincia Kostroma. Zăpadă topită, curburi de primăvară pe mesteacăni, un cer de culoare gri-albastru, decolorat, colibe întunecate și o biserică străveche pe fundalul pajiștilor reci și îndepărtate - totul s-a contopit într-o imagine de un farmec poetic uimitor. Imaginea este caracterizată de un efect cu adevărat magic de recunoaștere, „deja văzut” (deja-vue, în limbajul psihologiei) - și nu numai undeva lângă Volga, unde au fost scrise „Rooks”, ci aproape în orice colț al țară. Aici „starea” – ca spațiu contemplativ deosebit care unește tabloul cu privitorul – se transformă în cele din urmă într-o componentă cu totul specială a imaginii; I. N. Kramskoy surprinde bine acest lucru atunci când scrie (într-o scrisoare către F. A. Vasiliev, 1871), referindu-se la alte peisaje din expoziție: „toate acestea sunt copaci, apă și chiar aer, iar în Rooks există doar suflet”. „Suflet” vizibil invizibil, starea de spirit dă viață lucrărilor ulterioare ale lui Savrasov: peisaje minunate din Moscova, combinând organic simplitatea cotidiană a primului plan cu distanțe maiestuoase („Turnul Sukhareva”, 1872, Muzeul de Istorie, Moscova; „Vedere a Kremlinului din Moscova, Primăvara", 1873, Muzeul Rus), virtuoz în transferul umidității și clarobscurului "Drumul de țară" (1873, Galeria Tretiakov), sentimental "Momântul peste Volga" (1874, Muzeul Regional de Arte Frumoase Altai, Barnaul), luminos " Curcubeu” (1875, Muzeul Rus), tablou melancolic „Peisaj de iarnă. Frost” (1876-77, Muzeul de Arte Plastice Voronezh). În perioada ulterioară, priceperea lui Savrasov slăbește brusc. Degradat într-un mod lumesc, suferind de alcoolism, el trăiește din copiile celor mai bune lucrări ale sale, în primul rând de la Rooks.

Fiodor Alexandrovici Vasiliev (1850-1873) a trăit o viață scurtă. Opera sa, întreruptă chiar de la început, a îmbogățit pictura internă cu o serie de peisaje dinamice, incitante. Artistul a avut succes mai ales în stările de tranziție din natură: de la soare la ploaie, de la calm la furtună. Provenit dintr-o familie de angajat poștal, a studiat la Școala de Desen a Societății pentru Încurajarea Artelor, și tot în 1871 la Academia de Arte; în 1866-67 a lucrat sub conducerea lui I. I. Shishkin. Talentul remarcabil al lui Vasiliev s-a dezvoltat devreme și puternic în picturile sale, care impresionează privitorul cu drama lor psihologică. Remarcabilă „poezie cu o impresie naturală” (după I. N. Kramskoy, un apropiat al lui Vasiliev, despre proprietatea fundamentală a operei sale în ansamblu) este deja impregnată de pictura „Înainte de ploaie” (1869, Galeria Tretiakov). În 1870 a călătorit de-a lungul Volgăi împreună cu I. E. Repin, rezultând pictura „Vedere asupra Volgăi. Barges” (1870, Muzeul Rus) și alte lucrări, marcate de subtilitatea efectelor de lumină și aer, de priceperea de a transfera umiditatea râului și a aerului. Dar ideea nu este în efectele externe. În operele lui Vasiliev, natura, parcă ar răspunde mișcărilor sufletului uman, este psihologizată în sens deplin, exprimând o gamă complexă de sentimente între disperare, speranță și tristețe liniștită. Cele mai faimoase picturi sunt The Thaw (1871) și Wet Meadow (1872; ambele în Galeria Tretiakov), unde interesul constant al artistului pentru stările de tranziție, nedeterminat instabile ale naturii este tradus în imagini de iluminare prin ceata melancolică. Acesta este un fel de vise naturale despre Rusia, care pot fi comparate cu motivele peisagistice ale lui I. S. Turgheniev sau A. A. Fet. Artistul (judecând după corespondența cu Kramskoy) visează să creeze niște lucrări fără precedent, la peisaje-revelații simbolice care ar putea vindeca umanitatea, împovărată de „planuri criminale”. Dar zilele lui sunt deja numărate. După ce s-a îmbolnăvit de tuberculoză, s-a mutat în 1871 la Yalta. Boala fatală, îmbinată cu impresiile naturii sudice, care nu i se pare festivă, ci distante și tulburătoare, conferă picturii sale o tensiune și mai dramatică. Anxios și sumbru este pânza sa cea mai semnificativă din această perioadă - „În Munții Crimeii” (1873, Galeria Tretiakov). Scufundat într-o ceață, scris în tonuri sumbre de gri maroniu, drumul de munte de aici capătă o nuanță de altă lume, un fel de drum fără speranță spre nicăieri. Influența artei lui Vasiliev, întărită de tragedia morții sale timpurii, a fost foarte semnificativă. Tradiția romantică, renunțând în cele din urmă la noțiunea de peisaj ca spectacol decorativ, a realizat în operele sale un conținut spiritual deosebit, prefigurand arta simbolismului și modernității, peisajul epocii cehov-levitane.

Opera lui Viktor Mihailovici Vasnetsov (1848-1926) este strâns legată de poveștile populare rusești, epopee, ale căror intrigi le-a luat ca bază pentru picturile sale. Cea mai bună lucrare a lui este „Trei eroi”. În fața spectatorului, eroii preferați ai epicului rusesc sunt eroii, apărătorii pământului rus și oamenii nativi de la numeroși dușmani.

Ivan Ivanovici Șișkin (1832-1898) a devenit cântărețul pădurii rusești, latitudinea epică a naturii rusești. Arkhip Ivanovich Kuindzhi (1841-1910) a fost atras de jocul pitoresc de lumină și aer. Lumina misterioasă a lunii în nori rari, reflexele roșii ale zorilor pe pereții albi ai colibelor ucrainene, razele oblice ale dimineții care străpunge ceața și se joacă în bălți pe un drum plin de noroi - acestea și multe alte descoperiri pitorești sunt surprinse pe el. pânze. Primele lucrări ale lui Șișkin („Vedere pe insula Valaam”, 1858, Muzeul de Artă Rusă din Kiev; „Tăierea unei păduri”, 1867, Galeria Tretiakov) se caracterizează printr-o oarecare fragmentare a formelor; aderând la construcția „scenică” a imaginii, tradițională pentru romantism, delimitând clar planurile, el încă nu realizează o unitate convingătoare a imaginii. În tablouri precum „Amiază. La periferia Moscovei” (1869, ibid.), această unitate apare deja ca o realitate evidentă, în primul rând datorită coordonării subtile compoziționale și lumina-aer-culoare a zonelor cerului și pământului, sol (Șișkin îl simțea pe acesta din urmă în special pătrunzător, în această privință neavându-se egal în arta peisajului rusesc).

În anii 1870 maestrul intră în timpul maturității creatoare necondiționate, lucru dovedit de picturile „Pădurea de pini. Pădurea catargului din provincia Vyatka "(1872) și" Secara "(1878; ambele - Galeria Tretiakov). Evitând, de obicei, stările instabile, de tranziție ale naturii, artistul surprinde cea mai mare înflorire a sa de vară, realizând o unitate tonală impresionantă tocmai datorită luminii strălucitoare, de la amiază, de vară, care determină întreaga gamă de culori. Imaginea monumental-romantică a Naturii cu majusculă este prezentă invariabil în tablouri. Noi tendințe realiste apar în atenția pătrunzătoare cu care sunt scrise semnele unei anumite bucăți de pământ, un colț de pădure sau câmp, un anumit copac. Shishkin este un poet minunat nu numai al solului, ci și al copacului, care simte subtil natura fiecărei specii [în cele mai tipice note ale sale, el menționează de obicei nu doar o „pădure”, ci o pădure de „copaci speciali, ulmi și parte de stejari” (jurnal din 1861) sau „pădure de molid, pin, aspin, mesteacăn, tei” (din scrisoarea către I. V. Volkovsky, 1888)]. Cu o dorință deosebită, artistul pictează cele mai puternice și puternice rase, cum ar fi stejarii și pinii - în stadiul de maturitate, bătrânețe și, în cele din urmă, moarte într-o nebunie. Lucrări clasice ale lui Șișkin - cum ar fi „Secara” sau „Printre valea plată...” (pictura poartă numele cântecului lui A. F. Merzlyakov; 1883, Muzeul de Artă Rusă din Kiev), „Pădurea Dali” (1884, Galeria Tretiakov) ) - sunt percepute ca imagini generalizate, epice ale Rusiei. Artistul reușește în egală măsură atât priveliștile îndepărtate, cât și „interioarele” pădurii („Pini iluminați de soare”, 1886; „Dimineața într-o pădure de pini” unde urșii au fost pictați de K. A. Savitsky, 1889; ambii sunt în același loc). De valoare independentă sunt desenele și studiile sale, care sunt un jurnal detaliat al vieții naturale. A lucrat fructuos și în domeniul gravurii. Imprimând gravurile sale de peisaj fin nuanțate în diferite condiții, publicându-le sub formă de albume, Shishkin a activat puternic interesul pentru această formă de artă. A predat puțin (în special, a condus atelierul de peisaj al Academiei de Arte în 1894-95), dar a avut printre studenți artiști precum F. A. Vasiliev și G. I. Choros-Gurkin. Imaginile sale, în ciuda „obiectivității” lor și a absenței fundamentale a psihologismului, caracteristică „peisajului de dispoziție” de tipul Savrasov-Levitan, au avut întotdeauna o mare rezonanță poetică (nu e de mirare că Shișkin a fost unul dintre artiștii preferați ai lui A. A. Blok). Casa-muzeu a artistului a fost deschisă în Yelabuga.

