Renesansa ili renesansa dala nam je mnoga velika umjetnička djela. Bilo je to povoljno razdoblje za razvoj kreativnosti. Imena mnogih velikih umjetnika povezana su s renesansom. Botticelli, Michelangelo, Raphael, Leonardo Da Vinci, Giotto, Tizian, Correggio - ovo je samo mali dio imena stvaratelja tog vremena.

Ovo razdoblje povezano je s pojavom novih stilova i slikarstva. Pristup prikazivanju ljudskog tijela postao je gotovo znanstveni. Umjetnici teže realnosti – razrađuju svaki detalj. Ljudi i događaji na slikama tog vremena izgledaju izuzetno realistično.

Povjesničari identificiraju nekoliko razdoblja u razvoju slikarstva tijekom renesanse.

Gotika - 1200. godine. Popularan stil na dvoru. Odlikovao se pompoznošću, pretencioznošću, pretjeranom šarenilom. Koriste se kao boje. Teme slika bile su oltarni prikazi. Najpoznatiji predstavnici ovog trenda su talijanski umjetnici Vittore Carpaccio, Sandro Botticelli.

Sandro Botticelli

Protorenesansa - 1300. U to vrijeme dolazi do restrukturiranja morala u slikarstvu. Vjerske teme nestaju u pozadini, a svjetovne dobivaju sve veću popularnost. Slika zauzima mjesto ikone. Ljudi su prikazani realističnije, izrazi lica i geste postaju važni za umjetnike. Pojavljuje se novi žanr likovne umjetnosti -. Predstavnici ovog vremena su Giotto, Pietro Lorenzetti, Pietro Cavallini.

Rana renesansa - 1400. Uspon nereligioznog slikarstva. Čak i lica na ikonama oživljavaju - dobivaju ljudske crte. Umjetnici ranijih razdoblja pokušavali su slikati krajolike, ali oni su služili samo kao dodatak, kao pozadina glavnoj slici. Tijekom rane renesanse postaje samostalan žanr. Portret se dalje razvija. Znanstvenici otkrivaju zakon linearne perspektive, a umjetnici na temelju toga grade svoje slike. Na njihovim platnima možete vidjeti ispravan trodimenzionalni prostor. Istaknuti predstavnici ovog razdoblja su Masaccio, Piero Della Francesco, Giovanni Bellini, Andrea Mantegna.

Visoka renesansa – Zlatno doba. Horizonti umjetnika postaju sve širi - njihovi interesi sežu u prostore kozmosa, čovjeka smatraju središtem svemira.

U to vrijeme pojavljuju se "titani" renesanse - Leonardo Da Vinci, Michelangelo, Tizian, Raphael Santi i drugi. To su ljudi čiji interesi nisu bili ograničeni samo na slikarstvo. Njihovo znanje je sezalo mnogo dalje. Najistaknutiji predstavnik bio je Leonardo Da Vinci, koji nije bio samo veliki slikar, već i znanstvenik, kipar, dramatičar. Stvorio je fantastične slikarske tehnike, kao što je "smuffato" - iluzija izmaglice, kojom je nastala slavna "La Gioconda".

Leonardo da Vinci

Kasna renesansa- blijeđenje renesanse (sredina 1500-ih - kasnih 1600-ih). Ovo vrijeme je povezano s promjenama, vjerskom krizom. Završava doba procvata, linije na platnima postaju nervoznije, individualizam odlazi. Slika slika sve više postaje gomila. Talentirana djela tog vremena pripadaju peru Paola Veronesea, Jacopa Tinoretta.

Paolo Veronese

Italija je dala svijetu najtalentiranije umjetnike renesanse, oni su najspominjaniji u povijesti slikarstva. U međuvremenu, u drugim zemljama u ovom razdoblju, slikarstvo se također razvilo i utjecalo na razvoj ove umjetnosti. Slikarstvo drugih zemalja u tom razdoblju naziva se sjevernom renesansom.

Detalji Kategorija: Likovna umjetnost i arhitektura renesanse (Renesansa) Objavljeno 19.12.2016 16:20 Pregleda: 6770

Renesansa je doba kulturnog procvata, doba procvata svih umjetnosti, ali su likovne umjetnosti najpotpunije izražavale duh svoga vremena.

Renesansa, odnosno renesansa(francuski "novo" + "rođen") bio je od svjetskog značaja u povijesti europske kulture. Renesansa je zamijenila srednji vijek i prethodila prosvjetiteljstvu.
Glavna obilježja renesanse- sekularnost kulture, humanizam i antropocentrizam (interes za osobu i njezine aktivnosti). Tijekom renesanse, interes za antičku kulturu je cvjetao i, tako reći, došlo je do njezinog "oživljavanja".
Preporod je nastao u Italiji - njegovi prvi znakovi pojavili su se već u 13.-14. stoljeću. (Tony Paramoni, Pisano, Giotto, Orcagna i drugi). No čvrsto se ustalio od 20-ih godina 15. stoljeća, a do kraja 15. stoljeća. dosegla svoj najviši vrhunac.
U drugim je zemljama renesansa započela mnogo kasnije. U XVI. stoljeću. počinje kriza ideja renesanse, posljedica te krize je pojava manirizma i baroka.

Renesansna razdoblja

Renesansa se dijeli na 4 razdoblja:

1. Protorenesansa (2. pol. XIII. st. - XIV. st.)
2. Rana renesansa (početak XV-kraj XV stoljeća)
3. Visoka renesansa (kasno 15. - prvih 20 godina 16. stoljeća)
4. Kasna renesansa (sredina 16.-90-ih godina 16. stoljeća)

Pad Bizantskog Carstva odigrao je ulogu u formiranju renesanse. Bizantinci koji su se doselili u Europu sa sobom su donijeli svoje knjižnice i umjetnine, nepoznate srednjovjekovnoj Europi. Ni u Bizantu nikada nisu raskinuli s antičkom kulturom.
Izgled humanizam(socijalno-filozofskog pokreta, koji je čovjeka smatrao najvišom vrijednošću) bio je povezan s nepostojanjem feudalnih odnosa u talijanskim gradovima-republikama.
U gradovima su se počela javljati svjetovna središta znanosti i umjetnosti, koja nisu bila pod kontrolom crkve. čije je djelovanje bilo izvan kontrole Crkve. Sredinom XV stoljeća. izumljena je tipografija koja je odigrala važnu ulogu u širenju novih pogleda diljem Europe.

Kratke karakteristike renesansnih razdoblja

protorenesanse

Protorenesansa je preteča renesanse. Još uvijek je usko povezana sa srednjim vijekom, s bizantskom, romaničkom i gotičkom tradicijom. Povezuje se s imenima Giotta, Arnolfa di Cambia, braće Pisano, Andrea Pisana.

Andrea Pisano. Bas-reljef "Stvaranje Adama". Opera del Duomo (Firenca)

Slikarstvo protorenesanse zastupljeno je dvjema umjetničkim školama: firentinskom (Cimabue, Giotto) i sienskom (Duccio, Simone Martini). Središnja ličnost slikarstva bio je Giotto. Smatrali su ga reformatorom slikarstva: ispunio je religiozne forme svjetovnim sadržajima, postupno je prešao s plošnih slika na trodimenzionalne i reljefne slike, okrenuo se realizmu, u slikarstvo uveo plastični volumen figura, slikao interijer.

