Abilitățile și imaginația unei persoane sunt uneori uimitoare. Pictura a devenit exact zona în care oamenii își dezvoltă creativitatea în diverse direcții. Pentru a surprinde societatea cu noile tendințe în artă, artiștii încearcă să înfățișeze mediul într-o lumină nouă. Avangardismul este rezultatul dezvoltării unor idei creative.

Una dintre tendințele artelor plastice de avangardă a fost cubism. A apărut la începutul secolului al XX-lea. Cubism poate fi caracterizată ca utilizarea de către artiști a unor forme geometrice clare de tip condiționat. Ei au căutat să fragmenteze obiectele realității în primitive stereometrice.

Nașterea cubismului

1906 - 1907 - timpul în care cubism. Pablo Picasso și nu mai puțin faimosul Georges Braque - cu ei este asociată apariția cubismului în pictură. Termenul în sine "cubism" s-a născut în 1908. A fost asociat cu cuvintele criticului de artă Louis Vaucelles. El a numit picturile lui Marriage „ciudații cubice”.

Și deja începând din 1912, în direcția avangardă, un derivat al cubism - cubism sintetic. Nu are principii și scopuri de bază ca atare. în care cubism este împărțit parcă în faze: Cezanne, analitică și sintetică.

Realizări notabile ale cubismului

De-a lungul existenței cubism se pot evidenția cele mai impresionante lucrări. Apropo, ei au fost cei care au devenit cunoscuți lumii întregi. Picturile lui Pablo Picasso – „Chitara” și „Fetele din Avignon”, precum și lucrările altor artiști precum Fernand Leger, Juan Gris, Marcel Duchamp – acele lucrări care transmit spiritul stării de spirit a pictorilor cubiști. În plus, starea de spirit este clar vizibilă în sculptura, de exemplu, a cunoscutei personalități creatoare A. Akhipenko.

Paul Cezanne a decis să experimenteze cu forme, ceea ce a dus la faptul că s-au format ulterior cubism. Pablo Picasso a devenit interesat de arta acestui artist.

Fructul pasiunii sale este lucrarea „Avignon Girls”, care a devenit primul pas către o nouă direcție în pictură - cubism. Poate in poza asta
Toți cubiștii au căutat să scoată în evidență cele mai simple forme geometrice care stau la baza obiectelor. Ei nu au vrut să transmită adevărata înfățișare, au căutat să descompună acest sau acel obiect în forme separate, combinându-le ulterior într-o singură imagine. Faptul că cubiștii doreau să împartă lucrurile în forme a dus la faptul că culorile au început să fie folosite strict după o anumită schemă. Dacă elementele proeminente au fost vopsite în culori calde, atunci cele la distanță - în cele reci.

Cubismul analitic

Faza a doua cubism- aceasta este cubismul analitic. Imaginile obiectelor dispar, diferențele dintre spațiu și formă sunt șterse treptat. Această perioadă se caracterizează prin apariția unor culori irizate ale planurilor translucide care se intersectează. Formele sunt aranjate constant în spațiu în moduri diferite. Interacțiunea vizuală dintre spațiu și formă este exact ceea ce au realizat cubiștii în perioada analitică. cubism.

În 1909, primele semne ale unei a doua faze de dezvoltare au apărut în lucrările lui Braque. cubism. În ceea ce privește lucrările lui Picasso, primele picturi cu astfel de elemente au apărut împreună cu el în 1910. Cu toate acestea, cea mai intensă dezvoltare cubismul analitic când s-a născut o asociație artistică numită „Secțiunea de Aur”, ai cărei membri erau mulți artiști cunoscuți la acea vreme. În cartea lui Guillaume Apollinaire s-au format principiile esteticii cubism. Rolul creatorului modului de a vedea un nou tip de lume a început să fie atribuit artistului.

Cubismul sintetic

O ramură a mainstream-ului a fost cubism sintetic. Elementele sale au apărut în opera lui Juan Gris, care a devenit un susținător înfocat al cubism din 1911. Această direcție a căutat să îmbogățească realitatea lumii înconjurătoare prin crearea de obiecte de estetică. trăsătură caracteristică cubism sintetic este negația celei de-a treia dimensiuni în pictură și accentul pe suprafața picturală. Textura suprafeței, linia și modelul sunt toate folosite pentru a construi un nou obiect.

a fost nascut cubism sinteticîn 1912. Cu toate acestea, el a început să apară mai activ în lucrările cubiștilor din 1913. Pe pânză au fost lipite diverse contururi de hârtie. Astfel, artiștii au creat un obiect autosuficient, negând reproducerea iluzorie a realității lumii înconjurătoare. Puțin mai târziu, cubiștii au încetat să folosească aplicații în lucrările lor, pentru că li s-a părut că un adevărat artist poate crea combinații bogate fără a folosi hârtie.

cubismul rusesc

In tara noastra cubism combinate cu elemente de futurism de origine italiană. cubofuturism- așa se numește prima fază a cubismului în Rusia. Se caracterizează printr-o simplificare a formelor obiectelor și o înclinație spre abstractizare.

După cum a spus André Salmona, unul dintre cercetătorii de artă contemporană, cubism este o reacție la lipsa formei în impresionism. Dezvoltarea în sine cubism- o consecinţă a ideilor postimpresioniştilor. Impulsul pentru apariția acestei tendințe în pictură a fost dat de artiștii simboliști, care au decis să opună fenomenele semantice intereselor și scopurilor picturale ale impresioniștilor.

În opinia lor, artistul nu ar trebui să imite aspectul lucrurilor în momentul schimbării lor. Este necesar să se creeze forme de natură simbolică pentru întruchiparea ideilor. O astfel de înțelegere a rolului artistului a condus la o analiză a mijloacelor de care stătea la dispoziție pictorului, constatându-le capacitățile. Ca urmare, s-a stabilit idealul artei pur expresive, ale cărei rezultate au devenit acele lucrări care sunt acum atribuite în mod tradițional cubismului.

Sensul cubismului

Cubism a avut cea mai controversată influență asupra artei mondiale. Pe de o parte, artiștii și sculptorii au căutat să-și exprime atitudinea față de viața din jurul lor, care a fost un moment pozitiv în dezvoltarea artei plastice.

Cu toate acestea, se poate spune că cubiștii pur și simplu și-au împrăștiat viziunea asupra vieții și asta a fost tot. La urma urmei, prin anii 20 ai secolului trecut cubism practic a încetat să mai existe. Dar lucrările, de exemplu, ale aceluiași Picasso continuă să trăiască și reprezintă o valoare pentru societatea modernă. Prin urmare, merită luat în considerare impactul pozitiv cubism asupra artei lumii mai semnificativ decât un val de emoții și fantezii pe termen scurt.

ATENŢIE! Cu orice utilizare a materialelor site-ului, un link activ către

Cubismul, ca tendință în arta avangardă, a apărut și s-a dezvoltat în primul sfert al secolului al XX-lea în Franța, precum și în alte țări. J. Braque, P. Picasso, H. Gris sunt considerați reprezentanți ai cubismului francez, care și-a dat numele întregii mișcări (din cubismul francez). Stilul cubism s-a dezvoltat prin realizarea de experimente formale, la prima vedere, pentru a identifica forme geometrice obișnuite, pentru a descompune forme mai complexe în unele simple și, de asemenea, pentru a crea forme tridimensionale pe un plan.

Dacă vorbim despre aspectul istoric, atunci apariția acestui stil datează din 1907, iar începutul curentului în sine este strâns legat de lucrările lui Pablo Picasso și Braque, în timp ce una dintre primele picturi ale lui Picasso „Fetele din Avignon” este atribuită acestui gen. Pânza înfățișează contururi de formă neregulată, fără a aplica principiile de bază ale desenului.

Desenele în stilul cubismului au spart toate stereotipurile dezvoltării artistice care se dezvoltaseră pe parcursul dezvoltării artelor plastice în Europa, începând din perioada Renașterii. Ambii artiști - reprezentanți ai acestui stil - Braque și Picasso au preferat să arate subiecte obișnuite, primitive, ajungând în același timp la tipuri simplificate. Considerând ca sarcina lor principală construcția unui element tridimensional la suprafață, artiștii au fost considerați reprezentanți ai unei forme timpurii de cubism, care a aparținut perioadei „Cezanne”, a cărei apogeu datează din anii 1907-1909. Volumul din picturile din acea perioadă a fost sporit cu ajutorul culorii, în timp ce volume uriașe cădeau vizual pe pânză. Un exemplu izbitor al unei astfel de imagini este tabloul lui P. Picasso „Trei femei”.

O altă perioadă de doi ani în dezvoltarea cubismului a fost numită de critici termenul „cubism analitic”, care se caracterizează prin imaginea lucrurilor zdrobite în particule mici. Aceste particule sunt clar separate unele de altele prin intermediul unor linii, dar, în același timp, întreaga poziție descrisă are un aspect neclar pe pânză. De asemenea, o caracteristică este absența absolută a culorilor pe pânză. Un exemplu în acest sens este desenul lui Braque „În onoarea lui Bach”, scris în 1912. Perioada finală, tot de doi ani, în dezvoltarea cubismului, numită sintetică, diferă de cele două anterioare prin faptul că, în timpul formării sale, picturile se transformă treptat în panouri colorate. Artiștii au încercat să găsească noi obiecte pentru afișare estetică, negând rolul celei de-a treia dimensiuni în lumea artistică. Astfel, în imagine sunt introduse scrisori stencil, poezii de diferite dimensiuni, se realizează colaje, iar formele capătă un efect decorativ pronunțat. În această perioadă, alături de Picasso și Braque, și Juan Gris a început să creeze în stilul cubismului sintetic. Un exemplu de asemenea creativitate a fost tabloul lui P. Picasso „Taverna” din 1924. Odată cu izbucnirea războiului, colaborarea fructuoasă dintre Picasso și Braque s-a crăpat, dar trebuie menționat că lucrările lor au avut un impact uriaș asupra multor alte domenii ale picturii - vorticism, orfism și futurism, de asemenea.

Rezumând tot ceea ce s-a spus, observăm că această direcție a lăsat o amprentă importantă în istoria dezvoltării multor domenii ale artei. În ciuda faptului că acest gen nu și-a găsit întotdeauna admiratorii, a făcut totuși posibil să-i ajute pe cei familiarizați cu o lume atât de controversată a artei să gândească abstract.

În acest articol, v-am povestit despre un astfel de stil precum cubismul. Tablouri în stil cubism pe care le puteți achiziționa de pe site-ul nostru.

Originea cubismului se datorează în mare măsură faptului că arta clasică era în criză. Căutarea unei noi forme de afișare a sentimentelor și emoțiilor a făcut posibilă găsirea unui nou mod și metodă în pictură și a făcut posibilă privirea creativității într-un mod nou.

Apariția cubismului, împreună cu impresionismul și suprarealismul, a fost o încercare de a privi pictura dintr-un unghi nou și de a revizui ceea ce fusese creat înainte.

Originile cubismului

Originile cubismului strâns asociat cu celebrul Pablo Picasso.

Cubismul lui Picasso a fost inspirat de interesul artistului pentru sculptura primitivistă africană. A devenit interesat de ea la începutul anilor 1907-1908. Formele tăiate de artă africană au consolidat dorința lui Picasso pentru o generalizare abstractă a imaginilor, astfel încât el poate fi considerat precursorul cubismului ca stil. Primul tablou cubist a fost Fecioarele din Avignon, pictat în 1907.

