Nonconformism sau neoficial - o reflecție particulară, în multe privințe paradoxală în artele vizuale a situației spirituale, psihologice și sociale din Uniunea Sovietică în anii 1960 - 1980 ai secolului XX.

Spre deosebire de oficial, neoficialul a preferat nu conținutul, ci forma de artă, în creația căreia artiștii erau complet liberi și independenți. Separarea formei de conținut a dus, conform doctrinei oficiale, la pierderea conținutului, deci arta neoficială - nonconformismului— a fost definit ca formalism și persecutat.

Arta nonconformismului, în ciuda faptului că artiștii atribuiți acestei tendințe de cele mai multe ori nu au fost adepți conștienți ai principalei tendințe filozofice a secolului XX, poate fi numită existențialistă, deoarece afirma unicitatea absolută a individului. Estetica idealistă nonconformismului s-a bazat pe ideea sufletului (eului interior) al artistului ca sursă de frumusețe. Această reprezentare conținea un protest rebel împotriva lumii obiectivate, depășind decalajul dintre subiectivitate și obiectivitate, ceea ce a dus la exprimarea problemei de a fi în forme tulburătoare și neobișnuite. Rebeliunea existențială a nonconformismului a fost în ton cu arta mondială a secolului XX și – cu o întârziere de câteva decenii – a fost inclusă în spațiul artei mondiale.

Revolta existențialistă s-a bazat pe amenințarea de a-și pierde individualitatea, care a fost maximizată de totalitarismul sovietic. Anxietatea globală a secolului XX cu privire la faptul că lumea obiectelor create de om îl subjugă pe cel care a creat-o și care, aflându-se în interiorul acestei lumi, își pierde subiectivitatea, în condiții sovietice a fost intensificată de dominația ideologiei colectiviste. Această ideologie, ridicată la rangul de politică de stat, a permis existența unor conformiști exclusiv, de neclintit în dorința lor de a nu fi ei înșiși, ci parte a întregului.

S. Kierkegaard a înțeles existența (existența) ca ceva extrem de subiectiv. " Existența este constant singulară, generalul (abstractul) nu există". Existențialismul artiști nonconformiști(în cele mai multe cazuri inconștient) a fost o manifestare a curajului creatorului de a fi el însuși, de a nu se teme să se confrunte cu problema universală a lipsei de sens în viață. Căutarea sensului și apariția disperării în secolul al XX-lea sunt legate de dimineața lui Dumnezeu din secolul al XIX-lea anterior. " Împreună cu El a murit întregul sistem de valori și semnificații în care a existat omul. Acest punct de cotitură este resimțit ca o pierdere și ca o eliberare și duce la curajul de a lua asupra sa inexistența.„(P.Tillich, 1952). Nonconformism ca regie artistică în cel mai înalt grad poseda o caracteristică artă contemporană curaj creator de a face față disperării realității și, exprimând-o în lucrările sale, de a arăta curajul de a fi el însuși.

Furia cu care a atacat ideologia sovietică nonconformismului, a mărturisit sentimentul unei amenințări serioase la adresa spiritualității societății, venită din interior, dintr-o parte a acesteia. Simptomul nevrotic al rezistenței la neființă prin reducerea ființei, adică. negarea oricăror aspecte ale realității, indică mecanismele de apărare nevrotice din furnica însăși și dorința existențialistă de garanții tradiționale, de naturalismul idealizat al realismului socialist. Arta existențialistă a secolului XX se caracterizează prin curajul disperării, generat de absența sensului existenței și autoafirmarea în pofida tuturor. În raport cu personalitatea artistului, anxietatea soartei și a morții a fost principala problemă artă contemporanăși nonconformismul ca parte a acestuia.

Nonconformismul se caracterizează prin adâncirea în sufletul (eul interior) al artistului și prin forme neobișnuite de exprimare a noului material psihologic. „Sufletul treaz” al artistului intră în contact cu orice, cel mai mic fenomen al realității contemporane, luminează noi fațete ale obiectului atunci când acesta intră în contact cu viața spirituală. „Gândirea simțită”, gravitând spre semnificația impresiilor, cu ajutorul asociațiilor, dă sens oricărei imagini sau indicii despre aceasta din imagine.
Tensiunea forțelor spirituale este capabilă să ascuți și să îndrepte gândul și sufletul artistului către dincolo, inaccesibile experienței obișnuite, dar necesare creativității. În diverse și neașteptate ocazii, el poate arăta atenție față de împrejurimile sale prin implicarea puterilor Superioare în munca sa.

În căutarea unei noi realități artă nonconformistă a depășit cu îndrăzneală barierele canoanelor din trecut.
În arta clasică rusă, apoi în realismul socialist, a dominat intonația narativă, atenția artiștilor s-a concentrat asupra sentimentelor corespunzătoare numelor directe: dragoste, mânie, încântare, disperare. Prezentarea complotului a fost adesea colorată cu retorică ideologică. Întrerupt cu forța în existența sa începutul secolului al XX-lea s-a îndreptat către nuanțe mai subtile și mai profunde ale sentimentelor umane. Meritul istoric al nonconformismului constă în reînvierea în arta rusă a atenției asupra întregii varietăți infinite de aspecte ale psihicului uman.
Nonconformism, ca artă existențialistă, se bazează pe conversația artistului cu sufletul său, iar un tablou poate apărea nu numai din sentimente puternice fără ambiguitate, ci și dintr-o combinație de impresii, referințe și nevoia de a perpetua frumusețea fără cuvinte, așa cum ar fi, strigând după ajutor – frumusețea care decurge din nevoia artistului de a o vedea și simți. Sensul ascuns al tabloului este obținut prin efortul conștiinței, îndreptat către senzații vagi și detalii ale vieții spirituale profunde.
Căutarea unei realități evazive în arta nonconformismului este colorată de o imagine eshatologică a prăbușirii sistemului tradițional de valori care s-a dezvoltat de-a lungul existenței de aproape jumătate de secol a totalitarismului. Toate acestea au creat o varietate de stiluri și tendințe în cadrul nonconformismului ca o singură mișcare artistică.

O varietate de tehnici creative au dat naștere axei și prin factorul uman. Pentru a te angaja în arta neoficială în anii de existență a nonconformismului, mai mult ca niciodată și nicăieri, era nevoie de o personalitate de amploare. Sufletele puternice și profunde (cele slabe au fost respinse de însăși istoria nonconformismului) au dat naștere unor sentimente puternice și profunde. A existat o repetare a fenomenului fără precedent din punct de vedere istoric van gogh, și în raport nu cu un singur maestru, ci cu un întreg grup de artiști, când lipsa de profesionalism în sensul obișnuit nu a interferat cu crearea a ceva nou în artă. Artistul a lucrat sub o amenințare directă la adresa existenței fizice atât a operei sale, cât și a lui însuși. La aceasta s-a adăugat imposibilitatea fugii (spre deosebire de Germania nazistă, de unde era posibilă emigrarea), și lipsa contactelor cu lumea exterioară, „Curajul de a fi tu însuți” pt. artiști nonconformiști a fost curaj nu numai creativ, ci și uman. Poate de aceea nonconformismul s-a dovedit a fi atât de interesant ca direcție de artă, pentru că un tablou creat sub amenințarea morții poartă o tensiune internă comunicată privitorului.

