Unde și cum a apărut teatrul popular? Te-ai gândit cum și când a apărut teatrul rusesc?Originile sale se întâlnesc cu secole în urmă. Elemente ale acțiunii teatrale au fost conținute în jocurile rituale calendaristice pentru perioada Crăciunului și Srovetide. Erau jucați de mummeri - oameni îmbrăcați

Cum a apărut Teatrul Maly? „Progenitorul” Teatrului Maly a fost teatrul de la Universitatea din Moscova. Trupa sa a fost creată în 1756, după Decretul împărătesei Elisabeta Petrovna, care a marcat nașterea unui teatru profesionist în țara noastră: „Acum am ordonat să înființăm.

Când a apărut teatrul de păpuși? Teatrul de păpuși este una dintre acele forme de artă care sunt reprezentate în aproape toate țările lumii. Istoria sa datează de multe mii de ani, iar rădăcinile sale sunt din cele mai vechi timpuri.Se pare că teatrul de păpuși a apărut ca

Când și unde a apărut primul bărbat? În diferite locuri de pe Pământ, oamenii de știință au găsit și găsesc oasele oamenilor din vechime. Săpăturile din valea de lângă satul Neander (Germania) sunt cunoscute pe scară largă. Mai târziu, rămășițele ființelor umane, care amintesc de cele găsite anterior în Neander,

Când a apărut primul negru în America? Probabil ați auzit spunând că singurii americani adevărați sunt indienii. Toți ceilalți au strămoși care au venit aici din alte țări. Negri au venit aici și din alte țări. Dar majoritatea oamenilor nu

Cum a apărut primul revolver? Multă vreme, armurierii din diferite țări au încercat să creeze o armă manuală cu încărcare multiplă. Au venit cu multe mostre, dar cel mai de succes dintre ele a fost un revolver inventat de designerul american S. Colt. Inventor.

Când a apărut primul ordin al femeilor? Sub Petru I, au fost înființate mai multe ordine, dar unul dintre ele a devenit primul premiu feminin din Imperiul Rus. A primit numele de Ordinul Sfintei Mare Muceniță Ecaterina, deși inițial a fost numit Ordinul Eliberării.

Când a apărut prima revistă „groasă” în Rusia? Prima revistă de divertisment este considerată a fi Biblioteca pentru lectură, o revistă lunară publicată la Sankt Petersburg între 1834 și 1865. Iniţiatorul publicaţiei a fost celebrul librar A. Smirdin.În 1833 a invitat

Teatrul este o formă de artă bazată pe reflectarea esenței lucrurilor cu ajutorul cuvintelor, muzicii, mișcării, dansului și expresiilor faciale. O producție teatrală nu este neapărat un spectacol cu ​​care suntem obișnuiți pe scenă. Arta teatrală include spectacole de amatori, procesiuni de costume, carnavale, spectacole de păpuși și bătălii și spectacole interactive.

Opera din Chicago, Illinois, SUA

Marele geniu W. Shakespeare spunea: „Întreaga lume este un teatru, iar oamenii din ea sunt actori!”. Și s-a dovedit a avea dreptate! Dar, teatrul este, în primul rând, o producție spectaculoasă, reîncarnare. Un spectacol conceput pentru a distra, a distrage atenția și a instrui.

Teatrul modern pentru copii s-a născut la începutul secolului al XX-lea, dar istoria lui a început mai devreme și nu a fost ușoară.

Începutul începutului sau de unde a venit teatrul

Pentru prima dată, spectacolele de teatru sunt menționate în istoria Greciei Antice. Teatrul atenian din secolul al V-lea î.Hr. e. începea cu procesiuni costumate în cinstea sărbătorilor religioase și era destinată unei mici mulțimi de privitori. Dar și atunci a fost un spectacol instructiv, al cărui scop este să arate măreția zeilor și tragedia sfinților.

Spectacolul antic a fost prezentat o singură dată! Iar autorul nu numai că a scris piesa, ci a fost și un participant la ea. A fost o muncă grea, iar regizorii au fost oameni talentați.

Scena din producțiile teatrale antice a apărut puțin mai târziu, când spectacolele au început să adune un număr imens de oameni. La început, pentru spectatori au fost construite platforme din lemn, care puteau găzdui până la 50 de mii de oameni. În secolul al IV-lea î.Hr. e. a fost construit primul teatru de piatră.

Teatrul Antic, Atena

Omul de stat atenian Pericles a încurajat interesul maselor sărace pentru producțiile teatrale. În aceste scopuri, fiecărei persoane i sa alocat o subvenție pentru o vizită unică la un teatru în aer liber.

În casele bogate, nobile, micile spectacole de familie au început și ele să câștige popularitate. Toate gospodăriile au participat la ele: de la copii la adulți. Astfel de teatre de acasă au devenit un indicator al educației înalte în familie și al statutului în rândul nobilimii de vârf.

Teatrul „plimbă” în jurul planetei

Odată cu apariția trupelor de teatru itinerant, „febra” teatrală a cucerit teritorii. În rândul oamenilor de rând, spectacolele de păpuși, uneori prezentate de un singur actor, au devenit deosebit de populare. Au apărut personajele preferate: de exemplu, Polichinelle - în orașele și provinciile franceze, Pulcinella - la carnavalele italiene, Vityaz Laszlo - în orașele maghiare, Petrushka - la târgurile rusești. Primele producții nu au avut scenariu, iar acțiunea s-a dezvoltat în funcție de circumstanțe, atenție și reacție a privitorului.

Odată cu dezvoltarea teatrului de păpuși, tema religioasă a început să se estompeze în fundal. Oamenii obișnuiți erau mai dispuși să meargă la spectacole în care cei de la putere erau ridiculizati, precum și slăbiciunile și vicii umane: lenea, lăcomia, invidia, lăcomia, adulterul. Au fost spectacole pentru copii bazate pe basme și legende populare. La spectacolele publice, acestea erau mini-producții nepretențioase, al căror scop era să facă publicul de râs.

Spectacole cu păpuși

Așa că treptat, alături de dramă și tragedie, a apărut o altă direcție - comedia. În casele bogate, alături de o simplă producție de benzi desenate, artiștii rătăciți au arătat și spectacole serioase bazate pe balade populare și opere mărețe.

În Rusia, primele spectacole se numeau merrymaking, iar actorii erau bufoni. Din punctul de vedere al bisericii, activitățile de divertisment ale bufonilor erau rușinoase și satira ascuțită nu era binevenită, dar nu interzisă. Prima mențiune despre bufoni datează din 1068.

Primul teatru pentru copii din Rusia

Astăzi, teatrul pentru copii este un spectacol de teatru pentru tinerii spectatori bazat pe basme populare, legende străvechi și povești moderne. Mai mult, spectacolele pot fi diferite: de la spectacole clasice la jocuri interactive. Dar în 1779, totul părea complet diferit...

Genialul om de știință Andrei Timofeevich Bolotov și-a prețuit multă vreme ideea unui teatru pentru copii, dar a reușit să-și împlinească visul abia la 41 de ani. Teatrul pentru copii, în interpretarea lui A. Bolotov, a fost o producție în care tinerii rezidenți ai Palatului Bogoroditsky, inclusiv fiul său, Pavel Bolotov, au acționat ca artiști.

Scopul principal al teatrului pentru copii al lui Bolotov a fost să învețe sufletele tinere principiile de bază ale moralității, diferența dintre bine și rău, sinceritate și minciună, generozitate și lăcomie, munca grea și lenea.

Pentru propriul teatru pentru copii, A. Bolotov însuși a scris multe piese de teatru de natură educativă și didactică. Și nu erau copilărești! Dintre aceștia, cele mai cunoscute sunt: ​​„Orfani nefericiți”, „Chestokhval”, „Virtutea răsplătită”. Bolotov credea că astfel de producții serioase ar ajuta la pregătirea copilului pentru vârsta adultă. Și, prin urmare, fără concesii pentru tinerii actori! Copiii nu se jucau în producții - era muncă, muncă grea zilnică, la egalitate cu adulții.

Spectacolele primului teatru pentru copii din Palatul Bogoroditsky au adunat o sala plină. La spectacole au venit oameni din toată regiunea și din alte orașe.

Primul teatru pentru copii al lui A. Bolotov a devenit prototipul teatrului cunoscut nouă: cu o scenă, un auditoriu, o cabină de sufleur și o cortină care se ridică. A. T. Bolotov a fost un artist bun, așa că a pictat el însuși toate decorurile. De asemenea, a inventat dublu în culise, permițându-vă să schimbați rapid decorul.

Curând, au început atacurile asupra fondatorului teatrului pentru copii. Principala acuzație a fost că copiii își abandonaseră complet studiile și lucrau pe picior de egalitate cu adulții. A. T. Bolotov a fost forțat să părăsească Bogoroditsk, iar odată cu plecarea sa teatrul a încetat să mai existe.

Teatru pentru copii pentru copii

Cercurile creative ale intelectualității din întreaga lume au discutat problema creării unui teatru pentru copii, dar chestiunea nu a avansat mult dincolo de dispute și dezbateri. Primul teatru pentru copii a fost deschis în 1903 la New York.

Această experiență a americanilor a fost adoptată doar 15 ani mai târziu și primul teatru pentru copii din Rusia a fost creat cu sprijinul lui A. V. Lunacharsky. Primele repertorii s-au bazat pe basmele populare rusești și literatura clasică. În anii puterii sovietice, spectacolele școlare și studențești au apărut pe teme de actualitate care educă generația tânără în spiritul patriotismului, eroismului de pionier și gândirii Komsomol.