Rana renesansa

To je razdoblje od 1420. do 1500. godine. Umjetnici rane renesanse Italije izvlačili su motive iz života, ispunjavali tradicionalne vjerske predmete zemaljskim sadržajem. U kiparstvu to su bili L. Ghiberti, Donatello, Jacopo della Quercia, obitelj della Robbia, A. Rossellino, Desiderio da Settignano, B. da Maiano, A. Verrocchio. U njihovom radu počinju se razvijati samostojeći kipovi, slikoviti reljefi, portretna poprsja i konjanički spomenici.
U talijanskom slikarstvu XV.st. (Masaccio, Filippo Lippi, A. del Castagno, P. Uccello, Fra Angelico, D. Ghirlandaio, A. Pollaiolo, Verrocchio, Piero della Francesca, A. Mantegna, P. Perugino i dr.) karakterizira osjećaj za skladno uređenje svijeta, obraćenje etičkim i građanskim idealima humanizma, radosno opažanje ljepote i raznolikosti stvarnog svijeta.
Rodonačelnik talijanske renesansne arhitekture bio je Filippo Brunelleschi (1377.-1446.), arhitekt, kipar i znanstvenik, jedan od tvoraca znanstvene teorije perspektive.

Posebno mjesto u povijesti talijanske arhitekture zauzimaju Leon Battista Alberti (1404.-1472.). Ovaj talijanski učenjak, arhitekt, pisac i glazbenik rane renesanse školovao se u Padovi, studirao pravo u Bologni, a kasnije je živio u Firenci i Rimu. Napravio je teorijske rasprave O kipu (1435), O slikarstvu (1435–1436), O arhitekturi (objavljena 1485). Branio je »narodni« (talijanski) jezik kao književni jezik, u etičkoj raspravi »O obitelji« (1737.-1441.) razvio ideal skladno razvijene ličnosti. U arhitektonskom radu Alberti je težio hrabrim eksperimentalnim rješenjima. Bio je jedan od pionira nove europske arhitekture.

Palazzo Rucellai

Leon Battista Alberti projektirao je novi tip palača s pročeljem obrađenim rustikom u punoj visini i raščlanjenim trima stupovima pilastara, koji izgledaju kao konstruktivna osnova građevine (Palazzo Rucellai u Firenci, koju je prema Albertiju izgradio B. Rossellino). planovi).
Nasuprot Palazzo stoji Rucellai Loggia, gdje su se održavali prijemi i banketi za trgovačke partnere, slavila su se vjenčanja.

Loggia Rucellai

Visoka renesansa

To je doba najveličanstvenijeg razvoja renesansnog stila. U Italiji je trajao od oko 1500. do 1527. Sada se središte talijanske umjetnosti seli iz Firence u Rim, zahvaljujući stupanju na papinsko prijestolje. Julije II, ambiciozan, hrabar, poduzetan čovjek, koji je na svoj dvor privukao najbolje umjetnike Italije.

Raphael Santi "Portret pape Julija II"

U Rimu se grade mnoge monumentalne građevine, nastaju veličanstvene skulpture, slikaju se freske i slike koje se i danas smatraju remek-djelima slikarstva. Antika se još uvijek visoko cijeni i pažljivo proučava. Ali oponašanje starih ne guši neovisnost umjetnika.
Vrhunac renesanse je djelo Leonarda da Vincija (1452-1519), Michelangela Buonarrotija (1475-1564) i Raphaela Santija (1483-1520).

Kasna renesansa

U Italiji je to razdoblje od 1530-ih do 1590-ih-1620-ih. Umjetnost i kultura ovog vremena vrlo su raznolike. Neki smatraju (primjerice, britanski znanstvenici) da je "Renesansa kao cjelovito povijesno razdoblje završila padom Rima 1527." Umjetnost kasne renesanse vrlo je složena slika borbe različitih struja. Mnogi umjetnici nisu nastojali proučavati prirodu i njezine zakone, već su samo izvana pokušavali asimilirati "način" velikih majstora: Leonarda, Rafaela i Michelangela. Tim povodom je ostarjeli Michelangelo jednom rekao, gledajući kako umjetnici kopiraju njegov "Posljednji sud": "Moja će umjetnost učiniti mnoge budale."
U južnoj je Europi trijumfirala protureformacija, koja nije pozdravljala nijednu slobodnu misao, uključujući opjevanje ljudskog tijela i uskrsnuće antičkih ideala.
Poznati umjetnici ovog razdoblja bili su Giorgione (1477/1478-1510), Paolo Veronese (1528-1588), Caravaggio (1571-1610) i drugi. Caravaggio smatra utemeljiteljem baroknog stila.

Renesansno slikarstvo je zlatni fond ne samo europske, već i svjetske umjetnosti. Razdoblje renesanse zamijenilo je mračni srednji vijek, do srži kostiju podređeno crkvenim kanonima, i prethodilo kasnijem prosvjetiteljstvu i novom vijeku.

Izračunajte trajanje razdoblja ovisno o zemlji. Doba kulturnog procvata, kako ga se obično naziva, počelo je u Italiji u 14. stoljeću, a tek potom se proširilo Europom i doseglo vrhunac krajem 15. stoljeća. Povjesničari dijele ovo razdoblje u umjetnosti u četiri faze: protorenesansu, ranu, visoku i kasnu renesansu. Posebna je vrijednost i zanimljivost, naravno, talijansko renesansno slikarstvo, ali ne treba zanemariti ni francuske, njemačke i nizozemske majstore. Upravo o njima u kontekstu vremenskih razdoblja renesanse bit će riječi u članku.

protorenesanse

Razdoblje protorenesanse traje od druge polovice 13. stoljeća. do 14. stoljeća Usko je povezan sa srednjim vijekom u čijoj je kasnoj fazi i nastao. Protorenesansa je preteča renesanse i spaja bizantsku, romaničku i gotičku tradiciju. Prije svega trendovi novoga doba javljaju se u kiparstvu, a tek potom u slikarstvu. Potonje su predstavljale dvije škole u Sieni i Firenci.

Glavna ličnost tog razdoblja bio je slikar i arhitekt Giotto di Bondone. Predstavnik firentinske slikarske škole postao je reformator. Ocrtao je put kojim se ono dalje razvijalo. Značajke renesansnog slikarstva nastaju upravo u ovom razdoblju. Opće je prihvaćeno mišljenje da je Giotto u svojim djelima uspio nadvladati stil ikonopisa koji je bio zajednički Bizantu i Italiji. Prostor nije učinio dvodimenzionalnim, već trodimenzionalnim, koristeći chiaroscuro kako bi stvorio iluziju dubine. Na fotografiji je slika "Judin poljubac".

Predstavnici firentinske škole stajali su u podrijetlu renesanse i učinili sve da slikarstvo izvuče iz duge srednjovjekovne stagnacije.

Razdoblje protorenesanse dijeli se na dva dijela: prije i poslije njegove smrti. Do 1337. godine djeluju najsjajniji majstori i događaju se najvažnija otkrića. Nakon što je Italiju zahvatila epidemija kuge.

Renesansno slikarstvo: Ukratko o ranom razdoblju

Rana renesansa obuhvaća razdoblje od 80 godina: od 1420. do 1500. U ovom trenutku još uvijek nije u potpunosti odstupila od prošlih tradicija i još uvijek je povezana s umjetnošću srednjeg vijeka. Međutim, već se osjeća dah novih trendova, majstori se sve češće okreću elementima klasične antike. U konačnici, umjetnici potpuno napuštaju srednjovjekovni stil i počinju hrabro koristiti najbolje primjere antičke kulture. Imajte na umu da je proces bio prilično spor, korak po korak.

Izvrsni predstavnici rane renesanse

Djelo talijanskog umjetnika Piera dela Francesca u potpunosti pripada razdoblju rane renesanse. Njegova djela odlikuju plemenitost, veličanstvena ljepota i sklad, točnost perspektive, nježne boje ispunjene svjetlom. Posljednjih godina života, uz slikarstvo, produbljeno je proučavao matematiku te čak napisao dvije vlastite rasprave. Još jedan poznati slikar, Luca Signorelli, bio je njegov učenik, a stil se odražavao u radu mnogih umbrijskih majstora. Na gornjoj fotografiji, fragment freske u crkvi San Francesco u Arezzu "Povijest kraljice od Sabe".

