Ce stiluri de desen există. Principalele direcții în pictură (pe scurt)
Stilul este direcția generală a dezvoltării artei, ale cărei mostre reprezentative sunt unite de sensul ideologic, tehnica de transmitere și metodele caracteristice ale activității creative. Stilurile din arta picturii au fost strâns împletite, dezvoltate în tendințe înrudite, au existat în paralel, îmbogățindu-se reciproc.
Stilurile și tendințele pitorești s-au format sub influența ideologiei, dezvoltării politice și economice a societății, religiei și tradițiilor.
Istoria dezvoltării
Istoria dezvoltării stilurilor demonstrează evoluția culturală complexă a societății.
gotic
Ea își are originea în Franța în secolele XI-XII. Stilul s-a dezvoltat pe teritoriul Vestului, iar din secolele XIII - XIV - în Europa Centrală. Originea și evoluția acestei direcții au fost sub influența semnificativă a bisericii. Evul Mediu este o perioadă de dominație a puterii bisericii asupra puterii seculare, așa că artiștii gotici au lucrat cu subiecte biblice. Trăsăturile distinctive ale stilului sunt: strălucirea, pretenția, dinamismul, emotivitatea, pompozitatea, neatenția la perspectivă. Imaginea nu pare monolitică - arată ca un mozaic de mai multe acțiuni descrise pe pânză.
Renaștere sau Renaștere
A venit din Italia în secolul al XIV-lea. Timp de aproximativ 200 de ani, această direcție a fost dominantă și a devenit baza dezvoltării Rococo și a Renașterii de Nord. Trăsături artistice caracteristice ale picturilor: o întoarcere la tradițiile antichității, cultul corpului uman, interes pentru detalii, idei umaniste. Această direcție nu a fost axată pe religie, ci pe latura seculară a vieții. Renașterea de nord a Olandei și a Germaniei a fost diferită - aici Renașterea a fost percepută ca o reînnoire a spiritualității și a credinței creștine care a precedat Reformei. Reprezentanți: Leonardo da Vinci, Raphael Santi, Michelangelo Buonarroti.
Manierism
Direcția în dezvoltarea picturii secolului al XVI-lea. Ideologic opus Renașterii. Artiștii s-au îndepărtat de ideea de perfecțiune umană și de umanism spre subiectivizarea artei, concentrându-se pe sensul interior al fenomenelor și obiectelor. Numele stilului provine de la cuvântul italian „maniera”, care reflectă pe deplin esența manierismului. Reprezentanţi: J. Pontormo, J. Vasari, Brozino, J. Duve.
Stil baroc
Un stil de pictură și cultură luxuriant, dinamic și luxos, care a apărut în Italia în secolul al XVI-lea. De 200 de ani, direcția s-a dezvoltat în Franța, Germania, Spania. Pictura barocă este plină de culori strălucitoare, se acordă o atenție deosebită detaliilor și decorațiunilor. Imaginea nu este statică, emoțională, de aceea barocul este considerat cea mai intensă și expresivă etapă în dezvoltarea picturii.
Clasicism
A luat naștere în țările Europei de Vest în secolul al XVII-lea, după 100 de ani a ajuns în țările din Europa de Est. Ideea principală este o întoarcere la tradiția antichității. Portretele, peisajele, naturile moarte sunt ușor de recunoscut datorită reproducerii dogmatice, implementării unor reguli clare de stil. Clasicismul a renascut în academicism - un stil care a absorbit cele mai izbitoare trăsături ale antichității și ale Renașterii. N. Poussin, J.-L. David, Rătăcitorii ruși au lucrat în acest stil.
Romantism
A înlocuit clasicismul în al doilea sfert al secolului al XIX-lea. Trăsături artistice: dorința de a transmite individualitate, chiar dacă este imperfectă, emoționalitate, expresivitate a sentimentelor, imagini fantastice. Arta artiștilor romantici neagă normele și regulile etapei clasice în dezvoltarea picturii. Interesul pentru tradițiile populare, legende și istoria națională este reînviat. Reprezentanți: F. Goya, T. Gericault, K. Bryullov, E. Delacroix.
Simbolism
Direcția culturală de la sfârșitul secolelor XIX - XX, baza ideologică a fost extrasă din romantism. În primul rând, în creativitate a fost un simbol, iar artistul a fost un intermediar între realitate și lumea fantastică a creativității.
Realism
Cercetare artistică, care pune în prim plan acuratețea transferului de forme, parametri, nuanțe. Caracterizat prin naturalețe, acuratețea întruchipării esenței interioare și a învelișului exterior. Acest stil este cel mai mare, popular și cu mai multe fațete. Ramurile sale sunt tendințe moderne - fotografia și hiperrealismul. Reprezentanți: G. Courbet, T. Rousseau, Wanderers, J. Breton.
Impresionism
A apărut la sfârșitul secolului XIX - începutul secolului XX. Patria - Franța. Esența stilului este întruchiparea magiei primei impresii din imagine. Acest scurt moment a fost transmis de artiști cu ajutorul unor lovituri scurte de vopsea pe pânză. Astfel de imagini sunt cel mai bine percepute nu la distanță apropiată. Lucrările artiștilor sunt pline de culori și lumină. Postimpresionismul a devenit o fază în dezvoltarea stilului - se caracterizează printr-o atenție mai mare la formă și contururi. Artiști: O. Renoir, K. Pissarro, K. Monet, P. Cezanne.