Astăzi, teatrul pentru copii pentru copii a suferit multe schimbări. Repertoriul s-a extins, patriotismul sovietic a devenit un lucru al trecutului, dar ideea principală a lui A. Bolotov a fost păstrată: printr-un joc, un basm și aventură, să le transmită copiilor conceptele de bine și răul, asistența reciprocă și indiferența, generozitatea și lăcomia, lenea și munca grea.

În ciuda dezvoltării canalelor pentru copii la TV, copiii sunt bucuroși să vină la spectacole de teatru. Dacă ați vizitat o dată teatrul pentru copii, nu veți uita niciodată atmosfera lui magică!

Teatru pentru cei mici

Toate producțiile sunt împărțite pe categorii de vârstă, de exemplu, copiii pot sta cu ușurință la spectacole de formă mică, nu mai mult de 1 oră. Și dacă încă poți atinge eroul, îl poți ajuta și, de asemenea, să participi la jocuri, atunci nu există nicio limită pentru a încânta. Da, există astfel de teatre și se numesc teatre interactive pentru copii.

Ce este atât de neobișnuit la o performanță interactivă? Copiii sunt cele mai spontane, cele mai curioase creaturi de pe planeta noastră. Nu este suficient pentru ei să observe, dar trebuie să atingă, să participe, să cânte și chiar să danseze. Dar să nu obligăm copiii, ca A. T. Bolotov, să muncească zi și noapte. Și doar dă-le oportunitatea de a se regăsi într-un basm, de a participa la aventuri de neuitat, de a juca jocuri interactive, de a învăța cum să facă parte dintr-o echipă.

Spectacol interactiv la Baby Theatre

Teatrul interactiv pentru copii este primul pas pentru un copil pe drumul către artă, cultură și educație!

Recent, a apărut un nou format de teatru interactiv pentru copii - pentru cei mai mici. Toate spectacolele concepute pentru o vârstă atât de fragedă sunt ușor de înțeles, distractive, scurte, iar un bonus suplimentar sub forma unei mame (tată, bunica ...) în fundal, nu departe de scenă, va ajuta copilul să se adapteze Mai repede. Da, și încă câteva cuvinte despre scenă, culise și chiar șiruri de scaune... Nu există niciunul în teatrul interactiv! Puștiul se cufundă în lumea basmului chiar din prag, unde se poate dovedi sau rămâne doar un observator.

3. Teatru și spectacole de teatru în Grecia Antică.

4. Tragedii și comedii în teatrul antic grecesc.

5. Creatori ai teatrului.

6. Concluzie.

Apariția teatrului.
Teatrul a apărut în Grecia antică în urmă cu aproximativ două mii și jumătate de ani.
Cuvântul „teatru” în sine este de origine greacă și înseamnă „un loc pentru spectacole”.
Spectacolele de teatru erau spectacolul preferat al grecilor antici.
Originea teatrului a fost asociată cu religia grecilor antici și anume cu
festivități în cinstea zeului Dionysos - patronul vinificatorilor. Într-una din
miturile spune că Dionysos rătăcește pe tot pământul cu o mulțime
sateliții lor. Aceștia sunt satiri - zei păduri, jumătate oameni, jumătate capre. Satirii
cozi lungi, urechi ascuțite și copite. Când la sunetele flauturilor și țevilor
Dionysos vine în Grecia, apoi începe primăvara în această țară, mai caldă
soarele se încălzește, florile înfloresc, toată viața renaște.
La sfârșitul lunii martie, Grecia a sărbătorit principala sărbătoare a zeului vinificației - cel Mare
Dionisia. Înfățișând satiri, grecii au pus piei de capră, legate
bărbi lungi din frunze de stejar, fețe pictate sau acoperite
măști de capră. Un alai vesel de mumeri se mișca pe străzile orașului și
oprit undeva în piață. Mai întâi a ieșit cântând. El cântă
a povestit despre rătăcirile lui Dionysos, despre întâlnirea sa cu pirații și altele
aventuri, iar restul mummerilor au cântat alături de el la unison. Cântărețul principal interpretat
apoi unul dintre eroii mitului, apoi însuși Dionysos, apoi unul dintre satiri. scene,
jucate de participanții sărbătorii și au fost primele teatru
Spectacole: cântăreața și mumerele erau actorii, iar spectatorii erau toți
populația orașului.

Teatru și spectacole de teatru în Grecia Antică.
În orașele grecești de la sfârșitul secolului al VI-lea. î.Hr e. construit pentru spectacole de teatru
clădiri speciale. În aproape fiecare oraș grecesc, inclusiv coloniile pe
țărmurile Mării Mediterane și ale Mării Negre, avea propriul teatru și uneori mai multe (de exemplu,
erau mai mult de zece teatre în Attica). Fiecare dintre teatrele antice adăpostit
câteva mii de spectatori. De exemplu, teatrul lui Dionysos din Atena avea aproximativ 17
mii de locuri.
Teatrul era un spectacol preferat în Grecia antică, la care aspirau toți locuitorii
ajunge la sărbătoarea lui Dionysos, dar aceste festivități (din care au făcut parte
spectacole de teatru) nu aveau loc zilnic, ci doar de două ori pe an.
Nu existau spectacole de seară în Grecia Antică. Spectacole în teatrele din Grecia
a început la șapte dimineața și a continuat până la apus: se puneau la rând
mai multe spectacole.
„Bilete la teatrul grecesc antic”: se percepea o mică taxă pentru intrarea în teatru
(la Atena, puterea aparținea oamenilor de rând, demosului, așadar
statul, având grijă de cei mai săraci cetăţeni, le-a dat bani să cumpere
bilete). Biletul era din plumb sau lut ars. Literele sunt vizibile pe bilet
„beta” (B) și „epsilon” (E). Scrisoarea indica una dintre „penele” pe care
teatrul a împărțit scări, grinzi divergente. În cele indicate pe bilet
„Wedge” ar putea ocupa orice loc, începând cu al doilea rând. Nu să
stai chiar sus, grecii au mers la teatru pana in zori. Au luat cu ei un pachet cu
plăcinte și un balon cu vin, o haină de ploaie caldă, o pernă care era pusă sub
pe o bancă de piatră. Teatrul era rareori pe jumătate gol.
Majoritatea spectatorilor erau bărbați - cetățeni și greci în vizită.
Femeile, ocupate constant cu treburile casnice, au participat semnificativ la teatru

mai rar decât bărbații. Sclavii intrau în teatru doar ca servitori însoțitori

creştere. Deoarece trăsăturile faciale ale actorilor erau puțin vizibile din ultimele rânduri

Aristofan exprimă interesele țărănimii attice și ale păturilor mijlocii

Spectacolele de teatru împreună cu Jocurile Olimpice au fost favorite
ochelari ale elenilor.

Sofocle (n. c. 497-d. 406 î.Hr.) este un mare dramaturg grec antic. Creată
în epoca celei mai mari înfloriri a democraţiei sclavagiste ateniene şi a acesteia
cultură. Împreună cu Pericle, Sofocle a fost ales strateg (440-439 î.Hr.), adică.
conducători militari. Alături de Eschil și Euripide, Sofocle a creat și dezvoltat
tragedie antică clasică; a crescut numărul de piese de teatru
actori de la 2 la 3, părți corale reduse față de dialog și acțiune,
a introdus peisaje, a îmbunătățit măștile. Dintre cele scrise de Sofocle, mai mult de 120
s-au păstrat piese de teatru, 7 tragedii și peste 90 de fragmente, printre care - un fragment
drama satirică Pathfinders. Popularitatea lui Sofocle în Atena
este confirmat de faptul că la concursurile de teatru a primit de 18 ori premiul I
premiu și niciodatănu a ocupat locul trei. Tema tragediilor lui Sofocle, îndeaproape
asociate cu subiecte mitologice. Se caracterizează dramele lui Sofocle
armonie compozițională, proporționalitate a părților, subordonare strictă a privatului
general – idee artistică. Sofocle dezvăluie sincer din punct de vedere psihologic
lumea interioară a personajelor lor. Opera lui Sofocle a avut o mare influență asupra
literatura mondială încă din Renaștere.
Concluzie.
Cea mai importantă etapă în dezvoltarea teatrului a fost cultura teatrală a antichității,
În Grecia antică, un teatru a fost creat pe baza tradițiilor populare și a unui nou
ideologie umanistă. Teatrul a ocupat un loc important în viața publică
orașele-stat democratice din Grecia antică. Dezvoltarea lui a fost
este indisolubil legată de perioada de glorie a dramei grecești. Spectacole de teatru grecesc
care făceau parte din festivitățile naționale organizate de stat,
reflecta cele mai importante probleme ale vieţii publice.

Pentru orice persoană modernă, teatrele au devenit o parte integrantă a agrementului cultural planificat. Și mulți sunt interesați de istoria apariției teatrului, pentru că a fost o perioadă în care nu existau teatre? Este greu de reținut când a fost, deoarece primele teatre au apărut în comunitățile primitive.

În acele vremuri îndepărtate, oamenii încă nu înțelegeau de ce ploua, de ce s-a răcit brusc și cum erau vinovați în fața Atotputernicului că a trimis zăpadă sau ploaie abundentă. Pentru ca nimic să nu-i amenințe, au încercat să țină o ceremonie teatrală înainte de fiecare eveniment important. Informațiile despre astfel de evenimente ne-au oferit ocazia să înțelegem cum a apărut teatrul și de ce i s-a acordat atâta atenție.