Unică în istoria artei, o comunitate de indivizi puternici a adus lumii o varietate la fel de unică de stiluri și manierisme artistice care disting nonconformismului
Răsturnarea opresiunii totalitare în societatea și arta sovietică este comparabilă cu revoluția care a transformat viața imperiului rus și a artei ruse la începutul secolului. Totalitarismul sovietic a asuprit arta din punct de vedere istoric pentru o perioadă scurtă de timp - puțin mai mult de jumătate de secol, dar intensitatea opresiunii a fost de așa natură încât acest timp trebuie luat în considerare, așa cum se spune în război - un an în doi sau chiar trei.
Arta nonconformismului este plină de un sentiment de șoc al lumii, reverberând în întinderile universale. Este complex-asociativ, metaforele libertății exprimă în ea esența interioară a creatorului uman. În acest sens, nonconformiștii sunt asemănători artiștilor de avangardă de la începutul secolului trecut, când „ suflarea timpului a pliat mai ales unghiul de vedere al noilor artiști„(A. Kamensky, 1987).

Realitatea acelor ani îndepărtați era totul în tranziții și fermentație, mai degrabă a însemnat ceva decât a constituit, mai degrabă a servit ca semn decât mulțumit. A fost un vârtej de convenții între necondiționalitatea rămasă și nerealizată încă. O jumătate de secol mai târziu, situația s-a repetat. Până în anii 1960, totalitarismul sovietic își depășise în mod clar utilitatea și devenise o necondiționalitate abandonată, în timp ce libertatea și democrația au luat locul unui vis care era prevăzut, dar încă nerealizat.

Din neliniștile timpului nonconformiştilor care a lucrat în subteran în sens literal (ca Arefiev pe palier, alții în camerele portarului și al fogărilor) și, la figurat, au trecut la vise și speranțe. Pe măsură ce viziuni în fața lor, alături de scene agitate-febrile, adesea pline de scene de ură din viața reală, au apărut brusc imagini ale spațiului infinit și ale fericirii, înlocuite de reflecții ale confuziei tragice a sufletului. Mulți dintre ei au dovedit în munca lor că o persoană, cu atât mai mult, poate să respingă nivelul social al existenței și să locuiască în Ființa nemărginită, mâncând autotrof, atrăgând în sine un adevărat conținut, în senzaționalizarea senzațiilor, în subtilitățile vieții interioare. , în metafizică și estetică. Pentru alții, arta a servit ca sferă de manifestare a activității sociale. După M. Vlaminkom au satisfăcut dorința neascultați, creați o lume vie și eliberată". Singurul punct de plecare pentru nonconformism a fost personalitatea artistului”. cunoscându-se pe ea însăși, și măsura ei, și drepturile ei și păcatele și apropierea de nebunie» ( P. Lillich, 1952). Artistul, cufundat în adâncul spiritului său, cu ajutorul introspecției, și-a dat seama de posibilitățile sale în opera sa. Era nevoie de dezvoltarea unei noi metode creative, a unui set de tehnici formaliste, precum stilizarea - întărirea trăsăturilor realității prin intermediul aceleiași realități, sau deformarea - o metodă de abstracție de la realitate, un mijloc de manifestare a iraționalului și alții.

Cu toată complexitatea și bogăția tehnicilor originale, nonconformismul a fost o singură mișcare artistică, de natură modernistă, bazată pe teorii filozofice și sisteme estetice idealiste ale secolului al XX-lea.
În cea mai generală formă, în cadrul acestei direcții artistice, se pot distinge grupuri de artiști apropiați din punct de vedere creativ, asemănători între ei în viziunea asupra lumii și asupra sufletului lor, în metodele de transmitere a acestei viziuni artistice către privitor. În același timp, o anumită succesiune se relevă în gradul de abstracție emoțională din realitate, de la nivelul social al existenței artistului.

/ - Cele mai conectate cu deistespelnosgnyu din jur, gândirea critică în artiştii lor de lucru - conceptualişti.
II- Reflectarea realității, a impresiilor lor cu noi mijloace artistice - neo-realişti și neo-impresionişti.
III- Cei care văd realitatea manifestărilor forțelor superioare sunt neo-simboliști.
IV- Arde de sentimente, refractând realitatea în lumina lor puternică și
emoții ambigue – expresioniști.
V- Visătorii sunt suprarealişti.
VI- Transmiterea mișcărilor și stărilor lor spirituale prin combinare
culori si forme – abstractionisti.

În sfera artei neoficiale a Uniunii Sovietice, legile de reglementare de stat a procesului artistic nu s-au aplicat. Dezvoltarea artei a fost lăsată în seama propriilor legi, în cea mai pură formă, în care, după justa remarcă a unui cunoscut specialist Yu.V. Novikova, arta s-a dezvoltat in trecut printre cei care mai tarziu au devenit cunoscuti ca Wanderers, World of Art, Impressionisti. Cu o diferență semnificativă - procesul de creare nonconformismului a fost îngreunat de „ghețarul încă netopit al celei mai grave presiuni sociale”.

Personalitățile puternice implicate în arta neoficială au fost individuale și originale în căutările lor artistice. Rătăcitorii sau impresioniștii erau comunități mici, formate din mai mulți artiști apropiați ca stil.

Nonconformism, ca fenomen artistic al artei mondiale, lovește cu un număr mare de membri (multe sute) și o varietate de curente incluse în ea. În lipsa informațiilor („Cortina de Fier”), însuși spiritul vremurilor, câteva fragmente nesemnificative de informație, zvonuri în literatură, muzică adusă la viață forme de artă care au coincis cu formele contemporane de artă mondială. Uneori găsește nonconformismuluiînaintea inovaţiilor Occidentului.

Nonconformism considerată în general de mulți ca „ un amestec nebun de rusofili și occidentali, salonul și atenția artiștilor care lucrează într-o mare varietate de moduri, uniți prin a fi de aceeași parte a baricadelor» (A. Khlobystin, 2001). Cu toate acestea, această terminologie militară nu ar trebui să ascundă similitudinea principală și mai profundă a bazei existențiale care a determinat comunitatea în cadrul diversității și a unit-o într-un singur conglomerat – proximitatea reciprocă a artiștilor „în estetica lor” (S. Kovalsky, 2001).

Diversitatea plastică, experimentele forma-creative au dat naștere genului, varietăților stilistice ale creativității nonconformiştilor: , primitiv tradițional și intelectual, suprarealism (cu un amestec de motive creștine și orientaliste), gen, portret de gen etc.

În această lucrare, curge doar principalele nonconformismului. Toate au fost dezvoltate în continuare în secolul al XXI-lea modern postmodern.