Această lucrare a fost prima personificare a principiului de bază al cubismului. Picasso, creând această lucrare, s-a oprit cu „convențiile realismului optic” și a renunțat la natura și a abandonat perspectiva și clarobscurul.

Ziua de naștere a cubismuluiîn artă ei consideră întâlnirea lui Picasso și tânărul artist Georges Braque.

S-a întâmplat cu participarea poetului Guillaume Apoliner, care l-a invitat pe Braque în studioul lui Picasso. Picasso și Braque au devenit fondatorii cubismului, iar înainte de Primul Război Mondial au lucrat activ unul cu celălalt, creând în același timp istoria cubismului.

De-a lungul timpului li s-au alăturat mulți alți tineri poeți și pictori din Montmartre. În acea perioadă, un grup care s-a alăturat lui Picasso și Braque și este cunoscut sub numele de „Bato Lavoir” a proclamat nașterea unei noi direcții în artă, care și-a primit curând numele.

Termenul „cubism” a fost inventat de criticul francez Louis Vexel.

Curând s-a așezat.

Strămoșii cubismului Baza muncii lor a fost descompunerea obiectelor pe un plan, precum și o combinație diversă a acestor planuri în spațiu. Ei au refuzat să transmită realitatea folosind perspectiva liniară standard și mediul culoare-aer. Ei credeau că pot obține un efect artistic interesant prin alternarea planurilor și au susținut principiul că modul analitic de înțelegere a realității permite să dezvăluie mai profund esența anumitor fenomene. Mulți reprezentanți ai cubismului au folosit o abordare interesantă atunci când au creat picturi cubiste, care a constat în faptul că același obiect este reprezentat în același timp din mai multe puncte de vedere - acest lucru a permis o analiză versatilă atunci când se ia în considerare subiectul.

artiști cubiști

Alexander Archipenko, Gino Severini, Georges Braque, Lyubov Popova, Marevna, Natan Altman, Osip Zadkine, Pablo Picasso, Rafael Zabaleta, Richard Linder, Roger de la Frenay, Fernand Léger, Juan Gris, Yuri Annenkov, Yannis Moralis.

Artiștii cubiști au limitat în mod intenționat utilizarea paletei de culori. Picturile cubiste par cu adevărat a fi limitate la culoare, deoarece tonul picturilor cubiste este redusă la gri, negru și, de asemenea, maro. Excluzând sistemul de culori, cubismul în artă se distinge și prin faptul că picturile cubiste sunt comparații ale diferitelor planuri și suprafețe geometrizate cu o asemănare foarte îndepărtată cu originalul. Fondatorii cubismului nu au considerat forma de artă a fi pe deplin corelată cu cea reală, prin urmare, obiectele de pe pânzele cubismului par mai abstracte.

Cubismul în pictură nu este doar o imagine a unui obiect, este o imagine a unui obiect care este distrus mental și recreat în mintea artistului.

Cel mai adesea, obiectele de pe pânze în stilul cubismului pierd complet contactul cu prototipurile lor reale și se transformă în simboluri abstracte, care sunt percepute, se pare, sunt disponibile doar pentru un singur autor.

Dacă vorbim despre cubismul lui Pablo Picasso, trebuie menționat că picturile cubiste ale lui Picasso nu au fost singura direcție în opera sa. Cubismul lui Picasso a înlocuit interesul pentru impresionism în opera sa și s-a transformat ulterior într-o viziune suprarealistă asupra lumii.

Stilul cubismului a exprimat o influență imensă asupra dezvoltării picturii, a schimbat ideea artiștilor despre cum să transmită textura, volumul și spațiul.

Dacă vorbim despre cubismul rus, trebuie înțeles că dezvoltarea acestei direcții în această țară a mers într-un mod ușor diferit față de țările europene. Lucrările lui Chagall, Malevich, Archipenko, Altman și Lentulov sunt adesea atribuite cubismului rus, cu toate acestea, lucrările lor pot fi luate și ca exemplu de alte tendințe în artă.

Fără îndoială, cubismul în pictură a produs un șoc extraordinar. El a fost cel care a deschis calea creativității abstracte, a oferit publicului ocazia de a interpreta simbolurile care sunt descrise în lucrările cubiștilor. Cubismul în pictură a pregătit conștiința de masă a spectatorilor și artiștilor, servind drept bază pentru dezvoltarea unor mișcări de artă abstractă precum futurismul, constructivismul și multe altele.

cubism cubism

(cubisme francez, de la cub - cub), o tendință modernistă în artele vizuale (în special în pictură) din primul sfert al secolului al XX-lea. Apariția cubismului este atribuită anului 1907, când P. Picasso a pictat tabloul „Fetele din Avignon” (Muzeul de Artă Modernă, New York), neobișnuit prin grotescitatea sa ascuțită: aici sunt înfățișate figuri deformate, grosolane, fără niciun element de clarobscur. și perspectivă, ca o combinație de descompuse pe planul volumului. În 1908 s-a format la Paris grupul Bato Lavoir (Barca cu plută), care includea Picasso, J. Braque, spaniolul X. Gris, scriitorii G. Apollinaire, G. Stein și alții.principiile de bază ale cubismului erau Un alt grup, care a luat naștere în 1911 la Puteaux lângă Paris și s-a conturat în 1912 la expoziția „Sexión d’or” („Secțiunea de Aur”), a inclus popularizatori și interpreți ai cubismului - A. Gleizes, J. Metsenger, J. Villon, A. Le Fauconnier și artiști care au intrat doar parțial în contact cu cubismul - F. Leger, R. Delaunay, ceh F. Kupka Cuvântul „cubiști” a fost folosit pentru prima dată în 1908 de criticul francez L. lumea în forma combinațiilor de volume geometrice regulate (cub, bilă, cilindru, con).

Cubismul, născut în condițiile unei crize acute a culturii burgheze în epoca imperialismului, a marcat o ruptură decisivă cu tradițiile artei realiste. În același timp, opera cubiștilor avea natura unei provocări la adresa frumuseții standard a artei de salon, alegorii vagi ale simbolismului și fragilitatea picturii impresionismului târziu. Reducând la minimum, și adesea abandonând complet funcția figurativă și cognitivă a artei, încercând să-și construiască lucrările dintr-o combinație de forme elementare, „primare”, reprezentanții cubismului s-au orientat spre construirea unei forme tridimensionale pe un plan, disecând un volum real pe un corp geometrizat, deplasat, intersectându-se.prieten, văzut din diferite puncte de vedere. Intrând în cercul mișcărilor burghezo-individualiste rebele, cubismul s-a remarcat printre acestea prin gravitația sa către asceza aspră a culorii, către forme simple, grele, palpabile, spre motive elementare (cum ar fi o casă, un copac, ustensile etc.) . Acest lucru este caracteristic mai ales stadiului timpuriu al cubismului, care a luat contur sub influența picturii lui P. Cezanne (expoziția sa postumă a avut loc la Paris în 1907) și a sculpturii africane. În această perioadă „Cezanne” a cubismului (1907-09), geometrizarea formelor pune accentul pe stabilitatea, obiectivitatea lumii; volume fațetate puternice par a fi așezate dens pe suprafața pânzei, formând un fel de relief; culoarea, evidențiind fațetele individuale ale obiectului, sporește și zdrobește volumul (P. Picasso, „Trei femei”, 1909, GE; J. Braque, „Estac”, 1908, Muzeul de Artă, Berna). În următoarea etapă „analitică” a cubismului (1910-12), obiectul se dezintegrează, este zdrobit în mici fațete, care sunt clar separate unele de altele; forma subiectului, parcă, se întinde pe pânză (P. Picasso, „A. Vollard”, 1910, Muzeul Pușkin; J. Braque, „În onoarea lui J. S. Bach”, 1912, colecție privată, Paris). În ultima etapă, „sintetică” (1912-14), principiul decorativ învinge, iar tablourile se transformă în panouri plane colorate (P. Picasso, „Chitară și vioară”, 1913, GE; J. Braque, „Femeie cu un Chitară”, 1913, Muzeul Național de Artă Modernă, Paris); există un interes pentru tot felul de efecte texturale - autocolante (colaje), pulberi, structuri volumetrice pe pânză, adică respingerea imaginii spațiului și volumului este, parcă, compensată de construcții materiale în relief în spațiul real. În același timp, a apărut sculptura cubistă cu geometrizarea și schimbările ei de formă, construcții spațiale pe plan (compoziții și ansambluri non-picturale - sculpturi din materiale eterogene de Picasso, lucrări de A. Laurent, R. Duchamp-Villon, reliefuri geometrizate și figuri de O. Zadkine, J. Lipchitz, contrareliefuri concave de A. P. Archipenko). Până în 1914, cubismul a început să lase loc altor tendințe, dar a continuat să influențeze nu numai artiștii francezi, ci și futuriștii italieni, cubo-futuriștii ruși (K. S. Malevich, V. E. Tatlin), artiștii germani ai Bauhaus (L. Feininger, O. Schlemmer). Cubismul târziu s-a apropiat de arta abstractă („cubismul abstract” de R. Delaunay), în același timp, unii maeștri majori ai secolului XX, care au căutat să dezvolte un limbaj artistic expresiv laconic modern, au trecut prin pasiunea pentru cubism, depășind influența sa, - mexicanul D. Rivera, cehii B Kubista, E. Filla și O. Gugfreind, italianul R. Guttuso, polonezul Yu. T. Makovsky și alții.

P. Picasso. „Doamnă cu evantai”. 1909. Muzeul de Arte Plastice Pușkin. Moscova.

Literatură: M. Lifshitz, L. Reinhardt,. Cubismul, în cartea: Modernism, ed. a III-a, M., 1980; Der Kubismus, Köln, (1966); Alexandrian S., Panorama du cubisme, P., 1976.

(Sursa: „Popular Art Encyclopedia.” Editat de Polevoy V.M.; M.: Editura „Soviet Encyclopedia”, 1986.)

cubism

(Sursa: „Art. Modern Illustrated Encyclopedia.” Sub conducerea Prof. A.P. Gorkin; M.: Rosmen; 2007.)