Până la sfârșitul secolului al XIX-lea. influenţa Rătăcitorilor a scăzut. Au apărut noi direcții în artele vizuale. Portrete de V.A. Serov și peisaje de I.I. Levitan erau în ton cu școala franceză a impresionismului. Unii artiști au combinat tradițiile artistice rusești cu noi forme picturale (M.A. Vrubel, B.M. Kustodiev, I.L. Bilibin și alții).

Pictura rusă de peisaj din secolul al XIX-lea a atins apogeul. ajuns în opera elevului lui Savrasov Isaac Ilici Levitan (1860-1900). Levitan este un maestru al peisajelor calme și liniștite. Omul este foarte timid, timid si vulnerabil, a stiut sa se relaxeze doar singur cu natura, impregnat de starea de spirit a peisajului pe care l-a iubit.

Odată a venit la Volga să picteze soarele, aerul și întinderile râului. Dar nu era soare, nori nesfârșiti se târau pe cer, ploile terne nu s-au oprit. Artistul a fost nervos până când a fost atras de această vreme și a descoperit farmecul deosebit al culorilor albăstrui-liliac ale vremii rea rusești. De atunci, Volga Superioară, orașul de provincie Pleș a intrat ferm în activitatea sa. În acele părți, și-a creat lucrările „ploioase”: „După ploaie”, „Ziu mohorâtă”, „Deasupra păcii eterne”. Acolo au fost pictate și peisaje de seară liniștite: „Seara pe Volga”, „Seara. Golden reach”, „Sonn de seară”, „Locuință liniștită”.

În ultimii ani ai vieții, Levitan a atras atenția asupra operei artiștilor impresioniști francezi (E. Manet, C. Monet, C. Pizarro). Și-a dat seama că are multe în comun cu ei, că căutările lor creative mergeau în aceeași direcție. Ca ei, a preferat să lucreze nu în studio, ci în aer (în aer liber, după cum spun artiștii). Asemenea lor, a înseninat paleta, alungând culorile întunecate, pământii. Asemenea lor, a căutat să surprindă efemeritatea ființei, să transmită mișcările luminii și ale aerului. În aceasta au mers mai departe decât el, dar aproape au dizolvat forme tridimensionale (case, copaci) în fluxuri de aer ușor. A evitat-o.

„Picturile lui Levitan necesită o examinare lentă”, a scris un mare cunoscător al operei sale, K. G. Paustovsky. „Ele nu uimesc ochiul. Sunt modeste și precise, precum poveștile lui Cehov, dar cu cât le privești mai mult, cu atât devine mai dulce liniștea așezărilor provinciale, a râurilor familiare și a drumurilor de țară.

În a doua jumătate a secolului al XIX-lea. contează înflorirea creativă a lui I. E. Repin, V. I. Surikov și V. A. Serov.

Ilya Efimovici Repin (1844-1930) s-a născut la Chuguev, în familia unui colonist militar. A reușit să intre la Academia de Arte, unde P. P. Chistyakov i-a devenit profesor, care a adus în viață o întreagă galaxie de artiști celebri (V. I. Surikov, V. M. Vasnetsov, M. A. Vrubel, V. A. Serov). Repin a învățat multe și de la Kramskoy. În 1870, tânărul artist a călătorit de-a lungul Volgăi. Numeroase schițe aduse din călătorie, le-a folosit pentru pictura „Vălci de șlep pe Volga” (1872). Ea a făcut o impresie puternică asupra publicului. Autorul a intrat imediat în rândurile celor mai faimoși maeștri. Criticându-i pe susținătorii „artei pure”, el a scris: „Viața din jurul meu mă entuziasmează prea mult, nu-mi dă odihnă, se cere să fie pictată pe pânză; realitatea este prea scandaloasă pentru a broda modele cu conștiința curată - să lăsăm pe seama domnișoarelor bine crescute. Repin a devenit steagul Rătăcitorilor, mândria și gloria lor.

Repin a fost un artist foarte versatil. I. E. Repin a fost un maestru minunat în toate genurile de pictură și în fiecare își spunea noul cuvânt. Tema centrală a operei sale este viața oamenilor în toate manifestările ei. El a arătat oamenii în muncă, în luptă, a glorificat pe luptătorii pentru libertatea poporului. O serie de picturi monumentale de gen aparțin pensulei sale. Cea mai bună lucrare a lui Repin în anii 70 a fost pictura „Transportatori de șlepuri pe Volga”. Imaginea a fost percepută ca un eveniment în viața artistică a Rusiei, a devenit un simbol al unei noi direcții în artele vizuale. Repin a scris că „judecătorul este acum țăran și, prin urmare, este necesar să-i reproducă interesele”. Poate că nu mai puțin impresionant decât „Barge halers” este făcut de „Procesiunea religioasă din provincia Kursk”. Cerul albastru strălucitor, norii de praf de drum străpunși de soare, strălucirea aurie a crucilor și a veșmintelor, poliția, oamenii de rând și schilozii - totul se potrivește pe această pânză: măreția, puterea, slăbiciunea și durerea Rusiei.

În multe dintre tablourile lui Repin au fost atinse teme revoluţionare („Refuzul mărturisirii”, „Nu au aşteptat”, „Arestarea propagandistului”). Revoluționarii din picturile sale sunt păstrați simplu și natural, evitând ipostaze și gesturi teatrale. În tabloul „Refuzul spovedaniei”, omul condamnat, ca intenționat, și-a ascuns mâinile în mâneci. Artistul a simpatizat în mod clar cu eroii picturilor sale.

O serie de picturi ale lui Repin sunt scrise pe teme istorice („Ivan cel Groaznic și fiul său Ivan”, „Cazacii care compun o scrisoare către sultanul turc” etc.). Repin a creat o întreagă galerie de portrete ale oamenilor de știință (Pirogov, Sechenov), scriitorilor (Tolstoi, Turgheniev, Garshin), compozitorilor (Glinka, Mussorgsky), artiștilor (Kramskoy, Surikov). La începutul secolului XX. a primit o comandă pentru pictura „Întâlnirea ceremonială a Consiliului de Stat”. Artistul a reușit nu doar să plaseze un număr atât de mare dintre cei prezenți pe pânză, ci și să ofere o descriere psihologică a multora dintre ele. Printre aceștia s-au numărat figuri atât de cunoscute precum S. Yu. Witte, K. P. Pobedonostsev, P. P. Semenov-Tyan-Shansky. Cu greu se observă în imagine, dar Nicolae al II-lea este scris foarte subtil.

Vasily Ivanovich Surikov (1848-1916) s-a născut la Krasnoyarsk, într-o familie de cazaci. Perioada de glorie a operei sale cade în anii 80, când a creat trei dintre cele mai faimoase picturi istorice ale sale: „Dimineața execuției Streltsy”, „Menșikov în Berezov” și „Boiar Morozova”. Lucrările sale „Dimineața execuției Streltsy”, „Menșikov în Berezov”, „Boyary Morozova”, „Cucerirea Siberiei de Ermak Timofeevici”, „Stepan Razin”, „Suvorov Trecând Alpii” sunt apogeul picturii istorice rusești și mondiale. . Măreția poporului rus, frumusețea sa, voința neclintită, soarta sa dificilă și dificilă - asta l-a inspirat pe artist.

Surikov cunoștea bine viața și obiceiurile epocilor trecute, știa să dea caracteristici psihologice vii. În plus, a fost un excelent colorist (colorist). Este suficient să ne amintim de zăpada uluitor de proaspătă și strălucitoare din Boyaryna Morozova. Dacă te apropii de pânză, zăpada, așa cum ar fi, „se prăbușește” în linii albastre, albastre, roz. Această tehnică de pictură, când două sau trei linii diferite se îmbină la distanță și dau culoarea dorită, a fost folosită pe scară largă de impresioniștii francezi.

Valentin Alexandrovici Serov (1865-1911), fiul compozitorului, a pictat peisaje, pânze pe teme istorice, a lucrat ca artist de teatru. Dar faima i-a adus, mai presus de toate, portrete.