Domenico Ghirlandaio još je jedan istaknuti predstavnik firentinske škole ranorenesansnog slikarstva. Bio je začetnik poznate umjetničke dinastije i voditelj radionice u kojoj je započeo mladi Michelangelo. Ghirlandaio je bio slavan i uspješan majstor, koji se bavio ne samo freskama (Kapela Tornabuoni, Sikstina), već i štafelajnim slikarstvom (“Poklonstvo mudraca”, “Rođenje”, “Starac s unukom”, “Portret” Giovanna Tornabuoni” - na fotografiji ispod).

Visoka renesansa

Ovo razdoblje, u kojem je došlo do veličanstvenog razvoja stila, pada na godine 1500-1527. U to se vrijeme središte talijanske umjetnosti iz Firence preselilo u Rim. To je zbog uspona na papinsko prijestolje ambicioznog, poduzetnog Julija II., koji je na svoj dvor privukao najbolje umjetnike Italije. Rim je postao nešto poput Atene u doba Perikla i doživio nevjerojatan uspon i graditeljski procvat. Istodobno postoji sklad između grana umjetnosti: kiparstva, arhitekture i slikarstva. Renesansa ih je spojila. Čini se da idu ruku pod ruku, nadopunjuju se i međusobno djeluju.

Antika se temeljitije proučava tijekom visoke renesanse i reproducira s maksimalnom točnošću, strogošću i dosljednošću. Dostojanstvo i spokoj zamjenjuju koketnu ljepotu, a srednjovjekovne tradicije potpuno su zaboravljene. Vrhunac renesanse obilježavaju djela trojice najvećih talijanskih majstora: Rafaela Santija (slika “Donna Velata” na gornjoj slici), Michelangela i Leonarda da Vincija (“Mona Lisa” - na prvoj fotografiji).

Kasna renesansa

Kasna renesansa obuhvaća razdoblje u Italiji od 1530-ih do 1590-ih-1620-ih. Likovni kritičari i povjesničari djela ovog vremena s visokim stupnjem konvencionalnosti svode na zajednički nazivnik. Južna Europa bila je pod utjecajem protureformacije koja je u njoj trijumfirala, koja je s velikom strepnjom doživljavala svako slobodoumlje, pa tako i oživljavanje antičkih ideala.

Firenca je vidjela dominaciju manirizma, koju karakteriziraju izmišljene boje i izlomljene linije. Međutim, u Parmi, gdje je Correggio radio, dobio je tek nakon smrti majstora. Venecijansko slikarstvo kasne renesanse imalo je svoj razvojni put. Palladio i Tizian, koji su tu djelovali do 1570-ih, njegovi su najsvjetliji predstavnici. Njihov rad nije imao nikakve veze s novim trendovima u Rimu i Firenci.

Sjeverna renesansa

Ovaj se izraz koristi za karakterizaciju renesanse u cijeloj Europi, koja je bila izvan Italije općenito, a posebno u germanskim zemljama. Ima niz značajki. Sjeverna renesansa nije bila homogena iu svakoj zemlji karakterizirale su je specifične značajke. Likovni kritičari ga dijele na nekoliko područja: francuski, njemački, nizozemski, španjolski, poljski, engleski itd.

Buđenje Europe išlo je dvojako: razvojem i širenjem humanističkog svjetovnog svjetonazora te razvojem ideja za obnovu vjerskih tradicija. Oboje su se dodirivali, ponekad spajali, ali su u isto vrijeme bili antagonisti. Italija je izabrala prvi put, a sjeverna Europa drugi.

Umjetnost sjevera, uključujući i slikarstvo, praktički nije bila pod utjecajem renesanse sve do 1450. Od 1500. proširila se cijelim kontinentom, no na nekim se mjestima utjecaj kasne gotike zadržao sve do početka baroka.

Sjevernu renesansu karakterizira značajan utjecaj gotičkog stila, manje pozornosti na proučavanje antike i ljudske anatomije te detaljna i pedantna tehnika pisanja. Reformacija je imala važan ideološki utjecaj na njega.

Francuska sjeverna renesansa

Talijanskom je najbliže francusko slikarstvo. Renesansa je bila važna faza za kulturu Francuske. U to su vrijeme monarhija i buržoaski odnosi aktivno jačali, vjerske ideje srednjeg vijeka nestale su u pozadini, ustupajući mjesto humanističkim tendencijama. Predstavnici: Francois Quesnel, Jean Fouquet (na slici je ulomak majstorovog diptiha Melun), Jean Cluz, Jean Goujon, Marc Duval, Francois Clouet.

Njemačka i nizozemska sjeverna renesansa

Izvanredna djela sjeverne renesanse stvorili su njemački i flamansko-nizozemski majstori. Religija je u tim zemljama i dalje imala značajnu ulogu, a snažno je utjecala i na slikarstvo. Renesansa je u Nizozemskoj i Njemačkoj prošla na drugačiji način. Za razliku od djela talijanskih majstora, umjetnici ovih zemalja nisu stavili čovjeka u središte svemira. Kroz gotovo cijelo XV stoljeće. prikazivali su ga u gotičkom stilu: lagan i eteričan. Najistaknutiji predstavnici nizozemske renesanse su Hubert van Eyck, Jan van Eyck, Robert Kampen, Hugo van der Goes, njemačke - Albert Dürer, Lucas Cranach Stariji, Hans Holbein, Matthias Grunewald.

Na fotografiji autoportret A. Dürera, 1498

Unatoč činjenici da se djela sjevernih majstora značajno razlikuju od djela talijanskih slikara, oni su u svakom slučaju prepoznati kao neprocjenjivi eksponati likovne umjetnosti.

Renesansno slikarstvo, kao i svu kulturu općenito, karakterizira svjetovni karakter, humanizam i tzv. antropocentrizam, odnosno prevashodno zanimanje za čovjeka i njegovo djelovanje. U tom razdoblju dolazi do pravog procvata zanimanja za antičku umjetnost, te do njenog ponovnog oživljavanja. Doba je svijetu dalo čitavu galaksiju briljantnih kipara, arhitekata, pisaca, pjesnika i umjetnika. Nikad prije ni poslije kulturni procvat nije bio tako raširen.

1. Visoka renesansa.
2. Stvaralaštvo Leonarda da Vincija, Tiziana, Rafaela, Michelangela.
3. Sjeverna renesansa: umjetnost Nizozemske i Njemačke.

Visoka renesansa

Umjetnost visoke renesanse pada na kraj 15. i prva tri desetljeća 16. stoljeća. “Zlatno doba” talijanske umjetnosti kronološki je bilo vrlo kratko, a samo je u Veneciji trajalo duže, do sredine stoljeća. Ali u to su vrijeme stvorene prekrasne kreacije titana renesanse.