Nonconformism- aceasta este artă sovietică neoficială. Intitulat Nonconformismul sovietic reunește reprezentanți ai diferitelor mișcări artistice din anii 1950-1980, care, din motive de cenzură politică și ideologică, au fost forțate din viața artistică publică. În acest moment, artele plastice ale URSS erau împărțite în conformismului și nonconformismului. Conceptele de conformism și nonconformism a fost împrumutat în psihologie pentru a denota acceptarea pasivă și de protest a ordinii existente a lucrurilor. Nonconformismul în arta sovietică reflectă situaţia psihologică şi socială actuală. Exemplul de nonconformism din viața poporului sovietic a arătat că presiunea prelungită a opresiunii totalitare este imposibilă. În căutarea unei noi realități, artele plastice au depășit cu îndrăzneală barierele canoanelor din trecut. În sfera artei neoficiale a Uniunii Sovietice, legile de reglementare de stat a procesului artistic nu s-au aplicat. Dezvoltarea artei a fost lăsată în seama propriilor legi. Nonconformismul în general este văzut de mulți ca „un amestec nebun de rusofili și occidentali, salon și grijuliu al artiștilor care lucrează într-o mare varietate de moduri, uniți prin a fi de aceeași parte a baricadelor”.

Nonconformismul este recunoscut ca un fenomen unic în istoria artelor plastice, multe exemple de „artă neoficială” sunt incluse în fondul și expoziția Galerii de Stat Tretiakov, Muzeul Rus, Muzeul de Artă Modernă din Moscova și multe altele.

Cumpărați tablouri de nonconformism. Tablouri de nonconformism de vândut. Acestea sunt solicitări foarte populare pe care le primim adesea pe site-ul nostru. Galeria noastră cumpără lucrări semnificative ale artiștilor nonconformiști pentru colecția sa de picturi și desene din secolul XX. Aproximativ 300 de lucrări remarcabile ale diverșilor autori sunt prezentate în fondurile galeriei noastre, acestea fiind reunite în colecția Artiștilor Nonconformiști.
Nonconformismul sovietic include mai multe asociații informale, inclusiv Grupul Lianozovo (Oscar Rabin, Nikolai Vechtomov, Lydia Masterkova, Vladimir Nemukhin, Lev Kropivnitsky), Conceptualismul Moscovei (Ilya Kabakov, Andrey Monastyrsky și grupul de artă Collective Actions, Erik Bulatov, Dmitri Prigov, Viktor Pivovarov, Pavel Pepperstein, Nikita Alekseev și alții, grupul Gnezdo, Sots Art (Vitaly Komar și Alexander Melamid), Mitki.
Cumpărați lucrări ale nonconformiștilor. În galeria noastră puteți achiziționa lucrări ale acestor artiști și altor artiști sovietici neoficiali.

NONCONFORMISM

50-60 ani "dezgheţ". Stalin moare la 1 martie 1953. Mulți intelectuali de atunci erau foarte fericiți și au decis că totul va fi în sfârșit diferit. Țara a început să revină la viața normală după eșecul cultural, care a fost pe vremea lui Stalin. Arta se distingea printr-un conservatorism monstruos. Sprijin a fost primit de realismul socialist (bazat pe pictura rătăcitoare târzie, neoclasică și sculptura din secolul XX în interpretarea lui Mayol și Bourdelle). Aceasta a fost o strategie antimodernistă eficientă. Pentru un proces artistic viu, acesta este un eșec monstruos. Suprimarea disidenței. Moștenitorii celor mai înapoiați au ajuns la cârma guvernului intern. Perioada de inchidere. Artiștii și-au abandonat ideile și dezvoltările. Realismul socialist este complet eterogen, dar totuși a existat unificare pentru întreaga țară. Picasso a fost ironic că artiștii sovietici trebuie să aibă vopsea specială pentru uniforme și cizme. Individualitatea artiștilor nu este vizibilă. În vremurile sovietice, nu exista deloc figura unui artist liber (freelancer). Totul a fost strict organizat. Uzină pitorească (ca o fabrică). Au fost cereri de compoziții. O combină monumentală, o combină sculpturală... Un artist ar putea executa o comandă singur, sau un grup ar putea lucra. Artistului i s-a pus de lucru și câștigurile au fost bune. A existat un mecanism complex de acordare și primire de muncă: atât lucrătorii remarcabili ai fabricii, cât și unii oameni invitați au evaluat-o. Nu a existat inspirație și pasiune adecvate. Au fost multe sarcini, așa că nu a fost timp pentru a trata toate lucrările în mod responsabil. A existat o bancă de semifabricate din diferite părți ale corpului și alte lucruri (era posibil să-l asamblați pe Lenin în bucăți). În Rusia, se aștepta întotdeauna ceva grozav de la un artist, dar artistul sovietic a fost cel mai adesea un hack conștiincios. Arta ultimilor ani ai domniei lui Stalin și primele lucrări din perioada dezghețului nu coincid cu patosul anilor anteriori. (obosit de arta stalinistă: pictura „Again the Deuce” de Fiodor Reșetnikov este o lucrare anecdotică). Dreptul la intimitate este restaurat.

Dezgheț: o generație mai în vârstă cu oboseală acumulată (arta conservatoare a lui Reshetnikov) și o generație mai tânără care și-a dat seama de insuportabilitatea opresiunii (coincidend cu începutul unei politici mai deschise).

În anii 1950 au avut loc o serie de expoziții (Festivalul Tineretului și Studenților). Expresionism abstract izbitor. Muzeele nu aveau nici măcar Vrubel și Serov. A fost creată o imagine specifică a artei mondiale. Și acum ultima artă a Occidentului cade asupra unui sovietic atât de nepregătit. Asemenea dezvăluiri nici măcar nu pot fi comparate cu nimic. Prăbușirea paradigmei viziunii asupra lumii.

Inițiativa creativă a artiștilor noștri de a depăși o astfel de stagnare:

STIL SERIOS

A fost împărțit în direcții de dreapta (angajamentul față de secolul al XIX-lea, Rătăcitorii) și stânga (Andronov, Nikonov, se referă la moștenirea pre-avangardă și avangardă, OST „a).

Nikolai Andronov „Raft Runners”, 1960-1961

Reprezintă declarația unui timp nou, a unui om nou. Pasiune pentru impresionismul rusesc. Refuzul completității imaginii pentru artistul perioadei staliniste era de neconceput. Sunt înfățișați oameni cu soartă dificilă. Enfatic monumentalizat. Forma este mai simplă, mai dură, mai monumentală. Subliniază siluetele personajelor. Strategia picturală Neo-OST. Aceasta este o predică. Orientare morală. („acel simplu constructor al viitorului nostru pe care ar trebui să fii”). Punerea în scenă atipică a figurii cu spatele este o declarație picturală îndrăzneață.

Artă accesibilă maselor. Artiștii cu stil dur vor deveni mainstream. Slăbirea opresiunii ideologice și deschiderea culturală generală au dat naștere la mulți artiști care nu erau legați de scena artistică generală și de educația artistică. Artiștii au apărut din boemia nou formată (Oscar Rabin, Ilya Kabakov).

Arta este împărțită în straturi care nu au legătură.

Vladimir Yakovlev „Pisica cu o pasăre”, 1981

Îmi amintește de Picasso. complex secundar. Constanta artistului sovietic. Se vede cum artiștii încearcă să depășească abisul care a apărut. O mulțime de citate. Mulți artiști au intrat în istorie ca interpreți fără propria lor individualitate. Și mulți nonconformiști sunt răniți de această natură secundară.