În 1887, Serov, în vârstă de 22 de ani, se afla în vacanță în Abramtsevo, dacha de lângă Moscova a filantropului S. I. Mamontov. Printre numeroșii săi copii, tânărul artist a fost bărbatul său, un participant la distracția lor. Odată, după cină, doi oameni au zăbovit accidental în sala de mese - Serov și Verusha Mamontova, în vârstă de 12 ani. Stăteau la o masă pe care erau lăsate piersici, iar în timpul conversației Verusha nu a observat cum artista a început să-și schițeze portretul. Munca a durat o lună, iar Verușa era supărată că Anton (cum era numit Serov acasă) o obliga să stea în sala de mese ore întregi.

La începutul lunii septembrie, Fata cu piersici s-a terminat. În ciuda dimensiunilor reduse, tabloul, pictat în tonuri de roz și auriu, părea foarte „spațios”. Era multă lumină și aer în ea. Fata, care s-a așezat la masă parcă un minut și și-a fixat privirea asupra privitorului, fermecată de claritate și spiritualitate. Da, și întreaga pânză a fost acoperită cu o percepție pur copilărească a vieții de zi cu zi, când fericirea nu este conștientă de sine și o viață întreagă este în față.

Locuitorii casei Abramtsevo au înțeles, desigur, că un miracol s-a întâmplat sub ochii lor. Dar numai timpul dă estimări finale. A plasat „Fata cu piersici” printre cele mai bune lucrări de portret din arta rusă și mondială.

În anul următor, Serov a reușit aproape să-și repete magia. A pictat un portret al surorii sale Maria Simonovich („Fata luminată de soare”). Numele a rămas puțin inexact: fata stă la umbră, iar poiana din fundal este luminată de razele soarelui dimineții. Dar în imagine totul este atât de unit, atât de unit - dimineața, soarele, vara, tinerețea și frumusețea - încât este greu să ne gândim la un nume mai bun.

Serov a devenit un portretist la modă. În fața lui s-au pozat scriitori celebri, artiști, artiști, antreprenori, aristocrați, chiar și regi. Aparent, nu pentru toți cei pe care i-a scris, i-a stat sufletul. Unele portrete din înalta societate, cu o tehnică de filigran, s-au dovedit a fi reci.

Timp de câțiva ani, Serov a predat la Școala de Pictură, Sculptură și Arhitectură din Moscova. Era un profesor exigent. Un adversar al formelor înghețate de pictură, Serov, în același timp, credea că căutările creative ar trebui să se bazeze pe o stăpânire solidă a tehnicii desenului și scrisului pictural. Mulți maeștri remarcabili se considerau studenți ai lui Serov: M. S. Saryan, K-F. Yuon, P. V. Kuznetsov, K. S. Petrov-Vodkin.

Multe picturi de Repin, Surikov, Levitan, Serov, „Rătăcitori” au ajuns în colecția lui Tretiakov. Pavel Mihailovici Tretiakov (1832-1898), un reprezentant al unei vechi familii de negustori din Moscova, a fost o persoană neobișnuită. Subțire și înalt, cu o barbă stufoasă și o voce liniștită, părea mai degrabă un sfânt decât un negustor. A început să colecteze tablouri ale artiștilor ruși în 1856. Hobby-ul a devenit principala afacere a vieții sale. La începutul anilor 90. colecția a ajuns la nivelul unui muzeu, absorbind aproape întreaga avere a colecționarului. Mai târziu a devenit proprietatea Moscovei. Galeria Tretiakov a devenit un muzeu faimos mondial de pictură, grafică și sculptură rusă.

În 1898, la Sankt Petersburg, în Palatul Mihailovski (creația lui K. Rossi), a fost deschis Muzeul Rusiei. A primit lucrări ale artiștilor ruși de la Schit, Academia de Arte și unele palate imperiale. Deschiderea acestor două muzee, parcă, a încununat realizările picturii rusești din secolul al XIX-lea.

CONCLUZIE

Arta plastică rusă, impregnată de ideile progresiste ale vremii, a servit unui mare scop uman - lupta pentru eliberarea omului, pentru reorganizarea socială a întregii societăți.

În general, în prima jumătate a secolului al XIX-lea, Rusia a obținut un succes impresionant în domeniul culturii. Fondul mondial a inclus pentru totdeauna lucrările multor artiști ruși. Procesul de formare a culturii naționale a fost încheiat.

La începutul secolelor XIX-XX. Căutările moderniste au dus la formarea unui grup de artiști uniți în jurul revistei „World of Art” (A.N. Benois, K.A. Somov, E.E. Lansere, L.S. Bakst, N.K. Roerich, I.E. Grabar și alții). Lumea Artizanilor a proclamat noi principii artistice și estetice care s-au opus viziunilor realiste ale Rătăcitorilor și înclinației academicismului. Au promovat individualismul, libertatea artei de problemele sociale și politice. Principalul lucru pentru ei este frumusețea și tradițiile culturii naționale ruse. Ei au acordat o atenție deosebită renașterii și noii evaluări a moștenirii epocilor trecute (XVIII - începutul secolelor XIX), precum și popularizării artei vest-europene.

La începutul secolului XX. a apărut „avangarda rusă”. Reprezentanții săi K.S. Malevici, R.R. Falk, M.Z. Chagall și alții au predicat arta formelor „pure” și a non-obiectivității exterioare. Ei au fost precursorii abstractionismului și au avut un impact uriaș asupra dezvoltării artei mondiale.

Romantismul în pictură

Reprezentanți: Francisco Goya, Antoine-Jean Gros, Theodore Géricault, Eugene Delacroix, Karl Bryullov, William Turner, Caspar David Friedrich, Karl Friedrich Lessing, Karl Spitzweg, Karl Blechen, Albert Bierstadt, Frederick Edwin Church.

Dezvoltarea romantismului în pictură a continuat într-o controversă ascuțită cu adepții clasicismului. Romanticii le-au reproșat predecesorilor lor „raționalitatea rece” și absența unei „mișcări a vieții”. În anii 1920 și 1930, lucrările multor artiști se distingeau prin patos și emoție nervoasă; în ele a existat o tendință spre motive exotice și un joc de imaginație care poate duce departe de „viața de zi cu zi întunecată”. Lupta împotriva normelor clasiciste înghețate a durat mult timp, aproape o jumătate de secol. Primul care a reușit să consolideze o nouă direcție și să „justifice” romantismul a fost Theodore Géricault.

Una dintre ramurile romantismului în pictură este stilul Biedermeier.

………………………………….

Dacă te uiți în dicționarul explicativ al limbii ruse, poți găsi următoarea definiție a romantismului:
o tendință în literatură, muzică, pictură și teatru care a apărut la începutul secolului al XIX-lea, a luptat împotriva canoanelor clasicismului, a adus personalitatea și sentimentele în prim-plan și a folosit teme istorice și poetice populare în opera sa;

direcție în literatură și artă, impregnată de optimism și dorința de a arăta în imagini vii scopul înalt al omului.

După cum se poate vedea din definiție, romantismul acoperă un strat mare de diferite tipuri de artă. Scopul eseului meu este de a explora dezvoltarea romantismului într-una dintre ele, și anume în pictură, prin identificarea celor mai proeminenți reprezentanți ai acestui trend în Europa de Vest și Rusia și analizarea lucrărilor acestora.

I. Romantismul în pictura vest-europeană

Dacă Franța a fost strămoșul clasicismului, atunci „pentru a găsi rădăcinile... școlii romantice”, scria unul dintre contemporanii săi, „ar trebui să mergem în Germania. Ea s-a născut acolo și acolo și-au format gusturile romanticii moderni italieni și francezi.

Germania fragmentată nu a cunoscut ascensiunea revoluționară. Mulți dintre romanticii germani erau străini de patosul ideilor sociale avansate. Au idealizat Evul Mediu. Ei s-au predat impulsurilor spirituale nesocotite, au vorbit despre abandonul vieții umane. Arta multora dintre ei era pasivă și contemplativă. Ei și-au creat cele mai bune lucrări în domeniul picturii portretului și peisajului.

Un portretist remarcabil a fost Otto Runge (1777-1810). Portretele acestui maestru, cu liniște exterioară, uimesc cu o viață interioară intensă și intensă.

Imaginea poetului romantic a fost văzută de Runge în „Autoportret”. Se examinează cu atenție și vede un tânăr cu părul negru, cu ochi negri, serios, plin de energie, gânditor și voinic. Artistul romantic vrea să se cunoască pe sine. Modul de execuție al portretului este rapid și cuprinzător, de parcă energia spirituală a creatorului ar trebui să fie transmisă deja în textura lucrării; într-o gamă de culori închise, apar contraste de lumină și întuneric. Contrastul este o tehnică picturală caracteristică maeștrilor romantici.