Vedeți ce este „cubismul” în alte dicționare:

Una dintre primele tendințe în arta avangardă. Anul originii este considerat a fi 1907, când Picasso și-a expus software-ul cubist. pictând „Fecioara din Avignon”, iar puțin mai târziu Căsătoria „Nudul” său. Numele K. a fost dat direcției către ...... Enciclopedia de studii culturale

Cubism- Cubismul. P. Picasso. Portretul lui A. Vollard. 1910 Moscova. Muzeul de Stat de Arte Frumoase. LA FEL DE. Pușkin. CUBISM (cubisme francez, de la cube cub), o mișcare de avangardă în artele vizuale din primul sfert al secolului al XX-lea. Dezvoltat… Dicţionar Enciclopedic Ilustrat

O direcție în pictură care își are originea în Franța în jurul anului 1908, care poate fi considerată ca o reacție la impresionism (vezi acest cuvânt) cu atracția sa față de completitatea luminoasă a tabloului, din care s-a pierdut claritatea detaliilor obiectelor individuale, cum ar fi ... Enciclopedia literară

Cubism- CUBISM O direcție în pictură care își are originea în Franța în jurul anului 1908, care poate fi considerată ca o reacție la impresionism, (vezi acest cuvânt) cu atracția sa față de completitudinea luminii a imaginii, de la care claritatea detaliilor individuale .. ... ... Dicţionar de termeni literari

- [fr. cubisme] claim. mișcare de avangardă (avangardă) în artele plastice de la începutul secolului al XX-lea; cubiștii au descompus obiectul în fețe plate sau l-au asemănat cu cele mai simple corpuri ale unei mingi, conuri, cub. Dicționar de cuvinte străine. Komlev N.G., 2006... Dicționar de cuvinte străine ale limbii ruse

- (cubisme francez din cub cub), mișcare de avangardă în artele vizuale din trimestrul I. Secolului 20 Dezvoltat în Franța (P. Picasso, J. Braque, H. Gris), în alte țări. Cubismul a adus în prim-plan experimentele formale de design ...... Dicţionar enciclopedic mare

CUBISM, cubism, pl. fără soț. (din cub1) (revendicare.). O direcție în pictură (parțial în alte arte) la începutul secolului al XX-lea, înfățișând obiecte ale realității descompuse în forme geometrice simple, fără a observa asemănarea exterioară cu ... ... Dicționar explicativ al lui Ushakov

CUBISM, a, soț. În artele vizuale de la începutul secolului XX: tendința formalistă, adepții căruia au reprezentat lumea obiectivă în forme geometrice simple (cub, con, fețe). | adj. cubist, oh, oh și cubist, oh, oh... ... Dicționar explicativ al lui Ozhegov

cubism- a, m. cubisme cub. Tendință formalistă de avangardă în artele plastice europene timpurii. Secolului 20; într-un efort de a dezvălui structura geometrică a volumului, cubiștii au descompus obiectul în fețe plate sau l-au asemănat cu cele mai simple corpuri... Dicționar istoric al galicismelor limbii ruse

Pablo Picasso, Fecioarele din Avignon, 1907 Cubism (fr. Cubisme) modernist ... Wikipedia

	Introducere
	„Fetele din Avignon” ca început al cubismului
	Dezvoltarea cubismului ca una dintre tendințele în artă
	Principiile artistice de bază ale cubismului
	Perioadele de dezvoltare ale cubismului și caracteristicile lor
	Influența cubismului asupra artei secolul XX
	Concluzie
	Aplicație

Introducere

Secolul al XX-lea a fost marcat de multe inovații în artă și literatură asociate cu schimbări catastrofale în mintea publicului în timpul revoluțiilor și războaielor mondiale. Noile condiții ale realității sociale au avut impact asupra întregii culturi artistice în ansamblu, pe de o parte, dând un suflu nou tradiției clasice, iar pe de altă parte, dând naștere unei noi arte - avangardă, sau modernism. , care reflecta cel mai pe deplin chipul vremurilor.

În esență, termenul „modernism” se referă la tendințele artistice, curentele, școlile și activitățile maeștrilor individuali ai secolului XX, care au abandonat fosta formă picturală, au rupt conceptul de stil ca fiind integritatea formei, spațiului, planului, culorii. și au proclamat libertatea de exprimare ca bază a metodei lor creative.

Cultura artistică a cunoscut o despărțire grandioasă în mișcări puternic diferite, fără precedent până acum. Au apărut forme care sunt absente în natură și inerente doar art. Arta plastică s-a îndepărtat de „copierea naturii”: s-a pus accentul pe crearea unei forme care să reflecte latura spirituală a naturii, invizibilă și, prin urmare, de nedescris. În aceste mișcări artistice tulburi și numeroase se pot distinge mai multe principale: fauvism, expresionism, abstractivism, futurism, cubism, suprarealism, purism, orfism, constructivism și altele.

S-a format unul dintre curentele modernismului cubismîn primul deceniusecolul XX. Cubiștii au pornit de la credința că toate obiectele și fenomenele, inclusiv omul, pot fi descrise ca o sumă de figuri geometrice. La fel ca expresioniştii, ei au abandonat spaţiul iluzoriu, punând în fruntea operei lor structura strictă a obiectului, prezentat în plan din diferite puncte de vedere. Reprezentanții săi Pablo Picasso, Georges Braque, Fernand Leger, Robert Delaunay au profesat o adevărată pasiune pentru experimentare, căutarea unor noi mijloace și tehnici expresive. Ei au luptat pentru o reînnoire radicală a limbajului artistic. Arta pentru ei a acționat ca o creație de forme plastice înzestrate cu existență și sens independent.

Se crede că apariția cubismului a fost rezultatul influenței asupra viziunii asupra lumii a fondatorilor săi Picasso și Braque, adus apoi în Europa de sculptura africană. Când ne-am familiarizat cu acesta, a fost împrumută ideea simplificării obiectelor la formele geometrice ale unei bile, cilindru, prismă, cub. Prin urmare, munca lor a fost numită în derizoriu „arta cuburilor”. Lumea pe care ei au creat-o în lucrările lor era fațetă și unghiulară.

Relevanța subiectului.Cubismul este una dintre mișcările artistice semnificative ale modernismului care a influențat arta întregului secol XX. Mijloacele sale specifice nu se bazează pe imitarea obligatorie a naturii. Lumea exterioară este doar un imbold pentru exprimarea individualității creatorului. Respingerea unei imitații plauzibile a lumii înconjurătoare a deschis artistului oportunități incredibil de largi. Arta a avut ocazia să rămână vie și relevantă într-o lume în care imaginile picturale devin din ce în ce mai accesibile și nu necesită anumite canoane.

Este foarte important ca o persoană modernă să înțeleagă opera cubiștilor, nu numai pentru că a determinat natura artei europene a secolului XX, ci și pentru că, dezvoltându-se pe parcursul a șapte decenii, de la începutul secolului și aproape până la În final, a fost un catalizator și un reflector al ideilor sale filozofice și estetice, o reflecție a unui artist strălucit despre rupturile și contradicțiile acestui secol inuman.

Un artist minunat, dar greu de înțeles, ține privitorul în tensiune intelectuală și spirituală tot timpul. Mergând spre picturile cubismului din muzeu, privitorul trebuie să aibă un anumit stoc de cunoștințe estetice și filozofice pentru a continua în muzeu nu doar descoperirea lumii picturilor cubiste, ci și crearea propriei lumi interioare. Când se întâlnește cu cubismul, precum și cu lucrările picturii occidentale în general, privitorul creează obiecte virtuale, ideale, extinzând astfel câmpul conștiinței sale și îmbogățindu-l calitativ. Culturologii au numit acest fenomen „nou simț estetic”.

Scopul lucrării de curs este de a studia cubismul, cauzele apariției acestuia.

Pe baza scopului, în cadrul cursului este necesar să se rezolve următoarele sarcini:

Dezvăluie n premisele apariţiei cubismului şi impactului său socio-psihologic asupra societăţii;

Să dezvăluie rolul părinților cubismului;

Explorează principiile artistice de bază ale cubismului;

Luați în considerare perioadele cubismului și caracterizați-le;

Explorați experiența societății cu privire la o nouă percepție a lumii

Identificați semnele influenței cubismului asupra artei secolul XX.

La redactarea unei lucrări de termen, s-a folosit literatura educațională și științifică despre istoria artei și studiile culturale.

Gradul de studiu al temei: o analiză științifică a tehnicilor picturale și tehnice ale cubismului este luată în considerare în cartea „Despre cubism” (autori Jean Metzinger, Albert Gleizes).

Structura lucrării de curs constă dintr-o introducere, 2 capitole, o concluzie și o listă de referințe. Primul capitol descrieapariţia cubismului ca mişcare artistică în artă. Al doilea capitol se ocupă dedezvoltarea cubismului ca una dintre principalele tendințe în artăPictura vest-europeană secolul XX.

1 Apariția cubismului ca mișcare artistică în artă

1.1 Condiții preliminare pentru apariția cubismului și impactul său socio-psihologic asupra societății

De la mijlocul secolului al XIX-lea, o abatere de la dominanta la acea vreme în pictorialarta tradiţiei naturalistice se accelerează rapid. Pictura, grafica,sculptura se referă la ceea ce este inaccesibil directului („literal”)redare. Dezvoltarea de noi mijloace vizuale, străduindu-se pentrutipificarea, exprimarea sporită, crearea de simboluri universale, formulele plastice comprimate vizează, pe de o parte, afișarealumea interioară a unei persoane, starea sa (mentală, emoțională), cucelălalt pentru a spori expresivitatea, informativitatea structurii „corporale”.lucruri, actualizând viziunea lumii obiective până la sarcina de a crea„fapt pictural independent”, construcție„noua realitate”.

Ultima expoziție a impresioniștilor din 1886 marchează sfârșitul clasiculuiperioada artei europene. Din acel moment în europeanpictura, unul după altul, se nasc numeroase curente, existând mai mult decâtsau un timp mai scurt: art nouveau, expresionism, neoimpresionism,Pointillism, Simbolism, Cubism, Fauvism.

„În anarhia valorilor emoționale de la sfârșitul secolului trecut”, scria austriaculpictorul Wolfgang Paalen, oameni care s-au orientat spre artă ca ultimiirefugiu, începeți să înțelegeți că și natura intrinsecă a lucrurilor estesemnificative, cât și externe. De aceea, Seurat, Cezanne, Van Gogh și Gauguindeschide o nouă eră în pictură: Seurat cu efortul său pentru structuralunitate, la o metodă obiectivă, Van Gogh cu culoarea sa, care înceteazăjoacă un rol descriptiv, Gauguin transcende cu îndrăzneală estetica occidentală șiîn special Cezanne prin rezolvarea problemelor spaţiale”. paalen comprimata caracterizat cele mai importante etape ale procesului artistic, directcare a precedat descoperirea artei primitive şi punctul de cotitură careconturată în arta europeană în jurul anului 1907.

1907 este considerat un punct de cotitură în raport cu tradiționalul, în primul rândArta africană, în același timp este o piatră de hotar din care provinultimele tendințe ale artei. 1906 Moartea lui Cezannemarchează începutul unei influenţe deosebit de profunde asupra unei întregi generaţiiartiștilor. Mai târziu această perioadă a fost numită de către istoricii de artă„Cezanne” sau „Negru”.

Analizând opera lui Cezanne și în special cele mai recente lucrări ale sale, în careel se apropie cel mai mult de a rezolva problemele spațiale stabilite,comparându-le cu cele mai caracteristice exemple de sculptură africană,care sunt uneori exemple ideale de implementare a acestor soluții spațiale,se poate spune cu siguranţă că opera lui Cezanne a devenit ultimași, poate, decisiv într-o serie de factori care ne-au forțat să aruncăm o privire nouă asupraarta primitiva.

Greutatea tangibilă a imaginilor pe care Cezanne a căutat să le realizeze, încercând să pătrundă în esența lucrurilor și fenomenelor prin identificarea structurilor ritmice, geometrice și a afișa această esență, este, în general,recunoașterea, principala calitate a materialelor plastice africane. Astfel, creativitateaCezanne, care a fost rezultatul logic al tuturor dezvoltării anterioarePictura europeană, într-un sens apropiată de opera lui Van Gogh,Gauguin și Seurat, au jucat un rol decisiv în crearea condițiilor obiective, cucare arta africană a fost inclusă în procesul artistic mondial.

Vine un moment compatibilitate: sistemul estetic străin nu este doar recunoscut, ci și „pus în serviciu” de practica artistică. Mai mult, arta primitivă însăși a devenit un instrument de descoperire și aceasta este esența profundă a procesului luat în considerare. A deschis ochii artiștilor care au descoperit, acolo unde se așteptau mai puțin, un nou sistem de valori artistice, fundamental diferit de cel pe care l-a urmat arta europeană timp de mii de ani.