Figura unei familii mesianice anilor şaizeci, un rol profetic.

Creștere culturală puternică, dar nu atât de bună. La început, autoritățile au fost luate cu ușurință, drept curiozități. Dar prin anii 60. nu mai pot fi ignorate. 1962 - expoziția „Noua realitate” (Yankilevsky, Necunoscut etc.). Această expoziție a fost vizitată accidental de un corespondent vest-european care a scris o scurtă notă, ceea ce a fost un șoc pentru Hrușciov (toată lumea din Europa știe despre asta, dar noi nu?!). Această artă greșită este expusă în mediul potrivit. O expoziție dedicată celei de-a treizecea aniversări a MOSKHA este organizată în Manezh, unde se prezintă Deineka, Falk și alții. Ei au pus și New Reality acolo. Niciodată până acum conducerea noastră nu a vizitat expoziția într-un asemenea număr. „Hemoragie în MOSH”. Hrușciov se confruntă cu cezannismul și cu alte experimente recente. Au fost supranumiți „fabrica de ciudați”.

A doua zi, această expoziție a fost scrisă pe prima pagină a ziarului Pravda.

Ernst Necunoscut

Sculptură „Centaur cu mâna ridicată” 1962.

Am avut o corespondență lungă cu Henry Moore. Protagonistul lumii creatoare a Necunoscutului este un centaur. Parțial animal, parțial uman și parțial mașină. Există asemănări cu mașinile. expresivitate deosebită. Nu există ipostaze calme, statice. Plasticitatea lui este influențată de Rodin, Moore și alții.Ideea datoriei civice a artistului.

„Mâna iadului” 1971

Abundența găurilor în compoziție.

Ca un corp uman rănit.

forma forţată a fost scoasă din război de el.

"Copacul Vieții"

Inițial, mi-am dorit o structură de multe sculpturi, în interiorul căreia să fie amplasată clădirea. Sculpturile trebuiau să arate istoria omenirii de la începutul timpurilor. A fost montat într-o versiune de cameră.

„Piatra funerară a lui Hrușciov” Cea mai semnificativă piatră funerară. A folosit culoarea ca mijloc de exprimare.

O serie de monumente dedicate victimelor represiunii.

„Masca tristeții” lângă Magadan.

Vadim Sidur

Stroganov absolvent. A trecut prin război și a fost grav rănit.

„Mașină de auto-reproducere” la sfârșitul anilor 50. Echivalentul sculptural al unui mecanism. Încântarea în fața mașinilor este înlocuită mai degrabă de groază.

„Invalid” Partea centrală este similară cu o mașină de tocat carne.

CoffinArt este o variantă ironică a artei pop.

„The Man from the Coffin” („Omul mort”) Colectat din lucruri găsite într-o groapă de gunoi.

„Profeți” Fitinguri pentru instalații sanitare și mănuși umflate.

Lucrează mult ca sculptor-monumentalist.

„Monument pentru cei uciși de bombe”, 1965

Sculptor de o scară tragică.

„Monument pentru cei care au murit din dragoste”

„Mâhnire” 1972

„Monument pentru cei uciși de violență”, 1965

„Apelare” Acuratețea unei soluții formale. Capul este înlocuit de un gest puternic al palmelor deschise.

Eliy Belyutin

A scris o carte despre istoria mobilierului și a fost în general un designer de interior de succes. Amenajate pensiuni creative comunale, amenajate expozitii in padure.

„Înmormântarea lui Lenin”, 1962

Subiect pânză cu realizările picturii abstracte. Amploarea gestului pitoresc, amploarea fantastică. Pânza are 4 metri lungime. Recunoașterea portretului lui Lenin. Un paradox fantastic, ceva ce nu poate fi. Implementat cu ușurință pe un val de entuziasm creativ. Una dintre cele mai îndrăznețe și inovatoare opere ale anilor 60 în pictură.

„Femeie și copil” Îmi amintește de regretatul Picasso. Format mare. Suprapunere îndrăzneață de culori.

Arta depinde de arta Occidentului. Arta autohtonă ajunge mereu din urmă. Suprarealismul a lipsit cu desăvârșire. Mai târziu, interesul a apărut pentru el ca un fenomen trecut cu vederea. Deși la acea vreme nu era deloc nou, dar în general era deja istorie.

Hulo Sooster

Cel mai apropiat lucru de arta lui este Max Ernst. Fixat pe motivul unui ou.

„Oul roșu”, 1964. textură aspră și pete.

Vladimir Iankilevski

„Spațiul experiențelor” 1961. — L-a prins cineva din urmă pe Miro!

Comuna artistică Lianozovo. În jurul familiei Kropivnitsky (Evgeny Rukhin, Oscar Rabin, Nemukhin, o galaxie de poeți ...).

Oscar Rabin

Artiștii anteriori au fost în cadrul sistemului, dar el nu corespunde în niciun fel realității. Proscris.

Poartă cultura avangardei ruse a grupului Jack of Diamonds. Nu a reușit să finalizeze educația artistică. În imaginile de „întuneric, mohorât, viața de zi cu zi”.

„Pașaportul” este cea mai faimoasă și scandaloasă lucrare. Îmi amintește de Jasper Johns (Flag). Gravitează spre ecuația dintre pașaport și avion. Pentru această muncă a fost dat afară din țară.

În apartamentul său din Lianozovo s-a adunat toată componenta artistică neoficială a Moscovei. A organizat viața artistică neoficială a Moscovei. Toți artiștii combinau viața juridică cu activitățile artistice subversive.

Anatoli Zverev

Am studiat un an la penny. A primit premiul principal la expoziția tinerilor și studenților. Un improvizator genial. De fapt, era fără adăpost. El nu și-a creat propriul sistem artistic. Era faimos pentru exhibiționismul creativ.

Vladimir Nemukhin

„Natura moartă cu cărți” 1989.

În general, cărțile sunt un motiv constant al operei sale. Tabloul este indicativ ca fenomen post-avangardist, o încercare de a depăși avangarda. Starea limită dintre imagine și obiect. Harta este unul dintre modulele din plastic. Condițional suprematist, stare limită a unui obiect real și compoziție geometrică. Tabloul este un obiect, simultan o masă de carton și un avion. Chalk a conturat alte mișcări.

„Solitaire neterminat” 1966.

Omagiu tahismului (pictura gestuală).

„Poker pe plajă” 1974. La prima vedere, articulații iluzorii abstracte.

Eduard Steinberg

artist creator necunoscut belyutin

Nu se complexează din dependența lui de arta anilor 20. Se simte un inovator, deși reacționează doar la ceea ce a fost deja inventat. Dar el nu încearcă literalmente să învie suprematismul. Fără nuanțe ascuțite de roșu, negru, alb, culori bogate.

Compoziție 1972. Un pătrat este luat ca punct de referință, dar devine mic, așa că introduce o umbră ascuțită. Dezvoltare rafinată a suprematismului. Viziune distorsionată asupra operei lui Malevici.

„Compoziție cu secțiuni circulare” Planurile se rotesc, intersectează o variantă de gândire a unei abstracțiuni geometrice.

„Compoziția anului 1983” Rotații, cercuri. Realitatea supranaturală metafizică este activă în acest moment.