Najveći uspon kulture dogodio se u najtežem povijesnom razdoblju života Italije, u uvjetima naglog gospodarskog i političkog slabljenja talijanskih država. Turska osvajanja na Istoku, otkriće Amerike i novi pomorski put do Indije lišavaju talijanske gradove njihove uloge najvažnijih trgovačkih središta; nejedinstvo i stalni međusobni sukobi čine ih lakim plijenom rastućih centraliziranih sjeverozapadnih država. Kretanje kapitala unutar zemlje iz trgovine i industrije u poljoprivredu i postupna transformacija buržoazije u klasu zemljoposjednika pridonijeli su širenju feudalne reakcije. Invazija francuskih trupa 1494., razorni ratovi u prvim desetljećima 16. stoljeća, poraz Rima iznimno su oslabili Italiju. Upravo u to vrijeme, kada je nad zemljom prijetila opasnost od potpunog porobljavanja od stranih osvajača, pokazale su se snage naroda, koji je stupio u borbu za nacionalnu nezavisnost, za republikanski oblik vladavine, i njegova nacionalna samosvijest. je rastao. O tome svjedoče narodni pokreti s početka 16. stoljeća u mnogim talijanskim gradovima, a posebice u Firenci, gdje je republikanska vlast uspostavljena dva puta: od 1494. do 1512. i od 1527. do 1530. godine. Golemi društveni uspon poslužio je kao osnova za procvat moćne kulture visoke renesanse. U teškim uvjetima prvih desetljeća 16. stoljeća formiraju se načela kulture i umjetnosti novog stila.
Izrazito obilježje kulture visoke renesanse bilo je izvanredno širenje društvenih horizonata njezinih stvaratelja, razmjera njihovih ideja o svijetu i prostoru. Mijenja se pogled na osobu i njen odnos prema svijetu. Sam tip umjetnika, njegov svjetonazor, njegov položaj u društvu odlučujuće su različiti od onog koji su zauzimali majstori 15. stoljeća, koji su još uvelike bili vezani uz stalež obrtnika. Umjetnici visoke renesanse nisu samo ljudi velike kulture, već kreativne ličnosti, oslobođene okvira cehovskih temelja, prisiljavajući predstavnike vladajućih klasa da računaju sa svojim planovima.
U središtu njihove umjetnosti, umjetničkim jezikom uopćeno, slika je idealno lijepe osobe, tjelesno i duhovno savršene, ne apstrahirane od stvarnosti, već ispunjene životom, unutarnjom snagom i značajem, titanskom snagom samopotvrđivanja. Papinski Rim i patricijska Venecija postali su početkom 16. stoljeća uz Firencu najvažnija središta nove umjetnosti. Od 1530-ih u središnjoj Italiji jača feudalna katolička reakcija, a s njom se širi i dekadentni pravac u umjetnosti nazvan manirizam. A već u drugoj polovici 16. stoljeća javljaju se tendencije antimanerističke umjetnosti.
U ovom kasnom razdoblju, kada samo pojedina središta renesansne kulture zadržavaju svoju ulogu, ona stvaraju umjetnički najznačajnija djela. Takva su kasna stvaralaštva Michelangela, Palladija i velikih Venecijanaca.

Djelo Leonarda da Vincija

Određeni trendovi u umjetnosti visoke renesanse anticipirani su u djelima istaknutih umjetnika 15. stoljeća i izraženi su u želji za veličanstvenošću, monumentalizacijom i generalizacijom slike. No, pravi utemeljitelj stila visoke renesanse bio je Leonardo da Vinci, genij koji je svojim radom označio grandiozan kvalitativni pomak u umjetnosti. Značenje njegove sveobuhvatne djelatnosti, znanstvene i umjetničke, postalo je jasno tek kada su pregledani rasuti Leonardovi rukopisi. Njegove bilješke i crteži sadrže briljantne uvide u raznim područjima znanosti i tehnologije. Bio je, prema Engelsovim riječima, "ne samo veliki slikar, nego i veliki matematičar, mehaničar i inženjer, kojemu najrazličitije grane fizike duguju važna otkrića".

Umjetnost je za Leonarda bila sredstvo razumijevanja svijeta. Mnoge njegove skice služe kao ilustracija znanstvenog rada, a ujedno su i djela visoke umjetnosti. Leonardo je utjelovio novu vrstu umjetnika - znanstvenika, mislioca, upečatljivog u širini pogleda, svestranosti talenta.
Leonardo je rođen u selu Anchiano, u blizini grada Vinci. Bio je izvanbračni sin bilježnika i jednostavne seljanke. Studirao je u Firenci, u radionici kipara i slikara Andree Verrocchia. Jedno od Leonardovih ranih djela – lik anđela u Verrocchiovu Krštenju (Firenca, Uffizi) – ističe se među zaleđenim likovima suptilnom duhovnošću i svjedoči o zrelosti svoga tvorca.
Među ranim Leonardovim djelima je Madona s cvijetom koja se čuva u Ermitažu (tzv. Benoisova Madona, oko 1478.), koja se bitno razlikuje od brojnih Madona 15. stoljeća. Odbacujući žanr i minuciozno detaljiziranje svojstveno djelima majstora rane renesanse, Leonardo produbljuje karakteristike i generalizira oblike. Likovi mlade majke i bebe, fino modelirani bočnim svjetlom, ispunjavaju gotovo cijeli prostor slike. Prirodni i plastični su pokreti figura, organski povezani jedni s drugima. Jasno se ističu na tamnoj pozadini zida. Čisto plavo nebo koje se otvara kroz prozor povezuje figure s prirodom, s golemim svijetom kojim dominira čovjek. U uravnoteženoj konstrukciji kompozicije osjeća se unutarnji uzorak. Ali to ne isključuje toplinu, naivni šarm, promatran u životu.
Godine 1480. Leonardo je već imao svoju radionicu i primao narudžbe. Međutim, njegova strast prema znanosti često ga je odvraćala od umjetnosti. Velika oltarna kompozicija "Poklonstvo mudraca" (Firenca, Uffizi) i "Sveti Jeronim" (Rim, Vatikanska pinakoteka) ostale su nedovršene. U prvom je umjetnik nastojao transformirati složenu monumentalnu kompoziciju oltarne slike u piramidalnu, lako vidljivu skupinu, kako bi dočarao dubinu ljudskih osjećaja. U drugom - do istinite slike složenih kutova ljudskog tijela, prostora krajolika.
Ne nalazeći pravu ocjenu svog talenta na dvoru Lorenza Medicija s njegovim kultom izuzetne sofisticiranosti, Leonardo je stupio u službu milanskog vojvode Lodovica Mora. Milansko razdoblje Leonardove kreativnosti (1482-1499) pokazalo se najplodnijim. Ovdje se punom snagom pokazala svestranost njegova talenta kao znanstvenika, izumitelja i umjetnika.
Karijeru je započeo izvođenjem skulpturalnog spomenika - konjaničke statue oca vojvode Lodovica Moroa Francesca Sforze. Velika maketa spomenika, jednoglasno hvaljena od suvremenika, stradala je prilikom zauzimanja Milana od strane Francuza 1499. godine. Sačuvani su samo crteži - skice raznih inačica spomenika, slike propetog, dinamičnog konja, zatim svečano isturenog konja, koji podsjeća na kompozicijska rješenja Donatella i Verrocchia. Očigledno je ova posljednja opcija pretočena u model kipa. Značajno je premašio veličinu spomenika Gattamelate i Colleonija, što je suvremenicima i samom Leonardu dalo razlog da spomenik nazovu "velikim kolosom". Ovo djelo nam omogućuje da Leonarda smatramo jednim od najvećih kipara tog vremena.
Do nas nije došao niti jedan izvedeni Leonardov arhitektonski projekt. Pa ipak, njegovi crteži i nacrti zgrada, ideje za stvaranje idealnog grada govore o njegovom daru izvanrednog arhitekta.
Milansko razdoblje uključuje slike zrelog stila - "Madonna in the Grotto" i "The Last Supper". "Madonna in the Grotto" (1483-1494, Pariz, Louvre) - prva monumentalna oltarna kompozicija visoke renesanse. Njezini likovi Marija, Ivan, Krist i anđeo poprimili su značajke uzvišenosti, poetične produhovljenosti i punine životne izražajnosti. Ujedinjeni ugođajem promišljenosti i radnje – dijete Krist blagoslivlja Ivana – u skladnu piramidalnu skupinu, poput chiaroscura vjetranog laganom izmaglicom, likovi evanđeoske legende doimaju se utjelovljenjem idealnih slika spokojne sreće.