Modern
Un stil original, luminos, care a devenit baza pentru formarea multor tendințe picturale ale secolului al XX-lea. Regia a adunat trăsăturile artei din toate epocile - emoționalitate, interes pentru ornamente, plasticitate, predominanța contururilor netede, curbilinie. Simbolismul a devenit baza dezvoltării. Modernul este ambiguu - s-a dezvoltat în țările europene în moduri diferite și sub diferite nume.
avangardă
Stiluri artistice care se caracterizează prin respingerea realismului, simbolismul transferului de informații, strălucirea culorilor, individualizarea și libertatea designului creativ. Categoria avangardă cuprinde: suprarealismul, cubismul, fauvismul, futurismul, expresionismul, abstracționismul. Reprezentanți: V. Kandinsky, P. Picasso, S. Dali.
Primitivism sau stil naiv
O direcție caracterizată printr-o reprezentare simplificată a realității.
Stilurile enumerate au devenit principalele repere în dezvoltarea picturii - ele continuă să se transforme în noi forme de auto-exprimare creativă a artiștilor.
Există pur și simplu o mare varietate de tendințe și stiluri în artele vizuale. Adesea nu au granițe pronunțate și se pot muta fără probleme de la unul la altul, fiind în continuă dezvoltare, opoziție și amestecare. Cele mai multe tendințe în pictură coexistă în același timp tocmai din acest motiv - practic nu există „stiluri pure”. Vă prezentăm astăzi cele mai populare stiluri de pictură.
Impresionism
Claude Monet „Impresie. Soarele răsare"
Și-a luat numele de la pictura „Impression, soleil levant” de Claude Monet. Impresionismul este un stil de pictură care tinde să funcționeze în aer liber. Pictura în această direcție este concepută pentru a transmite senzația de lumină a maestrului.
Caracteristicile cheie ale impresionismului includ: linii subțiri, relativ mici, abia vizibile; schimbarea luminii transmisă cu precizie; compoziție deschisă; prezența oricărei mișcări; viziune neobișnuită asupra obiectelor.
Reprezentanți de seamă ai impresionismului: Pierre Renoir, Edgar Degas, Claude Monet.
Expresionism
Edvard Munch „Țipătul”
Una dintre tendințele de artă modernă care a apărut în Germania în prima jumătate a secolului al XX-lea. La început, expresionismul a acoperit doar poezia și pictura.
De obicei, expresioniștii descriu lumea din jurul lor doar subiectiv, distorsionând complet realitatea pentru un efect emoțional și mai mare. Astfel, își pun spectatorul pe gânduri.
Printre reprezentanții săi: Amedeo Modigliani, Edvard Munch, Ernst Ludwig Kirchner etc.
Cubism
Pablo Picasso „Dora Maar”
Cubismul este o mișcare de artă de avangardă care a luat naștere în secolul al XX-lea datorită celebrului Pablo Picasso. Prin urmare, el este cel mai proeminent reprezentant al acestui stil. Rețineți că această direcție a revoluționat sculptura și pictura din Europa, inspirând și tendințe similare în arhitectură, literatură și muzică.
Operele de artă în acest stil sunt caracterizate de obiecte recombinate, sparte într-o formă abstractă.
Modernism
Henri Matisse „Dansator într-o rochie albastră”
Modernismul demonstrează o combinație de diferite tendințe culturale, precum și o serie de tendințe artistice unificate care au apărut în secolele al XIX-lea și al XX-lea.
Pictorii numesc modernismul „altă artă”, al cărei scop este de a crea unic, spre deosebire de orice altceva, adică arată o viziune specială a artistului.
Reprezentanți de seamă: Henri Matisse și Pablo Picasso.
Neoclasicismul
Nicolas Poussin "Parnasul"
Neoclasicismul a fost principala tendință în Europa de Nord în jurul secolelor al XVIII-lea și al XIX-lea, care se caracterizează prin arta Renașterii, a antichității și chiar a clasicismului.
Datorită cunoașterii profunde a legilor bisericești, maeștrii neoclasicismului au încercat să reconstruiască, precum și să introducă canoanele în lucrările lor.
Reprezentanții de seamă sunt: Nicolas Poussin, Franz Joseph Haydn, Raphael.
Arta pop
Andy Warhol „Dolarul”
Romantism
Francisco Goya „Tribunalul Inchiziției”
Romantismul ca direcție de artă a apărut în secolul al XVIII-lea în Europa. Emoțiile puternice erau considerate adevărata sursă a cunoștințelor estetice. Cele mai apreciate emoții au fost reverența, frica, groaza și venerația.
Printre reprezentanții săi: Francisco Goya, Isaac Levitan, Ivan Shishkin, Ivan Aivazovsky, William Turner.
Realism
Ilya Repin „Omul timid”
Suprarealismul este expunerea adevărului psihologic prin separarea obiectelor de sensul lor cotidian pentru a crea o imagine puternică pentru a trezi empatia privitorului.
Reprezentanți celebri ai acestui stil: Max Ernst, Rene Magritte și Salvador Dali.
Simbolism
Mikhail Vrubel „Demon învins”
Simbolismul este un fel de protest în favoarea spiritualității, viselor și imaginației, care s-a dezvoltat în unele țări europene la sfârșitul secolului al XIX-lea.
Artiștii simboliști au avut o influență destul de puternică asupra suprarealismului și expresionismului în pictură. Aceste două direcții au venit direct din simbolism.
Printre reprezentanții stilului: Mihail Vrubel, Gustave Moreau, Hugo Simberg, Viktor Vasnetsov etc.
Unul dintre principalele moduri în care gândim. Rezultatul său este formarea celor mai generale concepte și judecăți (abstractări). În arta decorativă, abstracția este procesul de stilizare a formelor naturale.