Astfel, conceptul de cubism s-a bazat pe cultura „păgână”, care la un moment dat a adus la viață arta antichității, iar mai târziu a dat noi lăstari în Renaștere. Ea a eliberat creativitatea artistică de lejeritatea salonului, a returnat-o la dezvăluirea esenței lucrurilor și fenomenelor, făcând din artă, în conformitate cu tendința vremii, un instrument de cunoaștere. În manifestările sale succesive, noua tendință, numită convențional „cubism”, a dezvăluit publicului structuri care, parcă, expun scheletele obiectelor.

Sentimentele privitorului, care s-a trezit la expoziție în fața picturilor cubiștilor, pot fi comparate cu sentimentele unei persoane care era pe cale să facă o călătorie plăcută, dar a primit în schimb o invitație de a participa la trasarea unor noi drumuri.

Reacția publicului a dovedit că trecerea într-o nouă direcție s-a petrecut cu salturi, în ciuda lungii perioade pregătitoare, în care publicul metropolitan european ar fi trebuit să-și extindă semnificativ orizonturile. După recunoașterea lui Van Gogh, nu a mai fost posibil să se considere scrisul neted și culoarea naturalistă ca o condiție indispensabilă pentru „buna pictură”; viața și opera lui Gauguin a atras atenția asupra culturilor „primitive” și i-a învățat să-și vadă nu atât imaturitatea, cât și starea lor calitativ diferită, ceea ce sugera o mulțime de lucruri valoroase și instructive; Lucrarea lui Seurat a fost un exemplu al posibilității de a folosi metode științifice pentru rezolvarea problemelor artistice; în cele din urmă, metoda creativă a lui Cezanne, în special tehnica ultimelor sale lucrări, care este atât de apropiată de tehnica lucrărilor cubiste timpurii ale lui Braque, părea să contribuie, dacă nu la înțelegere, atunci cel puțin la recunoașterea dreptului de a exista. a acestui experiment, care este numit cel mai îndrăzneț din istoria artei. Și totuși, opera lui Braque, ca și opera ulterioară a cubiștilor, a fost respinsă de juriu și a devenit multă vreme ținta criticilor și subiect de scandal pentru publicul larg.

O nouă tendință în artele vizuale și literatură, născută în epoca descoperirii „lartului negre” și strâns asociată cu aceasta, desigur, nu a fost singurul creuzet în care a fost creată fuziunea unei noi culturi artistice. .

Legătura cubismului cu descoperirea sculpturii africane este evidentă. Deși întrebarea cine este descoperitorul sculpturii africane rămâne discutabilă, nimeni nu se îndoiește de faptul că lecția ei a fost percepută mai întâi de tânărul, dar deja destul de faimos la acea vreme, pictor spaniol Pablo Picasso.

Cubismul este considerată cea mai puternică mișcare de artă de la Renașterea italiană. Această mișcare de avangardă a revoluționat pictura și sculptura europeană la început XX secole. Marea tentație pentru artiști a fost știința, ca domeniu neafectat de criză. Asemenea oamenilor de știință care lucrează în laboratoarele lor, artiștii s-au adâncit în atelierele lor, s-au cufundat în lumea cuvintelor, a sunetelor, a formelor. Poate că acesta s-a dovedit a fi un mod mai eficient de a participa la viața înconjurătoare decât o reflectare realistă a acesteia. Prin urmare, obsesia artiștilor cubiști pentru căutarea formelor capătă o importanță atât de mare.

Un alt stimul pentru apariția cubismului a fost interesul artiștilor pentru arta care nu a fost afectată de criza civilizației, în care există ceva „transpersonal”. Într-o astfel de artă, ei au găsit integritatea, natura organică a conștiinței artistice, imediatitatea naturală a actului creator. Dorința artiștilor de a atinge „originile” a fost alimentată atât de descoperirile moderne din domeniul subconștientului, cât și de o tendință către intuiționism în filosofie..

Apariția cubismului a fost o reacție firească la naturalismul impresionismului și o etapă firească în dezvoltarea tendințelor analitice ale postimpresionismului. Impulsul direct pentru formarea metodei vizuale a cubismului a fost expunerea picturilor lui Cezanne în „Salonul de toamnă” din 1904 la Paris. Ceea ce au făcut impresioniștii cu pictura, înlocuind forma și compoziția cu un joc de lumini, culori și reflexii, nu i-a mulțumit pe mulți. Cezanne a fost primul care a simțit că această cale duce la o fundătură a lipsei de obiect și a subiectivismului. De aceea a scris cuvintele pe care tinerii artiști cubiști și-au făcut motto-ul: „Interpretează natura printr-un cilindru, o minge, un con...”.

Formarea cubismului ca o anumită tendință în artă a fost facilitată și de prima expoziție a fauviștilor din 1905. În 1907, tânărul Picasso și-a pictat faimoasa pictură, una dintre lucrările programului cubismului, Fecioarele din Avignon, care a provocat un scandal puternic. Criticii l-au numit „un semn pentru un bordel”. Figurat vorbind, dacă mai devreme clădirea a fost construită cu ajutorul schelelor, atunci P. Picasso și asociații săi au început să demonstreze că artistul poate părăsi schela și înlătura clădirea în sine, astfel încât toată arhitectura să fie păstrată în schele..

Lucrările cubiste au fost expuse pentru prima dată în 1908 la Salon des Indépendants. O expoziție de grup a cubiștilor a avut loc în 1911. În primul rând, grupul include Pablo Picasso, Georges Braque, Jean Metzinger, Albert Gleizes, Fernand Léger, Robert Delaunay, Marcel Duchamp și alții. În 1911-1912, Picasso și Braque au pictat o serie de compoziții predominant ovale, pline cu o uimitoare ligatură densă de forme zdrobitoare, pătrunzând unele în altele, translucide, contopindu-se, scăpând. Printre ele, ochiul prinde marginile paharelor de sticlă, stropi de evantai, răsucirea de scoici, cifre, litere, note. Un univers în miniatură. Ovalele lui Picasso și Braque dau privitorului senzația că „se întâmplă ceva” la nesfârșit în imagine.

Prima expoziție colectivă cubistă a avut loc în 1911 la Salon des Indépendants, unde Sala a 41-a Cubistă a făcut senzație. Deosebit de distinse au fost lucrările lui Metzinger, Gleizes, The Young Girl de Marie Laurencin, The Tower de Robert Delaunay, Abundance de Le Fauconnier. Realizările cubismului au fost stimulate de colaborarea lui Braque și Picasso, care au lucrat îndeaproape unul cu celălalt timp de șapte ani. Un astfel de dialog i-a ajutat să înțeleagă și să exploreze tehnica imaginii iluzioniste.

1.2 Pablo Ruiz Picasso și Georges Braque ca părinți ai cubismului

Opera lui Pablo Picasso (1881-1973) pătrunde în întregime secolul XX.

Pablo Ruiz, care a schimbat ulterior numele de familie al tatălui său, care era prea comun în Spania, cu numele de familie rar al mamei sale, Picasso, s-a născut pe 25 octombrie 1881 la Malaga. Tatăl său, José Ruiz Blasco, profesor de desen la școala locală de arte și meserii, a devenit primul profesor al lui Pablo.. Anii petrecuți la Academia de Arte Frumoase din San Fernando din Madrid (1897-1898) au marcat o îndepărtare de la academicism și un apel la pictura vechilor maeștri, ale căror lucrări le-a studiat în Prado. În 1900 a venit pentru prima dată la Paris. Aceasta a fost o etapă decisivă în opera lui Picasso, care a devenit impulsul pentru căutări ulterioare. . În perioada 1900-1902. Picasso a venit la Paris de trei ori, iar în aprilie 1904 s-a mutat în cele din urmă acolo.

În toamna anului 1901, Picasso pornește pe o nouă cale, numită „perioada albastră” (1901-1904). În picturile lui Picasso, imaginile cerșetorilor, proscrișilor, purtându-și nenorocirea ca alegere, variază de multe ori. Pe la mijlocul anului 1901, experimentelor compoziționale s-a adăugat o dorință din ce în ce mai distinctă pentru o paletă nerealistă, în moderarea sa înclinând spre monotonia nuanțată. Picasso reproduce gurmanzii coloristici și texturali ai impresionismului târziu.

Moravia consideră că monocromul este pasul cel mai decisiv al lui Picasso către „maniera”, spre „indiferența experimentală față de bogăția și complexitatea unei viziuni autentice asupra lumii”. Unicolor înseamnă simplificare, stilizare, unificare, indică o idee pur formală a lumii „idee colorată”. Și nu este vorba despre predominarea unei singure culori, așa cum sa întâmplat cu culoarea verde în opera lui El Greco. Vorbim despre „imersia” lumii într-o singură tonalitate, despre apariția dintre ochiul artistului și lumea ochelarilor iluzorii. De fapt, lumea nu este albastră - lumea este săracă, asuprită, flămândă, săracă, nefericită, așa cum recunoaște în mod obiectiv Picasso însuși în picturile sale din această perioadă. Dar este albastrul care neagă sărăcia și foamea chiar în momentul în care artistul le reprezintă. Mai mult, această culoare afirmă voința și dorința lui Picasso de a-și pune în prim plan vitalitatea generală cu ajutorul unei culori totalitare și demiurgice.

„Fata pe minge” este cel mai simbolic tablou al „perioadei albastre” și unul dintre cele mai atractive tablouri ale sale. Contrastul dintre fragilitatea grațioasă a unui acrobat care se echilibrează pe o minge și umerii uriași și picioarele masive ale unui atlet așezat pe un cub atrage atenția. Picasso este interesat de relația dintre aceste două figuri, cărora le atașează un sens misterios, simbolic, cu totul aparte, departe de orice generalizare senzuală. Aceasta este relația dintre vitalitatea aeriană a acrobatului și vitalitatea complet pământească a sportivului.

Următoarea perioadă de căutare a lui Picasso este numită în mod obișnuit „perioada roz” (1905-1906). Tonuri delicate de înflorire pătrund în gama albăstruie crepusculară. În acest moment apar imagini cu îndrăgostiți, mame cu copii. Formele îngheață treptat din ce în ce mai mult în plan și capătă limite rectilinii, Picasso s-a apropiat din ce în ce mai mult de o anumită schematizare.

În lucrările sale timpurii, se dezvăluie capacitatea lui Picasso de a percepe cu viață influența impresioniștilor, Van Gogh, Toulouse-Lautrec și a artiștilor grupului Nabis. El continuă linia înfățișării comediei triste a vieții în imaginile artiștilor de circ și bufoanelor, caracteristice culturii franceze.

În 1907, a existat un punct de cotitură în opera lui Picasso. Se îndreaptă spre cubism. Sarcina principală a artei sale este construcția volumelor geometrice sau descompunerea speculativ-analitică a acestor volume în suma componentelor și a planurilor comparabile. „Fetele din Avignon” (1907) una dintre cele mai faimoase, dar nu cea mai bună dintre pânzele sale. Există o ruptură cu tradițiile, dar nu există integritate interioară. Există urme de influențe: reliefuri asiriene, măști africane. Și din figurile din dreapta, cu capetele lor morții întoarse, plantate pe corpuri de teracotă roz, respiră deja oroarea ritualurilor sălbatice. Aici Picasso refuză efectul iluzoriu al picturii, creată cu ajutorul perspectivei, clarobscurului, texturii și încearcă să transmită trei dimensiuni într-un plan fără a perturba senzația vizuală a unui plan. Acesta este principiul mozaicului sau vitraliului. Aici au fost deja puse bazele conceptului de cubism. Defectele formelor unghiulare, contrastele de culori plictisitoare, amurgul general al culorii în multe lucruri ale lui Picasso transmit anxietatea și entuziasmul artistului.