Najznačajnija od Leonardovih monumentalnih slika, Posljednja večera, izvedena 1495.-1497. za samostan Santa Maria della Grazie u Milanu, prenosi u svijet stvarnih strasti i dramatičnih osjećaja. Odstupajući od tradicionalnog tumačenja evanđeoske epizode, Leonardo daje inovativno rješenje teme, skladbu koja duboko otkriva ljudske osjećaje i doživljaje. Minimizirajući prikaz refektorijskog ambijenta, namjerno smanjujući veličinu stola i gurajući ga u prvi plan, on se usredotočuje na dramatični vrhunac događaja, na kontrastne osobine ljudi različitih temperamenata, manifestaciju složene palete osjećaja. , izraženo i mimikom i gestama, kojima apostoli odgovaraju na Kristove riječi: „Jedan će me od vas izdati“. Odlučan kontrast apostolima su slike izvana smirenog, ali tužno zamišljenog Krista, koji je u središtu kompozicije, i izdajice Jude naslonjenog na rub stola, čiji je grubi grabežljivi profil utonuo u sjenu. Zbunjenost, naglašena gestom ruke koja grčevito steže torbicu, i sumoran izgled izdvajaju ga od ostalih apostola, na čijim se obasjanim licima čita izraz iznenađenja, suosjećanja, ogorčenja. Leonardo ne odvaja Judin lik od ostalih apostola, kao što su to činili majstori rane renesanse. No, Judina odbojna pojava oštrije i dublje otkriva ideju izdaje. Svih dvanaest Kristovih učenika smješteno je u skupinama po troje, s obje strane učitelja. Neki od njih uzbuđeno skaču sa svojih mjesta, okrećući se Kristu. Umjetnik podređuje različite unutarnje pokrete apostola strogom redu. Kompozicija freske impresionira svojim jedinstvom, cjelovitošću, strogo je uravnotežena, centrična u konstrukciji. Monumentalizacija slika, veličina slike doprinose dojmu dubokog značaja slike, podređujući čitav veliki prostor blagovaonice. Leonardo genijalno rješava problem sinteze slikarstva i arhitekture. Postavivši stol paralelno sa zidom koji je ukrašen freskom, potvrđuje njegovu ravninu. Perspektivna redukcija bočnih zidova prikazanih na fresci takoreći nastavlja stvarni prostor refektorija.
Freska je jako oštećena. Leonardovi eksperimenti s novim materijalima nisu izdržali test vremena, kasnija snimanja i restauracije gotovo su sakrile original koji je raščišćen tek 1954. godine. Ali sačuvane gravure i pripremni crteži omogućuju popunjavanje svih pojedinosti kompozicije.
Nakon što su francuske trupe zauzele Milano, Leonardo je napustio grad. Počele su godine lutanja. Po narudžbi Firentinske Republike izradio je karton za fresku "Bitka kod Anghiarija", koja je trebala krasiti jedan od zidova Vijećnice u Palazzo Vecchio (zgrada gradske uprave). Prilikom izrade ovog kartona, Leonardo je ušao u konkurenciju s mladim Michelangelom, koji je izvršio narudžbu za fresku "Bitka kod Kašina" za drugi zid u istoj prostoriji. Međutim, ovi kartoni, koji su bili općepriznati od svojih suvremenika, nisu preživjeli do danas. Samo stare kopije i gravure omogućuju nam da prosudimo inovativnost genija visoke renesanse na polju bojnog slikarstva.
U punoj dramatičnosti i dinamike Leonardove kompozicije, epizodi bitke za stijeg, dat je trenutak najvećeg naprezanja snaga boraca, otkriva se surova istina rata. U isto vrijeme pripada i nastanak portreta Mona Lise (La Gioconda, oko 1504., Pariz, Louvre), jednog od najpoznatijih djela svjetskog slikarstva. Iznimna je dubina i značaj stvorene slike, u kojoj su osobine pojedinca spojene s velikom generalizacijom. Leonardova inovativnost očitovala se i u razvoju renesansnog portreta.
Plastično obrađen, zatvoren u siluetu, veličanstveni lik mlade žene dominira dalekim krajolikom obavijenim plavičastom izmaglicom među kojima se vijugaju stijene i vodeni kanali. Složeni polufantastični krajolik suptilno je usklađen s karakterom i intelektom portretirane osobe. Čini se da se u izrazu njezina lica, oživljenom jedva primjetnim osmijehom, u mirnom samouvjerenom, prodornom pogledu osjeća nestalna promjenjivost samog života. Lice i njegovane ruke patricija oslikane su nevjerojatnom pažnjom i mekoćom. Najtanja, kao da se topi, izmaglica chiaroscura (tzv. sfumato), obavija lik, omekšava konture i sjene; na slici nema niti jednog oštrog poteza ili kutne konture.
Posljednjih godina života Leonardo je najviše vremena posvetio znanstvenom istraživanju. Umro je u Francuskoj, kamo je došao na poziv francuskog kralja Franje I. i gdje je živio samo dvije godine.
Njegova umjetnost, znanstvena i teorijska istraživanja, sama njegova osobnost imali su golem utjecaj na razvoj svjetske kulture. Njegovi rukopisi sadrže bezbroj bilješki i crteža koji svjedoče o univerzalnosti Leonardova genija. Ovdje su pažljivo iscrtani cvjetovi i stabla, skice nepoznatog oružja, strojeva i naprava. Uz analitički točne slike, tu su crteži koji se odlikuju izvanrednim opsegom, epskim ili suptilnim lirizmom. Strastveni obožavatelj eksperimentalnog znanja, Leonardo je težio njegovom kritičkom promišljanju, traženju generalizirajućih zakona. “Iskustvo je jedini izvor znanja”, rekao je umjetnik. "Knjiga o slikarstvu" otkriva njegove poglede kao teoretičara realističke umjetnosti, za kojega je slikarstvo i "znanost i zakonita kći prirode". Traktat sadrži Leonardove iskaze o anatomiji, perspektivi, on traži obrasce u izgradnji skladne ljudske figure, piše o međudjelovanju boja, o refleksima. Među sljedbenicima i učenicima Leonardovim, međutim, nije bilo nijednog koji bi se po talentu približio učitelju; lišeni samostalnog pogleda na umjetnost, samo su izvana asimilirali njegovu umjetničku maniru.

Slike i biografija Tiziana Vecellia

Tizian Venera iz Urbina, 1538 Galerija Uffizi, Firenca Venera i Adonis, 1550. godine Muzej Getty, Los Angeles.

Violanta (Ljepotica Gatta)
Pokornica Marija Magdalena

svjetovna ljubav (Ispraznost zemaljska) 1515	Mladost s poderanom rukavicom, 1515.-1520	Flora 1515	Francesco della Rovere 1538	Portret mlade žene, 1536

Ljubav zemaljska i nebeska, 1515

Portret Pietra Aretina 1545	Portret Karla V 1548	Danaja 1554	Sizifov 1549	Venera sa ogledalom 1555

Uznesenje Marijino, (Assunta), 1518	Tarkvinija i Lukrecije 1568-1571	Položaj u lijesu 1524-1526	Sveti Sebastijan 1570	Oplakivanje Krista 1576

Madona iz obitelji Pesaro, 1519.-1526	Bacchus i Ariadne 1522	Uvođenje u Hram 1534-1538	, 1546	Alegorija vremena 1565