În activitatea artistică, abstracția este prezentă constant; în expresia sa extremă în arta plastică, duce la abstractionism, o tendință deosebită în artele plastice ale secolului XX, care se caracterizează prin respingerea imaginii obiectelor reale, generalizarea ultimă sau respingerea completă a formei, non-obiective. compoziții (din linii, puncte, pete, planuri etc.), experimente cu culoarea, exprimarea spontană a lumii interioare a artistului, subconștientul acestuia în forme abstracte haotice, neorganizate (expresionismul abstract). Picturile artistului rus V. Kandinsky pot fi atribuite acestei direcții.
Reprezentanții unor tendințe în arta abstractă au creat structuri ordonate logic, făcând ecou căutării unei organizări raționale a formelor în arhitectură și design (suprematismul pictorului rus K. Malevich, constructivismul etc.). Abstracționismul s-a exprimat mai puțin în sculptură decât în pictura.
Abstracționismul a fost un răspuns la dizarmonia generală a lumii moderne și a avut succes pentru că a proclamat respingerea conștientului în artă și a cerut „cedarea inițiativei formelor, culorilor, culorilor”.
Realism
De la fr. realisme, din lat. realis - real. În artă în sens larg, o reflectare veridică, obiectivă, cuprinzătoare a realității prin mijloace specifice inerente tipurilor de creativitate artistică.
Trăsăturile comune ale metodei realismului sunt fiabilitatea în reproducerea realității. În același timp, arta realistă are o mare varietate de moduri de cunoaștere, generalizare, reflectare artistică a realității (G.M. Korzhev, M.B. Grekov, A.A. Plastov, A.M. Gerasimov, T.N. Yablonskaya, P.D. . Korin și alții)
Arta realistă a secolului XX. dobândește trăsături naționale strălucitoare și o varietate de forme. Realismul este opusul modernismului.
avangardă
De la fr. avan - avansat, garde - detașare - un concept care definește întreprinderile experimentale, moderniste, în artă. În fiecare epocă, în artele vizuale au apărut fenomene inovatoare, dar termenul de „avangardă” a fost instituit abia la începutul secolului al XX-lea. În acest moment, au apărut tendințe precum fauvismul, cubismul, futurismul, expresionismul, abstracționismul. Apoi, în anii 20-30, pozițiile de avangardă au fost luate de suprarealism. În perioada anilor 60-70 s-au adăugat noi varietăți de abstractionism - diverse forme de acționism, lucru cu obiecte (art pop), artă conceptuală, fotorealism, kinetism etc. Artiștii de avangardă își exprimă genul de protest împotriva culturii tradiționale. cu munca lor.
În toate tendințele de avangardă, în ciuda marei lor diversitate, se pot distinge trăsături comune: respingerea normelor imaginii clasice, noutatea formală, deformarea formelor, expresia și diverse transformări de joc. Toate acestea duc la estomparea granițelor dintre artă și realitate (ready-made, instalație, mediu), creând idealul unei opere de artă deschise care invadează direct mediul. Arta avangardei este concepută pentru dialogul dintre artist și privitor, interacțiunea activă a unei persoane cu o operă de artă, participarea la creativitate (de exemplu, artă cinetică, întâmplări etc.).
Lucrările de tendințe avangardiste își pierd uneori originea picturală și sunt echivalate cu obiecte ale realității înconjurătoare. Tendințele moderne de avangardă sunt strâns împletite, formând noi forme de artă sintetică.
Subteran
Engleză subteran - subteran, temniță. Un concept care înseamnă o cultură „subterană” care s-a opus convențiilor și limitărilor culturii tradiționale. Expozițiile artiștilor din această direcție au fost adesea organizate nu în saloane și galerii, ci direct pe sol, precum și în pasaje subterane sau în metrou, care în mai multe țări este numit subteran (subteran). Probabil, această împrejurare a influențat și faptul că în spatele acestei tendințe în arta secolului XX. numele a fost aprobat.
În Rusia, conceptul de underground a devenit o desemnare pentru o comunitate de artiști care reprezintă arta neoficială.
Suprarealism
pr. suprarealism - super-realism. Direcția în literatura și arta secolului XX. stabilit în anii 1920. Originar din Franța la inițiativa scriitorului A. Breton, suprarealismul a devenit curând o tendință internațională. Suprarealiștii credeau că energia creativă vine din subconștient, care se manifestă în timpul somnului, hipnozei, delirului dureros, intuițiilor bruște, acțiunilor automate (rătăcirea aleatorie a creionului pe hârtie etc.)
Artiștii suprarealiști, spre deosebire de abstracționiști, nu refuză să înfățișeze obiecte din viața reală, ci le reprezintă în haos, lipsit în mod deliberat de relații logice. Absența sensului, respingerea unei reflectări rezonabile a realității este principiul principal al artei suprarealismului. Însuși numele regiei vorbește despre izolarea față de viața reală: „sur” în franceză este „de sus”; artiștii nu au pretins că reflectă realitatea, ci și-au plasat mental creațiile „mai sus” de realism, trecând fanteziile delirante drept opere de artă. Deci, numărul picturilor suprarealiste a inclus lucrări similare, inexplicabile, ale lui M. Ernst, J. Miro, I. Tanguy, precum și obiecte prelucrate dincolo de recunoașterea suprarealistilor (M. Oppenheim).