Dmitri Plavinski

Tipul de artist al solului. Este fixat pe problemele vieții rusești. Se adresează lumii uitate a satului rusesc. Fragmente de colibe, bușteni (o metaforă pentru distrugerea vieții indigene rusești).

„Big Butt” 1978.

Artistul este un filozof. Metafore solide în imaginile colibelor putrezite.

Nikolai Kharitonov

Imagini primitive idilice. Conservator-Soil în pictura metafizică de la Moscova. Majoritatea pânzelor sunt dedicate vechilor biserici rusești. Ceva asemănător cu arta lui Kustodiev. Consonanta cu neoimpresionismul. Pe fundalul artei mondiale, arată foarte provincial. Imaginea unui proscris romantic.

"Vacanţă"

Au existat diferite moduri de a ne împăca cu realitatea. Unii artiști s-au cufundat mai adânc în realitatea sovietică urâtă. Conviețuirea comunală sovietică devine una dintre temele cheie ale artei neoficiale de la Moscova.

Mihail Roginsky

A portretizat diverse feluri de ceainice, sobe, chibrituri... Paralel cu arta pop, dar avem un mod de viață complet diferit. Cu toate acestea, sumbrătatea lui Rabin îi este străină, el nu denigrează realitatea.

„Ceainic” 1963.

Pictură uleioasă, groasă. Afișează calitatea plastică a naturii. Privind în mediul înconjurător, el a ales întruchiparea picturală potrivită pentru acesta. Antiestetism demonstrativ.

„În departamentul de carne” 1981-1982

Recepția picturală, situația psihologică este importantă.

„Sniper Pavlyuchenko” 1966 Imaginea unui obiect de zi cu zi este mărită. Cutia depășește dimensiunea tabloului. Cea mai apropiată paralelă cu arta pop.

Oleg Tselkov

A fost activ în anii 60-70. Artistul este individualist, evită mișcările generale. Tema creaturilor antropomorfe (boturi, imagini). Creaturi antropomorfe ciudate, pictate în culori strălucitoare. Mască ciudată. O persoană tipică a unui regim totalitar, un erou fără chip al sistemului. Îi leagă pe toți.

„Acrobații și libelula” 1974. O grămadă de carne colorată.

„Necrolog” 1971. Requiem pitoresc înspăimântător. Fața roșie care se profilează.

„Geniile anilor şaizeci” – un individualism aparte. Dorința de a-ți crea propriul stil. Apoi a devenit enervant pentru ei. Generația de după a doua avangardă este radical diferită de ei.

Conceptualismul romantic de la Moscova

(termen introdus de Boris Groys)

Reprezentanți: Ilya Kabakov, Erik Bulatov, Viktor Pivovarov, Oleg Vasilyev, Andrey Monastyrsky.

Bine integrat în sistem. Cărți ilustrate pentru copii (un segment profitabil al ordinii de stat). În literatura pentru copii, există multe oportunități de autoexprimare, de căutare a unor noi forme. Etica cercului Kabakov este de a face munca de hack conștiincioasă.

anii 60-70 - conceptualism.

CONCEPTUALISMUL MOSCOV

Joseph Kossuth ridică problema ideii ca fiind principalul lucru în artă. Prezența unei idei determină valoarea lucrărilor.

Fauvism, cubism - o nouă interpretare a subiectului.

Artistul rus tânjește după ceva în afara lumii artistice. Kandinsky și Malevich scot subiectul din domeniul de interes al artistului. Pentru un artist rus subiectul nu este atât de important (cu excepția lucrărilor lui Monastyrsky). Un conflict de limbi, nu o confruntare cu subiectul. Toată ficțiune și fantezie.

În arta sovietică, conflictele între limbile de descriere (limbajul anunțurilor casnice). Vocabularul obscen este foarte important în conceptualism. Anii '60 s-au exprimat într-o singură limbă - fiecare în propria sa.

„Conceptualismul - ungeți nu imaginea, ci privitorul” (I. Kabakov)

Pentru conceptualist, privitorul este un complice. Conceptualistul este un locuitor sovietic conștiincios. Oameni împliniți, nu marginalizați. Alte tipuri de comportament în arta rusă pe care nici măcar cei care sunt „în știință” nu le pot înțelege.

Expresivitatea conținutului (Arta rusă este întotdeauna despre ceva, artistul încearcă să spună ceva). Ei aleargă spre faţa vorbitoare. Acesta nu este un discurs de artist, ci un personaj fictiv.

Ilya Kabakov

"A cui este musca asta?" anii 1960

Arată ca un buletin sovietic. În centru este o muscă, în partea de sus există un dialog despre o muscă. O poveste tristă despre viața comunală. Textul este pe deplin implicat. Fontul este ca dintr-un ziar de perete.

Instalare totală - un fel de spațiu total pentru implicarea mai multor tipuri de artă.

Instalație totală - o instalație construită pe includerea privitorului în interiorul său, concepută pentru reacția acestuia în interiorul unui spațiu închis, fără „ferestre”, format adesea din mai multe încăperi. În acest caz, atmosfera sa, aura care decurge din pictarea pereților, iluminatul, configurația camerelor etc., are o importanță principală, decisivă, în timp ce numeroși, „obișnuiți” participanți la instalație - obiecte, desene , picturile, textele - devin componente obișnuite ale întregului. I. Kabakov. Despre instalarea totală. Kanz, 1994.

"bucatarie comuna"

Abordează de bunăvoie tema muzeului.

„Tabliță-explicație pentru 3 explicații a 6 tablouri” Textul instrucțiunii a ocupat un loc foarte important. Există o instrucțiune, dar nu există imagini, imaginile nu sunt importante, iar instrucțiunea este nemuritoare. Calitatea artistică este nivelată.

Este interesat de omul obișnuit, nu de genii.

Ilustrație a cărții pentru copii „Povestea lui Terro Ferro”

Toată arta rusă contemporană este o concluzie a creativității.

Unul dintre primii instalatori.

„Omul care a zburat din propria sa cameră” 1986

Ideea de a scăpa, de a depăși granițele, este o temă frecventă. Aduce situația la punctul de absurditate. Un anume rezident sovietic și-a planificat cu grijă evadarea. Există o gaură imensă în tavan. Pantofii de pe podea sunt tot ce a mai rămas din acest bărbat. Camera este mică, există un pat pliant, un scaun, un fel de masă, toți pereții sunt acoperiți cu postere. Micromuzeul culturii de masă sovietice. O instalație despre evadarea unei persoane din prezentul socialist. Evită textul, narațiunea pierdută trebuie restaurată în detaliu. Cea mai detașată atitudine a autorului.

„Omul care a zburat în propria sa imagine” Un indiciu de situație absurdă. Depășirea granițelor realității și iluziei. Un scaun este absența și șederea unei persoane.

Apel activ la pictură din ciclu

„Vacanțe” sau „Sărbători”, 1987.

Imagini colajate aleatoriu. Scene ale vieții sovietice fericite. Tăiați florile deasupra.

Ciclul dificil de înțeles.

„Pictura rusă este o schimbare constantă a simulacrelor, o colecție de falsuri”

În pictură, îl interesează o manieră picturală medie, un limbaj mediu, deloc pictural.