Tizian (zapravo Tiziano Vecellio, Tiziano Veccellio) (oko 1488./1490. - 1576.), talijanski slikar visoke i kasne renesanse. Studirao je u Veneciji kod Giovannija Bellinija, u čijoj se radionici zbližio s Giorgioneom; djelovao u Veneciji, te u Padovi, Ferrari, Mantovi, Urbinu, Rimu i Augsburgu. Usko povezan s umjetničkim krugovima Venecije (Giorgione, arhitekt Jacopo Sansovino, pisac Pietro Aretino), izvanredan majstor venecijanske slikarske škole, Tizian je u svom djelu utjelovio humanističke ideale renesanse. Njegovu umjetnost koja potvrđuje život odlikuje se svestranošću, širinom pokrivanja stvarnosti i otkrivanjem dubokih dramatičnih sukoba epohe. Zanimanje za krajolik, poeziju, lirsku kontemplaciju, suptilni kolorit čine Tizianove rane radove (tzv. "Ciganska Madona", Kunsthistorisches Museum, Beč; "Krist i grešnik", Umjetnička galerija, Glasgow) povezanim s radom Giorgionea; umjetnik je počeo razvijati samostalan stil do sredine 1510-ih, nakon što se upoznao s djelima Raphaela i Michelangela. Mirne i radosne slike njegovih slika obilježene su u tom razdoblju vitalnošću, svjetlinom osjećaja, unutarnjim prosvjetljenjem, glavna boja izgrađena je na suzvučju dubokih, čistih boja („Ljubav na zemlji i nebu“, oko 1514.-1516. , Galerija Borghese, Rim; “Flora”, oko 1515., Uffizi; “Cezarov denar”, 1518., Umjetnička galerija, Dresden). Zatim je Tizian naslikao nekoliko portreta, strogih i mirnih kompozicija, a suptilno psiholoških (“Mladić s rukavicom”, Louvre, Pariz; “Portret muškarca”, Nacionalna galerija, London). Novo razdoblje Tizianova stvaralaštva (kasne 1510-ih - 1530-ih) povezano je s društvenim i kulturnim usponom Venecije, koja je u to doba postala jedno od glavnih uporišta humanizma i urbanih sloboda u Italiji. U to vrijeme Tizian stvara monumentalne oltarne pale ispunjene veličanstvenim patosom ("Uznesenje Marijino", oko 1516.-1518., crkva Santa Maria Gloriosa dei Frari, Venecija), čija je kompozicija prožeta pokretom, slikama na evanđelju i Venera iz Urbina, 1538 Galerija Uffizi, Firenca Venera i Adonis, 1550. godine Muzej Getty, Los Angeles.

Violanta (Ljepotica Gatta)
1514., Muzej povijesti umjetnosti, Beč Pokornica Marija Magdalena
1560-ih, Ermitaž, Sankt Peterburg

mitološke teme (“Venerina gozba”, 1518., Prado, Madrid; “Polaganje u grob”, 1520., Louvre; “Ulaz u hram”, 1538., Galerija Accademia, Venecija; “Venera iz Urbina”, 1538., Uffizi), obilježen zvučnim koloritom temeljenim na intenzivnim kontrastima plavih i crvenih kolorističkih mrlja, bogatom arhitektonskom podlogom, u koju je umjetnik uključio male žanr-scene i svakodnevne detalje. Kraj 1530-ih bio je vrhunac Tizianove portretne umjetnosti. S nevjerojatnom pronicljivošću umjetnik je portretirao svoje suvremenike, hvatajući različite, ponekad i kontradiktorne crte njihovih karaktera: licemjerje i sumnjičavost, samopouzdanje i dostojanstvo (“Ippolito Medici”, 1532., “La Bella”, 1538., sve u Galeriji Palatina, Firenca) . Kasna religiozna Tizianova platna, ispunjena dubokom tragedijom, odlikuju se cjelovitošću likova, stoičkom hrabrošću ("Pokajnica Marija Magdalena", 1560-ih, Ermitaž, Sankt Peterburg; "Krunidba trnjem", 1570-ih, Alte Pinakothek, München; " Oplakivanje Krista” , 1575., i “Pieta”, 1576., obje - Galerija Accademia, Venecija). Boje Tizianovih kasnijih djela temelje se na najfinijem šarenom kromatizmu: shema boja, uglavnom podređena zlatnom tonu, izgrađena je na suptilnim nijansama smeđe, plavo-čelične, ružičasto-crvene, izblijedjele zelene.

svjetovna ljubav (Ispraznost zemaljska) 1515	Mladost s poderanom rukavicom, 1515.-1520	Flora 1515	Francesco della Rovere 1538	Portret mlade žene, 1536

U kasnom razdoblju svoga stvaralaštva Tizian je dosegao vrhunce kako u slikarskom umijeću, tako i u emotivnoj i psihološkoj interpretaciji religijskih i mitoloških tema. Ljepota ljudskog tijela koja potvrđuje život, punoća svijeta koji ga okružuje postala je vodeći motiv umjetnikovih djela s prizorima izvučenima iz antičke mitologije (“Danae”, oko 1554., Prado, Madrid i Ermitaž, St. Petersburg; “ Venera ispred zrcala", 1550-e, Nacionalna galerija umjetnosti, Washington; "Diana i Actaeon", 1556. i "Diana i Callisto", 1556.-1559., obje slike u Nacionalnoj galeriji Škotske u Edinburghu).

Ljubav zemaljska i nebeska, 1515

Portret Pietra Aretina 1545	Portret Karla V 1548	Danaja 1554	Sizifov 1549	Venera sa ogledalom 1555

Umjetnikov stil pisanja postaje iznimno slobodan, kompozicija, oblik i boja grade se uz pomoć smjele plastične modelacije, boje se na platno nanose ne samo kistom, već i lopaticom, pa čak i prstima. Transparentne glazure ne skrivaju podslikavanje, već mjestimično otkrivaju zrnatu teksturu platna. Iz kombinacije fleksibilnih poteza rađaju se slike pune drhtave vitalnosti i dramatičnosti. Pedesetih godina 15. stoljeća mijenja se priroda Tizianova djela, dramatični početak raste u njegovim religioznim skladbama (“Mučeništvo sv. Lovre”, 1555., crkva Gezuiti, Venecija; “Polaganje u grob”, 1559., Prado). Pritom se ponovno okreće mitološkoj tematici, motivu cvjetanja ženske ljepote (“Sizif”, 1549-1550; “Danaja”, 1554; “Venera i Adonis”, 1554, sve - Prado, Madrid; “Persej” and Andromeda”, 1556, Wallace Collection, London). Gorko uplakana Marija Magdalena na istoimenom platnu također je bliska ovim slikama.

Uznesenje Marijino, (Assunta), 1518	Tarkvinija i Lukrecije 1568-1571	Položaj u lijesu 1524-1526	Sveti Sebastijan 1570	Oplakivanje Krista 1576

Značajna prekretnica u umjetnikovom stvaralaštvu događa se na prijelazu 1550-1560-ih godina. Svijet je pun dinamike, zbrke, snažnih izljeva strasti u nizu mitoloških kompozicija temeljenih na temama Ovidijevih Metamorfoza koje je Tizian napisao za Filipa II.: Dijana i Akteon i Dijana i Kalisto (1559., Nacionalna galerija, Edinburgh), Silovanje Europe” (1562., Muzej Isabella Stewart Gardner, Boston), “Dijanin lov” (oko 1565., Nacionalna galerija, London). U tim platnima, prožetim brzim pokretom i titranjem boje, već je prisutan element takozvane “kasne manire”, karakteristične za najnovija Tizianova djela (“Sveti Sebastijan”, 1565.-1570., Ermitaž; “Pastir i Nimfa", 1570., Kunsthistorisches Museum, Beč; "Kažnjavanje Marsijasa", 1570., Umjetnička galerija, Kroměříž; "Oplakivanje Krista", 1576., Galerija Akademije, Venecija).

Madona iz obitelji Pesaro, 1519.-1526	Bacchus i Ariadne 1522	Uvođenje u Hram 1534-1538	Papa Pavao III s Farneseovim unucima, 1546	Alegorija vremena 1565

Ova se platna odlikuju složenom slikovnom strukturom, zamagljivanjem granica između oblika i pozadine; površina platna je takoreći satkana od poteza nanesenih širokim kistom, ponekad protrljanih prstima. Nijanse komplementarnih, međusobno prožimajućih ili kontrastnih tonova čine svojevrsno jedinstvo iz kojeg se rađaju oblici ili prigušene svjetlucave boje. Inovativnost "kasne manire" suvremenici nisu shvaćali i cijenili su je tek kasnije. Tizianova umjetnost, koja je najpotpunije otkrila originalnost venecijanske škole, imala je veliki utjecaj na formiranje najvećih umjetnika 17. stoljeća od Rubensa i Velazqueza do Poussina. Tizianova slikarska tehnika imala je izniman utjecaj na daljnji, sve do 20. stoljeća, razvoj svjetske likovne umjetnosti.