În „Portretul lui Vollard” (1910), toate liniile principale duc la față. Atât fundalul, cât și personajul nu diferă nici ca textură, nici ca spațiu. Există un truc magic în acest portret: dacă privești de la o anumită distanță, atunci toate planurile, colțurile, marginile sunt ascunse, chipul apare puternic modelat plastic și viu..

Din 1914, Picasso produce lucrări din ce în ce mai realiste. Acestea sunt naturi moarte: un compot cu banane și mere, arlechini. În acest moment, Picasso a creat costume pentru producțiile inovatoare ale trupei de balet Diaghilev, inclusiv baletul „Parada” pe muzica lui Satie. În Europa postbelică, există o dorință tot mai mare de a ne baza pe ceva etern, de neclintit. Picasso are elemente de neoclasicism. În pânzele lui apar femei ghemuite, cu brațe scurte, cu trăsături regulate. („Trei femei la fântână”, „Sursa”). În 1918, Picasso se căsătorește cu balerina rusă Olga Khokhlova și au un fiu. Desigur, tema maternității ocupă un loc important în opera artistului din anii 1920.

Anii 1920 și 1930 se caracterizează printr-o tranziție către compoziții suprarealiste. Respingând construcțiile cubiste, el creează imagini bazate pe deformarea expresivă a corpului uman, distorsionând foarte mult aspectul uman. El poate scrie aceeași femeie perfectă, angelică, infinit de atrăgătoare și, o zi sau o lună mai târziu, monstruoasă. Acuarelă incongruentă surprinzător de compatibilă „Nud în fundalul peisajului” (1933). Mare, flori, templu și coșmar, fragmentare. Mâna goală trece dintr-o perie într-o aparență de lăbuță blănoasă. („Femeie într-un fotoliu”, 1927, „Artistul și modelul lui”, 1927, „Standing Bather”, 1929).

În 1930, artistul a creat 30 de gravuri pentru Metamorfozele lui Ovidiu în stil clasic, în anii 30. o serie de 100 de gravuri numite „Suita lui Vollard”, în care una dintre imaginile principale este Minotaurul jumătate om, jumătate animal, când jucăuș, când fioros și crud.

După ce a aflat despre distrugerea micului oraș basc Guernica de către aeronavele franciste, Picasso începe să lucreze la pictura „Guernica”, care a fost destinată pavilionului spaniol la Expoziția Mondială din 1937 de la Paris. Panoul simbolizează vremuri noi, moartea în masă, întruchipează tragedia și mânia. Acutezza impactului emoțional se realizează prin ritmul agitat al compoziției, deformările puternice, expresivitatea dramatică a fețelor umane pline de disperare și groază. Pictura în ulei în onas negru, alb și gri a devenit o capodopera recunoscută și un simbol al distrugerii fără sens a războiului. Artista a scris: „Arta este o minciună care ne ajută să înțelegem adevărul”.

În lucrări precum „Masacrul” din 1948, „Războiul din Coreea” din 1952 este exprimată poziția civilă a lui Picasso. Din 1947, Picasso lucrează în centrul producției de ceramică din Franța, Valoris, la sculpturi ceramice, pictură ceramică. În 1946, Picasso a executat o serie de panouri și picturi pentru muzeul din Antibes, care mai târziu a devenit Muzeul Picasso.

În ultimii 30 de ani de opera lui Picasso, el apelează la moștenirea marilor maeștri ai picturii, reîncarnându-le imaginile în picturile sale. Deci, în 1950-1960. a creat trei cicluri dedicate Femeilor din Algeria a lui Delacroix, Prânzul pe iarbă a lui Manet și Las Meninas de Velazquez (44 de versiuni). .

Inspirat de pictura lui Velazquez, Picasso realizează o serie de analize artistice ale compoziției, afișând o mulțime de imaginație. El descompune opera, transformându-i pe eroii în personaje „noi”, fără a pierde atmosfera maiestuoasă. Seria Las Meninas poate fi privită ca un repertoriu al tehnicilor picturale ale lui Picasso, combinând în mod contrastant imagini plane cu nenumărate deformări ale naturii.

Arta lui Picasso s-a născut într-o epocă în care totul s-a mutat din locurile sale obișnuite, toate valorile au fost reevaluate. Arta lui este un sistem deschis, un lanț nesfârșit de metafore.

Georges Braque (1992-1963) s-a născut la Argenteuil la 13 mai 1882. Când băiatul avea opt ani, familia sa s-a mutat în Le Havre. Primele sale lecții de aptitudini profesionale le-a primit de la tatăl și bunicul său, care erau decoratori profesioniști. În 1900, a venit la Paris și, printre colegii săi, a declarat adesea, nu fără mândrie, că a fost „autodidact fără studii academice”.De ceva vreme studiază la Școala de Arte Plastice și absorb ultimele tendințe artistice. Fascinat de arta lui Matisse, în 1906 se alătură fauviștilor și creează o serie de peisaje care par să absoarbă toată puterea soarelui sudic și strălucirea culorilor din Provence. În aceste peisaje, se păstrează reprezentarea tradițională a unui motiv natural, dar puterea explozivă exultante a culorii și expresia plastică conferă imaginilor un caracter aproape cosmic. O trăsătură distinctivă a lucrărilor Căsătoria din această perioadă a fost nu numai o frumusețe decorativă deosebită, ci și o mai mare constructivitate a compoziției decât cea a altor fauviști.

Două evenimente din 1907 au schimbat radical destinul creativ al lui Braque: expoziția Cezanne și întâlnirea cu Picasso.Influența operelor lui Cezanne și Picasso duce la o schimbare radicală a stilului lui Braque. Una dintre cele mai cunoscute lucrări ale sale din această perioadă este pictura „Case în Estaca”. Motivul concret aici este și mai decisiv transformat într-un fel de model al universului în fața noastră, nu este atât o vedere asupra orașului, cât o imagine a creației lumii. Dar, în locul fostelor forme fluide, apar volume puternice geometrizate, o revoltă de culori, o ardere festivă a culorii sunt înlocuite cu o gamă ascetică „Cezanne” de tonuri gălbui-ocru, verde și gri-albastru, iar dinamismul este acum combinat. cu statică de neclintit. Despre „Case în Estaca” Matisse, iar după el unul dintre critici, a folosit expresia „cuburi”, care a dat naștere denumirii unei noi direcții care era destinată să joace un rol atât de important în arta Secolului 20.

De la sfârșitul anului 1909, Braque a lucrat îndeaproape cu Picasso șidupă el intră în perioada „cubismului analitic”. În acea perioadă, a pictat în principal naturi moarte, în care „cuburile” din „Case din Estaca” încep să se despartă în fețe mici care umplu întreaga suprafață a pânzei. Aceste margini au propria lor culoare și direcție, par a fi proeminente, apoi adâncite, luminoase sau întunecate; mișcările picturale moi sunt combinate cu contururi ascuțite. Detaliile obiectelor iau naștere din forme abstracte, dar, în conformitate cu doctrina cubismului, artistul nu înfățișează un obiect, ci caută să transmită suma senzațiilor plastice și a ideilor despre acesta. S-a afirmat, pentru prima dată de la Renaștere, dreptul picturii de a arăta ceea ce nu se vede dintr-un punct de vedere și ceea ce nu se vede deloc. Cu toate acestea, respingerea pictorialismului concret a dus inevitabil la emascularea conținutului figurativ al unui tablou. În fața privitorului erau închise în cadre dreptunghiulare sau ovale, suprafețe coloristice organizate coloristic și ritmic, transmițând aceeași „devenire” abstractă a unei substanțe materiale în mișcare..

Căsătoria a înfățișat obiecte din unghiuri diferite, abandonând astfel perspectiva centrală adoptată anterior în artă. În plus, artistul a transmis obiecte și figuri într-o formă extrem de simplificată: așa că, fără a cunoaște numele tabloului, era greu de ghicit ce era înfățișat pe ea.

La începutul anului 1912, Braque a realizat sculpturi cubiste, construcții din hârtie. Primavara, Picasso, inspirat de ele, realizeaza un colaj.

În vara anului următor, Brak își continuă căutarea și, ca urmare, ajunge la descoperirea unei noi aplicații tematice de hârtie („ cole de hârtie » «Papier Colle»), care îi permite lui Braque să returneze culoarea picturii și „separă clar culoarea de formă și să-și vadă independența completă în raport cu formă”. Aceasta, la rândul său, marchează trecerea la cubismul „sintetic”.

În perioada „cubismului sintetic” Căsătoria, ca și Picasso, se rupe în cele din urmă de „natura” tradițională. Poza nu mai este un „analog” al subiectului, ci un fel de „nouă realitate”. Pe suprafața curată a pânzei, un joc liber de planuri de culoare pictate în culori locale strălucitoare, desene realiste de contur ale obiectelor, inscripții și elemente ale naturii „vie” „încorporate” în compoziție sub forma unui colaj sau a unei imitații pitorești. de bucăți de ziar, tapet, etichete etc. Cu ajutorul acestor tehnici s-au extras nu numai noi efecte decorative, ci s-a creat o senzație generală a vieții unui oraș modern, cu ritmurile și semnele sale documentare și, uneori, un fel. de imagini muzicale („Aria lui Bach”).

După primul război mondial, cubismul a devenit treptat învechit. Metamorfozele sale au arătat perniciozitatea expulzării principiului pictural din pictură. Începând cu anii 1920, Braque a folosit doar anumite elemente stilistice și tehnici ale cubismului și a abandonat tendințele sale abstracte. Dar, la fel ca Picasso și majoritatea celorlalți maeștri moderni, el se bazează pe libertatea dobândită în căutările anterioare pentru a descrie nu numai „vizibilul”, ci și „conceputul”. De acum înainte, arta sa, parcă, echilibrează între natură și lumea interioară a artistului și este, în multe privințe, poezie „obiectivă”. Limbajul pictural folosește „cărări” poetice, impregnate de o spiritualitate aparte, caută să transmită în forme vizibile nu atât aspectul, cât esența interioară a fenomenelor.

În 1914 Brak a fost mobilizat, iar în anul următor a fost grav rănit pe front și externat. Imediat ce i-a permis sănătatea, și anume în 1917, s-a pus din nou pe treabă și imediat după încheierea războiului creează mai multe naturi moarte care demonstrează că viziunea maestrului rămâne cubistă el descompune obiectele în elemente și planuri, rearanjate și parcă. comprimate de ritmuri plastice si decorative stricte.