Pentru a surprinde jocul schimbător al stărilor de spirit ale unei persoane, pentru a-și privi sufletul, un artist al unui depozit romantic va încerca întotdeauna. Și în acest sens, portretele copiilor îi vor servi drept material fertil. În „Portretul copiilor din Huelsenbeck” (1805), Runge nu numai că transmite vivacitatea și imediatitatea caracterului copilului, dar găsește și o primire specială pentru o dispoziție strălucitoare. Fundalul din imagine este un peisaj, care mărturisește nu numai darul coloristic al artistului, atitudinea admirativă față de natură, ci și apariția unor noi probleme în reproducerea magistrală a relațiilor spațiale, nuanțe deschise ale obiectelor în aer liber. Un maestru romantic, care dorește să-și îmbine „eu”-ul cu întinderile Universului, se străduiește să surprindă aspectul senzual tangibil al naturii. Dar cu această senzualitate a imaginii, el preferă să vadă simbolul lumii mari, „ideea artistului”.

Runge, unul dintre primii artiști romantici, și-a pus sarcina de a sintetiza artele: pictura, sculptura, arhitectura, muzica. Artistul fantezează, întărindu-și conceptul filozofic cu ideile celebrului gânditor german din prima jumătate a secolului al XVII-lea. Jacob Boehme. Lumea este un fel de întreg mistic, fiecare particulă a căruia exprimă întregul. Această idee este legată de romanticii întregului continent european.

Un alt pictor romantic remarcabil german, Caspar David Friedrich (1774-1840), a preferat peisajul tuturor celorlalte genuri și a pictat doar imagini ale naturii de-a lungul vieții sale. Motivul principal al operei lui Friedrich este ideea unității omului și naturii.

„Ascultă vocea naturii care vorbește în noi”, își instruiește artistul studenților. Lumea interioară a unei persoane personifică infinitul Universului, prin urmare, s-a auzit pe sine, o persoană este capabilă să înțeleagă profunzimile spirituale ale lumii.

Poziția de ascultare determină principala formă de „comunicare” a unei persoane cu natura și imaginea ei. Aceasta este măreția, misterul sau iluminarea naturii și starea conștientă a observatorului. Adevărat, de multe ori Friedrich nu permite figurii să „intră” în spațiul peisagistic al picturilor sale, dar în pătrunderea subtilă a structurii figurative a întinderilor întinse, se simte prezența unui sentiment, experiența unei persoane. Subiectivismul în reprezentarea peisajului ajunge la artă numai cu opera romanticilor, prefigurand dezvăluirea lirică a naturii de către maeștrii din a doua jumătate a secolului al XIX-lea. Cercetătorii notează în lucrările lui Friedrich „extinderea repertoriului” a motivelor peisagistice. Autorul este interesat de mare, munți, păduri și diverse nuanțe ale stării naturii în diferite momente ale anului și ale zilei.

1811-1812 marcat de crearea unei serii de peisaje montane ca urmare a călătoriei către munte a artistului. „Dimineața la munte” reprezintă în mod pitoresc o nouă realitate naturală, născută în razele soarelui răsărit. Tonurile roz-violet le învăluie și îi privează de volum și gravitatea materialului. Anii bătăliei cu Napoleon (1812-1813) îl transformă pe Friedrich către teme patriotice. Ilustrand, inspirat din drama lui Kleist, scrie „Mormântul lui Arminius” – un peisaj cu mormintele vechilor eroi germanici.

Friedrich a fost un maestru subtil al peisajelor marine: Epocile, Răsăritul lunii peste mare, Moartea lui Nadezhda în gheață.

Ultimele lucrări ale artistului - „Odihnă pe câmp”, „Mlaștină mare” și „Amintiri ale munților giganți”, „Munți giganți” - o serie de lanțuri muntoase și pietre într-un prim plan întunecat. Aceasta, aparent, este o întoarcere la sentimentul experimentat al victoriei unei persoane asupra sa, bucuria ascensiunii în „vârful lumii”, dorința de înălțimi strălucitoare necucerite. Sentimentele artistului compun într-un mod deosebit aceste mase muntoase, iar din nou se citește mișcarea de la întunericul primilor pași la lumina viitoare. Vârful muntelui din fundal este evidențiat ca centrul aspirațiilor spirituale ale maestrului. Poza este foarte asociativă, ca orice lucrare a romanticilor, și implică diferite niveluri de lectură și interpretare.

Friedrich este foarte precis în desen, armonios muzical în construcția ritmică a picturilor sale, în care încearcă să vorbească prin emoțiile culorii și efectelor de lumină. „Multora li se dă puțin, puținilor li se dă mult. Fiecare deschide sufletul naturii într-un mod diferit. Prin urmare, nimeni nu îndrăznește să-și transfere experiența și regulile lui altuia ca lege necondiționată obligatorie. Nimeni nu este măsura tuturor. Fiecare poartă în sine o măsură numai pentru sine și pentru naturi mai mult sau mai puțin înrudite cu sine, ”această reflecție a maestrului dovedește integritatea uimitoare a vieții sale interioare și a creativității. Unicitatea artistului este palpabilă doar în libertatea operei sale - romanticul Friedrich stă pe asta.

Mai formală pare să fie dezlegarea de artiști – „clasici” – reprezentanți ai clasicismului unei alte ramuri a picturii romantice din Germania – Nazarineenii. Înființată la Viena și stabilită la Roma (1809-1810), „Unirea Sfântului Luca” i-a unit pe maeștri cu ideea de a renaște arta monumentală a problemelor religioase. Evul Mediu a fost o perioadă preferată a istoriei pentru romantici. Dar în căutarea lor artistică, nazarinenii s-au îndreptat către tradițiile picturii renascentiste timpurii din Italia și Germania. Overbeck și Geforr au fost inițiatorii unei noi alianțe, căreia i s-au alăturat mai târziu Cornelius, Schnoff von Karolsfeld, Veit Fürich.

Mișcarea nazarineenilor corespundea propriilor lor forme de opoziție față de academicienii clasici din Franța, Italia și Anglia. De exemplu, în Franța, așa-numiții artiști „primitivi” au apărut din atelierul lui David, iar în Anglia, prerafaeliții. În spiritul tradiției romantice, ei considerau arta „o expresie a timpului”, „spiritul poporului”, dar preferințele lor tematice sau formale, care la început au sunat ca un slogan al unificării, după un timp s-au întors. în aceleaşi principii doctrinare ca cele ale Academiei, pe care le-au negat.

Arta romantismului în Franța s-a dezvoltat în moduri deosebite. Primul lucru care l-a diferențiat de mișcările similare din alte țări a fost caracterul său activ, ofensiv („revoluționar”). Poeții, scriitorii, muzicienii, artiștii și-au apărat pozițiile nu numai prin crearea de noi lucrări, ci și prin participarea la controversele din reviste și ziare, care sunt caracterizate de cercetători drept o „bătălie romantică”. Faimoșii V. Hugo, Stendhal, George Sand, Berlioz și mulți alți scriitori, compozitori și jurnaliști francezi „și-au șlefuit pene” în controverse romantice.

Pictura romantică în Franța apare ca o opoziție cu școala clasicistă a lui David, arta academică, denumită „școala” în general. Dar acest lucru trebuie înțeles într-un sens mai larg: era o opoziție la ideologia oficială a epocii reacționare, un protest împotriva limitărilor ei mic-burgheze. De aici natura jalnică a operelor romantice, entuziasmul lor nervos, atracția pentru motive exotice, pentru intrigi istorice și literare, pentru tot ceea ce poate duce departe de „viața întunecată de zi cu zi”, de aici acest joc de imaginație și, uneori, dimpotrivă, visarea cu ochii deschiși și o lipsă totală de activitate.

Reprezentanții „școlii”, academicienii, s-au răzvrătit, în primul rând, împotriva limbajului romanticilor: colorarea lor fierbinte entuziasmată, modelarea formei, nu cea familiară „clasicilor”, statuar-plastic, ci construit pe contraste puternice de pete de culoare; desenul lor expresiv, refuzând în mod deliberat să fie precis; compoziția lor îndrăzneață, uneori haotică, lipsită de măreție și de un calm de neclintit. Ingres, dușmanul implacabil al romanticilor, până la sfârșitul vieții a spus că Delacroix „scrie cu mătură nebună”, iar Delacroix l-a acuzat pe Ingres și pe toți artiștii „școlii” de răceală, raționalitate, lipsă de mișcare, că nu scrie, ci „pictează” tablourile lor. Dar aceasta nu a fost o simplă ciocnire a două personalități strălucitoare, complet diferite, a fost o luptă între două viziuni artistice diferite asupra lumii.

Această luptă a durat aproape o jumătate de secol, romantismul în artă nu a câștigat ușor și nu imediat, iar primul artist al acestei tendințe a fost Theodore Gericault (1791-1824) - un maestru al formelor monumentale eroice, care a combinat în opera sa atât clasiciste. trăsăturile și trăsăturile romantismului în sine și, în sfârșit, un puternic început realist, care a avut un impact uriaș asupra artei realismului la mijlocul secolului al XIX-lea. Dar în timpul vieții a fost apreciat doar de câțiva prieteni apropiați.