Direcția suprarealistă, care era condusă de S. Dali, s-a bazat pe acuratețea iluzorie a reproducerii unei imagini ireale care ia naștere în subconștient. Picturile sale se disting printr-un mod atent de a scrie, transmiterea precisă a clarobscurului, perspectivă, care este tipică pentru pictura academică. Privitorul, cedând în fața persuasivității picturii iluzorii, este atras într-un labirint de înșelăciuni și mistere de nerezolvat: obiectele solide se răspândesc, obiectele dense devin transparente, obiectele incompatibile se răsucesc și se răsucesc pe dos, volumele masive devin imponderabile și toate acestea creează o imagine. asta este imposibil in realitate.
Acest fapt este cunoscut. Odată ajuns la o expoziție în fața unei lucrări a lui S. Dali, privitorul a stat mult timp, privind atent și încercând să înțeleagă sensul. În cele din urmă, cu disperare totală, a spus cu voce tare: „Nu înțeleg ce înseamnă asta!” Exclamația publicului a fost auzită de S. Dali, aflat la expoziție. „Cum poți înțelege ce înseamnă dacă nu înțeleg eu însumi”, a spus artista, exprimând în acest fel principiul de bază al artei suprarealiste: a picta fără a gândi, fără a gândi, abandonând rațiunea și logica.
Expozițiile de lucrări suprarealiste erau de obicei însoțite de scandaluri: publicul era indignat, privind picturile ridicole, de neînțeles, credea că sunt înșelați, mistificat. Suprarealiștii au dat vina pe public, au declarat că au rămas în urmă, nu au crescut până la creativitatea artiștilor „avansați”.
Trăsăturile generale ale artei suprarealismului sunt fantezia absurdului, alogismul, combinațiile paradoxale de forme, instabilitatea vizuală, variabilitatea imaginilor. Artiștii s-au orientat către imitarea artei primitive, creativitatea copiilor și a bolnavilor mintal.
Artiștii acestui trend au dorit să creeze pe pânzele lor o realitate care să nu reflecte realitatea determinată de subconștient, dar în practică aceasta a avut ca rezultat crearea unor imagini respingătoare patologic, eclectism și kitsch (germană - kitsch; producție de masă ieftină, fără gust concepută). pentru un efect extern).
În zonele comerciale ale artei decorative au fost folosite descoperiri separate ale suprarealiştilor, de exemplu, iluziile optice, care fac posibilă vizualizarea a două imagini sau comploturi diferite într-o singură imagine, în funcţie de direcţia de vedere.
Lucrările suprarealiştilor evocă cele mai complexe asocieri, ele pot fi identificate în percepţia noastră cu răul. Viziuni terifiante și vise idilice, violență, disperare - aceste sentimente apar în diverse versiuni în lucrările suprarealiştilor, influenţând activ privitorul, absurditatea operelor suprarealismului afectează imaginaţia asociativă şi psihicul.
Suprarealismul este un fenomen artistic controversat. Multe personalități culturale cu adevărat avansate, dându-și seama că această tendință distruge arta, au abandonat ulterior vederile suprarealiste (artiștii P. Picasso, P. Klee și alții, poeții F. Lorca, P. Neruda, regizorul spaniol L. Bunuel, care au realizat filme suprarealiste). Până la mijlocul anilor 1960, suprarealismul a lăsat locul unor noi ramuri și mai strălucitoare ale modernismului, dar lucrările bizare, mai ales urâte, fără sens ale suprarealiştilor încă umplu sălile muzeelor.
Modernism
pr. modernism, din lat. modernus - nou, modern. Desemnarea colectivă a tuturor celor mai recente tendințe, tendințe, școli și activități ale maeștrilor individuali de artă ai secolului XX, rupând cu tradiția, realismul și considerând experimentul ca baza metodei creative (fauvism, expresionism, cubism, futurism, abstractionism). , dadaism, suprarealism, pop art, op-art, artă cinetică, hiperrealism etc.). Modernismul este apropiat ca semnificație de avangardism și este opus academismului. Modernismul a fost evaluat negativ de criticii de artă sovietici ca fiind un fenomen de criză al culturii burgheze. Arta are libertatea de a-și alege căile istorice. Contradicțiile modernismului, ca atare, trebuie considerate nu static, ci în dinamică istorică.
Arta pop
Engleză arta pop, din arta populara - arta populara. O tendință în arta Europei de Vest și a SUA de la sfârșitul anilor 1950. Perioada de glorie a artei pop a venit în anii ’60, când au izbucnit revolte ale tinerilor în multe țări din Europa și America. Mișcarea de tineret nu avea un singur scop - era unită de patosul negării.
Tinerii erau gata să arunce peste bord toată cultura trecută. Toate acestea se reflectă în art.
O trăsătură distinctivă a artei pop este combinația dintre provocare și indiferență. Totul este la fel de valoros sau la fel de neprețuit, la fel de frumos sau la fel de urât, la fel de demn sau nu. Poate că doar afacerea de publicitate se bazează pe aceeași atitudine nepăsitoare de afaceri față de tot ce este în lume. Nu întâmplător a fost publicitatea care a avut un impact uriaș asupra artei pop, iar mulți dintre reprezentanții săi au lucrat și lucrează în continuare în centre de publicitate. Creatorii de reclame și spectacole sunt capabili să facă bucăți și să combine praful de spălat și celebra capodopera de artă, pasta de dinți și fuga lui Bach în combinația de care au nevoie. Pop art face același lucru.