De la primitiv la modern

Teatrul primitiv, desigur, nu era ca producțiile moderne. Nu a fost vorba de profesionalism sau de talent aici - oamenii au încercat să teatralizeze evenimentele așa cum au simțit, punând sufletul și toate experiențele lor în fiecare eveniment. Ei credeau sincer că, cu cât își pot prezenta mai emoțional devotamentul, cu atât recolta va fi mai bună, de exemplu. Toate acestea au fost însoțite de muzică și cântece improvizate.

Mai târziu, undeva în mileniul III î.Hr. în Egipt, s-au organizat deja scenete teatrale mai organizate despre patronii artizanilor și fermierilor. Grecia a devenit locul de naștere al spectacolelor de carnaval, care erau organizate în principal în aer liber. Aici erau populare teatrele populare. Actorii aproape întotdeauna trebuiau să poarte măști.

Renașterea - în această perioadă au fost puse în scenă în principal spectacole de comedie. Au fost puse în scenă în piețele orașului și mulți oameni s-au adunat pentru a urmări spectacolul.

Undeva la sfârșitul secolului al XVI-lea. - la începutul secolului al XVII-lea, opera a recunoscut în lume, iar abia mai târziu, pe la jumătatea secolului al XVIII-lea, a apărut baletul, primele operete au apărut abia la mijlocul secolului al XIX-lea.

Producțiile din anii trecuți astăzi

Vorbind despre teatrul secolelor al XVIII-lea și al XIX-lea, vorbim deja despre spectacole și producții la care au participat actori talentați. Au fost puse în scenă și teatrele în sine erau radical diferite de cele primitive și de Renaștere. Așadar, de la sfârșitul secolului al XIX-lea, a venit la noi o producție magnifică a baletului Spărgătorul de nuci. Și în acele zile, și acum nu erau disponibile pentru toată lumea. Acest lucru se datorează, desigur, popularității mari și în continuă creștere a producției. Dacă mai devreme doar elita, doamnele și domnii nobili își puteau permite un astfel de lux precum teatrul, astăzi sunt la îndemâna tuturor. În ciuda hype-ului în jurul biletelor, oamenii continuă să găsească modalități alternative de a cumpăra bilete. Deci, de exemplu, le puteți comanda pe site-ul nostru. Acest lucru vă va scuti de cozi și situații neplăcute neprevăzute.

Astăzi, teatrul a căpătat un alt aspect. A devenit un simbol și mândrie în fiecare țară. Ansamblurile arhitecturale, designul decorativ și sălile spațioase, portretele poeților celebri, regizorilor și creatorilor de teatru, de regulă, împodobesc întotdeauna sala. Pe scena modernă, vedem adesea spectacole care au fost montate pentru prima dată sub țar. Da, au suferit unele ajustări, poate în unele au fost introduse mai multe evenimente reale, iar undeva directorii artistici au decis să adauge acompaniamentul muzical, îmbinând opera cu baletul. Dar, cu toate acestea, acest lucru încă confirmă că teatrul a existat întotdeauna în trecut, iar în viitor va atrage atenția publicului, chiar dacă pe scenă este prezentată un spectacol din secolul trecut - aceasta este istoria noastră și pentru mulți. este o componentă importantă a formării culturii şi tradiţiilor.

Teatru (greacă θέατρον - sensul principal este un loc pentru spectacole, apoi - un spectacol, din θεάομαι - Mă uit, văd) - o formă de artă spectaculoasă, care este o sinteză a diferitelor arte - literatură, muzică, coregrafie, voce, arte plastice și altele și are propriul specific: reflectarea realității, a conflictelor, a personajelor, precum și interpretarea și evaluarea acestora, aprobarea unor idei aici are loc prin acțiune dramatică, purtătorul principal al căruia este actorul.

Conceptul generic de „teatru” include diversele sale tipuri: teatru de dramă, operă, balet, păpuși, teatru de pantomimă etc.

În orice moment, teatrul a fost o artă colectivă; în teatrul modern, pe lângă actori și regizorul (dirijor, coregraf), scenograful, compozitorul, coregraful, precum și recuzita, designerii de costume, artiștii de machiaj, muncitorii de scenă și iluminatorii participă la crearea teatrului modern. performanta.

Dezvoltarea teatrului a fost întotdeauna inseparabilă de dezvoltarea societății și a stării culturii în ansamblu - perioada de glorie sau declinul său, predominarea anumitor tendințe artistice în teatru și rolul său în viața spirituală a țării au fost asociate cu particularitățile dezvoltării sociale.

TEATRUL (din grecescul theatron - locuri pentru un spectacol, spectacol), principalul tip de artă spectaculoasă. Conceptul generic de teatru este împărțit în tipuri de artă teatrală: teatru de teatru, operă, balet, teatru de pantomimă etc. Originea termenului este legată de teatrul antic grecesc antic, unde scaunele din auditoriu erau numite astfel (de la verbul grecesc „teaomai” - mă uit). Cu toate acestea, astăzi sensul acestui termen este extrem de divers. În plus, este utilizat în următoarele cazuri:

1. Un teatru este o clădire special construită sau adaptată pentru a prezenta spectacole („Teatrul este deja plin, boxele strălucesc” A.S. Pușkin).

2. O instituție, o întreprindere angajată în spectacole, precum și întreaga echipă a angajaților săi care oferă închiriere de spectacole de teatru (Teatrul Mossovet; tururi ale Teatrului Taganka etc.).

3. Ansamblu de lucrări dramatice sau scenice structurate după unul sau altul principiu (teatrul lui Cehov, teatrul renascentist, teatrul japonez, teatrul lui Mark Zaharov etc.).

4. Într-un sens învechit (păstrat doar în argoul profesional teatral) - scenă, scenă („Sărăcia nobilă este bună numai la teatru” A.N. Ostrovsky).

5. În sens figurat - locul oricăror evenimente în desfășurare (teatru de operațiuni militare, teatru anatomic).

Ca orice altă formă de artă (muzică, pictură, literatură), teatrul are propriile sale particularități. Această artă este sintetică: o operă (performanță) teatrală este formată din textul piesei, opera regizorului, actorului, artistului și compozitorului. Muzica joacă un rol decisiv în operă și balet.

Teatrul este o artă colectivă. Spectacolul este rezultatul activității multor oameni, nu doar a celor care apar pe scenă, ci și a celor care coase costume, fac recuzită, pun lumina, întâlnesc publicul. Nu e de mirare că există o definiție a „muncitorilor atelierului de teatru”: un spectacol este atât creativitate, cât și producție.

Teatrul oferă propriul mod de a înțelege lumea înconjurătoare și, în consecință, propriul set de mijloace artistice. Spectacolul este atât o acțiune specială jucată în spațiul scenei, cât și o gândire figurativă deosebită, diferită, să zicem, de muzică.

Spectacolul de teatru se bazează pe un text, cum ar fi o piesă pentru un spectacol dramatic. Chiar și în acele producții scenice în care cuvântul ca atare este absent, textul este necesar; în special, baletul și, uneori, pantomima are un scenariu - un libret. Procesul de lucru la un spectacol constă în transferul textului dramatic pe scenă - acesta este un fel de „traducere” dintr-o limbă în alta. Ca urmare, cuvântul literar devine cuvântul de scenă.

Primul lucru pe care privitorul îl vede după ce cortina se deschide (sau se ridică) este spațiul scenic în care este plasat decorul. Ele indică locul acțiunii, timpul istoric, reflectă savoarea națională. Cu ajutorul construcțiilor spațiale, chiar și starea de spirit a personajelor poate fi transmisă (de exemplu, într-un episod de suferință a eroului, scufundați scena în întuneric sau strângeți fundalul acesteia cu negru). În timpul acțiunii, cu ajutorul unei tehnici speciale, decorul este schimbat: ziua este transformată în noapte, iarna în vară, strada în cameră. Această tehnică a evoluat odată cu gândirea științifică a omenirii. Mecanismele de ridicare, scuturile și trapele, care în antichitate erau acționate manual, sunt acum ridicate și coborâte electronic. Lumânările și lămpile cu gaz sunt înlocuite cu lămpi electrice; laserele sunt adesea folosite.

Chiar și în antichitate, s-au format două tipuri de scenă și auditoriu: scena box și scena amfiteatru. Scena de box oferă etaje și tarabe, iar publicul înconjoară scena amfiteatrului din trei părți. Acum în lume sunt folosite ambele tipuri. Tehnologia modernă face posibilă schimbarea spațiului teatral - amenajarea unei platforme în mijlocul auditoriului, pentru a așeza spectatorul pe scenă și pentru a juca spectacolul în sală.Clădirii teatrului i s-a acordat întotdeauna o mare importanță. Teatrele erau construite de obicei în piața centrală a orașului; arhitecții și-au dorit ca clădirile să fie frumoase, să atragă atenția. Venind la teatru, spectatorul renunță la viața de zi cu zi, parcă s-ar ridica deasupra realității. Prin urmare, nu întâmplător o scară decorată cu oglinzi duce adesea în hol.