Numele lui Theodore Zhariko este asociat cu primele succese strălucitoare ale romantismului. Deja în picturile sale timpurii (portrete ale militarilor, imagini cu cai), idealurile antice s-au retras înainte de percepția directă a vieții.

O nouă etapă în dezvoltarea realismului în cultura artistică rusă din a doua jumătate este asociată cu pătrunderea în profunzimile conștiinței și sentimentelor umane, în procesele complexe ale vieții sociale. Operele de artă create în acea perioadă sunt caracterizate de patos umanist, idealuri morale și estetice înalte.

Literatura rusă din a doua jumătate a secolului al XIX-lea.

Literatura rusă din a doua jumătate a secolului al XIX-lea continuă tradițiile lui Pușkin, Lermontov și Gogol. Există o influență puternică a criticii asupra procesului literar, în special teza de master a lui N.G.Cernîșevski „Relațiile estetice dintre artă și realitate”. Teza sa că frumusețea este viață stă la baza multor opere literare din a doua jumătate a secolului al XIX-lea. De aici și dorința de a descoperi cauzele răului social. Tema principală a operelor literare și, mai larg, a operelor culturii artistice rusești a fost în acest moment tema poporului, sensul său socio-politic ascuțit. În operele literare apar imagini cu bărbați - drepți, rebeli și filosofi altruiști. Opere de arta I.S. Turgeneva, N.A. Nekrasova, L.N. Tolstoi, F.M.Dostoievski distins printr-o varietate de genuri și forme, bogăție stilistică. Se remarcă rolul deosebit al romanului în procesul literar ca fenomen în istoria culturii mondiale, în dezvoltarea artistică a întregii omeniri. „Dialectica sufletului” a fost o descoperire importantă în literatura rusă din această perioadă. Odată cu apariția „marelui roman” în literatura rusă, apar mici forme narative ale marilor scriitori ruși (vă rugăm să consultați programul despre literatură). Aș dori să menționez și lucrări dramatice A.N. Ostrovskyși A.P. Cehov.

În poezie iese în evidență o înaltă poziție civică N.A. Nekrasova, versuri pătrunzătoare F.I.Tiutchevași A.A. Feta.

Artele plastice rusești din a doua jumătate a secolului al XIX-lea.

Un simț acut al cetățeniei a devenit caracteristic nu numai operelor literare, ci a fost și o trăsătură caracteristică artelor plastice ale Rusiei post-reformă. Cel mai izbitor fenomen al celei de-a doua jumătăți a secolului al XIX-lea a fost crearea Asociației Expozițiilor de Artă Itinerante și a artelelor artiștilor. Lucrările lor s-au remarcat prin amploarea temelor și varietatea genurilor: de la satiric, construit pe principiul contrastului social, la filozofic, poetic, plin de reflecții asupra soartei Patriei, care afirmă demnitatea și frumusețea unei persoane. Rătăcitorii au continuat tradițiile artiștilor ruși de la mijlocul secolului al XIX-lea P.A. Fedotov și A.A. Ivanov.

În opera Wanderers, genul vieții de zi cu zi a jucat un rol important ca fiind cel mai accesibil unui public larg, deoarece era direct legat de viața de zi cu zi. Tema suferinței populare își găsește locul în arta artistului rus V.G.Perova(,). În lucrările sale, adevărul gol al vieții este combinat cu lirismul pătrunzător, concizia și generalizarea profundă a imaginilor. Peisajul joacă un rol deosebit în sunetul epic al picturilor, subliniind starea de spirit a eroilor picturilor lui Perov.

Un rol important în opera Wanderers este jucat de un portret care dezvăluie privitorului un nou erou - un om de rând, democrat, bogat spiritual, creator, persoană publică activă. Dintre lucrările lui Perov, aș dori să remarc portretele dramaturgului și scriitorului, în care artistul pătrunde în esența individualității creatoare a celor mai mari reprezentanți ai literaturii ruse.

Portretele se disting prin persuasivitate vitală, individualitate strălucitoare, profunzime și acuratețe a caracteristicilor. I.N.Kramskoy. El a știut întotdeauna să surprindă caracteristica, tipică în eroul înfățișat, a văzut semnificația situației, lucrurilor, detaliilor. Interesante sunt și portretele, în care a surprins complexitatea vieții spirituale, profunzimea personajelor.

Apogeul creativității rătăcitorilor și începutul unei noi etape în dezvoltarea culturii naționale ruse este arta maeștrilor picturii istorice. I.E. Repinași V.I. Surikov. Surikov își scrie pânzele istorice pe comploturi care permit dezvăluirea puterii puternice a oamenilor, transmiterea autenticității evenimentelor istorice și aducerea trecutului mai aproape de prezent. Atmosfera de contradicții complexe și conflicte sociale din vremea lui Petru cel Mare se reflectă în pictura lui Surikov, pe care artistul o interpretează ca o tragedie populară.

Într-o altă pânză istorică (), Surikov creează o imagine complexă, contradictorie, a unei eroine a cărei ispravă, plină de frumusețe fizică și morală, trezește forțe invincibile în oameni.

O pânză istorică notabilă este opera lui I.E. Repin, ideea căreia a apărut ca răspuns la un eveniment al timpului nostru - execuția Primului Martie, ca o afirmare a ideii de nebunie și criminalitate. a autocrației ca formă de guvernare. Nu e de mirare că acest tablou de Repin a fost arestat și nu a fost permis să fie expus în Galeria Tretiakov.

Portretele pictate de Repin diferă în profunzimea caracteristicilor.

Peisajele artiștilor ruși din a doua jumătate a secolului al XIX-lea sunt pline de măreție, bogăție, lirism în picturile naturii native, cântec. În acest moment, are loc formarea unui peisaj realist ( A.Savrasov , F.A.Vasiliev , N.N. Shishkin), liric și sincer ( I.I. Levitan,), socio-filosofice (Levitan,).

Muzica rusă din a doua jumătate a secolului al XIX-lea.

În muzica rusă din a doua jumătate a secolului al XIX-lea, pot fi urmărite legături cu mișcarea democratică a epocii. În Rusia, există două centre muzicale. Unul dintre ele este situat în Sankt Petersburg, celălalt - la Moscova. La Sankt Petersburg a luat naștere o mișcare de compozitori, care a fost numită „Mighty Handful”. Include cinci compozitori, dintre care doar unul era muzician profesionist - M.A. Balakirev. N.A. Rimski-Korsakov a fost militar profesionist (ofițer de marină), A.P. Borodin- profesor de chimie, care a făcut peste 30 de descoperiri în acest domeniu, M.P. Musorgski- ensign medical, și Ts.A.Kui fortificator general. Sufletul și inspiratorul acestui cerc muzical a fost criticul V. Stasov. În munca lor, acești compozitori au urmat linia de dezvoltare a intonației melodiei rusești Znamenny, afirmând caracterul popular-național al muzicii, îndreptată spre cântecul țărănesc, spre cultura muzicală a altor popoare.

Conflictele sociale acute din anii 60-70 ai secolului al XIX-lea s-au reflectat în muzica deputatului Mussorgsky. Compozitorul apelează la evenimente istorice, intrigi care permit dezvăluirea contradicțiilor vieții rusești, a tragediei poporului, a sferei formidabile a luptei de eliberare. Așa se explică sensul afirmației lui Mussorgski: „Trecutul în prezent este sarcina mea”. Acest lucru este valabil mai ales pentru operele sale „Boris Godunov” și „Khovanshchina”, în care evenimentele din secolele trecute apar în fața noastră într-un aspect modern. În opera „Boris Godunov”, compozitorul pătrunde adânc în concepția ideologică a lui A.S. Pușkin, folosind legenda uciderii lui țarevici Dimitri în urma poetului. La baza dramaturgiei operei se află contrastele ascuțite - juxtapozițiile. Tragic - imagine contradictorie a lui Boris Godunov, ale cărui monologuri se disting prin caracterul cântec - recitativ. Oamenii din interpretarea lui Mussorgski apar ca o mare personalitate, animată de o idee grozavă.

În opera lui N.A. Rimsky-Korsakov se poate simți poezia și frumusețea originală a artei naționale ruse. Mintea, bunătatea, talentul artistic al oamenilor, visele lor de libertate, ideile lor de dreptate - tema principală a operelor lui Rimski Korsakov. Eroii săi se caracterizează prin realismul imaginilor fantastice, pitorescul lor. Un loc aparte în opere este acordat peisajelor muzicale. Frumusețea melodică și varietatea paletei muzicale sunt umplute de imaginile sale fabuloase (Volhovs și țarul mării din opera „Sadko”, Fecioara zăpezii, Lelya, Mizgir din „Ciasta zăpezii”, personaje din „Cocoșul de aur”).