Motivele culturii populare sunt exploatate de arta pop în moduri diferite. Obiectele reale sunt introduse în imagine prin colaj sau fotografii, de obicei în combinații neașteptate sau complet absurde (R. Rauschenberg, E. War Hall, R. Hamilton). Pictura poate imita tehnici de compoziție și tehnica panourilor publicitare, o imagine de benzi desenate poate fi mărită la dimensiunea unei pânze mari (R. Lichtenstein). Sculptura poate fi combinată cu manechine. De exemplu, artistul K. Oldenburg a creat asemănări ale modelelor de afișare ale produselor alimentare de dimensiuni uriașe din materiale neobișnuite.
De multe ori nu există o graniță între sculptură și pictură. O operă de artă de artă pop adesea nu are doar trei dimensiuni, ci umple și întreg spațiul expozițional. Datorită unor astfel de transformări, imaginea originală a unui obiect de cultură de masă este transformată și percepută într-un mod complet diferit decât într-un mediu real de zi cu zi.
Principala categorie a artei pop nu este o imagine artistică, ci „desemnarea” ei, care salvează autorul de procesul creat de om al creării ei, imaginea a ceva (M. Duchamp). Acest proces a fost introdus pentru a extinde conceptul de artă și a include activități non-artistice în el, „ieșirea” artei în domeniul culturii de masă. Artiștii de artă pop au fost inițiatorii unor forme precum happening-ul, instalarea obiectelor, mediul și alte forme de artă conceptuală. Tendințe similare: underground, hiperrealism, op-art, ready-made etc.
Op art
Engleză op art, prescurtat. din arta optică - arta optică. O tendință în arta secolului XX, care s-a răspândit în anii 1960. Artiștii op-art au folosit diverse iluzii vizuale, bazându-se pe percepția figurilor plate și spațiale. Efectele mișcării spațiale, îmbinării, formelor plutitoare au fost obținute prin introducerea repetărilor ritmice, a contrastelor ascuțite de culoare și tonal, intersecția configurațiilor în spirală și a rețelei, a liniilor șerpuitoare. În op art, au fost adesea folosite instalații de lumină schimbătoare, construcții dinamice (discutate în continuare în secțiunea despre arta cinetică). Iluziile de mișcare curgătoare, o schimbare succesivă a imaginilor, o formă instabilă, în continuă reconstrucție, apar în op art doar în senzația privitorului. Regia continuă linia tehnică a modernismului.
artă cinetică
Din gr. kinetikos - punerea în mișcare. O tendință în arta contemporană asociată cu utilizarea pe scară largă a structurilor în mișcare și a altor elemente de dinamică. Cinetismul ca tendință independentă a luat contur în a doua jumătate a anilor 1950, dar a fost precedat de experimente de creare a plasticității dinamice în constructivismul rus (V. Tatlin, K. Melnikov, A. Rodcenko), dadaism.
Anterior, arta populară ne-a arătat și mostre de obiecte și jucării în mișcare, de exemplu, păsări de lemn ale fericirii din regiunea Arhangelsk, jucării mecanice care imită procesele de muncă din satul Bogorodskoye etc.
În arta cinetică, mișcarea este introdusă în moduri diferite, unele lucrări sunt transformate dinamic de către privitorul însuși, altele - prin fluctuațiile mediului aerian, iar altele sunt puse în mișcare de un motor sau de forțe electromagnetice. Varietatea materialelor folosite este nesfârșită - de la mijloace tehnice tradiționale la ultramoderne, până la calculatoare și lasere. Oglinzile sunt adesea folosite în compozițiile cinetice.
În multe cazuri, iluzia mișcării este creată prin schimbarea luminii - aici cinetismul se îmbină cu op art. Tehnicile cinetice sunt utilizate pe scară largă în organizarea de expoziții, târguri, discoteci, în proiectarea de piețe, parcuri, interioare publice.
Cinetismul tinde spre sinteza artelor: mișcarea unui obiect în spațiu poate fi completată de efecte de lumină, sunet, muzică ușoară, un film etc.
Tehnici ale artei moderne (avangardiste).
hiperrealism
Engleză hiperrealism. O direcție în pictură și sculptură care a apărut în Statele Unite și a devenit un eveniment în lumea artelor plastice în anii 70 ai secolului XX.
Un alt nume pentru hiperrealism este fotorealismul.
Artiștii acestei tendințe au imitat o fotografie cu mijloace picturale pe pânză. Au descris lumea unui oraș modern: vitrine și restaurante, stații de metrou și semafoare, clădiri rezidențiale și trecători de pe străzi. Totodată, s-a acordat o atenție deosebită suprafețelor strălucitoare, reflectorizante de lumină: sticlă, plastic, lustruit auto, etc. Jocul de reflexii pe astfel de suprafețe creează impresia de întrepătrundere a spațiilor.
Scopul hiperrealiştilor a fost să înfăţişeze lumea nu doar în mod fiabil, ci şi super-probabil, super-real. Pentru a face acest lucru, au folosit metode mecanice de copiere a fotografiilor și de mărire a acestora la dimensiunea unei pânze mari (proiecție aeriană și grilă de scară). Vopseaua, de regulă, a fost pulverizată cu un aerograf pentru a păstra toate caracteristicile imaginii fotografice, pentru a exclude manifestarea scrisului individual al artistului.
În plus, vizitatorii expozițiilor din această direcție puteau întâlni în săli figuri umane realizate din materiale polimerice moderne la dimensiune mare, îmbrăcate în haine gata făcute și pictate în așa fel încât să nu se deosebească deloc de public. Acest lucru a provocat multă confuzie și a șocat oamenii.