Nerespectarea demonstrativă a integrității imaginii. Partea dominantă a compoziției este plină de intriga de zi cu zi. Comparație a parcelelor de băut și baie de ceai, viața de zi cu zi fericită a cetățenilor sovietici.

Stilul mediu de pictură este adesea folosit de Kabakov.

Charles Rosenthal este un personaj fictiv, un artist mediu uitat. Discipolul pierdut al lui Malevici. Caracter grotesc, combinând diferite direcții. Valoros ca artist obișnuit eșuat. Istoria artei este istoria geniilor, dar nu-l interesează pe el, pe el îl interesează norma. Are propria sa „istorie alternativă a artei”. El inventează artiști „normali” care au avut și ei propriul lor drum creativ, propria lor dezvoltare. Nu un destin artistic stabilit, ci un tip demonstrativ.

Instalare de referință „Red Wagon”.

Istoria sovietică este comprimată împreună. realitatea sovietică. Schița este mai inteligibilă decât instalația în sine. Împarte lucrarea în trei părți. Construcție condiționată: schele supercomplexe cu scări. Vizionatorul poate intra acolo. Exprimarea unei idei este o mișcare ascendentă. O metaforă a optimismului nestăpânit. Construcția este fără scop - au construit un vagon roșu pentru orice. Nu se potrivește ambițiile și rezultatul. Mașina ca spațiu închis înfricoșător. Ultima parte a instalației este groapa de gunoi. Rezultatul tuturor eforturilor. La asta duce istoria sovietică. O încercare de întruchipare figurativă a istoriei sovietice.

În scurt timp devine cel mai cunoscut artist rus din străinătate. A format imaginea unui artist tipic rus. Cu siguranță se încadrează în clișeul percepției artei ruse în străinătate.

Erik Bulatov Imagine-text.

S-au întâlnit cu diverși artiști, în artele plastice rusești au fost folosiți în avangardă, constructivism.

„Glorie PCUS” Conflict intern cu imaginea tradițională, realitatea textului proiectat pe realitate. Muncă extrem de rece.

Stilul Shishkin. Aproape de cercul lui Bulatov, de exemplu, Oleg Vasiliev.

Imagini cu lideri, sloganuri, puncte de vedere ale VDNKh - în spatele tuturor acestora nu există informații acuzatoare. Pur și simplu vede și găsește un mod precis de a reprezenta ceea ce vede.

„Secolul XX rusesc”

Oleg Vasiliev

"Rotație"

Motivul luminii este adesea dat, ca în această lucrare. Grisaille gata. Se inspiră din artiștii secolului al XIX-lea.

"Drum"

Doar marcajele rutiere indică un caracter modern. Peisaj tradițional.

Viktor Pivovarov

Utilizează formulare predefinite.

„Buletin board”, un depozit de compoziții pentru funcționarea stingătoarelor de incendiu, prevenirea incendiilor etc. O discrepanță ciudată între limbaj și conținut.

„Maria Maksimovna îți fierbe ibricul” ridiculizează empatia rusă pentru literatură. Dezvăluie privitorului ce vrea să vadă acolo. Îi plac paradoxurile.

„Nu, nu-ți amintești de mine” 1975

Aproape de peisaje dadaiste și suprarealiste.

Conceptualistii au momente de suprarealitate.

Lucrează cu forme absurde.

Lucrează mult cu înțelegerea celor mai artistice probleme.

Constantin Zvezdochetov

„Doi eroi” 2005

Limbajul este mai jalnic. Siluete simplificate. Imaginea este interpretată în maniera lui Pivovarov.

„Viola pe masă”

Refuzul imaginii unui mare maestru, al tabloului muzeal.

Konstantin Zvezdochetov, Sven Gundlach, frații Mironenko.

Cu siguranță jucăuș. Tratament huligan gratuit și nu anumite opere de artă deosebite. Inversarea practicilor conceptualiste. Energie tânără îndrăzneață, șocantă. Acțiunile au fost amuzante, îndrăznețe și periculoase. Odată l-au îngropat pe unul dintre membrii trupei în pădure și l-au căutat timp de două ore până și-au dat seama că chiar nu știau unde se află. Contact dur agresiv cu publicul. Parodiile acțiunii colective. Au folosit provocarea; a respins sfidător seriozitatea conceptualiştilor. O reducere evidentă a cerințelor de plastic. Utilizarea demonstrativă a desenului copiilor. Artizanat pop art.

„Rubla lungă” Inepție și veselie exagerată.

Precursori ai licitației de la Moscova.

Au înregistrat „Albumul de aur”, un colaj de poezii pline de umor, parodii ale scenei. Făcută ca o glumă, pentru prieteni. Dar există un succes neașteptat.

Pe 11 februarie, Galeria Victoria deschide expoziția „Nonconformismul ca punct de referință”, care va cuprinde lucrări de artă rusă neoficială din a doua jumătate a secolului XX din colecția Muzeului de Artă Modernă din Moscova. Expoziția de o amploare fără precedent pentru Samara va include peste 30 de autori care vor prezenta întregul spectru al artei neoficiale rusești din anii 1950 până în prezent. Curatorul galeriei, Serghei Balandin, la cererea „Satul Mare” a realizat un program educațional despre noua expoziție.

Despre ce vorbeau nonconformiştii?

Cea mai veche lucrare de la expoziție a fost pictura „Primăvara” din 1950 Boris Sveșnikov. A scris-o la 23 de ani, când făcea timp în tabără. Pentru Sveshnikov, ca și pentru majoritatea nonformiștilor, este important să facem apel la esența spirituală a omului. În condițiile ateismului sovietic, ei și-au inventat propriile imagini, care au înzestrat cu un sens sacru: pictura era asemănătoare cu un jurământ mistic pentru ei.Nonconformiștii sunt cercul de artiști care reprezintă arta neoficială a URSS: autodidacți, dizidenți, filozofi - au venit la artă într-o varietate de moduri, dar dorința lor unește să găsească propriul tău limbaj artistic non-formal.

Boris Sveșnikov

Reprezentanții nonconformismului includ și Mikhail Shvartsman, Marlene Spindler, Dmitry Krasnopevtsev, Vladimir Yakovlev

Mulți artiști „neoficiali” au fost influențați de Kazemir Malevich, precum Vladmir Sterligov, care a fost elevul său direct. Nu este greu să vezi compoziții suprematiste în opera lui Eduard Steinberg, în „Familia” Oleg Tselkov„Țăranii” lui Malevici trebuie să fie văzuți: fețe plate, figuri care par curbate ca o foaie de metal sau folie, culori strălucitoare de anilină, ochi mici - artistul a făcut totul pentru a face un iad plictisitor monoton din utopia constructivistă sovietică. . În 1977, artistul a părăsit țara și a trăit 38 de ani apatrid.