Imaginile eroice ale epicului popular rusesc stau la baza lucrării lui A.P. Borodin. Opera „Prințul Igor” este un poem epic despre Rusia Antică, în care, potrivit lui V. Stasov, se simte „o mare putere și lățime, putere monumentală, unite de pasiune, tandrețe și frumusețe”. Opera are un început patriotic, versuri (cântecul Iaroslavnei, dansul fetelor polovtsiene), tema Orientului (aria lui Konchak, Konchakovna).

Un altul, Moscova, centru de artă muzicală din a doua jumătate a secolului al XIX-lea este reprezentat de lucrări P.I. Ceaikovski, care în opera sa a dezvoltat intonațiile romantismului urban, continuând tradițiile lui M.I. Glinka și W.A. Mozart. Moștenirea lui P.I. Ceaikovski se remarcă prin bogăția genurilor muzicale: baletele „Lacul lebedelor”, „Spărgătorul de nuci”, „Frumoasa adormită”, operele „Iolanta”, „Eugene Onegin”, șase simfonii, valsuri și romanțe, lucrări la pian.

Cele două vârfuri ale operei lui Ceaikovski sunt opera Regina de pică și Simfonia a șasea. În tragedia muzicală „Regina de pică” există o legătură cu mișcarea socială a Rusiei din a doua jumătate a secolului al XIX-lea, tema crimei și pedepsei. Compozitorul face modificări ale intrigii și ale caracteristicilor psihologice ale personajelor. „Germanul” al lui Pușkin este numele lui de familie, al lui Ceaikovski este numele lui. Dramaturgia muzicală a operei, remarcată prin armonie și dinamism, este construită pe principiul dezvoltării conflictului. Tema celor trei cărți – tema banilor – intră în conflict cu laitmotivul destinului lui Herman și cu tema iubirii. Aceste teme sunt în contrast de dezvoltare, luptă și întrepătrundere, care dezvăluie evoluția lumii interioare a eroului.

Problema filozofică a sensului vieții este tema principală a Simfoniei a șasea „patetică” a lui Ceaikovski. Sună conflictul unei persoane cu realitatea înconjurătoare, dorința lui de lumină, de bucurie, de dragoste pentru viață și de inevitabilitatea unei lupte dezinteresate pentru triumful lor. Temele contrastante sunt pline de un sunet tragic și umanism înalt, credința compozitorului în puterile spirituale ale individului.

Pentru a putea percepe corect lucrările acestei perioade (a doua jumătate a secolului al XIX-lea), ar trebui să vă amintiți sarcinile artei din această perioadă. Cel mai important eveniment care a schimbat dezvoltarea picturii a fost inventarea fotografiei în 1839. Sarcina principală a artelor vizuale, care poate fi formulată ca „Scriu ceea ce văd”, a suferit modificări. Impresioniștii au pus întrebarea diferit: „Nu pictez ceea ce văd, ci cum simt”. Apariția unei noi tehnici în pictură (trăsă separată) a dus la o schimbare a mijloacelor de exprimare artistică. Privitorul este coautorul operei de artă. Pentru a face acest lucru, este necesar să se găsească o astfel de distanță atunci când se percepe picturile impresioniștilor, astfel încât culorile să se amestece în ochiul privitorului, transformându-se într-o imagine artistică. Aș vrea să te uiți la picturile impresioniste din muzeu, unde le-ai simți tot farmecul.

Vă va fi deosebit de greu să comunicați cu operele postimpresioniştilor, care, folosindu-se de descoperirea impresioniştilor (de exemplu, în domeniul „tonurilor pure”), au rezolvat problema artei astfel: „Eu nu scrie ceea ce văd și nu ceea ce simt, ci ce știu despre aceste lucruri.” Pentru prima dată în istoria picturii, o imagine apare nu la nivelul ochilor, ci la nivelul creierului. Era o percepție specială asupra lumii cu consecințe de amploare. Patru postimpresionişti (Toulouse-Lautrec, Cezanne, Gauguin şi Van Gogh) au fost fondatorii aproape tuturor tendinţelor de vârf ale secolului al XX-lea.

Trebuie remarcat faptul că arta rusă din a doua jumătate a secolului al XIX-lea s-a dezvoltat în opoziție și, în același timp, interacțiunea a două tendințe principale: realistă și academică. O înțelegere diferită a sarcinilor artei, însuși conceptul de „frumusețe” a determinat diferența dintre metodele artistice ale maeștrilor acestor zone, dând vieții artistice a Rusiei tensiune și diversitate.

Sala Academiei a doua jumătate XIX secol

Pictura academică din a doua jumătate a secolului al XIX-lea, reprezentată de cei mai talentați reprezentanți ai săi, a fost custodele preceptelor măiestriei, al tradițiilor artei clasice din trecut.

Unul dintre cele mai populare în pictura academică din această perioadă este stilul neo-grec. În pânzele monumentale ale artiștilor, lumea antichității apare sub forma unor spectacole spectaculoase cu mai multe figuri, drame sângeroase și scene de cameră idilice în spirit.

Într-o imagine mare, plină de expresie dramatică K. D. Flavitsky complotul din istoria Romei în perioada persecuției creștine „Martiri creștini la Colosseum” (1862) este în mod evident influențat de K. P. Bryullov, idolul tineretului academic de la mijlocul secolului al XIX-lea.

Cea mai faimoasă lucrare G. I. Semiradsky Phryne la Sărbătoarea lui Poseidon din Eleusis (1889) este un fel de reconstrucție istorică și arheologică a unei scene din viața antică, prezentată pe fundalul unui peisaj superb pictat, care transmite frumusețea bogată a naturii mediteraneene.

În genul antic, și-a realizat ideile creative și V. S. SMIRNOV Compoziția picturii „Moartea lui Nero” (1888), în schema sa sonoră de culori expresivă și decorativă, a reflectat nu numai priceperea inerentă a pictorului, ci și lecțiile artei europene moderne.

Trebuie subliniat faptul că, cu toată expresivitatea spectaculoasă a lucrărilor școlii academice cu motive tradiționale din istoria antică și biblică, locul de frunte în procesul artistic al acestui timp este ocupat treptat de o direcție realistă, ai cărei artiști și-au exprimat interesele. și aspirațiile ideologice ale societății ruse într-o nouă perioadă de dezvoltare.

Sala V. G. Perov

Pentru a atrage atenția publicului asupra unei schimbări drastice în eroul și preferințele estetice ale artiștilor realiști în comparație cu lucrările sălii anterioare. Nu subiectele religioase și mitologice, ca în compozițiile academice, ci realitatea înconjurătoare, viața de zi cu zi a diferitelor segmente ale populației (în principal oameni săraci) sunt acum în centrul atenției artiștilor de o nouă direcție realistă.

Adevăratul suflet al mișcării critice emergente în pictură a fost V. G. Perov, care a continuat tradițiile lui P. A. Fedotov, și care a reușit să arate multe aspecte ale vieții simple de zi cu zi cu patos acuzator. Pictura „Culegătorii de cârpe din Paris”(1864) face parte dintr-o serie de lucrări pariziene ale artistului, dezvăluind tema sărăciei și singurătății. Împreună cu pânzele "Fata cu ulcior" (1869), „Orfani în cimitir”(1864 (?)) Tema copilăriei sumbră, amară și teribilă iese în pictura rusă, așa cum se va revărsa pe paginile literaturii ruse în imaginile pentru copii ale lui Nekrasov și Dostoievski.

Prezentat în expoziție portretul lui I.S. Turgheniev(1872) este una dintre cele mai bune lucrări de portret ale lui Perov, executată la sfârșitul anilor 60-70.

De menționat că V. G. Perov este unul dintre organizatorii Asociației Expozițiilor de Artă Itinerante care au apărut în 1870, unind artiști realiști din Moscova și Sankt Petersburg.

Sălile lui I. N. Kramskoy și K. E. Makovski

Folosind o afișare cuprinzătoare, se propune compararea lucrărilor lui I. N. Kramskoy și K. E. Makovsky, ca cei mai importanți reprezentanți ai tendințelor realiste și academice în arta celei de-a doua jumătate a secolului al XIX-lea.

I. N.Kramskoy- o figură remarcabilă în viața culturală a Rusiei în anii 1860 - 1880. Organizatorul Artel de Artă din Sankt Petersburg, unul dintre fondatorii Asociației Expozițiilor de Artă Itinerante, critic de artă subtil, pasionat de soarta artei rusești, a fost ideologul unei întregi generații de artiști realiști.

Lucrând în diferite genuri, Kramskoy a obținut cel mai mare succes în portrete. Pe pânzele sale, el a surprins multe figuri ale culturii ruse. Sala prezintă portrete ale artiștilor I. I. Șișkin (1880), V. G. Perov (1881), filosofului V. S. Solovyov (1885). În portretul Minei Moiseev, creat în 1882 ca studiu pentru pictura „Țăran cu căpăstru”, Kramskoy a dezvoltat subtil din punct de vedere psihologic imaginea „un om din popor”. Portretul Sonyei Kramskoy, fiica artistului (1882), este poetic expresiv.