Alături de naturile moarte, în anii 1920, Braque a pictat portrete și o serie de nuduri, captivante prin plasticitatea lor puternică, amploarea ritmului și frumusețea culorii. Concomitent cu aceste imagini feminine, pentru prima dată, în arta sa apar personaje străvechi - „canefore”, fete cu daruri sacre sub formă de fructe și flori. Spre deosebire de imaginile neoclasice ale lui Picasso, „canefores” lui Braque nu conțin grotescul și îmbină monumentalitatea cu ușurința aproape eterică. Personajele mitologizate trăiesc liber în spațiul picturilor artistului; însăși apariția lor nu este întâmplătoare, se datorează întregii poetici a Căsătorii. În viitor, a revenit în mod repetat la teme antice (un ciclu de ilustrații pentru Hesiod, numeroase litografii, gravuri și lucrări plastice care înfățișează zeități grecești etc.). În chiar stilul picturii lui Braque, cu gama sa de tonuri aurii, maro și negru și liniaritatea rafinată, există ceva în comun cu pictura în vază arhaică.

La începutul anilor 1930, Braque a fost influențat pentru scurt timp de suprarealism (o serie de naturi moarte cu imagini liniar-planare generalizate ale obiectelor și forme iraționale asemănătoare moluștelor). În viitor, pictura sa capătă o nouă amploare poetică și spațială, precum și un rafinament coloristic și liniar deosebit; plină de lumină. La începutul anilor 1930, în Normandia, creează o serie de vederi marine, apoi pictează interioare care adăpostesc mese cu naturi moarte sau femei gânditoare, cu o față și un profil combinate, conturate de un contur sinuos „baroc”. O serie de lucrări sunt dedicate temei „Artistul și modelul său”. Interpretarea ei este lipsită de dramatism și bogăție în Căsătoria de aspecte inerente unor astfel de lucrări ale lui Picasso, în concordanță cu întregul său depozit, Căsătoria subliniază, în primul rând, începutul misterios și contemplativ-liric al creativității. Seria „Atelierelor” sale (1949-1956) aparține aceluiași ciclu, în stratificarea complexă a imaginilor pe care adesea domină pasărea zburătoare - laitmotivul întregii lucrări târzii a artistului. Elcaută să-și unească toate amintirile, toate căutările și toate temele operei sale.
El a întruchipat cu brio eternitatea mișcării artei sub formă de păsări zburătoare și în cele mai bunelucrare monumentală pictând sala etruscilor din Luvru. Munca căsătoriei nu se limitează la pictură și grafică. A creat o sculptură rafinată și expresivă, făcând ecou arhaicul grecesc. Cele mai înalte realizări ale artei aplicate franceze includ vitraliile și bijuteriile sale. Lucrările sale de teatru au devenit și ele clasice - producții ale baletelor lui Diaghilev la Paris în anii 1920.
Lucrările lui Georges Braque sunt unicitatea viziunii sale asupra lumii și a artei, însuși procesul dezvoltării rapide, cu adevărat revoluționare, a artei secolului XX..

1.3 „Fetele din Avignon” ca început al cubismului

În 1905, Picasso a creat celebrele sale serii „Acrobați”, „Fata pe minge”, „Familia de acrobați” și alte compoziții din perioada „roz”, pline de lirism moale, chiar mai detaliat, apropiat de natură decât lucrările anterioare. Ele nu prevestesc acel punct de cotitură în opera artistului, care vine brusc și cu toată ascuțimea sa se manifestă pentru prima dată în compoziția mare „Fetele din Avignon”. Acest tablou a început în 1906 într-un mod destul de apropiat de cele anterioare: un portret al lui Gertrude Stein, „Două femei goale” (ambele picturi au fost pictate în 1906). Dar când a fost terminat, în 1907, nu a mai rămas nimic în el care să-i amintească fostului Picasso de perioada „roz”. Cinci figuri feminine goale, înfățișate în unghiuri diferite, umplând aproape întreaga suprafață a pânzei, parcă cioplite grosier din lemn tare sau piatră. Corpurile sunt extrem de generalizate, fețele sunt lipsite de expresie. Pliurile draperiilor care alcătuiesc fundalul picturii creează un sentiment de dezintegrare și dezarmonie.

Poza a făcut o impresie profund deprimantă prietenilor artistului. Unii au considerat-o o păcăleală, alții au început să vorbească despre boala psihică a autorului. J. Braque, care a fost unul dintre primii care a văzut Fecioarele din Avignon, a declarat indignat că Picasso vrea să-l facă „să mănânce câlpă și să bea kerosen”. Potrivit Gertrude Stein, celebrul colectionar rus S.I. Shchukin, mare admirator al picturilor lui Picasso, dupa ce a vizitat-o ​​la atelierul artistului, aproape cu lacrimi in ochi a exclamat: „Ce pierdere pentru pictura franceza!”. Familia Marchand, care a cumpărat anterior toate lucrările lui Picasso, a refuzat să cumpere acest tablou, al cărui sens în 1907 părea să fie înțeles doar de doi oameni Guillaume Apollinaire și Daniel Henri Kahnweiler. Această imagine, care a rămas nerecunoscută, marchează începutul unei noi perioade „Negro” în opera lui Picasso și o nouă tendință în arta mondială - cubismul.

„Tabloul „Fecioarele din Avignon” nu este în sensul propriu un tablou cubist”, scrie John Golding, principalul cercetător englez. Cubismul este realist... într-un fel este o artă clasică. „Fetele”, pe de altă parte, dă impresia unei tensiuni extreme... În același timp, această pânză marchează, fără îndoială, un punct de cotitură în opera lui Picasso și, în plus, începutul unei noi ere în istoria artei. . Este punctul de plecare logic în istoria cubismului. O analiză a imaginii arată clar că majoritatea problemelor la care Braque și Picasso le vor lucra mai târziu împreună în procesul de creare a stilului sunt deja puse aici, poate încă stângace, dar pentru prima dată destul de clar.

Potrivit lui G. Stein (al cărui portret a fost finalizat de Picasso în toamna anului 1906), artistul, datorită lui Matisse, a făcut cunoștință cu sculptura africană în perioada lucrărilor la „Fecioarele din Avignon”. M. Georges-Michel în cartea „Pictori și sculptori pe care i-am cunoscut” amintește de vizita lui Picasso cu Apollinaire la expoziția de artă neagră la Muzeul de Etnografie Trocadero. În cuvintele lui Georges-Michel, Picasso „a distrat inițial frivol, dar apoi purtat cu pasiune de forme barbare fără artă”. Se mai poate adăuga că în 1906 Picasso l-a cunoscut pe Derain, care a fost apoi puternic impresionat de sculptura africană pe care a descoperit-o la British Museum.

Poetul și criticul André Salmon, care a susținut puternic noua direcție în artă, a fost primul care a subliniat legătura dintre creația celebrei picturi și sculptura africană. Salmon scrie că în 1906 Picasso trecea printr-o criză semnificativă. „Zi și noapte, lucrează în secret la imagine, încercând să-și întruchipeze noile idei în ea. În acest moment, artistul era deja purtat de arta negrilor, considerându-l mai perfect decât egipteanul. Mai mult, a apreciat în mod deosebit caracterul constructiv al acesteia, crezând că imaginile dahomeene sau polineziene transmit esența plastică a obiectului cu cel mai mare laconism.”

Potrivit lui Cezanne, Picasso era clar conștient de faptul că în sculptura africană era atras de plasticitatea fără artă, de instantaneu. În acest sens, trebuie menționată și remarca criticului rus Tugendhold într-un articol despre colecție
S.I. Şciukin. „Când eram în studioul lui Picasso”, a scris Tugendhold, „am văzut idolii negri ai Congo-ului acolo, mi-am amintit cuvintele sculpturilor A.N.... Deloc, mi-a răspuns el, mă interesează simplitatea lor geometrică.

Simplitatea geometrică a figurilor este exact ceea ce este în primul rând izbitor la „Fetele din Avignon”. Mai mult, chipurile celor două figuri din dreapta sunt asociate direct cu măștile rituale africane. În desen și culoare, aceste capete diferă puternic de restul, iar compoziția în ansamblu dă impresia de incomplet. Radiografia a arătat că ambele figuri, cele mai inovatoare și, în același timp, cele mai „negre”, au fost pictate la început în același mod ca celelalte, dar au fost rescrise în curând din nou. Se crede că au fost reluate după ce artistul a vizitat muzeul etnografic, când a „dus cu pasiune” sculptura africană.

„Am făcut jumătate din pictură”, a explicat Picasso, „Am simțit că nu este corect! Am făcut-o altfel. M-am întrebat dacă ar trebui să refac totul. Apoi a spus: nu, vor înțelege ce am vrut să spun.

2 Dezvoltarea cubismului ca tendință de conducere în artă

2.1 Principiile artistice de bază ale cubismului

Cubismul, ca tendință care s-a răspândit în primele decenii XX secol în întreaga lume, un exemplu de alianță dintre „magie și matematică”. Artiștii cubiști s-au inspirat din faimosul postulat al lui Cezanne „de a interpreta formele naturii ca forme ale unui cilindru, sferă, con”. Artiști cubiști, teoreticieni ai acestei tendințe, Albert Gleizes și Jean Metzinger au scris în cartea „Despre cubism” (1946): „Fiecare dintre părțile în care este împărțită suprafața pânzei are un caracter independent de formă, dar toate sunt ritmic. conjugat. Camera este exclusă de un număr de părți identice ca formă, lungime, ușurință. Artistul realizează cea mai mare intensitate a tuturor acestor relații în cadrul pânzei, apoi pânza creează impresia unei vieți dinamice și complexe - saturația supremă a acțiunii celui mai mare spațiu din imagine. Cubiștii au descoperit că imitația naturii doar interferează; fără ea, legile specifice revitalizării spațiului pot apărea în puritatea și absolutitatea lor. Nesupunând dictelor naturii, văzute mai ales dintr-un punct de vedere, artistul este liber să sature pânza cu cel mai intens joc de forme, reliefuri și linii, culori, umbre și lumini în contactul lor, contraste, convergență și divergență..

Cubismul a fost o încercare de a aprofunda pictura, de a-i dezvălui conținutul profund, iar așa, potrivit artiștilor, erau idei. Cubiștii au înțeles ideile ca pe o realitate existentă în mintea artistului. Spre deosebire de senzațiile pe care se bazau impresioniștii, ideile, conținutul lor, sunt suprareale și uneori de necrezut.

Cubismul a ondulat una dintre varietățile abstracționismului. El a eliberat conținutul lucrării de imagini obiective și le-a înlocuit cu abstracții geometrice. Pentru un cubist, evenimentul real este gândirea care are loc în creator sau privitor, în timp ce cilindrul însuși reprezentat este un obiect ireal. Ideile pentru cubiști, a remarcat Gasset, sunt „realități subiective care conțin obiecte virtuale, o lume întreagă care iese în mod misterios din adâncurile psihicului și diferită de vizibil”. Formele corporale din operele cubiștilor sunt înlocuite de imagini geometrice, fictive, asociate cu realitatea doar metaforic.