Muzica ajută la sporirea impactului emoțional al unui spectacol dramatic. Uneori sună nu numai în timpul acțiunii, ci și în timpul pauzei - pentru a menține interesul publicului. Persoana principală din piesă este actorul. Privitorul vede în fața lui o persoană, transformată în mod misterios într-o imagine artistică - un fel de operă de artă. Desigur, o operă de artă nu este interpretul însuși, ci rolul său. Ea este creația unui actor, creată de voce, nervi și ceva imperceptibil - spirit, suflet. Pentru ca acțiunea de pe scenă să fie percepută în ansamblu, este necesar să o organizăm gânditor și consecvent. Aceste îndatoriri în teatrul modern sunt îndeplinite de regizor. Desigur, multe depind de talentul actorilor din spectacol, dar cu toate acestea, aceștia sunt supuși voinței liderului - regizorului. Oamenii, ca acum multe secole, vin la teatru. Din scenă se aude textul pieselor, transformat de forțele și sentimentele interpreților. Artiștii își conduc propriul dialog - și nu numai verbal. Aceasta este o conversație despre gesturi, posturi, priviri și expresii faciale. Fantezia decoratorului cu ajutorul culorii, luminii, structurilor arhitecturale de pe site face ca spațiul scenei să „vorbească”. Și totul împreună este închis într-un cadru strict al intenției regizorului, care conferă elementelor eterogene completitudine și integritate.

Spectatorul evaluează în mod conștient (și uneori inconștient, parcă împotriva voinței sale) actoria și regia, conformitatea soluției spațiului teatral cu planul general. Dar principalul este că el, privitorul, se alătură artei, spre deosebire de altele, create aici și acum. Înțelegând sensul spectacolului, el înțelege sensul vieții. Istoria teatrului continuă.

Tipuri și genuri de artă teatrală

VAUDEVILLE - un fel de poziție de comedie cu cântece, cuplete și dansuri. Originar din Franța; de la începutul secolului al XIX-lea. a primit o distribuție europeană. Moștenește cele mai bune lucrări de distracție fierbinte, reflectare actuală a realității.

DRAMA este unul dintre genurile principale de dramaturgie de la Iluminism, care descrie lumea unei persoane reale în relația sa extrem de conflictuală, dar nu fără speranță, cu societatea sau cu sine însuși. În secolul XX. drama s-a remarcat printr-un conținut serios, a reflectat diverse aspecte ale vieții umane și ale societății și a explorat psihologia umană.

COMEDIA este un tip de dramă în care acțiunea și personajele sunt interpretate în forme comice. Ca și tragedia, s-a născut în Grecia antică din riturile care însoțeau procesiunile în cinstea zeului Dionysos. Comedia, care explorează cu sobru natura umană, ridiculizează viciile și iluziile oamenilor. Cele mai bune exemple ale acestui gen se remarcă prin analiză fără compromisuri, claritate și curaj în ridiculizarea viciilor societății. Diferite țări au propriile lor versiuni de comedie. Cunoscute sunt comedia „învățată” a umaniștilor italieni și comedia spaniolă a lui Lope de Vega și Calderon, comedia engleză a Renașterii, comedia clasică franceză a Iluminismului și comedia realistă rusă. După principiul organizării acțiunii, se distinge o comedie de personaje, situații, idei. După tipul de intrigi, comediile pot fi cotidiene și lirice, prin natura comicului - umoristic, satiric.

MELODRAMA - o piesă cu o intriga ascuțită, o emotivitate exagerată, o opoziție tranșantă între bine și rău, o tendință morală și instructivă. A apărut la sfârșitul secolului al XVII-lea. în Franța, în Rusia - în anii 20. secolul al 19-lea

MIM este un gen de comedie în teatrul popular antic, scenete scurte de improvizație cu caracter satiric și distractive.

OPERA este un gen de artă muzicală și dramatică în care conținutul este întruchipat prin intermediul dramaturgiei muzicale, în principal prin muzică vocală. Baza literară a operei este libretul. În acest gen muzical, poezia și arta dramatică, muzica vocală și instrumentală, expresiile faciale, dansurile, pictura, decorurile și costumele sunt îmbinate într-un singur întreg.

MISTERUL este un gen de teatru religios medieval vest-european. Misterele erau prezentate în piețele orașelor. Scenele religioase din ele alternau cu interludii.

MONODRAMĂ - o lucrare dramatică interpretată de un actor.

MORALITE este un gen al teatrului vest-european din secolele XV-XVI, o dramă alegorică instructivă, ale cărei personaje personifica diverse virtuți și vicii.

MUSICAL - o operă muzicală și scenă, în principal de natură comică, care folosește mijloacele muzicii pop și de zi cu zi, artele dramatice, coregrafice și operistice, genul s-a format în Statele Unite la sfârșitul secolului al XIX-lea.

PARODIA - 1) un gen în teatru, pe scenă, o imitație conștientă în scopuri satirice, ironice și umoristice a unui mod individual, stil, stereotipuri de vorbire și comportament; 2) o asemănare distorsionată a ceva.

Pastorala este o operă, pantomimă sau balet, a cărui intriga este asociată cu o imagine idealizată a vieții unui cioban.

SOTI este un gen comedie-satiric al teatrului francez din secolele XV-XVII, un fel de farsă.

TRAGEDIA (tradus din greacă - „cântecul caprelor”) este un tip de dramă impregnat de patosul tragicului. În antichitate, a afișat viața imediată a personajelor unor evenimente tragice, acțiunea a prevalat asupra poveștii. În Renaștere, unitatea de acțiune, care era considerată obligatorie, a fost eliminată în piese, tragicul a fost adesea combinat cu comicul. În viitor, tragedia este strict reglementată: iarăși predomină unitatea de acțiune, loc și timp; există o separare între comic și tragic. Tragedia în forma sa cea mai pură este rară în teatrul modern. Tragedia se bazează pe conflicte sociale acute, probleme fundamentale ale vieții, ciocniri ale individului cu soarta și societatea. Un conflict tragic este de obicei rezolvat prin moartea eroului.

TRAGICOMEDIE - o lucrare dramatică care are trăsături atât de comedie, cât și de tragedie. Se bazează pe un simț al relativității criteriilor existente de viață; dramaturgul vede același fenomen atât în ​​acoperirea comică, cât și în cea tragică, ceea ce este caracteristic secolului al XX-lea.

FARS - 1) un tip de teatru popular medieval vest-european de comedii cotidiene cu caracter satiric care a existat în secolele XIV-XVI. Aproape de fastnachtspiel german, comedia italiană dell'arte etc.; 2) în teatrul secolelor XIX-XX. comedie-voudevil de conținut ușor cu dispozitive comice pur externe.

FEERIA - un gen de spectacole de teatru în care efectele scenice sunt folosite pentru scene fantastice. Originară în Italia în secolul al XVII-lea.

FLIAKI - spectacole de teatru popular în Grecia antică, întâlnite mai ales în secolele III-IV. î.Hr. în coloniile grecești: scurte glume-schițe improvizate din viața de zi cu zi despre aventurile vesele ale zeilor și ale eroilor.

2. Teatrul Greciei Antice.

Apariția teatrului în Grecia antică.

Teatrul este una dintre cele mai vechi arte. Originile sale se pierd în societatea primitivă. Teatrul a luat naștere din vânătoarea populară și din jocurile agricole, care sunt de natură magică. Crezând că imitația unui animal, aspectul și obiceiurile acestuia pot afecta rezultatul vânătorii, oamenii primitivi au pus în scenă dansuri îmbrăcați în piei de animale.

Odată cu apariția agriculturii, au apărut festivități pentru a sărbători recolta. La festivalul în cinstea lui Dionysos, zeul vinificației, viticultorii îmbrăcați în piei de capră au înfățișat diverse episoade din viața lui Dionysos, au cântat puterea viței de vie care dă bucurie.

Tragedia a apărut din acest cântec al oamenilor în piei de capră (tragos - în greacă „capră”).

Din aceleași sărbători dedicate lui Dionysos a apărut și comedia (din cuvântul komos – distracție nestăpânită). Comedia, spre deosebire de tragediile grave și jalnice, a stârnit râsete.

De-a lungul timpului, spectacolele de teatru grecesc și-au pierdut legătura cu venerarea zeului Dionysos, au povestit despre viața altor zei greci, eroi și, de asemenea, despre oameni obișnuiți.

Dispozitivul teatrului în Grecia antică.

Teatrele din Grecia antică erau construite în aer liber, pe versanții munților și dealurilor. Au fost proiectate pentru câteva mii și chiar pentru câteva zeci de mii de spectatori. Publicul s-a așezat pe bănci de piatră înălțate în pervazi cu fața unei platforme rotunde sau pătrate - o orchestră.

teatru grecesc. În centru se află orchestra. Pe ea, în dreapta și în stânga, este un cor, în mijloc este o statuie a lui Dionysos. Orchestra închide sköne - o cameră acoperită pentru schimbarea hainelor actorilor. Sunt trei actori în fața schenei. Desen de un artist modern conform săpăturilor teatrului grec. În centru se află orchestra. Pe ea, în dreapta și în stânga, este un cor, în mijloc este o statuie a lui Dionysos. Orchestra închide sköne - o cameră acoperită pentru schimbarea hainelor actorilor. Sunt trei actori în fața schenei. Desen de un artist modern conform săpăturilor

Pe orchestră erau actori și un cor îmbrăcat conform piesei.