Dacă bannerul artistului realist Ivan Kramskoy avea cuvântul „adevăr” înscris pe el, atunci stindardul lui Konstantin Makovsky, care aparține taberei opuse a artei academice de salon, poartă cuvântul „frumusețe”.

Transmite genial atmosfera, ținutele, țesăturile și blănurile scumpe, K. E. Makovski a încercat să prezinte portretul în cea mai avantajoasă lumină, păstrând în același timp asemănarea exactă, dar fără a pătrunde în caracteristicile psihologice ale modelelor. În cuvintele lui I. N. Kramskoy, în aceste portrete „culorile sunt asortate ca un buchet”. Acestea sunt binecunoscutele portrete ale soției artistului, Iulia (1881) și ale copiilor săi mici - Serghei, viitorul critic de artă, poet, editor al revistei Apollo și Elena, care mai târziu a devenit sculptor și artist.

Picturile istorice ale lui Makovsky sunt reprezentate în expunere printr-un tablou creat sub impresia unei călătorii în Egipt, „Întoarcerea covorului sacru de la Mecca la Cairo” (1876).

În anii 70 ai secolului al XIX-lea, repertoriul de gen al picturii realiste sa extins: odată cu pictura de zi cu zi, s-au dezvoltat portretele și peisajele, iar interesul pentru subiectele istorice a reînviat.

Sala N. N. Ge

N. N. Ge ca un fel de pictor din a doua jumătate a secolului al XIX-lea. Dorința artistului pentru o înțelegere filozofică a vieții, pentru formularea în lucrările sale a unor probleme morale și etice importante care au îngrijorat societatea rusă. Apelul frecvent al lui Ge la poveștile Evangheliei și la noua lor interpretare.

"Ultima cina"- una dintre creațiile semnificative ale artistului. Povestește pe scurt despre complotul imaginii. Explicați natura neobișnuită a interpretării sale ca o dramă istorică, al cărei conținut se bazează pe un conflict moral, o ciocnire a două viziuni opuse asupra lumii (Hristos și Iuda).

Analizând imaginea, este necesar să se arate modul în care ideea sa este dezvăluită în structura figurativă a lucrării:

identificarea a două forțe opuse în compoziție (figura luminată a lui Hristos și figura sumbră a lui Iuda);

psihologia imaginilor (dezvăluirea experiențelor profunde ale lui Hristos, Ioan, Pavel);

expresivitatea mijloacelor vizuale (de observat cum, prin transferul specificului situației, se realizează contrastele de culoare și iluminare, un sentiment de tensiune, semnificație și realitate a unei mari drame umane).

Arată cuprinzător portrete.

Portretele pictate de Ge se remarcă prin simplitatea, veridicitatea, rigurozitatea culorii și soluțiile compoziționale, dorința de a transmite bogăția și complexitatea vieții spirituale a unei persoane; conform lui Alexandre Benois, „există o reflectare a sufletului nobil al lor. autor” asupra lor.

Sala I. I. Shishkin

I. I. Shishkin, a cărei opera este foarte larg reprezentată în Muzeul Rus, nu este doar una dintre cele mai mari, dar și poate cea mai populară printre pictorii de peisaj ruși din a doua jumătate a secolului al XIX-lea. Șișkin cunoștea „științific” natura rusă și o iubea cu toată puterea naturii sale puternice. Lucrările sale au devenit personificarea triumfului temei și formei naționale în arta rusă.

Prezentați cuprinzător peisajele prezentate în sală, cu accent pe tabloul „Ship Grove” (1898), pictat cu puțin timp înainte de moartea artistului.

Subliniați următoarele trăsături caracteristice inerente lucrărilor lui I. I. Shishkin:

capacitatea de a vedea frumusețea naturii native în cele mai obișnuite motive;

obiectivitate în transferul aspectului său;

combinația dintre concretețea observației cu marea cunoaștere a naturii care stă la baza lucrărilor sale;

expresie a plinătății viziunii asupra lumii în peisaje luminoase și vesele.

În concluzie, să spun despre marea dragoste a lui Shishkin și înțelegerea profundă a naturii sale, ceea ce i-a făcut posibil să o reproducă atât de complet și obiectiv.

Săli ale pictorilor de gen

În aceste săli sunt prezentate în principal lucrări de gen cotidian din a doua jumătate a secolului al XIX-lea, create de artiști care au format nucleul Asociației Expozițiilor de Artă Itinerante.

Atmosfera satului post-reformă, descompunerea vieții patriarhale a arătat V. M. Maksimovîn lucru „Secția pentru familie” (1876).

G. G. Myasoedovîn pânza ta mare "Cositoare"(1887) a deschis posibilitatea unei soluții mai generalizate, monumentale, pentru o pictură de gen. Autorul a cântat latura veselă a vieții, a transmis frumusețea muncii țărănești, ritmul ei măsurat, armonios, aproape muzical.

„Merg la popor”, mitinguri, acte teroriste pentru multe personalități politice din anii 1860 - 1870 s-au încheiat în închisori, exil, moarte. Nu întâmplător imaginea unui revoluționar, popular la acea vreme în arta democratică, s-a reflectat în pictură. V. E. Makovski "Condamnat" (1879).

Creată K. A. Savitsky tablouri cu mai multe figuri „Întâlnirea icoanei”(1878) și „La război”(1880-88) - au fost răspunsul artistului la evenimentele asociate cu războiul ruso-turc care a început în 1877. Tema principală a acestor pânze este soarta țărănimii. Nu întâmplător Savitsky va fi numit mai târziu „Nekrasov în pictură”, „mai întristatul durerii oamenilor”.

Este important de reținut că imaginea de zi cu zi a anilor 1870 - 1880. diferă semnificativ de genul de la mijlocul secolului:

extinderea formatului exprimă o tendință spre o desfășurare mai largă, panoramică a imaginii de viață;

temele sunt îmbogățite: de la denunțarea manifestărilor particulare ale răului social și a viciilor naturii umane, arta trece la glorificarea frumuseții vieții populare, subliniind demnitatea morală a persoanei ruse.

În anii 80 ai secolului al XIX-lea, pe scena artei rusești au apărut artiști dintr-o nouă generație, care urmau să îmbogățească arta realistă rusă cu noi caracteristici.

Sala V. D. Polenov

V. D. Polenov - creatorul peisajului de gen. În peisajele acestui maestru întâlnim pentru prima dată o atmosferă de tristețe lirică asupra vieții de conac patriarhal care se estompează în uitare. („Curtea Moscovei”, „Iazul acoperit de vegetație”).

Baza moștenirii creatoare a lui V. D. Polenov o constituie compozițiile istorice bazate pe poveștile Evangheliei.

Lucrarea centrală a ciclului Evangheliei - „Hristos și păcătosul” (1888).

Artistul continuă tradiția de a pune probleme etice într-un tablou istoric, dar se concentrează nu atât pe opoziția psihologică a personajelor, cât pe o reconstrucție sigură a scenei vieții istorice, se concentrează pe mobilierul acțiunii, costumele, arhitectura. și împrejurimile peisajului.

Este de remarcat faptul că Polenov a fost primul pictor rus care a expus schițe la expoziții, transformând astfel o schiță auxiliară pentru un tablou într-un tablou independent. („Erechtheion. Porticul cariatidelor”).

Cel mai înalt punct în dezvoltarea realismului rus în a doua jumătate a secolului al XIX-lea marchează moștenirea creativă a lui I. E. Repin.

Sala I a I. E. Repin

O scurtă descriere a lucrării lui I. E. Repin ca artist realist remarcabil. Diversitatea de gen a operei sale (pictură istorică, pictură de gen, portrete). Trebuie remarcat faptul că Muzeul de Stat al Rusiei are o colecție mare și interesantă de lucrări ale artistului.

În prima sală Repinsky, fără a oferi o analiză detaliată a lucrării, se prezintă teza artistului „Învierea fiicei lui Iair”, mai multe portrete timpurii, numindu-le pe unele dintre ele (la alegerea ghidului) și evidențiind tabloul ca fiind opera principală a acestui timp „Transportatori de barje pe Volga”.

Marele interes al lui Repin pentru tema populară și întruchiparea acesteia în diverse genuri (pictură de zi cu zi, compoziție istorică).

Sala a doua a I. E. Repin

„Cazacii compunând o scrisoare către sultanul turc”- una dintre creațiile majore ale lui Repin - un pictor istoric.

Scurte informații despre lucrarea lui Repin asupra picturii.