De la Cezanne, artiștii au reprezentat idei. Aceasta este cea mai importantă caracteristică a noii arte. XX secol. Ideile sunt și ele obiecte, dar intrasubiectiv. Pablo Picasso, deja în lucrările sale timpurii, are corpuri rotunjite, cu forme voluminoase exorbitant proeminente („Două femei într-un bar”, „Acoperișurile Barcelonei”, „Cuplu”, „Călcător”). În același timp, în alte lucrări, el a distrus forma închisă a obiectului și a plasat detaliile sale disparate (nas, sprâncene, mustață) în planuri pure euclidiene, al căror scop este acela de a fi un cod simbolic de idei. În lucrarea sa despre Picasso, remarcabilul scriitor italian A. Moravia a explicat esența artei vest-europene XX secolul: creatorii noii arte, spre deosebire de predecesorii lor, precum Van Gogh, nu au vrut să ne spună nimic despre ei înșiși. Dacă Van Gogh în picturile sale vorbea cumva despre el însuși și îi putem urmări „escalada nebuniei” prin ele, atunci Picasso, de-a lungul mai multor ani de activitate, „arde cariera unui artist tradițional asociat cu reprezentarea realitatea”, „deplasându-și lucrările din viață în cultură. De acum înainte, lucrările sunt create nu ca răspuns la cererea pieței, ci ca răspuns la cerințele culturii. Și cu Picasso, „autobiografia sa se transformă rapid într-o declarație de vitalitate”. Iar mijloacele pe care le folosea Picasso pentru a-și dizolva propria viziune asupra lumii și a o transforma în „vitalism pur” a fost întoarcerea formei. Picasso a perceput forma ca lipsită de orice semnificație, cu excepția sensului biologic. A abandonat tot istoricul în numele „impulsului de viață” „non-istoric”. Acest termen „vital elen” este conceptul de bază al „filozofiei vieții”, sub influența căreia s-a dezvoltat toată arta europeană, în special prima jumătate a secolul XX.

Un alt semn distinctiv al cubismului a fost crearea unui nou concept de frumusețe. „Nu există nimic mai fără speranță decât să alergi cu frumusețea la egalitate sau să rămâi în urmă. Trebuie să mergem înainte și să o epuizăm, să o facem urâtă. Această oboseală conferă noii frumuseți nebunia frumoasă a capului Medusei Gorgona”, scrie J. Cocteau în memoriile sale despre Picasso. A „chinui” frumusețea ca să nu fie perfecțiune, cu care nu poți decât să ții pasul pentru totdeauna, fără să ajungi niciodată – așa era principiul estetic al cubiștilor. Noua frumusețe proclamată de ei este lipsită de armonie și claritate. Este rezultatul conexiunii dintre incompatibilul: înalt și scăzut.

Atitudinea față de creativitatea artistică ca act creativ, al cărui rezultat este o nouă realitate, este unul dintre principalele postulate ale cubismului. Masca și figurina au fost întotdeauna o realitate vie, deoarece au întruchipat spirite destul de specifice și strămoși decedați (nu au înfățișat și nu au afișat, și anumeîntruchipat, reprezentatei, adică erau ei și, în acest sens, făceau parte din realitatea înconjurătoare, un fel de acea „realitate suplimentară” despre care a vorbit A. Jarry și într-o formă ușor diferită Apollinaire, Braque, Reverdy, Gris și alți practicanți și teoreticieni ai cubismului) .

Deci, scopul creativității artistice pentru cubiști, precum și pentru artiștii primitivi și tradiționali, nu este reflecția sau reflecția, ci crearea unei realități noi, diferite - fenomene care sunt la egalitate cu fenomenele realității și nu derivate. dintre ei. „Scopul”, spune Braque, „nu este de a reproduce un fapt narativ, ci de a produce un act pictural. Intriga nu este un obiect, este o nouă unitate”.

Oricum, indiferent de atitudinea subiectivă față de creativitate în rândul artiștilor primitivi și tradiționali, indiferent de scopul urmărit, sculptând o figurină strămoșească din lemn sau pictând o figură de animal pe peretele peșterii, rezultatul a fost o imagine mai mult sau mai puțin convențională a unei persoane sau a unui animal, care în cele din urmă este afișarea obiectelor lumii înconjurătoare.

Cele mai condiționate lucrări cubiste ale lui Braque, Gris, Picasso, Léger își păstrează legătura cu natura. Obiectele descrise în naturile lor moarte dobândesc uneori b despre greutate mai mare, materialitate decât natura însăși, iar portretele compuse din figuri geometrice păstrează chiar și o asemănare exterioară cu originalul.

Același lucru este valabil și pentru măștile și figurinele africane: construite, s-ar părea, din volume geometrice pure, ele transmit totuși originalitatea etnică, trăsăturile feței și trăsăturile corpului cu o acuratețe uimitoare. Accentul artistului cubist nu este semnele aspectului, ci designul, arhitectura obiectului, nu textura, ci structura. Lucrând la imagine, el caută să o elibereze cât mai mult de tot ceea ce este trecător, schimbător, nepermanent, pentru a-i dezvălui adevărata esență. Dacă luăm ca exemplu figura umană și considerăm principiul etnic drept esența adevărată, atunci sculptura africană ar trebui să fie recunoscută ca exemplu ideal de întruchipare a cerințelor cubismului.

2.2 Perioadele de dezvoltare ale cubismului și caracteristicile acestora

În stadiul incipient al cubismului, care a fost influențat de Cezanne („Cezan Cubism”, 1907-1909), geometrizarea formelor a subliniat stabilitatea, inviolabilitatea elementelor de bază ale lumii. Fețele volumelor sunt întinse pe un plan, formând un fel de relief. În picturile acestei perioade, volumele masive sunt similare cu formele plasticității negre (Picasso „Trei femei”, 1909; Căsătoria „Estac”, 1908).

În etapa următoare, numită „analitică” (1909-1912), forma, obiectele se despart în mai multe fețe și converg la unghiurile planului; se folosește un set limitat de culori. Un exemplu de cubism analitic este portretul lui Ambroise Vollard (1910), al cărui chip este împărțit în fațete, culoarea fiind aproape absentă. Una dintre cele mai bune lucrări de cubism analitic a fost portretul lui Kahnweiler, în care fiecare fațetă a imaginii este prezentată într-un unghi, împărțind imaginea. Pericolul de a transforma imaginea într-o criptogramă, inaccesibilă percepției, i-a forțat pe creatorii cubismului să încerce să stabilească o legătură cu realitatea evazivă cu ajutorul unor elemente ale realității în sine, astfel, litere sculptate, părți din text au apărut în tablouri. lui Braque.

În această perioadă, Picasso și Braque au colaborat atât de strâns încât este dificil să se facă distincția între lucrările lor. Scopul lor este de a crea în imagine o formă obiectivă care să aibă valoare intrinsecă și o funcție specifică.

Obiectele din picturile lui Picasso și Braque sunt imediat recunoscute după forme: farfurii, pahare, fructe, instrumente muzicale, cărți de joc de mai târziu, litere ale alfabetului, cifre. Adică artiștii lucrează cu material asimilat mental care nu necesită reconciliere cu realitatea. Impactul imaginii este cu atât mai puternic, cu cât obiectele sunt mai puțin recunoscute și cu atât mai șocat va fi privitorul nepregătit, care vrea să fie învățat să considere forma ca parte integrantă a obiectului. Uneori, obiectele, liniile, formele care intră în joc unele cu altele sunt greu de distins. Uneori, artiștii dau indicii pentru a citi imaginea, lasă un obiect fix, cum ar fi o pipă pentru a identifica o persoană care fumează. În 1910, Braque și Picasso au creat peisaje, portrete aproape monocrome, subtil nuanțate, cu compoziții piramidale și descompunerea subiectului în elemente armonioase echivalente.

În ultima perioadă, „sintetică”, se preferă începutul decorativ. Imaginea se transformă într-un început planar colorat (Picasso „Chitară și viori”, 1918; Căsătoria „Femeie cu chitară”, 1913). În 1912-1914. Picasso și Braque au fost cei care au revoluționat arta încorporând citate verbale în ansambluri și colaje. Au început să folosească în unele tablouri vopsele de lac ale pictorilor în loc de vopsea în ulei, lipite bucăți de pânză uleioasă pe pânză, aplicau desene pe bucăți de tapet lipite, trecând dincolo de ele. Așa că în „Natura moartă cu scaun de paie” Picasso folosește tehnica colajului folosind bucăți de țesătură, pagini de ziare, Căsătoria sub formă de „papier-colle” folosește hârtie lipită pe pânză. Așa a fost inventată tehnica colajului. Compoziția colajului, ale cărei sursă materiale pot aparține unor domenii artistice diferite (text din ziar, fotografii, autocolante, bucăți de tapet etc.) Astfel, obiectele de diferite grade de realitate sunt conectate într-un singur spațiu.

2.3 Influența cubismului asupra art secolul XX

Cubismul nu ar fi avut un asemenea impact asupra dezvoltării artei mondiale dacă ar fi rămas opera unuia sau a doi pictori. Prins de zeci și sute de artiști din toate țările lumii, acest caz s-a dovedit a fi atât de semnificativ pentru că a extins orizonturile artistice, depășind granițele esteticii europene.

Douăzeci sau treizeci de ani mai târziu, când ultimele curente periferice ale acestei mișcări s-au transformat și au dispărut treptat, a devenit evident că noile direcții care au apărut în locul ei păstrează trăsături generice, deși nu își trasează întotdeauna genealogia oficială din aceasta. Genealogia oficială a cubismului începe cu „Fecioarele din Avignon”, odată cu intrarea lui Picasso în perioada „Negro”, cu începutul lucrării comune a unui grup de artiști și poeți francezi, în centrul căruia Pablo Picasso, Georges Braque, Juan Gris, Fernand Léger, Guillaume Apollinaire, Mano Jacob și alții.

Unul dintre primii care a fost influențat de arta africană a fost A. Deren. În pictura sa „Bathers” (1906), se găsesc trăsături care o leagă, pe de o parte, cu sculptura africană și, pe de altă parte, cu opera lui Cezanne. Mulți cercetători, în special John Golding, foarte autoritar, cred că tabloul a avut o anumită influență asupra lui Picasso în perioada în care a creat Fecioarele din Avignon.

Picturile lui Picasso din anii 1910 și schițele pregătitoare fac posibil să vedem cum și din ce se formează parametrii principali ai noii direcții, cum și sub influența a ce anume a fost făcut punctul de cotitură și folosind acest exemplu (care s-a dovedit a fi atât de contagios nu întâmplător) pentru a înțelege schimbările care au avut loc în acest timp în arta franceză. Lucrările lui P. Picasso, J. Braque, H. Gris, F. Leger, J. Metzinger, A. Gleize și alții au devenit decisive pentru stadiul incipient al cubismului și perioada corespunzătoare din istoria artei franceze și mondiale.

Multă vreme, sau mai bine zis, întreaga așa-zisă perioadă eroică a cubismului, critica oficială a fostaspru ostil noii direcţii. Dintre istoricii de artă francezi ai acelei vremuri, poate doar Maurice Reynal a apărat în mod constant cubismul. Cubismul s-a bucurat însă de la primii pași de sprijinul activ al poeților francezi. Pe lângă Apollinaire, Andre Salmon, Max Jacob, Pierre Reverdy, Blaise Cendrars, Jean Cocteau și alții au susținut cu căldură noua direcție. Picasso a spus că a fost o perioadă „în care pictorii și poeții s-au influențat reciproc”. Într-adevăr, deja în anii imediat precedenți cubismului, această comunitate s-a format în atelierele din Montmartre, ceea ce a dus mai târziu la o cooperare fructuoasă. „Picasso”, scria Apollinaire, „care a inventat noua pictură și este fără îndoială o figură remarcabilă a timpului nostru, își petrece toate zilele exclusiv în compania poeților, cărora am onoarea să le aparțin.”