Fotorealismul și-a pus sarcina de a ne ascuți percepția asupra vieții de zi cu zi, simbolizând mediul modern, reflectând timpul nostru în formele „artelor tehnice” care s-au răspândit tocmai în epoca noastră a progresului tehnologic. Fixând și expunând modernitatea, ascunzând emoțiile autorului, fotorealismul în lucrările sale programatice s-a găsit la granița artei plastice și aproape a trecut-o, pentru că a căutat să concureze cu viața însăși.
Gata făcută
Engleză gata făcut - gata. Una dintre tehnicile comune ale artei moderne (avangardiste), care constă în faptul că subiectul producției industriale iese din mediul obișnuit de zi cu zi și este expus în sala de expoziție.
Semnificația readymade-ului este următoarea: atunci când mediul se schimbă, se schimbă și percepția asupra obiectului. Privitorul vede în obiectul de pe podium, nu un lucru utilitar, ci un obiect artistic, expresivitatea formei și a culorii. Denumirea readymade a fost folosită pentru prima dată în 1913-1917 de M. Duchamp în legătură cu „obiectele gata făcute” ale sale (pieptene, roată de bicicletă, uscător de sticle). În anii 60, ready-made-ul s-a răspândit în diverse domenii ale artei avangardiste, în special în dadaism.
instalare
Din engleza. instalare - instalare. O compoziție spațială creată de un artist din diverse elemente - articole de uz casnic, produse și materiale industriale, obiecte naturale, informații textuale sau vizuale. Fondatorii instalaţiei au fost dadaistul M. Duchamp şi suprarealiştii. Creând combinații neobișnuite de lucruri obișnuite, artistul le oferă o nouă semnificație simbolică. Conținutul estetic al instalației este în jocul semnificațiilor semantice, care se schimbă în funcție de locul în care se află obiectul - într-un mediu cotidian familiar sau într-o sală de expoziție. Instalația a fost creată de mulți artiști de avangardă R. Rauschenberg, D. Dine, G. Ucker, I. Kabakov.
Instalarea este o formă de artă răspândită în secolul al XX-lea.
Mediu inconjurator
Engleză mediu - mediu, mediu. O compoziție spațială extinsă, care îmbrățișează privitorul ca un mediu real, este una dintre formele caracteristice artei de avangardă a anilor 60 și 70. Mediul naturalist care imit un interior cu figuri de oameni a fost creat de sculpturile lui D. Segal, E. Kienholz, K. Oldenburg, D. Hanson. Astfel de repetiții ale realității ar putea include elemente de ficțiune delirante. Un alt tip de mediu este un spațiu de joacă care implică anumite acțiuni ale publicului.
Se întâmplă
Engleză intamplare - intamplare, intamplare. Un fel de acționism, cel mai des întâlnit în arta avangardă a anilor 60-70. Happening-ul se dezvoltă ca un eveniment, mai degrabă provocat decât organizat, dar inițiatorii acțiunii implică neapărat publicul în el. Happening-ul a apărut la sfârșitul anilor 1950 ca o formă de teatru. În viitor, artiștii sunt cel mai adesea implicați în organizarea de întâmplări direct în mediul urban sau în natură.
Ei consideră această formă ca un fel de muncă în mișcare în care mediul, obiectele joacă un rol nu mai puțin decât participanții vii la acțiune.
Acțiunea întâmplării provoacă libertatea fiecărui participant și manipularea obiectelor. Toate acțiunile se desfășoară conform unui program planificat în prealabil, în care, totuși, se acordă o mare importanță improvizației, care dă aer liber la diverse impulsuri inconștiente. Evenimentul poate include elemente de umor și folclor. Evenimentul a exprimat în mod clar dorința avangardei de a îmbina arta cu cursul vieții în sine.
Și, în sfârșit, cea mai avansată formă de artă contemporană - Superplanul
Superplan
Superflat este un termen inventat de artistul japonez contemporan Takashi Murakami.
Termenul Superflat a fost creat pentru a explica noul limbaj vizual folosit în mod activ de o generație de tineri artiști japonezi, precum Takashi Murakami: „Mă gândeam la realitățile desenului și picturii japoneze și la modul în care acestea diferă de arta occidentală. Pentru Japonia, sentimentul de planeitate este important. Cultura noastră nu este 3D. Formele 2D stabilite în pictura istorică japoneză sunt asemănătoare cu limbajul vizual simplu și plat al animației, benzilor desenate și al designului grafic modern.”
Stiluri de pictură - subiectul este foarte extins, s-ar putea spune etern. Oamenii folosesc adesea termeni pe care nu îi înțeleg tocmai corect, din această cauză există confuzie și confuzie. De aceea, vreau să spun pe scurt și clar tot ce știu despre tendințele în pictură. Pentru a nu transforma articolul într-o lecție de istorie plictisitoare, voi vorbi pe scurt despre cele mai populare și relevante domenii de astăzi. Stiluri de pictură cu ilustrații - o modalitate convenabilă și rapidă de a vă familiariza cu cele mai importante tendințe în artele vizuale.
gotic
„Altarul familiei Merode”. Robert Campin. anii 1430.
gotic- aceasta este o tendință în artă care a acoperit toate țările Europei de Vest și Centrale. Atunci goticul era în toate - în sculptură, pictură, vitralii etc. a fost folosit oriunde a fost posibil, a existat un „boom cultural”. O astfel de popularitate se datorează ultimului pas în evoluția artei medievale. Centrul și figura principală în stilul gotic a fost arhitectura - arcade înalte, vitralii colorate, multe detalii. Epoca romanică nu a putut rezista unui asemenea atac și a rămas pe marginea istoriei.