Analizând „cazacii”, este necesar să arătăm cum ideea imaginii (glorifică puterea și curajul unui popor liber) este dezvăluită în sunetul optimist general al lucrării, structura sa figurativă:

în compoziție (corespondența principiului construcției sale cu ideea patriotică a operei);

în soluție de culoare (sonoritatea aproape locală a culorii dă naștere unui sentiment de îndrăzneală și entuziasm al oamenilor liberi cazaci);

în imagini luminoase și colorate ale eroilor (acordați atenție dezvoltării magistrale de către artist a caracteristicilor lor individuale).

Afirmarea unei imagini pozitive a unui contemporan în lucrările portretistului Repin. Afișați portretele personalităților proeminente ale științei și culturii în sală (portrete ale lui V.V. Stasov, A.K. Glazunov, A.I. Kuindzhi etc.).

Sala A. I. Kuindzhi.

Opere de arta A. I. Kuindzhi, arată cuprinzător.

Originalitatea activității creative a lui Kuindzhi. Marele interes al artistului pentru părțile luminoase și spectaculoase ale lumii din jurul său subliniază apelul predominant al artistului pentru imaginile naturii sudice.

Caracteristici ale căutării creative a lui Kuindzhi să ia în considerare una dintre lucrările sale majore „Noapte de lună pe Nipru”, notand:

mare impact emoțional al peisajului, al poeziei sale;

dragoste pentru culorile strălucitoare;

o interpretare generalizată a culorii, dând peisajului caracteristici decorative;

rolul luminii în peisajele artistului;

căutarea unei forme generalizate expresive.

Dezvoltarea școlii rusești de peisaj în a doua jumătate a secolului al XIX-lea se încheie cu opera lui I.I. Levitan.

Sala I. I. Levitan

I. I. Levitan- unul dintre cei mai faimoși pictori de peisaj din istoria artei ruse. Muzeul de Stat al Rusiei are o mică, dar foarte interesantă colecție a lucrărilor sale târzii, realizate în diverse tehnici (pictură în ulei, pastel).

Indicând pictura „Amurg, Lună”, pasteluri „Ziua mohorâtă”, „Toamna târzie”, „Luncă la marginea pădurii”, pentru a sublinia profunzimea experienței lirice a naturii a artistului, capacitatea de a transmite profunzimea lumea spirituală a omului prin imaginea ei. Puterea impactului emoțional al peisajului.

Pictura "Lac". Ideea ultimei lucrări majore a lui Levitan (crearea unei imagini generalizate a naturii native: „Rus” - numele original al imaginii).

Scurtă descriere a peisajului. Subliniați caracterul național al motivului reprodus de artist. Caracteristicile construcției sale spațiale. Abilitatea lui Levitan de a transmite tremurul faunei sălbatice (transparența aerului, mișcarea luminii solare, suprafața albastră a lacului atinsă de un vânt ușor cu nori reflectați în el etc.). Fiți atenți la modul în care interpretarea generalizată a formei și sonoritatea culorii, artistul atinge expresia măreției epice a peisajului, starea sa majoră.

În concluzie, să spun despre marea contribuție a lui Levitan la dezvoltarea picturii peisagistice.

Sala a treia a I. E. Repin

Continuând discuția despre opera lui I. E. Repin, evidențiați tabloul „Ședința ceremonială a Consiliului de Stat” ca una dintre cele mai semnificative realizări ale operei târzii a artistului.

„Ședința ceremonială a Consiliului de Stat în ziua împlinirii a 100 de anianiversare 7 mai 1901"- portret de grup ceremonial. Informați că atât lucrarea numită, cât și o parte din materialele pregătitoare pentru aceasta sunt expuse în sală.

Perioada pregătitoare - lucrarea lui Repin la o schiță (arată-o) și schițe.

Schițele pentru pictură sunt una dintre cele mai izbitoare realizări ale lui Repin ca pictor și psiholog. Afișați mai multe schițe (Pobedonostseva, Witte, Ignatiev etc.). Acordați atenție clarității caracteristicilor psihologice ale personajelor.

Stăpânirea interpretării picturale a schițelor. Subliniați stilul liber, energic de scris, expresivitatea emoțională a culorii.

Caracteristici ale performanței artistice a imaginii:

originalitatea compoziției (baza sa este forma unui oval; aranjamentul natural în compoziția unui număr mare de participanți la întâlnire, severitatea construcției sale generale);

construirea perspectivei în imagine din mai multe puncte de vedere (convergența planurilor, rolul comparației la scară largă a cifrelor);

corespondența sistemului de culori al imaginii cu conținutul acesteia (construcția culorii pe combinația predominantă de roșu, alb, verde închis, care creează impresia de solemnitate deosebită);

pictura de Repin și locul ei în istoria portretului rusesc la sfârșitul secolului al XIX-lea - începutul secolului al XX-lea Reînvierea artistului a genului portretului de grup.

Sălile lui V. I. Surikov

Culegere de lucrări V. I. Surikova- una dintre cele mai valoroase din colecția Muzeului Rus.

O scurtă descriere a operei lui V. I. Surikov (interesul artistului pentru evenimentele istorice din trecutul Rusiei; subiectele care l-au atras cel mai mult pe Surikov au fost

formarea statalității ruse, momente de cotitură în istorie, faptele eroice ale poporului). Înțelegerea de către Surikov a istoriei ca luptă a maselor (personajul principal al picturilor lui Surikov este oamenii).

Numiți toate lucrările majore ale artistului din colecția muzeului.

În Muzeul de Stat al Rusiei există lucrări din anii 1890-1900, în timp ce în Galeria de Stat Tretiakov sunt lucrările timpurii ale maestrului.

Mai multe detalii pe poza „Cucerirea Siberiei de către Yermak”.

Furnizați un rezumat al evenimentului reluat. „Două elemente se întâlnesc” - așa definește Surikov ideea principală a picturii epice „Cucerirea Siberiei de către Yermak” (1895), prin a cărei creație părea să-și afirme legătura cu Siberia, cu cazacii.

Marea putere a impactului emoțional al unui tablou istoric la scară largă.

Într-o scurtă analiză a imaginii, ar trebui să se acorde atenție modului în care este dezvăluit conținutul său tragic:

în compoziție (opoziție a două forțe opuse - un mic detașament de cazaci, dat în prim-plan, și uriașa armată a lui Kuchum; baza compoziției este mișcarea, ea provine din gestul mâinii lui Yermak, supunându-se căreia toată lumea se străduiește într-un năvală furtunoasă de la stânga la dreapta; aglomerarea accentuată a oamenilor sporește sentimentul de pasiune și bătălii de tensiune);

într-un sistem pitoresc (A. N. Benois: „În acest mozaic melancolic de culori maro, galbene, negricioase, toate inelele de groază, întreaga ascensiune a scenei grandioase.” - V. Nikolsky. Surikov. M., Editura de Stat, 1925 . p. 20);

în caracterizarea participanților la luptă (războinicii lui Ermak, calmi în curajul lor și inamicii furioși în propria lor încăpățânare și confuzie);

o evaluare obiectivă de către artist a evenimentelor din istoria Rusiei.

În concluzie, trebuie remarcat faptul că „Cucerirea Siberiei de către Yermak”, precum și cele două lucrări anterioare ale artistului („Dimineața execuției Streltsy” și „Boyary Morozova”), se numără printre cele mai mari picturi epice Surikov.

Completați povestea despre opera lui Surikov cu un scurt raport despre celelalte lucrări ale sale din Muzeul de Stat al Rusiei.

Piesă de conversație „Capturarea orașului zăpezii”(1891) scrisă de artistul acasă la Krasnoyarsk, deschide o nouă perioadă în opera sa, asociată cu realizarea a trei pânze monumentale pe subiectele istoriei eroice a Rusiei.

Pictura „Suvorov traversând Alpii” (1899) dedicat evenimentului legendar din 1799. „Principalul lucru din imagine”, a spus Surikov, „este mișcarea, curajul dezinteresat, - supus cuvântului comandantului, ei merg ...”. În ultima pânză mare

„Stepan Razin” (1907) se resimt tendintele noului realism pictural rusesc - lipsa de evenimente, poetizarea istoriei, activitatea extrema a peisajului si cautarea unor forme monumentale de expresie.

În sălile dedicate operei lui Surikov, pe lângă picturile istorice și lucrările pregătitoare pentru acestea, se pot vedea atât compoziții academice timpurii, cât și portrete magnifice ale perioadei târzii. „Portretul unei femei necunoscute pe fond galben”, „Siberian”- întruchiparea tipului preferat de frumusețe feminină plină de armonie al lui Surikov. "Auto portret" 1915 - ultima dintre cele paisprezece imagini ale sale create de artist.

Scurt rezumat al turului turistic.

În încheierea turului, este necesar să spunem despre originalitatea și originalitatea artei rusești; despre bogăția și diversitatea lucrărilor prezentate în expoziție, realizate pe parcursul a aproape un mileniu etc.

Dacă în GRM sunt expoziții temporare, invitați turiștii să le vadă singuri.