Dintre poeții generației mai vechi care au influențat formarea conceptelor de cubism sunt numiți Stefan Mallarmé și Alfred Jarry. La rândul său, opera artiștilor cubiști a avut un impact incontestabil asupra mediului poetic imediat. Acest lucru s-a manifestat în rolul primordial care a fost atribuit imaginației poetice și în dorința de a crea imagini încăpătoare și chiar în împrumutul direct de intrigi. „Evident, exemplul pictorilor le-a afectat lucrările poetice contemporane de la „Alcooli” la „Cornet a de” și „Chitară adormită”, scrie Pierre José.

Culegerea de poezie Alcoolii a lui Apollinaire, publicată în 1913 concomitent cu cartea sa Pictorii cubiști, se deschide cu celebra poezie Zona, care în unele privințe este, parcă, o proiecție poetică a problemelor pe care pictorii cubiști și le-au pus. Poetul și lumea din jurul lui apar aici în cele mai diverse și neașteptate perspective. Cu greu poate fi considerat întâmplător faptul că această poezie, apreciată în mod special de însuși Apollinaire și pusă de acesta pe primul loc în colecție, se încheie cu replici care vorbesc despre „fetișurile Oceaniei și Guineei” ca pe zei ai „speranțelor întunecate”.

Pierre Reverdy, cel mai mare poet al cubismului, în a cărui operă noua estetică găsește o întruchipare și mai organică decât cea a lui Apollinaire credea că, creând o „operă estetică”, o „emoție deosebită”, poetul abordează înțelegerea unor „profunde și universale” adevăruri umane. Gândurile lui Reverdy despre scopul poeziei rezonează cu definiția artei noi, obiectivele stabilite de artiștii cubiști. „Ceea ce deosebește cubismul de pictura anterioară este că nu este o artă bazată pe imitație, ci pe concept și se străduiește să se ridice la creație”, a scris Apollinaire. „Nu ar trebui să imite ceea ce este pe cale să creeze”, citim în Gânduri și reflecții asupra artei lui Braque.

Reverdy la acea vreme era unul dintre puținii care au înțeles semnificația istorică a cubismului. El credea că înainte de cubism, nimic atât de semnificativ nu a fost creat în artă de la descoperirea perspectivei în pictură. „Noi”, a scris Reverdy, „asistăm la o transformare fundamentală a artei. Nu este vorba de o schimbare a senzațiilor, ci de o nouă structură și, prin urmare, de un scop complet nou.” El credea că conceptul aduce poezia mai aproape de arta plastică, în sensul că o operă poetică devine la fel de obiectivă, autonomă, aproape materială ca o pictură sau sculptură. Nu este atât o reflectare sau o afișare a realității, cât realitatea în sine, o realitate diferită. „O lucrare care este doar o oglindă exactă a unei epoci dispare în timp la fel de repede ca această epocă.”

Aparent, nu este o coincidență faptul că ideea unei limbi universale (Esperanto) este un produs al aceleiași epoci. Aprofundarea sub influența factorilor economici și socio-politici, conștiința unei comunități întregi umane, dezvoltarea rapidă a ideilor internaționalismului, au schimbat radical condițiile și natura tuturor tipurilor de activitate umană. Schimbări uriașe în domeniul științei și tehnologiei, apariția maselor în prim-planul istoriei a dus la schimbări profunde în domeniul artei, până la crearea de noi forme (tipografie, înregistrare sonoră, fotografie, cinema, design).

În perioada dominantă până la sfârșitul secolului XIX începutul secolului XX. situație, niciunul dintre tipurile de creativitate artistică existente (pictură, sculptură, poezie etc.) nu și-a putut păstra semnificația, rămânând în cadrul procesului evolutiv anterior, al cărui început datează din Renaștere. Cubismul reflecta noile tendințe în toată complexitatea și inconsecvența lor: o dorință inconștientă de democratizare a creativității artistice recunoașterea primitiviștilor, așa-zișii pictori duminicali și respingerea privatului, individual, de cameră în artă; credința în știință căutarea metodelor obiective, respingerea creativității intuitive, dorința de a crea o „gramatică a artei”.

Tendința, exprimată în respingerea imitației, în înțelegerea creativității ca crearea unei „noi unități”, ca construcție de noi forme, a îndeplinit cerințele esteticii industriale emergente și a primit ulterior expresia sa finală în design și alte tipuri de artă aplicată modernă, care, nu întâmplător, au atins un nivel deosebit de înalt în acele țări în care noile mișcări artistice, conducându-și descendența din cubism, au reușit să ocupe un loc ferm în procesul artistic.

În ciuda rezistenței neîncetate a publicului larg, o nouă tendință până în 19121914. se extinde în toate domeniile creativității artistice. Mai întâi, Picasso, apoi Henri Laurens și Jacques Lipchitz creează primele sculpturi cubiste; pictorii cubiști pictează peisaje de teatru, ilustrează cărți și reviste. Sonia Delaunay, artistă, soția celebrului pictor și teoretician cubist R. Delaunay, realizează design-uri pentru țesături și modele vestimentare; în muzică, de la Bartók, Ravel, Debussy, Prokofiev la Poulenc și Stravinsky, există și o tendință de reînnoire bazată pe folclor. Parada de Jean Cocteau (1917) interpretată de baletul lui Diaghilev cu muzică de Eric Satie și decoruri de Picasso a intrat în istorie ca un triumf al noii arte.

Noile tehnici dezvoltate de cubiștii francezi atrag atenția artiștilor de top din toate țările. S-ar putea cita zeci și sute de nume de pictori și sculptori care au adus odată un omagiu cubismului.

Concluzie

În ciuda tuturor contradicțiilor, greutăților și cataclismelor istorice, cultura în XX secolul s-a dezvoltat cu succes. Multe mari realizări în pictură, arhitectură, sculptură, muzică și filozofie se încadrează în acest secol. Așadar, vorbind despre fenomenele de criză ale secolului, trebuie avut în vedere că conceptul de „criză” nu se referă la cultură ca atare, ci la acele contradicții care apar în societate și dau naștere unor grave probleme ale existenței umane și existența, provocarea culturii.

Răspunzând acestei provocări, cultura generează noi forme corespunzătoare acesteia, care sunt neobișnuite din punct de vedere al tradiției și sunt percepute ca „criză”, prin urmare, reacția culturii la numeroase evenimente istorice a fost apariția unui număr mare de noi moduri de a reflecta lumea. Niciodată până acum nu a creat atât de multe direcții noi pentru dezvoltarea sa și nu și-a schimbat niciodată valorile și principiile atât de repede în speranța de a obține o nouă imagine a lumii, o nouă imagine a acesteia din fenomene istorice dinamice.

Cultura lumii moderne nu este un fenomen holistic. Este alcătuit dintr-o serie de curente care diferă în scopuri și mijloace expresive și adesea se dovedesc a fi direct opuse unul față de celălalt. Dar cu toată diversitatea culturii moderne, curentele și stilurile care o alcătuiesc au un lucru în comun - toate se străduiesc să reflecte lumea sub forma exprimării sentimentelor și stărilor de spirit ale artistului. Începutul acestei direcții în creativitate a fost pus de postimpresionişti, iar mai târziu a fost numit modernism.

Deci în primul deceniu XX secolul în cultura europeană s-a format unul dintre curentele modernismului, cubismul.

Cubismul, care a apărut în epoca de reacție la impresionism și art nouveau, împotriva cultivării elementelor de variabilitate, efemeritate în artă, și-a propus, potrivit lui Juan Gris, să găsească elementele cel mai puțin instabile în obiectele reprezentate.

Este dificil să fii de acord cu cei care consideră „libertatea fără limite” drept cea mai importantă realizare a cubismului. Cubismul nu are nimic de-a face cu libertatea nelimitată, cu libertatea de orice reguli și restricții. Este indicativ faptul că binecunoscuta formulă „progresul în artă nu constă în slăbiciune, ci în cunoașterea limitelor” nu aparține nimeni altul decât J. Braque. Descoperirea cubismului a fost descoperirea altor limitări, a unei alte discipline, într-un anumit sens chiar mai rigidă decât prima. Dacă aceasta a fost o eliberare, atunci a fost o eliberare de reguli învechite în numele stabilirii unora noi, mai universale. Deja arta lui Seurat, supusă unui sistem coloristic strict, și Cezanne, care recomanda „interpretarea naturii printr-un cilindru, minge, con etc.”, poate fi considerată ca o căutare a unor metode universale obiective de creativitate.

N. Berdyaev a văzut în cubismul lui Picasso oroarea decăderii, a morții, a „vântului cosmic de iarnă”, măturand arta și ființa veche. Și totuși, „răspândirea” fostului cosmos armonic, construit pentru prima dată de eleni, în artă nu a fost doar o negare, ci doar un semn al sfârșitului. Interesul pasionat al cubiștilor pentru arhaic, „barbarism”, masca africană și idolul primitiv a fost, de asemenea, supus la mai mult decât o simplă fugă în trecut. Vectorul acestei mișcări: prin viitor în trecut.

Ce a fost cubismul, care a murit ca grup de artiști odată cu izbucnirea Primului Război Mondial, și de ce influența sa se simte și astăzi în arta contemporană? În zilele noastre, orice persoană deschisă la minte, care privește lucrările impresioniștilor, vede clar convenționalitatea culorii care ne este familiară. Și odată ce a devenit o revoluție în artă. Cubismul, bazându-se pe libertatea dobândită de postimpresionişti de a înfăţişa nu numai ceea ce se vede, ci şi ceea ce este imaginabil, este cel care analizează toate componentele picturii, afirmă convenţionalitatea formei, culorii şi perspectivei liniare, precum şi a volumelor.

Lista literaturii folosite

1 Emokhonova L. G. Cultura artistică mondială. - M .: Centrul de editare „Academia”, 2001.-544s

2 Grushevitskaya T.G., Sadokhin A.P. Culturologie: manual. M.: Editura Unity-Dana, 2010 688 p.

3 Lvova E. P., Sarabyanov D. V., Kabkova E. P., Fomina N. N., Khan-Magomedova V. D., Savenkova L. G., Averianova G. I. Cultura artistică mondială. secolul XX. Arte plastice și design. Petru, 2007 464 p.

4 Petkova S. M. Carte de referință despre cultura și arta lumii. Phoenix, 2010 507 p.

5 „Mari artiști, viața, inspirația și creativitatea lor”. Kiev, 2003 32s.

6" Georges Braque, galerie de picturi, biografie. Georges Braque". Pavel Ying //

http://www.artcontext.info/pictures-of-great-artists/55-2010-12-14-08-01-06/550-jorj-brak.html

7 Sokolnikova NM Istoria artelor plastice: un manual pentru studenți. Instituţiile superioare prof. educaţie: în 2 vol. T. 2 / N. M. Sokolnikova. Ed. a 5-a, ster. M.: Centrul editorial „Academia”, 2012. 208 p.

8 Culturologie. Istoria culturii mondiale. Manual pentru universități / Ed. N. O. Învierea. M.: UNITI-DANA, Unitate, 2003. 759 p.

9 Culturologie. Istoria culturii mondiale: Manual pentru universități / Ed. prof. A. N. Markova. Ed. a II-a, revizuită. si suplimentare M.: INITI-DANA, 2006. 600 p.

10 Borzova E. P. Istoria culturii mondiale. Sankt Petersburg: Editura Lan, 2001. 672 p.

11 „La originile cubismului”. Vil Marimanov, doctor în arte. //http://eng.1september.ru/article.php?ID=200100701

anexa a

Pictura „Fetele din Avignon”

Anexa B

Pictura „Fata pe minge”

Anexa C

Anexa C

Tabloul „Portretul lui Vollard”