Oleg Tselkov. O familie. 1985

Expoziția prezintă și lucrări de Grisha Bruskin, Pyotr Belenok și Evgeny Rukhin

Alexandru Roginsky unii îl consideră singurul reprezentant al artei pop din Rusia. Cu mult înainte de Sots Art, a început să înfățișeze viața comunală a unei persoane sovietice: „Ușa roșie” atârnată pe perete, „Perete roșu” cu o rozetă, gresie „Floor” - cele mai faimoase lucrări ale sale. Nu râde, nu batjocorește ca artiștii socialiști, vede în sărăcia bucătăriei sovietice o filozofie și un mister aparte al vieții rusești.

Alexandru Roginsky. Mosgaz. 1964

Lianozianii și „omulețul” lor

Expoziția prezintă lucrări ale lui Vladimir Nemukhin, care aparține și lui Lianozovo

Acesta a fost numele poeților și artiștilor, prieteni ai familiei Kropivnitsky, care s-au adunat în apartamentul lor, într-o casă de tip bară nr. 2 din gara Lianozovo, la periferia Moscovei. Se remarcă prin atenția acordată realității cotidiene, din care construiesc cu citate directe lumea puțină și absurdă a noului „omuleț”. Cel mai activ dintre ei și cel mai faimos a devenit mai târziu Oscar Rabin. El a organizat infama „Expoziție de buldozer”, distrusă de autorități, iar apoi i-a forțat să cadă de acord asupra unei expoziții în parcul Izmailovsky. Caracterul neînduplecat, voinic, al artistului, pe care l-a arătat în calitate de ambasador al artiștilor independenți, nu pare să se reflecte deloc în lucrările sale: peisaje sumbre, negre, parcă carbonizate, cu priveliști ale periferiei.

Oscar Rabin

Lumea fictivă a conceptualiștilor moscoviți

Conceptualiștii includ și lucrările lui Viktor Pivovarov, Igor Makarevich, Andrey Monastyrsky

Cunoscutul critic Boris Groys a numit conceptualismul din Rusia „romantic”, deoarece reprezentanții săi erau doar angajați în fantezie. Au fugit din realitatea sovietică într-un fel de lume speculativă, pe care au locuit-o cu personaje complet neobișnuite.

Cel mai semnificativ visător din istoria artei a fost Ilya Kabakov. A venit cu „Primakov stând într-un dulap”, „Malygin decoratorul”, care picta doar pe margini, chiar dacă foaia era goală, „un om care a zburat în spațiu din apartamentul lui” și multe alte povești și puzzle-uri pentru audienta. În cele din urmă a intrat în istoria artei mondiale ca inventatorul „instalației totale”, adică o astfel de instalație în care o persoană este complet înconjurată, astfel încât să poată chiar uita exact unde se află. Și toți eroii lui Kabakov, ca și el, sunt oameni care vor să evadeze din realitate.

Ilya Kabakov. Vine Valya. 1972

Un alt conceptualist - Dmitri Prigov- un adevărat om al Renașterii: un artist, un poet, un gânditor, ca actor de film a jucat roluri episodice cu Lungin și German. Faimosul său ciclu de poezii despre „militan” a fost cult în cercurile disidente, iar în grafica pe care a desenat cu un pix, iar în proiectele de instalare la scară largă, una dintre cele mai importante imagini a fost „ochiul atotvăzător”. Fratele cel Mare aici este țesut într-un nod mistic țesut din monștri și simboluri arhetipice, care, la fel ca Bosch, este pur și simplu imposibil de spart.

Dmitri Prigov

Regândirea vieții sreteniților

Alți artiști ai regiei: Oleg Vasilyev, Sergey Shablavin, Eduard Steinberg

Grupul Sretensky Boulevard a reunit artiști ale căror ateliere se aflau în apropiere. Adesea, întâlnindu-se și discutând despre artă, s-au influențat reciproc, au testat aceleași tehnici, obținând rezultate diferite. În primul rând, focusul acestui grup a fost lucrul cu spațiul: atât cu spațiul casei, cât și cu spațiul peisajului. A început ca un suprarealist de tip jungian Vladimir Iankilevskiîn lucrările ei combină fragmente din viața de zi cu zi: un vagon de metrou, un lift, un hol de intrare, o toaletă etc. - cu simboluri arhetipale sau abstracte, astfel încât dacă personajele lui se mișcă undeva, se dovedește că această mișcare are loc în roata samsarei.

Vladimir Iankilevski. Dedicat părinților părinților mei. 1972

Ivan Ciuikov se joacă cu elemente din mediul casnic: ferestre, uși, prize, dulapuri - transformându-le în lucrări de genuri clasice: portrete, peisaje, naturi moarte, îmbinând obiecte de zi cu zi cu imagini ale realității artistice.

Ivan Ciuikov. Fereastra LXIV. 2002

Distracția artiștilor „noul val”.

Un alt reprezentant al direcției - Vadim Zakharov

„Noul val”, care a înlocuit vechea generație de conceptualiști, este de obicei numit „visători”, ale căror imagini din filozofic și visător au devenit sincer hedoniste, absurde și vesele. În loc de „povestiri”, ele oferă telespectatorilor „halucianări”. O altă trăsătură caracteristică a fost creativitatea colectivă. Unul dintre cele mai cunoscute astfel de grupuri de artă a fost Fly Agaric, din care artistul a apărut ulterior Constantin Zvezdochetov. În picturile sale vii, personajele revistei pline de umor „Crocodil” și imaginile picturii clasice rusești, eroii lui Repin și Serov, sunt combinate liber. Râsul artistului trebuie să expună și să submineze seriozitatea care domnește în lume.

Constantin Zvezdochetov. Cazacii scriu o scrisoare. 2005

Satira despre lumea consumului de către artiștii sociali

Alți reprezentanți ai direcției - Boris Orlov și Alexander Kosolapov

Artiștii care au decis să schimbe arta pop americană în realitatea sovietică au devenit fondatorii unei noi direcții „Sots Art”, care s-a angajat nu atât în ​​înțelegerea filozofică a consumismului, cât într-o satiră privind mizeria estetică a culturii de masă și furnizarea de material ideologic către URSS. În lucrările artiștilor sociali, sunt adesea folosite imagini ale unor oameni celebri, în special imagini ale liderilor. Sculptor Leonid Sokov reproduce principiul unei jucării populare rusești cu un țăran și un urs care tăiau un buștean, punând la loc personajele de basm ale lui Stalin și Hitler - tiranii bat lumea. Sokov se distinge prin claritatea și directitatea mesajului, didacticismul ironic și alegerea bine țintită a formei artistice.

Leonid Sokov. Hitler și Stalin. 2006

Preparate naționale ale „Noilor Artiști” din Leningrad

„Artiști noi” – o galaxie de artiști autodidacți, conduși de Timur Novikov, și care a lucrat în mod deliberat murdar și expresiv. Între timp, opera lui Novikov însuși s-a străduit pentru moderație, concizie și culori pure. Artistul a lucrat mai ales cu țesătura, care în interpretarea sa a devenit fie o perdea, fie o tapiserie, fie un banner. În același timp, el folosește un model de fabrică sau o textură de țesături, compilează imagini din reviste și albume, devenind un Duchamp rus și inventând un gata făcut național.