Anii: 1150 - 1450.
Bartolo di Fredi, Giotto, Jan Polak, Jan van Eyck.
Renaștere (Renaștere)
„Pocăită Maria Magdalena”. Titian. anii 1560.
Renaştere a apărut pe baza căderii Imperiului Bizantin și a frământărilor culturale care au avut loc cu această ocazie în Europa. Bizantinii care au fost nevoiți să fugă, împreună cu legăturile culturale, au adus opere de artă și biblioteci pe pământurile Europei. Astfel, a avut loc un fel de renaștere a vederilor antice, dar într-un mod modern. De-a lungul anilor, multe puncte au fost revizuite și puse sub semnul întrebării. În general, domnea umanismul secular și ideile de prosperitate.
Ani: 1400 - 1600.
Hieronymus Bosch, Leonardo da Vinci, Titian.
Stil baroc
„Judith și Holofernes”. Caravaggio. 1599.
Stil baroc- Moștenirea culturală europeană provine din Italia. Caracterizează frumusețea vicioasă ironică, elitismul nefiresc și pretenția. Trăsăturile caracteristice ale unor astfel de picturi sunt contrastul ridicat, tensiunea intrigii, dinamica personajelor întinsă la limită. Chintesența barocului este considerată a fi biserica Santa Maria della Vittoria, este situată în Roma.
Anii: 1600-1740.
Caravaggio, Rembrandt, Rubens, Jan Vermeer.
Clasicism
„Milostivirea lui Scipio Africanus”. Pompeo Batoni. 1772.
Clasicism a jucat un rol uriaș în artă, ca tendință fundamentală în pictura secolului al XVIII-lea. Din numele în sine, totul devine clar (latina classicus înseamnă exemplar, exemplar).
Artiștii și-au propus obiectivul de a atașa privitorul de înalt, iar picturile lor au fost o stea călăuzitoare. Morala înaltă, cultura restrânsă și valorile străvechi tradiționale au devenit baza clasicismului. În epoca clasicismului în Europa a avut loc o creștere culturală și o reevaluare a valorilor, arta a ajuns la un cu totul alt nivel.
Anii: 1700 - 1800.
Karl Bryullov, Jean-Baptiste Greuze, Nicolas Poussin.
Realism
„Acrobați rătăcitori”. Gustave Dore. 1874
Realismîncearcă cu cea mai mare certitudine să transmită pe pânză starea de spirit a momentului, un moment al realității. Dar, la rândul său, el nu este limitat de granițe clare, singurele reguli sunt că nu ar trebui să existe loc în imagine pentru lucruri care exclud realismul. În cursul experimentelor, la sfârșitul secolului al XVIII-lea, acest stil a fost împărțit în naturalism și impresionism. Dar, realismul a reușit să supraviețuiască și este popular chiar și în pictura modernă.
Anii: 1800 - 1880.
William Bouguereau, Gustave Courbet, Jean-Francois Millet.
Impresionism
"Impresie. Soarele răsare". Claude Monet. 1872
Impresionism originar din Franța, acest concept a fost introdus de Louis Leroy. Impresionistii care au lucrat in acest stil au vrut sa prinda o a doua impresie din fiecare obiect sau moment, au pictat chiar aici si acum, indiferent de forma si sens. Imaginile au arătat momente și momente excepțional de pozitive și luminoase. Dar mai târziu, pe această bază, au început dezacorduri în rândul impresioniștilor și, de-a lungul timpului, au apărut maeștri care puteau fi impresionați de problemele sociale, foamete și boli. Cu toate acestea, impresionismul este un stil de pictură amabil și pozitiv care arată momente bune și luminoase.
Anii: 1860 - 1920.
Claude Monet, Edouard Manet, Edgar Degas.
Post impresionism
„Autoportret într-o pălărie gri III”. Vincent Van Gogh. 1887
Post impresionism a încorporat multe stiluri și tehnici diferite. Maeștrii europeni cu opinii proaspete asupra picturii au dat naștere la noi tendințe și au încercat activ să se îndepărteze de impresionism și realism, care erau atunci plictisitoare.
Anii: 1880 - 1920.
Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Roderick O'Conor.
Pointilism
Rio San Trovaso. Veneția”. Henri Edmond Cross. 1904
Pointilism(punct - punct) - O direcție stilistică în pictură, care este același impresionism, doar într-o cochilie diferită. În loc de linii zimțate, s-au folosit forme punctate sau dreptunghiulare. De asemenea, artiștii au refuzat să amestece culorile pe paletă, în schimb, culorile pure erau suprapuse pe pânză și amestecate direct pe pânza în sine, fără a se atinge între ele.
Anii: 1885 - 1930.
Henri Edmond Cross, Georges Seurat, Paul Signac.
Modernism
„Fluturi aproape”. Odilon Redon. 1910
Modernismul este o caracteristică comună tuturor genurilor și stilurilor din pictura anilor 1850-1950. Include tendințe în pictură precum impresionismul, expresionismul, neo- și post-impresionismul, fauvismul, cubismul, futurismul, arta abstractă, dadaismul, suprarealismul și multe altele. Existența acestor stiluri marchează îndepărtarea completă a artelor plastice de academicism. După părăsirea academismului, a devenit aproape imposibil să urmărești toate tendințele și stilurile care s-au format și sunt încă în curs de formare.
Anii: 1850 - 1950.
Salvador Dali, Kazimir Malevich, Auguste Renoir și mulți alții.