În spatele orchestrei se afla un dressing pentru actori - skeshch (de unde și numele modern - scenă). În ea, actorii purtau halate și măști mari, viu colorate. Inițial, măștile erau din lemn, iar apoi din pânză impregnată cu tencuială și acoperită cu vopsea. Măștile au permis tuturor spectatorilor, chiar și celor care stăteau foarte departe, să vadă „expresia feței” corespunzătoare acțiunii - jale, suferind, strict, vesel. În plus, gura larg deschisă a măștii a creat un fel de muștiuc, amplificând vocea actorului.

Creșterea actorului a crescut cu ajutorul așa-numitelor coturns - sandale cu tălpi foarte groase. Rolurile femeilor în teatrul grecesc erau interpretate de bărbați.

Poeți tragici și comici în Grecia antică.

La Atena s-au organizat concursuri de poeți tragici și comici. Fiecare dintre ei a trebuit să scrie și să pună în scenă trei piese de teatru. Câștigătorul a primit o coroană de dafin veșnic verde. Poeți tragici greci renumiți din secolul al V-lea. î.Hr e. - Eschil, Sofocle și Euripide. Un participant la războaiele greco-persane, Eschil, în tragedia „Persani”, l-a condamnat pe despotul persan Xerxes pentru cruzime și voință proprie, a cântat curajul grecilor în lupta pentru libertatea patriei lor. Eroii multor tragedii ale lui Eschil sunt zei și semizei. În tragedia Chained Prometheus, eroul mitului, titanul Prometeu, este înfățișat ca un prieten dezinteresat și binefăcător al omenirii, un curajos luptător împotriva arbitrarului și violenței, întruchipat în imaginea lui Zeus.

În tragediile lui Sofocle, nu zeii acționează ca oameni. Tragedia „Antigona” înfățișează o femeie curajoasă care a vorbit împotriva deciziei nedreapte a regelui și a fost condamnată la moarte pentru aceasta. Antigone a îndeplinit cu curaj verdictul. După ce a murit, ea a câștigat, deoarece regele însuși s-a pocăit ulterior și i-a anulat, deși cu întârziere, sentința. Tragedia „Antigonei” a fost un apel pătimaș la umanitate, la fidelitate față de datorie, la dreptate.

Euripide a adus tragedia mai aproape de privitor, a făcut-o mai ușor de înțeles și mai relevant. Poetul ridică cu îndrăzneală întrebări de îngrijorare pentru mulți contemporani cu privire la nedreptatea inegalității femeilor. El înfățișează oamenii cu toate pasiunile, sentimentele și aspirațiile lor și îl arată pe actorul grec antic. Pe chipul lui este o mască tragică. Pe picioare sunt koturny. Figurină de fildeș, pictată cu vopsele Actor grec antic. Pe chipul lui este o mască tragică. Pe picioare sunt koturny. Figurină de fildeș, pictată cu culori așa cum sunt în viață.

Cel mai mare poet comic a fost Aristofan. În lucrările sale, el a expus cu răutate deficiențele democrației ateniene contemporane, expunând mulți dintre liderii ei într-un mod ridicol. Aristofan s-a opus aspru războaielor dintre greci, benefice doar pentru o mână de proprietari de sclavi, glorificați oameni de muncă pașnică. Multe dintre comediile lui Aristofan ridiculizează înșelăciunea, lăcomia și nedreptatea zeilor olimpici. Așadar, în comedia „Păsări” îl înfățișează pe Zeus ca un hoț și un înșelător, pe Poseidon ca pe un mită, pe Hercule ca pe un lacom. Comediile lui Aristofan s-au bucurat de un succes binemeritat în rândul oamenilor.

Sensul teatrului grecesc.

Teatrul era cea mai mare putere din statele grecești. Toți oamenii i-au ascultat pe autorii de tragedii și comedii. Cântecul corului din tragedia „Antigona” – „Sunt multe minuni pe lume, un om este mai minunat decât toate” – a devenit cântecul preferat al atenienilor.

Teatrul a fost numit „școală pentru adulți”. A crescut dragostea pentru patria, respectul pentru muncă, curaj și alte calități remarcabile, a observat neajunsuri în structura societății.

Teatrul grec a avut un impact imens asupra dezvoltării artei teatrale a popoarelor Europei moderne. Teatrul timpului nostru a împrumutat nu numai terminologia teatrului grec, ci și le-a datorat grecilor multe dintre caracteristicile și tehnicile sale. Piesele dramaturgilor greci antici, create cu peste două mii de ani în urmă, au influențat opera multor mari scriitori dramatici ai timpurilor moderne. În țara noastră și în alte țări, piesele lui Eschil, Sofocle și Euripide sunt încă în scenă. Printr-o decizie specială a Consiliului Mondial pentru Pace, toată omenirea progresistă a sărbătorit recent aniversarea lui Aristofan. Gândurile și sentimentele oamenilor dintr-o epocă îndepărtată, exprimate în tragediile și comediile grecilor, ne entuziasmează.

3. Creativitatea lui Eschil, Sofocle, Euripide, Aristofan.

Eschil

Eschil a fost adevăratul întemeietor al tragediei. Este autorul a peste șaptezeci de lucrări, dintre care doar șapte au ajuns la noi: Perși, Pledoarie, Șapte împotriva Tebei, Prometeu înlănțuit, Agamemnon, Choefhors, Eumenide. Toate piesele lui Eschil sunt impregnate de un puternic sentiment religios, se bazează pe conflictul dintre pasiunile umane și spiritualitate.

Eschil a fost fondatorul unei tragedii care a fost civilă în sunetul său ideologic, un contemporan și participant la războaiele greco-persane, un poet al timpului formării democrației la Atena. Motivul principal al operei sale este glorificarea curajului civic și a patriotismului. Unul dintre cei mai remarcabili eroi ai tragediilor lui Eschil este ireconciliabilul teomah Prometeu, personificarea forțelor creatoare ale atenienilor. Aceasta este imaginea unui luptător neînduplecat pentru idealuri înalte, pentru fericirea oamenilor, întruchiparea rațiunii, depășirea puterii naturii, simbol al luptei pentru eliberarea omenirii de tiranie, întruchipat în imaginea crudului și Zeus răzbunător, căruia Prometeu prefera chinul în locul slujirii sclavilor.

Sofocle

Sofocle a scris 125 de drame, dintre care șapte tragedii au supraviețuit: Antigona, Ajax, Oedip regele, Electra și altele. Potrivit lui Aristotel, Sofocle a portretizat oameni ideali, în timp ce Euripide i-a descris așa cum sunt în realitate. Euripide a fost mai mult un comentator decât un participant la evenimente, era profund interesat de psihologia feminină. Cele mai cunoscute dintre cele 19 lucrări care au ajuns până la noi sunt Medeea și Fedra.

O caracteristică a tuturor dramelor antice a fost corul, care a însoțit întreaga acțiune cu cântări și dansuri. Eschil a introdus doi actori în loc de unul, reducând părțile corului și concentrându-se pe dialog, care a fost un pas decisiv în transformarea tragediei din versurile corale pur imitate în dramă autentică. Jocul a doi actori a făcut posibilă creșterea tensiunii acțiunii. Apariția celui de-al treilea actor este o inovație a lui Sofocle, care a făcut posibilă conturarea diferitelor linii de comportament în același conflict.

Euripide

În tragediile sale, Euripide a reflectat criza ideologiei tradiționale polis și căutarea unor noi fundații ale viziunii asupra lumii. El a răspuns cu sensibilitate la problemele arzătoare ale vieții politice și sociale, iar teatrul său a fost un fel de enciclopedie a mișcării intelectuale a Greciei din a doua jumătate a secolului al V-lea. î.Hr e. În lucrările lui Euripide au fost ridicate diverse probleme sociale, au fost prezentate și discutate idei noi.

Critica antică l-a numit pe Euripide „un filozof pe scenă”. Poetul nu a fost, totuși, un susținător al unei anumite doctrine filozofice, iar opiniile sale nu erau consecvente. Atitudinea lui față de democrația ateniană era ambivalentă. L-a glorificat ca pe un sistem de libertate și egalitate, în același timp s-a speriat de biata „mulțime” de cetățeni, care în adunările populare rezolvă problemele sub influența demagogilor. Prin fir, prin toată opera lui Euripide, există un interes pentru individ cu aspirațiile sale subiective. Marele dramaturg a portretizat oamenii cu înclinațiile și impulsurile, bucuriile și suferințele lor. Cu toată munca sa, Euripide a făcut publicul să se gândească la locul lor în societate, la atitudinea lor față de viață.

Aristofan

Cel mai faimos autor al comediei a fost Aristofan, care a știut să-și îndrepte „săgețile” satirice împotriva politicienilor, scriitorilor și filozofilor contemporani. Cele mai izbitoare lucrări ale sale sunt Vispi, Broaște, Nori, Lisistrata. Eroii comediilor lui Aristofan nu sunt figuri legendare, ci locuitorii Atenei contemporani lui Aristofan: negustori, artizani, sclavi. Nu există o asemenea reverență față de zei în comedii ca în tragedii. Au fost uneori chiar ridiculizati.

Aristofan face o satiră îndrăzneață despre starea politică și culturală a Atenei într-un moment în care democrația începe să treacă printr-o criză. Comediile sale reprezintă diverse pături ale societății: oameni de stat și generali, poeți și filozofi, țărani și războinici, locuitori ai orașului și sclavi. Aristofan realizează efecte comice ascuțite, conectând realul și fantasticul și aducând ideea ridiculizată până la absurd. Aristofan are un limbaj flexibil și plin de viață, uneori apropiindu-se de obișnuit, alteori foarte grosolan și primitiv, alteori parodic-elevat și bogat în formațiuni de cuvinte comice neașteptate.