Djelo Raphaela Santija

Raphael Santi (1483-1520) najpotpunije je u svom djelu utjelovio ideju najsvjetlijih i najuzvišenijih ideala renesansnog humanizma s najvećom cjelovitošću. Leonardov mlađi suvremenik, koji je živio kratak, iznimno sadržajan život, Raphael je sintetizirao postignuća svojih prethodnika i stvorio svoj ideal lijepe, skladno razvijene osobe okružene veličanstvenom arhitekturom ili krajolikom. Rafael je rođen u Urbinu, kao sin slikara koji mu je bio prvi učitelj. Kasnije je učio kod Timotea della Vitija i Perugina, svladavši stil potonjeg do savršenstva. Od Perugina je Rafael preuzeo onu glatkoću linija, tu slobodu postavljanja figure u prostoru, koja je postala svojstvena njegovim zrelim kompozicijama. Kao sedamnaestogodišnji mladić otkriva pravu stvaralačku zrelost stvarajući niz slika punih sklada i duhovne jasnoće.

Delikatna liričnost i suptilna duhovnost odlikuju jedno od njegovih ranih djela - "Madonna Conestabile" (1502., St. Petersburg, Ermitaž), prosvijetljenu sliku mlade majke prikazane nasuprot prozirnog krajolika Umbrije. Sposobnost slobodnog rasporeda figura u prostoru, međusobnog povezivanja i povezivanja s okolinom očituje se iu kompoziciji “Marijine zaruke” (1504., Milano, Galerija Brera). Prostranost u izgradnji pejzaža, sklad arhitektonskih oblika, uravnoteženost i cjelovitost svih dijelova kompozicije svjedoče o formiranju Rafaela kao majstora visoke renesanse.
Dolaskom u Firencu Rafael s lakoćom upija najvažnija ostvarenja umjetnika firentinske škole s njezinim naglašenim plastičnim početkom i širokim obuhvatom stvarnosti. Sadržaj njegove umjetnosti ostaje lirska tema svijetle majčinske ljubavi, kojoj pridaje posebno značenje. Zreliji izraz dobiva u djelima kao što su Madona u zelenilu (1505., Beč, Kunsthistorisches Museum), Madona sa češljugarom (Firenca, Uffizi), Lijepa vrtlarica (1507., Pariz, Louvre). U biti, sve one variraju istu vrstu kompozicije, sastavljene od likova Marije, malog Krista i Krstitelja, tvoreći piramidalne skupine na pozadini prekrasnog ruralnog krajolika u duhu kompozicijskih tehnika koje je ranije pronašao Leonardo. Prirodnost pokreta, meka plastičnost oblika, glatkoća melodičnih linija, ljepota idealnog tipa Madone, jasnoća i čistoća pejzažne pozadine doprinose otkrivanju uzvišene poezije figurativnog sklopa ovih kompozicije.
Godine 1508. Rafael je pozvan da radi u Rimu, na dvoru pape Julija II., moćnog, ambicioznog i energičnog čovjeka koji je nastojao uvećati umjetničko blago svoje prijestolnice i privući u svoju službu najtalentiranije kulturne ličnosti tog vremena. Početkom 16. stoljeća Rim je ulijevao nade u nacionalno ujedinjenje zemlje. Ideali nacionalnog poretka stvorili su tlo za stvaralački uzlet, za utjelovljenje naprednih težnji u umjetnosti. Ovdje, u neposrednoj blizini naslijeđa antike, Rafaelov talent buja i sazrijeva, dobivajući novi opseg i obilježja smirene veličine.
Rafael dobiva narudžbu da oslika prednje prostorije (tzv. stanze) Vatikanske palače. Taj rad, s prekidima nastavljen od 1509. do 1517., svrstao je Rafaela među najveće majstore talijanske monumentalne umjetnosti, samouvjereno rješavajući problem sinteze arhitekture i renesansnog slikarstva. Dar Rafaela - muralista i dekoratera - u svom se sjaju očitovao pri oslikavanju Stanzi della Senyatura (tiskara). Na dugim zidovima ove sobe, prekrivene jedrenjačkim svodovima, postavljene su kompozicije "Rasprava" i "Atenska škola", na uskim - "Parnas" i "Mudrost, umjerenost i snaga", personificirajući četiri područja ljudska duhovna djelatnost: teologija, filozofija, poezija i jurisprudencija . Svod, podijeljen na četiri dijela, ukrašen je alegorijskim figurama koje sa zidnim slikama čine jedinstveni dekorativni sustav. Tako se pokazalo da je cijeli prostor sobe ispunjen slikama.

Adam i Eva 1510	atenska škola 1509	Trijumf Galateje 1511	spor 1510	Prorok Izaija 1512

Spoj slika kršćanske vjere i poganske mitologije na slikama svjedočio je o širenju među humanistima tog vremena ideja o pomirenju kršćanske vjere s antičkom kulturom i bezuvjetnoj pobjedi svjetovnog načela nad crkvom. Čak iu "Raspravi" (raspravi crkvenih otaca o sakramentu), posvećenoj slici crkvenih vođa, među sudionicima u raspravi mogu se prepoznati pjesnici i umjetnici Italije - Dante, Fra Beato Angelico i drugi slikari i književnici. Kompozicija "Atenska škola" govori o trijumfu humanističkih ideja u renesansnoj umjetnosti, njenoj povezanosti s antikom, veličajući um lijepog i snažnog čovjeka, antičku znanost i filozofiju. Slika se doživljava kao utjelovljenje sna o svjetlijoj budućnosti. Iz dubine enfilade grandioznih lučnih raspona izranja skupina antičkih mislilaca u čijem je središtu veličanstveni sjedobradi Platon i samouvjereni, nadahnuti Aristotel, pokretom ruke pokazujući prema tlu, utemeljitelji idealističke i materijalističke filozofije. Dolje, lijevo na stepenicama, Pitagora je sagnut nad knjigom, okružen svojim učenicima, desno - Euklid, a ovdje, na samom rubu, Rafael je prikazan pored slikara Sodome. Ovo je mladić nježnog, privlačnog lica. Sve likove freske ujedinjuje raspoloženje visokog duhovnog uzdizanja i duboke misli. Oni čine skupine koje su nerazdvojne u svojoj cjelovitosti i harmoniji, gdje svaki lik točno zauzima svoje mjesto i gdje sama arhitektura, u svojoj strogoj pravilnosti i veličanstvenosti, pomaže rekreirati atmosferu visokog uspona kreativne misli.
Intenzivnom dramatikom ističe se freska "Protjerivanje Eliodora" u Stanzi d'Eliodoro. Iznenadnost događanja čuda - protjerivanja razbojnika hrama od strane nebeskog jahača - prenosi se brzom dijagonalom glavnog stavka, uz pomoć svjetlosnog efekta. Papa Julije II prikazan je među gledateljima koji promatraju Eliodorov progon. Ovo je aluzija na događaje suvremene Rafaelu - protjerivanje francuskih trupa iz Papinske Države.
Rimsko razdoblje Rafaelova stvaralaštva obilježeno je visokim dometima na području portreta. Likovi mise u Bolseni (freske u Stanci d'Eliodoro) dobivaju oštre portretne crte pune života. Rafael se također okrenuo žanru portreta u štafelajnom slikarstvu, pokazujući ovdje svoju originalnost, otkrivajući ono najkarakterističnije i najznačajnije u modelu. Naslikao je portrete pape Julija II. (1511., Firenca, Uffizi), pape Lava X. s kardinalom Ludovicom dei Rossijem i Giulija dei Medicija (oko 1518., ibid) i druge portrete. Važno mjesto u njegovoj umjetnosti i dalje zauzima slika Madone, poprimajući značajke velike veličine, monumentalnosti, samopouzdanja, snage. Takva je “Madonna della sedia” (“Madona u stolici”, 1516., Firenca, Galerija Pitti) skladne kompozicije zatvorene u krug.
U isto vrijeme Rafael stvara svoju najveću kreaciju, Sikstinsku Madonu (1515.-1519., Dresden, Umjetnička galerija), namijenjenu crkvi sv. Siksta u Piacenzi. Za razliku od prijašnjih lirskih Madona svjetlijeg raspoloženja, ovo je veličanstvena slika puna dubokog značenja. Zastori razmaknuti odozgo sa strane otkrivaju Mariju, kako lako hoda kroz oblake, s djetetom u naručju. Njezin pogled omogućuje vam da zavirite u svijet njezinih iskustava. Ozbiljno i tužno gleda u daljinu, kao da sluti tragičnu sudbinu svoga sina. S lijeve strane Madone prikazan je papa Siksto, koji oduševljeno razmišlja o čudu, s desne strane - sveta Barbara, koja s poštovanjem spušta pogled. Ispod su dva anđela, koji gledaju gore i, takoreći, vraćaju nas na glavnu sliku - Madonu i njezinu djetinjasto zamišljenu bebu. Besprijekoran sklad i dinamička ravnoteža kompozicije, suptilni ritam glatkih linearnih obrisa, prirodnost i sloboda pokreta čine neodoljivu snagu ove cjelovite, prekrasne slike. Životna istina i crte ideala spojene su s duhovnom čistoćom složenog tragičnog lika Sikstinske Madone. Neki su istraživači pronašli njegov prototip u crtama "Dame s velom" (oko 1513., Firenca, galerija Pitti), ali sam Raphael je u pismu svom prijatelju Castiglioneu napisao da se njegova kreativna metoda temelji na načelu selekcije i generalizacije. životnih zapažanja: „Da bih napisao ljepotu, moram vidjeti mnogo ljepotica, ali zbog nedostatka ... lijepih žena, koristim se nekom idejom koja mi padne na pamet. Tako u stvarnosti umjetnik pronalazi crte koje odgovaraju njegovom idealu koji se uzdiže iznad slučajnog i prolaznog.
Raphael je umro u trideset i sedmoj godini života, ostavivši nedovršene slike Ville Farnesine, vatikanskih loža i niz drugih radova koje su na kartonu i crtežima dovršili njegovi učenici. Slobodni, graciozni, nesputani Raphaelovi crteži istaknuli su svog tvorca među najvećim crtačima na svijetu. Njegovi radovi na području arhitekture i primijenjene umjetnosti svjedoče o njemu kao višestruko nadarenoj ličnosti visoke renesanse, koja je stekla veliku slavu među svojim suvremenicima. Samo ime Raphael kasnije se pretvorilo u zajedničku imenicu za idealnog umjetnika.
Brojni talijanski učenici i Rafaelovi sljedbenici uzdigli su stvaralačku metodu učitelja u neospornu dogmu, što je pridonijelo širenju imitacije u talijanskoj umjetnosti i nagovijestilo nadolazeću krizu humanizma.