Academism
Academism- o direcție în artă care urmează regulile și obiceiurile din antichitate și Renaștere. Academismul caută să impună baze și limite clare, exclude fantezia și zborul creativ. În schimb, se pune accent pe îmbunătățirea neajunsurilor, a „asperității” naturii – a ascunde sau a elimina. Îmbunătățirea realității în direcția percepției frumoase este esența academicismului. Comploturile sunt adesea preluate din mitologia antică, sunt folosite și motive biblice și istorice.
Ani: 1500 - astăzi.
Karl Bryullov, William Bouguereau, Fedor Bruni.
Primitivismul
„În bucătărie” Epiphanius Drovnyak. 1940~ an.
Primitivismul- simplificarea deliberată a imaginii în așa măsură încât să pară că este opera unui copil. Diverse desene și ilustrații populare pot fi atribuite primitivismului. Doar la prima vedere, imaginile par simple și ridicole. Dar dacă te uiți cu atenție, poți vedea proporțiile corecte și respectarea regulilor orizontului și compoziției. Majoritatea maeștrilor celebri ai primitivismului și artei naive au fost mari fani ai istoriei poporului lor și ai culturii lor. De aceea toate picturile lor sunt saturate de culoarea zonei în care au locuit. Astăzi, acest gen a fost transformat în artă naivă, adesea cu un amestec de simbolism. Acest lucru se datorează faptului că privitorul modern nu este pregătit să perceapă primitivismul în forma sa cea mai pură.
Ani: 1900 - astăzi.
Epifanie Drovnyak, Henri Rousseau, Niko Pirosmanishvili.
Cubism
„Femeie așezată într-o rochie albastră”. Pablo Picasso. 1939
Cubism este o direcție a modernismului, folosită adesea în relație cu pictura și artele plastice. Maeștrii și-au împărțit parcelele în forme geometrice, dând fiecărui element unic propriul său sector dens.
Anii: 1906 - 1925.
Pablo Picasso, Fernand Léger, Robert Delaunay.
Suprarealism
"Persistența memoriei". Salvador Dali. 1931
Suprarealism - amestecarea visului cu realitatea. În acest stil, artiștii și-au eliberat visele în exterior, amestecând imagini din viața reală între ele, combinând incompatibilul. De asemenea, au fost atinse subiecte personale ale viselor - frici, dorințe secrete, fantezii inconștiente, complexe. Tot ceea ce o persoană poate vedea în visele sale. Astăzi, suprarealiştii copiază învelişul exterior, folosind doar forme frumoase, fără a le insufla sensul care era caracteristic maeştrilor trecutului.
Ani: 1920 - astăzi.
Salvador Dali, Max Ernst, Rene Magritte.
Abstracţionism
„Galben Roșu Albastru” Vasili Kandinsky. 1925
Abstracţionism- o direcție în artă în care a existat o respingere a imaginii realității și corectitudinea formelor. Scopul principal este de a descrie multe forme colorate care împreună pot spune povestea imaginii. Patria artei abstracte este considerată a fi Rusia și America.
Ani: 1910 - astăzi.
Vasili Kandinsky, Kazimir Malevici, Piet Mondrian.
Expresionism
"Ţipăt". Edvard Munch. 1893
Expresionismîși propune o singură sarcină, să transmită ceea ce a simțit autorul imaginii la momentul scrierii ei. Artiștii din acest stil doresc să se exprime pe ei înșiși și sentimentele lor, motiv pentru care expresionismul este opusul impresionismului, în care accentul se pune pe exprimarea unei învelișuri pur externă. Expresionistii se caracterizeaza printr-o tendinta spre misticism, pesimism si descurajare.
Ani: 1890 - astăzi.
Egon Schiele, Karl Eugen Kael, Jerzy Hulewicz.
Arta pop
„Sticle verzi de Coca-Cola”. Andy Warhole. 1962
Arta pop— Stilul modern în artă, folosind simbolurile culturii de masă și ale produselor de consum. Tehnologiile moderne au ajutat la manipularea și combinarea obiectelor, din această cauză, arta pop a fost adesea criticată de gardienii școlii vechi. De-a lungul timpului, arta pop a absorbit multe tendințe în pictură.
Anii: 1950 - 1980.
Andy Warhol, David Hockney, Robert Rauschenberg.
Minimalism
Gran Cairo. Frank Stella. 1962
Minimalism trebuie să minimizeze interferența autorului cu mediul. Minimalismul denotă doar cele mai importante puncte. Originile se află în constructivism, suprematism, dadaism. Este un gen de pictură foarte controversat, datorită vederilor exagerat de minimaliste ale unor autori ai acestui stil. Astăzi, tendințele minimaliste în pictură se transformă extrem de rapid.
Ani: 1960 - astăzi.
Frank Stella, Carl Andre, Saul LeWitt.
hiperrealism
„Fructe”. Jacques Bodin. 2016
hiperrealism apărut în legătură cu popularizarea fotografiei, era interesant pentru artiști să concureze cu fotografi. Hiperrealiştii creează o realitate alternativă, o iluzie realistă.
Ani: 1970 - astăzi.
Gnoli, Gerhard Richter, Delkol.
Acestea sunt toate direcțiile în pictură
Atât am putut și am vrut să spun pe această temă 😉 De fapt, există mult mai multe tendințe în pictură și sunt dezvoltate neintentionat literalmente în fiecare zi. În acest articol am vrut să vorbesc despre cele mai populare și influente. Dacă ți-a plăcut materialul, distribuie-l pe rețelele de socializare, să dezvoltăm arta împreună. Vă mulțumim tuturor pentru susținere!