Timur Novikov. Din seria Idealurile uitate ale unei copilării fericite. 2000

Lucrări de peisaj pentru artiștii de teren

În URSS, acești artiști nu aveau voie nu numai să lucreze, ci și să trăiască normal. Au fost expulzați din universități, nu au fost lăsați să intre în uniuni creative, chiar și plasați în spitale de boli psihice. Și asta doar pentru că nu au funcționat așa cum este prescris.

Maxim Kantor. "Casa Rosie"

„Pictura Glasnost-Zeit” („Malerei der Glasnost-Zeit”) este numele expoziției, care are loc la Emden, Saxonia Inferioară, la Muzeul de Artă Contemporană Kunsthalle, care sărbătorește anul acesta 25 de ani. Artiștii nonconformiști interziși în URSS, ale căror lucrări sunt prezentate aici, au fost deschiși către Occident în anii 80 de către creatorul acestui muzeu, totodată fondatorul și fostul redactor-șef al celebrei reviste germane Stern, Henri Nannen. . Dar cum au ajuns aceste lucrări în Germania? Cum au reușit să-i scoată din URSS? Și de ce au găsit o „înregistrare” în Emden?

Pacienți psihiatrici

Salon de spital. Pardoseală rece din gresie. Paturi sărace de-a lungul pereților. Nefericiții pacienți ai acestui spital de psihiatrie cel mai probabil zac și stau pe ei. Șapte bărbați aplecați asupra unui ziar cu cuvinte încrucișate - singurul lucru de gândit aici, se pare. Acești șapte nu sunt ca alți pacienți: fețe prea expresive, ochi prea inteligenți... Sunt chiar ocupați să rezolve un puzzle de cuvinte încrucișate? Sau este o adunare conspirativă a dizidenților ascunși într-un „spital de psihiatrie”? Autorul imaginii „Cuvânt încrucișat” Maxim Kantor nu dă un răspuns direct. Trebuie să facem asta.

Maxim Kantor. „Cuvânt încrucișat” (1985)

Lucrările lui Kantor sunt nucleul expoziției „Pictură în Glasnost”. Multe dintre exponatele sale au fost prezentate pentru prima dată de Kunsthalle în anii '80. Prima expoziție dedicată operei tinerilor expresioniști, realiștilor și spiritiștilor din Moscova și Leningrad (cum au clasificat germanii pe nonconformiștii sovietici) a fost organizată în acel moment.

Lucrările artiștilor care și-au găsit curajul să nu creeze așa cum a fost prescris de sus, dar au făcut o alegere fără compromis în favoarea creativității libere, au făcut un strop. Presa vest-germană a vorbit cu entuziasm despre Maxim Kantor, Leonid Purygin, Lev Tabenkin, Alexei Sundukov. Astăzi numele lor sunt cunoscute în toată lumea. Și apoi faptul că în Uniunea Sovietică existau maeștri atât de îndrăzneți și în același timp extrem de talentați a fost o adevărată descoperire pentru Occident. La urma urmei, de obicei arta sovietică era asociată cu realismul socialist plictisitor și pretențios.

„Croaziera” prin studioul artiștilor interzis

Potrivit curatorului expoziției, istoricul de artă Lena Nievers, picturile au venit la Emden datorită lui Henri Nannen, originar din acest oraș, cunoscut jurnalist, fondator și redactor-șef al revistei Stern de mulți ani. A călătorit adesea în Uniunea Sovietică, unde a adunat materiale pentru rapoartele sale. La un moment dat, l-a însoțit chiar și pe cancelarul german Konrad Adenauer în timpul primei sale întâlniri cu Hrușciov la Moscova.

De-a lungul anilor, a format un cerc de prieteni în capitala sovietică. Prin intermediul lor, Nannen, care era un mare iubitor de artă și proprietarul unei colecții excelente de picturi, a venit la reprezentanții artei „neoficiale” din URSS.

La începutul anilor 1980, Henry Nannen a făcut un fel de „croazieră” de 14 zile prin atelierele semi-subterane ale a 50 de artiști informali din Moscova și Leningrad. Și ceea ce a văzut în aceste beciuri mizerabile l-a lovit pe loc. A cumpărat tot ce a putut și chiar a reușit să ducă tablourile în Germania. Adevărat, pentru aceasta a trebuit să bată multe praguri și să-și folosească toate conexiunile la Moscova. Și în 1982, Nannen a organizat o expoziție care a călătorit la München, Stuttgart, Düsseldorf, Wiesbaden și, bineînțeles, Emden și a avut un succes uriaș.

Câțiva ani mai târziu, jurnalistul, împreună cu soția sa Eske Ebert-Nannen (Eske Ebert-Nannen) și celebrul critic de artă Gerhard Fink (Gerhard Fink), s-au dus din nou la atelierul de la Moscova și Leningrad. În total, peste 100 de lucrări pe care le-a achiziționat acolo în anii 80. În 1986, filantropul a finanțat crearea Kunsthalle din Emden. În construcția acestui muzeu, care a devenit un cadou de la Nannen pentru orașul său natal, iubitor de artă și-a investit aproape toate economiile. În 1996, Henry Nannen a murit, iar văduva sa a preluat Kunsthalle.

Neștiind frica

"Această expoziție m-a șocat. În timpul celui de-al Doilea Război Mondial, am luptat pe Frontul de Est, apoi am fost în captivitate sovietică. Și acum ce? Noi, cei învinși, ne-am bucurat de mult de viață și de libertate. Și ei, învingătorii, au trăit pentru atâţia ani ca într-o tabără”.

"Pânze uimitoare, de-a dreptul sfâșietoare. În condițiile dictaturii sovietice, numai oamenii care nu cunoșteau frica și își iubeau profund patria ar putea crea astfel de lucruri."

Astfel de recenzii ale expoziției „Pictura în vremea Glasnost” pot fi găsite în Cartea de oaspeți a Muzeului Emden.

Pe ciot este o pisică cu ochii larg deschiși de groază. Ea încearcă să scape din mâinile unei fetițe. Moare și ea de frică și încearcă să nu se uite la bietul animal, dar cu toată puterea ei îl strânge de copac. În apropiere este o femeie teribil de slabă. Ea a ridicat deja toporul. „Vreau să trăiesc...” - acesta este numele tabloului pictat de Lenina Nikitina, care a supraviețuit blocadei de la Leningrad - un reprezentant al generației mai vechi a subteranului sovietic.

Alexei Sundukov. „Tranziție” (1988)

„Tranziția” de Alexei Sundukov. Pasajul larg de metrou abia găzduiește mulțimea strânsă. Fiecare este îmbrăcat diferit: unii sunt în costume de iarnă, alții sunt în cele de vară. Ce perioadă a anului nu este cunoscută. Există paltoane din piele și o haină cu guler de blană și o uniformă de ofițer și rochii deschise deschise. Eșarfe de sat, pălării tricotate, șepci. Cheli, coafuri elegante, tunsori modeste. Poza este suprasaturată cu imagini. La capătul tunelului este lumină. Oamenii se mișcă în direcția lui. Totuși, se mișcă? Sau doar în picioare? Sunt reprezentate doar spatele, capetele, mâinile. Picioarele - precum și fețele - nu sunt vizibile. Și, prin urmare, rămâne un mister dacă această mulțime va face tranziția către o nouă stare, dacă va fi captivată de lumina strălucitoare a libertății.