Științele și literatura Greciei Antice au fost create de oameni liberi, înzestrați cu o percepție poetică și mitologică a lumii. În tot ceea ce înțelegea grecul, el a descoperit armonia, fie universul, fie persoana umană. În percepția sa mitologică, grecul spiritualiza tot ceea ce îi atingea conștiința. Armonia și spiritualitatea sunt cele care determină integritatea și integritatea culturii grecești și, în primul rând, a artei.

4. Teatrul Romei Antice.

În secolele III-II î.Hr. e. teatrul joacă un rol important la Roma, intrigile pieselor sunt împrumutate de la greci, dar personajele sunt de origine romană.

Teatrul roman a apărut când sistemul patriarhal-tribal s-a descompus. Nu cunoștea formele de dans public ale teatrului grecesc și nu se baza pe spectacolele de amatori ale populației urbane. Teatrul roman a fost imediat profesionist.

Teatrul roman nu era asociat cu cultul unei zeități, ca în Grecia, deci nu avea aceeași semnificație socială. Actorii nu erau respectați, ci oamenii disprețuiesc. Erau recrutați dintre sclavi și liberi și puteau fi bătuți pentru performanțe slabe. Spectacolele erau organizate în cinstea sărbătorilor legale, precum și oricând la inițiativa unuia dintre nobilii cetățeni.

Multă vreme nu au existat clădiri permanente de teatru în Roma.

Pentru spectacole s-au construit structuri temporare speciale din lemn, care au fost sparte la finalul spectacolului. Platforma scenei era o platformă de lemn ridicată deasupra solului cu jumătate de înălțime umană. Trei scări înguste de mai multe trepte duceau la ea - personaje care veneau (conform intrigii) din alt oraș au urcat pe ele. Fundalul era peretele din spate al cabinei cu o perdea. Au fost amenajate bănci pentru public, dar uneori era permis să vizioneze spectacolele doar stând în picioare, așa că au jucat destul de mult timp, inclusiv comediile lui Plautus.

Cu toate acestea, odată cu dezvoltarea dramaturgiei, a crescut și nevoia de a face schimbări în performanță. Necesitatea construirii unui teatru special permanent la Roma a fost discutată de senat. Cu toate acestea, Senatul credea că teatrul răsfață tinerii și corupe femeile - și în 154 a oprit construcția unui teatru de piatră care începuse cu câțiva ani în urmă.

Primul teatru permanent de piatră a fost construit în jurul anului 55 î.Hr. comandantul Gnaeus Pompei cel Mare și a găzduit 17 mii de spectatori.

Teatrul roman era diferit de cel grecesc. Dimensiunea orchestrei a fost redusă la jumătate, s-a transformat într-un semicerc. (în teatrul elenistic orchestra ocupa trei sferturi de cerc).

Etruscii și romanii, ca toate popoarele, aveau cântece și jocuri rituale și de cult, a existat și un teatru de comedie populară, provenind de la teatrul etrusc de histrioni, teatrul popular din atelana (din orașul Atella) cu măști de actor constant. era aproape de mimul grecesc: prostul Bukkon, prostul Mack, nebunul Papp, vicleanul Dossen. Întrucât spectacolul teatral nu era asociat cu cultul unei zeități, ci era programat să coincidă cu sărbători, spectacole de circ, lupte cu gladiatori, triumfuri și înmormântări ale oamenilor de stat, consacrari ale templelor, teatrul roman era de natură funcțională aplicată. Republica Romană, și cu atât mai mult imperiul, a fost un stat oligarhic, așa că și dezvoltarea vieții culturale a mers diferit, ceea ce a afectat și teatrul. Nu putea să prindă rădăcini adânci în asemenea condiții. Altfel decât în ​​Grecia, a fost statutul actorului. Spre deosebire de grec, el nu era un membru cu drepturi depline al societății și profesia lui era disprețuită.

Organizarea teatrului roman avea propriile sale caracteristici. Corul nu a participat la spectacol, actorii nu au purtat măști. Problemele dramaturgiei romane nu s-au ridicat la culmile morale ale Greciei antice. Lucrările a doar doi dramaturgi au supraviețuit până în vremea noastră: Plautus și Terence, comedianți, dintre care unul provenea din păturile inferioare ale societății, iar celălalt era un sclav eliberat de proprietar pentru talentul său. Intriga comediilor lor au fost extrase din piesele comediei neo-mansardă, protagonistul lor este un sclav iscusit. Genul tragic este reprezentat doar de operele lui Seneca, filozoful stoic care a scris piese de teatru pe subiecte mitologice pentru un cerc restrâns al elitei, iar acestea, strict vorbind, nu au nicio legătură cu teatrul.

Odată cu înființarea Imperiului Roman, pantomimele s-au răspândit. Cu toate acestea, dramaturgia romană a avut o mare influență asupra dramaturgiei noului timp al perioadei clasicismului: Corneille, Racine (în Europa post-antica, limba greacă era cunoscută de câțiva).

5. Organizarea spectacolelor de teatru în Grecia Antică și Roma Antică.

La Roma, ca și în Grecia, spectacolele de teatru aveau loc neregulat, dar erau programate pentru a coincide cu anumite sărbători. Până la mijlocul secolului I. î.Hr. nu a fost construit nici un teatru de piatră la Roma. Spectacolele s-au susținut în structuri din lemn, care au fost demontate după finalizarea lor. Inițial, în Roma nu existau locuri speciale pentru spectatori, iar aceștia urmăreau „jocuri de scenă” stând sau stând pe panta dealului adiacent scenei.

Primul teatru de piatră din Roma a fost construit de Pompei în timpul celui de-al doilea consulat, în anul 55 î.Hr. După el, la Roma au fost construite și alte teatre de piatră.

Trăsăturile clădirii teatrului roman erau următoarele: scaunele pentru spectatori erau exact un semicerc; orchestra semicirculară nu era destinată corului (nu mai era în teatrul roman), ci era un loc pentru spectatori privilegiați; scena era joasă și adâncă.

Producțiile teatrului roman erau spectaculoase și erau destinate mai ales spectatorilor plebei. „Pâine și circ”, acest slogan a fost foarte popular în rândul oamenilor de rând din Roma. La originile teatrului roman au fost oameni de rang inferior și liberi.

Una dintre sursele spectacolelor de teatru din Roma au fost cântecele populare. Acestea includ fescenine - rime caustice, malefice, care erau folosite de sătenii deghizat în timpul sărbătorilor recoltei. Multe au venit la teatru de la atellana, o comedie populară de măști care își are originea printre triburile oscilor care locuiau în Italia lângă orașul Atella.

Atellana a adus măști consacrate în teatrul roman, având originile în vechile jocuri saturniene etrusce desfășurate în onoarea vechiului zeu italic Saturn. Erau patru măști în atellan: Makk - un prost și un lacom, Bukk - un lăudăros prost, vorbăreț și nebun, Papp - un bătrân nebun și rustic și Dossen - un om de știință șarlatan urât. Această companie drăguță a amuzat oamenii cinstiți de multă vreme.

Este necesar să numim un alt tip străvechi de acțiune dramatică - mima. Inițial, a fost o improvizație grosolană, interpretată la sărbătorile italiene, în special la festivalul de primăvară de la Floralia, iar mai târziu mimul a devenit un gen literar.

La Roma erau cunoscute mai multe genuri de spectacole dramatice. Chiar și poetul Gnaeus Nevius a creat așa-numitul pretextu-tragedie, ale cărei personaje purtau pretextul - hainele magistraților romani.

Comedia la Roma a fost reprezentată de două tipuri; comedie togata si comedie palliata. Prima este o piesă veselă bazată pe material local itelian. Personajele ei erau oameni de un rang simplu. Togata și-a primit numele de la îmbrăcămintea romană superioară - toga. Autorii unor astfel de comedii Titinius, Aphranius și Atta ne sunt cunoscuți doar din fragmente separate care au supraviețuit. Numele comediei pallita a fost asociat cu o mantie greacă scurtă - pallium. Autorii acestei comedii s-au orientat în primul rând către moștenirea creativă a dramaturgilor greci, reprezentanți ai comediei neo-atice - Menander, Filemon și Diphilus. Comedianții romani combinau adesea scene din diferite piese grecești într-o singură comedie.

Cei mai cunoscuți reprezentanți ai comediei palliata sunt dramaturgii romani Plautus și Terence.

Plautus, căruia teatrul mondial îi datorează multe descoperiri artistice (muzica a devenit parte integrantă a acțiunii, a sunat atât în ​​scene lirice, cât și în cele comice), a fost o personalitate universală: a scris textul, a jucat în spectacole pe care el însuși le-a pus în scenă (" Măgari”, „Oala”, „Războinic lăudăros”, „Amphitrion”, etc.). A fost un cu adevărat artist popular, ca și teatrul lui.

Terence este cel mai interesat de conflictele familiale. Alungă farsele grosolane din comediile sale, le face rafinate în limbaj, în forme în care se exprimă sentimentele omenești („Fata din Andos”, „Frații”, „Soacra”). Nu întâmplător, în Renaștere, experiența lui Terence a fost atât de utilă noilor maeștri ai dramei și teatrului.

Criza din ce în ce mai mare a dus la faptul că dramaturgia romană antică fie a căzut în decădere, fie a fost realizată în forme care nu aveau de fapt legătură cu teatrul. Așa că cel mai mare poet tragic al Romei, Seneca, își scrie tragediile nu pentru prezentare, ci ca „drame pentru lectură”. Dar atellana continuă să se dezvolte, numărul măștilor ei este completat. Producțiile ei au tratat adesea probleme politice și sociale. Tradițiile atellanei și mimei, de fapt, nu au murit niciodată în rândul oamenilor; ele au continuat să existe în Evul Mediu și în Renaștere.

La Roma, priceperea actorilor a atins un nivel foarte înalt. Tragicul actor Esop și actorul său comic contemporan Roscius (secolul I î.Hr.) s-au bucurat de dragostea și respectul publicului.

Teatrul lumii antice a devenit parte integrantă a experienței spirituale a întregii omeniri, a pus multe în baza a ceea ce numim astăzi cultura modernă.

6. Teatrul Evului Mediu. Teatru religios și popular

Istoria teatrului medieval este o secțiune culturală a unei întregi epoci (Evul Mediu - epoca sistemului feudal, secolele V-XVII), care poate fi folosită pentru a studia conștiința unei persoane medievale. În această conștiință, bunul simț al oamenilor și cele mai bizare superstiții, zelul credinței și batjocorirea dogmelor bisericești, dragostea spontană de viață, pofta de lucruri pământești și asceza severă implantată de biserică erau contradictorii. Adesea, principiile populare, realiste, intrau în conflict cu ideile religioase idealiste, iar „pământeanul” a prevalat asupra „cerului”. Și teatrul medieval însuși s-a născut în straturile adânci ale culturii populare.

Chiar și la sfârșitul Evului Mediu timpuriu, pe piețele și străzile orașelor și în tavernele zgomotoase apăreau amuzanți rătăcitori - histrionii. În Franța erau numiți jongleri, în Anglia - menestreli, în Rusia - bufoni. Histrionul iscusit era teatrul unui actor. Era un magician și un acrobat, un dansator și un muzician, putea să arate un spectacol cu ​​o maimuță sau un urs, să joace o scenă comică, să meargă pe roată sau să spună o poveste uimitoare. În aceste povești și spectacole a trăit spiritul vesel al târgului, o glumă liberă.

Și mai obrăzătoare era arta soților Vagantes. Aici domneau parodia și satira. Vaganții, sau „clericii rătăcitori”, sunt seminariști pe jumătate educați și preoți disprețuiți. Pe motivele imnurilor bisericești, aceștia au cântat laudele lui „Bacchus cel atotbăutul”, au parodiat rugăciuni și slujbe bisericești. Histrioni și vaganți, persecutați de biserică, s-au unit în frății, atrăgând cei mai diverși oameni. Așa a fost, de exemplu, în Franța „Frăția copiilor fără griji” condusă de Prințul Nebunilor. „Băieții” au jucat acțiuni „prostice” amuzante (soti), în care totul și toată lumea a fost ridiculizat, iar biserica a apărut sub chipul Mamei Proaste.

Biserica i-a persecutat pe histrioni și vaganți, dar a fost neputincioasă să distrugă dragostea oamenilor pentru spectacolele de teatru. În efortul de a face slujba bisericească - liturghia - mai eficientă, clerul însuși a început să folosească forme teatrale. Există o dramă liturgică bazată pe scene din Sfintele Scripturi. Se juca în templu, iar mai târziu pe pridvor sau în curtea bisericii. În secolele XIII-XIV. apare un nou gen de spectacol teatral medieval – miracolul („miracol”). Intrigile minunilor sunt împrumutate din legendele despre sfinți și despre Fecioara Maria. Una dintre cele mai cunoscute este „Minunea despre Teofil” a poetului francez din secolul al XIII-lea. Rutbef.

Punctul culminant al teatrului medieval - mister.

Acest gen a înflorit în secolul al XV-lea. Aproape întreaga populație a orașului a participat la mistere: unii - ca actori (până la 300 sau mai mulți oameni), alții - ca spectatori. Spectacolul a fost programat să coincidă cu târgul, pentru ocazie solemnă, și s-a deschis cu o procesiune colorată de cetățeni de toate vârstele și clasele. Comploturile au fost luate din Biblie și Evanghelie. Acțiunile s-au desfășurat de dimineața până seara timp de câteva zile. Pavilioanele au fost construite pe o platformă de lemn, fiecare având propriile evenimente. La un capăt al platformei se afla un Paradis bogat decorat, la capătul opus - Iadul cu gura deschisă de dragon, instrumente de tortură și un cazan uriaș pentru păcătoși. Peisajul din centru era extrem de laconic: inscripția de deasupra porții „Nazaret” sau un tron ​​aurit era suficientă pentru a desemna un oraș sau un palat. Pe scenă au apărut profeți, cerșetori, diavoli conduși de Lucifer... În prolog au fost înfățișate sferele cerești, unde Dumnezeu Tatăl stătea înconjurat de îngeri și figuri alegorice - Înțelepciunea, Mila, Dreptatea etc. Apoi acțiunea s-a mutat la pământul și dincolo - în Iad, unde Satana a prăjit sufletele păcătoase. Drepții au ieșit în alb, păcătoșii - în negru, dracii - în colanți roșii, pictați cu „fețe” groaznice.

Cele mai patetice momente din spectacole au fost asociate cu Maica Domnului îndurerată și suferința lui Isus. Misterul avea și propriile personaje comice: bufonii, cerșetorii, diavolii, cărora le era frică, dar adesea păcăliți. Pateticul și comicul au coexistat fără a se amesteca unul cu celălalt. Evenimente dezvoltate cu cea mai mare atenție și intervenție a forțelor superioare și inferioare. Raiul, pământul și lumea interlopă formau o lume imensă, iar o persoană din această lume era atât un grăunte de nisip, cât și un centru - la urma urmei, forțe mult mai puternice decât el au luptat pentru sufletul său. Cele mai populare au fost misterele lui Arnoul Greban, precum și una dintre rarele lucrări pe o temă lumească - „Misterul asediului Orleansului”, care a recreat evenimentele Războiului de o sută de ani (1337-1453) dintre Anglia și Franta si isprava fecioarei din Orleans - Ioana d'Arc, care a condus lupta poporului francez impotriva invadatorilor englezi si apoi tradata de regele francez, caruia i-a intors tronul.Fiind un spectacol public, adresat unui public de masa , misterul exprima atât principii populare, pământești, cât și un sistem de idei religioase și bisericești.Această inconsecvență internă a genului l-a condus la declin și, ulterior, a servit drept motiv pentru interzicerea sa de către biserică.

Un alt gen popular a fost moralitatea. Ei par să fi înflorit din mistere și au devenit piese independente cu un caracter instructiv. S-au jucat pilde despre „Prudent și Irezonabil”, despre „Drepți și Petrecătorul”, unde primul ia drept tovarăși de viață Rațiunea și Credința, a doua - Neascultarea și Desfrânarea. În aceste pilde, suferința și blândețea sunt răsplătite în rai, în timp ce împietrirea inimii și avariția duc la Iad.

Au jucat moralitatea pe scena farsei. Era ceva ca un balcon, unde prezentau imagini vii ale sferelor cerești - îngeri și zeul Sabaoth. Figuri alegorice, împărțite în două tabere, au apărut din părți opuse, formând grupuri simetrice: Credința - cu crucea în mâini, Speranța - cu o ancoră, Avariția - cu o pungă de aur, Încântarea - cu o portocală și Lingușirea avea un coada de vulpe cu care mângâia Prostia.

Morala este o dispută în chipuri, jucată pe scenă, un conflict exprimat nu prin acțiune, ci printr-o dispută între personaje. Uneori, în scenele care vorbeau despre păcate și vicii, apărea un element de farsă, satiră socială, suflarea mulțimii și „spiritul liber al pieței” (A. S. Pușkin) pătrundea în ele.

În teatrul de pătrat, fie că este vorba de un mister, moralitatea, sotia sau reprezentația de histrioni, s-au reflectat dragostea de viață a unei persoane medievale, îndrăzneala sa veselă și setea de minune, credința în biruința binelui și a dreptății.

Și nu întâmplător, în secolul al XX-lea. interesul pentru teatrul medieval este în creștere. Dramaturgii și regizorii sunt atrași de atractia sa către mase, de distincția clară între bine și rău inerentă conștiinței oamenilor, de acoperirea „universală” a evenimentelor, de tendința spre o pildă, de o metaforă vie „afișului”. Poetica acestui spectacol popular este folosită de V. E. Meyerhold atunci când pune în scenă piesa lui V. V. Mayakovsky „Mystery-Buff”. În Germania, jocul-parabola este aprobată de B. Brecht. La începutul anilor 60-70, în timpul mișcării de protest studențesc, L. Ronconi în Italia l-a pus în scenă pe L. Ariosto în piața Rolandului Furios, iar în Franța A. Mnushkin a pus în scenă spectacole ale Marii Revoluții Franceze („1789”, „1791”). Tradiția teatrală antică, așa cum spune, capătă o nouă viață, conectându-se cu căutările lucrătorilor de teatru modern.

Genuri de teatru religios medieval

În secolul al IX-lea se naște primul gen de teatru religios medieval - dramă liturgică. Această reprezentație teatrală a făcut parte din serviciul divin (liturghie).

Motivele apariției acestui gen, cel mai probabil, sunt legate de dorința preoților de a atrage cât mai mulți oameni la religie, de a face închinarea (în Evul Mediu, slujbele creștine se țineau în latină) mai ușor de înțeles pentru analfabeți. oamenii de rând.

Drama liturgică s-a născut din tropul bisericesc - o transcriere dialogată a textului evanghelic, care de obicei se termina cu cântare. După el, liturghia a continuat ca de obicei.

Prima dramă liturgică este scena celor trei Marie care vin la mormântul Domnului. Această dramă a fost jucată de Paște. Complotul ei a constat în faptul că Maria (preoți care își puneau eșarfe pe umeri, denotă hainele femeilor) a venit la mormânt, în care trebuia să zacă trupul lui Hristos răstignit pentru a-l unge cu smirnă. Cu toate acestea, în mormânt s-au întâlnit cu un înger (un tânăr preot într-o haină albă). În această scenă au apărut deja dialoguri și răspunsuri individuale (între înger și Marie), ceea ce ne permite să spunem că această acțiune a fost prima dramă liturgică.

Punerea în scenă a dramei liturgice a fost organizată chiar de preoți. Spectacolele au avut loc în templu.

În stadiul inițial al existenței sale, drama liturgică s-a învecinat strâns cu liturghia, textul acesteia coincizând complet cu textul slujbei, atât ca conținut, cât și ca stil. Drama liturgică era interpretată în limba latină și era impregnată de o stare de spirit solemnă, ca și liturghia. „Actorii” și-au recitat cântec cuvintele.

Treptat, drama devine din ce în ce mai izolată de serviciu. Apar două cicluri independente ale dramei liturgice - cel de Crăciun (a cuprins episoade: alaiul păstorilor care prefigurau nașterea lui Hristos, adorarea magilor, scena mâniei regelui Irod, care a ordonat uciderea tuturor pruncilor). la Betleem) și Paște (a cuprins episoade legate de învierea lui Hristos).

În timp, drama liturgică se dezvoltă și de la statică și simbolică la efectivă. Elementele de uz casnic încep să prindă rădăcini în ea.

Creată inițial pentru a face cultul mai ușor de înțeles pentru enoriași, drama liturgică a simplificat ideile religioase, care, totuși, erau pline de un mare pericol pentru religie, deoarece ducea la profanarea acesteia.

În 1210, prin decretul Papei Inocențiu al III-lea, spectacolele de teatru liturgic în interiorul clădirilor bisericii au fost interzise. În acest moment, drama liturgică ca gen încetează să mai existe.

Cu toate acestea, teatrul religios nu dispare. Drama liturgică iese din biserică pe pridvor și devine o dramă semiliturgică.

Există și mai multe motive lumești în această reprezentare. Își pierde legătura puternică cu slujba și cu calendarul bisericesc, prin urmare, alegerea zilei pentru spectacol devine mai liberă. Drama semiliturgică se joacă și în zilele târgului. În loc de latină, spectacolele încep să aibă loc în limbi vernaculare.

Rolurile „divine” erau încă îndeplinite de cler. În spectacol au fost folosite veșminte și ustensile bisericești. Acțiunea a fost însoțită de cântarea corului, care a interpretat imnuri religioase în limba latină.

Clerul a avut un rol important în organizarea spectacolelor dramei semiliturgice (asigurarea teritoriului spectacolului (pridvor), interpretarea rolurilor principale, selectarea repertoriului, pregătirea „costumelor” și „recuzitei”).

Cu toate acestea, subiectele religioase încep să se împletească activ cu cele seculare. Cultura teatrală caută să se disocieze de religie, ceea ce, totuși, nu se va întâmpla complet pe toată perioada evului mediu.

Mister

Un alt gen legat de teatrul religios. Misterul provine din procesiuni în cinstea sărbătorilor bisericești.

Numele provine din lat. ministerium - slujbă bisericească

Perioada de glorie a teatrului de mistere cade în secolele XV-XVI.

Spectacolele au fost organizate de atelierele orașului și primăriile, nu de biserică. Toți locuitorii orașului au participat la mistere.

Spectacole misterioase erau adesea organizate în zilele de târg.

Dimineața, în ziua deschiderii târgului, a fost săvârșită o slujbă de rugăciune în biserică, apoi a fost organizată o procesiune solemnă, la care a participat întreg orașul. După el, misterul s-a jucat direct.

Tainele au fost împărțite în trei cicluri - Vechiul Testament (Vechiul Testament, de la crearea lumii până la nașterea lui Hristos), Noul Testament (Noul Testament, nașterea, viața, moartea, învierea și înălțarea lui Hristos) şi cea apostolică (vieţile sfinţilor).

La organizarea și prezentarea misterului au participat reprezentanți ai diferitelor ateliere ale orașului. Fiecare atelier a primit propriul episod independent în acțiune.

Spectacolul a durat o zi întreagă și uneori câteva zile.

A fost trei tipuri de organizare a spațiului scenicși, în consecință, trei tipuri de prezentare a misterelor.

Mobil (caracteristic în primul rând pentru Anglia). Episoade separate ale misterelor au fost prezentate în dube cu platformă înaltă, deschisă din toate părțile. Aceste dube au fost numite pedzhents. După ce a prezentat un anumit episod, duba s-a mutat în piața vecină, iar în locul ei a urcat una nouă cu actorii care au jucat episodul următor. Și tot așa până la sfârșitul misterului.

Inelar. Pe piață era o platformă. Piloți pentru el au fost aranjați în formă de inel. Pe platformă erau mai multe compartimente separate, înfățișând diferite locuri de acțiune. Spectatorul era amplasat în jurul platformei.

Arbor. Pe piață au fost reprezentate simultan mai multe locuri de acțiune. Era o serie de pavilioane situate pe o singură platformă în linie dreaptă și cu fața frontală către public. În fiecare foișor, s-au jucat episoade separate, în funcție de ce fel de scenă a reprezentat acest foișor. Publicul s-a mutat de la un pavilion la altul.

O astfel de organizare a spațiului scenic este legată de cel mai important principiu pentru teatrul medieval - simultaneitatea (simultaneitatea). Acest principiu presupunea simultaneitatea situației pe pătratul mai multor locuri de acțiune și, în consecință, simultaneitatea acțiunilor care se desfășoară în ele. Simultaneitatea se întoarce la noțiunile medievale de timp.

La organizarea spectacolelor s-a folosit în mod activ utilaje, peisajele, în special cele care înfățișează raiul sau iadul, s-au acordat o mare atenție. Spectacolul a fost extrem de important.

În mistere au coexistat naturalismul (mai ales manifestat în prezentarea diverselor scene sângeroase) și convenționalitatea.

În ciuda faptului că misterul a fost organizat de persoane laice, a fost un fel de serviciu religios, care a fost creat de întreg orașul.

Participarea la mistere era considerată o faptă pioasă. Multe roluri au fost atât de populare în rândul solicitanților, încât organizatorii au organizat o licitație din care au fost vândute aceste roluri.

Misterul includea elemente complet eterogene. În ciuda faptului că conținutul său principal a fost un episod din Biblie, elementele cotidiene au pătruns foarte activ în mister. În plus, uneori spectacolul de mister a fost diluat cu scene întregi de farsă, care erau practic o reprezentație separată care nu avea nimic de-a face cu misterul din punct de vedere al intrigii. În plus, episoadele în care erau implicați diavoli au fost foarte populare. Și, de asemenea, adesea un astfel de personaj ca un bufon a apărut în mistere.

Inițial, amatorii au fost implicați în organizarea misterelor, ulterior au început să se creeze uniuni întregi, a căror datorie era să pună în scenă misterul. De regulă, au fost numite frății prin analogie cu alte frății medievale.

Cea mai cunoscută astfel de organizație a fost Frăția Patimilor Domnului din Franța, care din 1402 a primit chiar monopolul asupra organizării la Paris nu numai a misterelor, ci și a miracolelor și „alte piese morale religioase” (cum a fost emis brevetul). către membrii frăţiei de către rege a spus).

Miracol

Numele acestui gen provine de la cuvântul latin miraculum (miracol).

Apare în Franța în secolul al XIII-lea.

Minunea vine din imnuri în cinstea sfinților și din lecturile vieții lor în biserică. Prin urmare, poveștile despre minunile săvârșite de Fecioara Maria și de sfinți au servit drept bază pentru comploturi.

Spectacole de minune în Franța au fost organizate de comunități speciale - puys. Numele lor provine de la cuvântul podium.

Moralitate

Un alt gen legat de teatrul religios al Evului Mediu.

Apare în secolele XV-XVI.

Aceasta este o piesă alegorică în care acționează personaje alegorice. Fiecare dintre ele este personificarea unui concept abstract (păcat, virtute, calitate etc.). Esența complotului a fost redusă la o poveste despre modul în care o persoană se confruntă cu o alegere între bine și rău.

Oamenii care au ales virtutea au fost răsplătiți în cele din urmă, iar cei care s-au dedat la viciu erau pedepsiți. Astfel, fiecare morală era impregnată de didacticism.

Moralitatea nu are o legătură directă cu subiectele biblice, totuși, moralitatea ei ne permite să clasificăm acest gen drept teatru religios al Evului Mediu.

Peronul de scenă pentru moralitate era scena, care era construită pe piață.

Personajele alegorii purtau inscripții pe piept care explicau publicului care se afla în fața lor. În plus, fiecare dintre ei avea propriul său atribut inerent, cu care apărea mereu pe scenă și care explica simbolic și ce fel de alegorie era.