Djelo Michelangela Buonarrotija

Vrhunac visoke renesanse i istodobno odraz dubokih proturječja kulture tog doba bio je rad trećeg od titana talijanske umjetnosti - Michelangela Buonarrotija (1475.-1564.). Čak iu usporedbi s Leonardom i Raphaelom, upečatljivim svojim svestranim talentom, Michelangelo se ističe činjenicom da je u svakom od područja umjetničkog stvaralaštva ostavio djela grandioznih razmjera i snage, utjelovljujući najprogresivnije ideje ere. Michelangelo je bio briljantan kipar, slikar, arhitekt, crtač, vojni inženjer, pjesnik, a ujedno i borac za visoke humanističke ideale, građanin, koji je s oružjem branio slobodu i neovisnost svoje domovine.
Veliki umjetnik i borac nerazdvojni su u ideji Michelangela. Cijeli njegov život neprestana je herojska borba za ostvarivanje prava čovjeka na slobodu, na stvaralaštvo. Na svom dugom stvaralačkom putu umjetnikova je pozornost bila usmjerena na osobu aktivnu, djelatnu, spremnu na podvig, obuzetu velikom strašću. Njegova djela kasnog razdoblja odražavaju tragični slom renesansnih ideala.
Michelangelo je rođen u Capreseu (u okolici Firence), u obitelji gradskog upravitelja. S trinaest godina ulazi u radionicu Ghirlandaio, a godinu dana kasnije u umjetničku školu na dvoru Lorenza de Medicija Veličanstvenog. Ovdje, u takozvanim Medicijevim vrtovima samostana San Marco, nastavio je studij pod vodstvom Bertolda di Giovannija, vjernog štovatelja antike. Upoznavši bogatu i profinjenu kulturu dvora Medici, s prekrasnim djelima antičke i moderne umjetnosti, s slavnim pjesnicima i humanistima, Michelangelo se nije zatvorio u profinjeno dvorsko okruženje. Već rani samostalni radovi potvrđuju njegovu privlačnost velikim monumentalnim slikama, punim junaštva i snage. Reljef "Bitka kentaura" (početak 1490-ih, Firenca, Casa Buonarroti) otkriva dramatičnost i burnu dinamiku borbe, neustrašivost i energiju boraca, snažnu plastičnost međusobno povezanih snažnih figura, prožetih jedinstvenim brzim ritmom.
Konačna formacija Michelangelove javne svijesti pada u vrijeme protjerivanja Medicija iz Firence i uspostavljanja tamošnjeg republikanskog sustava. Putovanja u Bolognu i Rim doprinose završetku likovnog obrazovanja. Antika pred njim otvara divovske mogućnosti skrivene u skulpturi. U Rimu je nastala mramorna skupina Pieta (1498.-1501., Rim, Katedrala sv. Petra) - prvo veliko originalno djelo majstora, prožeto vjerom u pobjedu humanističkih ideala renesanse. Dramatičnu temu oplakivanja Krista od strane Majke Božje, kipar rješava na duboko psihološki način, izražavajući neizmjernu tugu naginjući glavu, točno zatečenu gestom Gospine lijeve ruke. Moralna čistoća slike Marije, plemenita suzdržanost njezinih osjećaja otkrivaju snagu karaktera i prenose se u klasično jasnim oblicima, s nevjerojatnim savršenstvom. Obje su figure raspoređene u neraskidivu skupinu, u kojoj niti jedan detalj ne narušava zatvorenu siluetu, njezinu plastičnu izražajnost.

David	Pieta	Madona s djetetom	Mojsije

Duboko uvjerenje, uzbuđenje osobe koja teži podvigu zarobljeno je u kipu Davida (Firenca, Akademija likovnih umjetnosti), koji je izveden 1501.-1504. nakon što se kipar vratio u Firencu. Slika legendarnog heroja utjelovila je ideju građanskog podviga, hrabre hrabrosti i nepopustljivosti. Michelangelo je napustio narativ svojih prethodnika. Za razliku od Donatella i Verrocchia, koji su prikazali Davida nakon pobjede nad neprijateljem, Michelangelo ga je prikazao prije bitke. Usredotočio se na pribranost snažne volje i žestinu svih snaga junaka, prenesenih plastičnim sredstvima. U ovom kolosalnom kipu jasno dolazi do izražaja osebujnost Michelangelovog plastičnog jezika: izvanjski smirenom pozom junaka, cjelokupnom figurom snažnog torza i vrhunski modeliranih ruku i nogu, njegovo lijepo nadahnuto lice izražava najveću koncentraciju tjelesnog i duhovnog snage. Svi mišići kao da su prožeti pokretom. Michelangelova umjetnost vratila je golotinji etičko značenje koje je imala u antičkoj plastici. Slika Davida dobiva šire značenje kao izraz stvaralačkih snaga slobodnog čovjeka. Već u to vrijeme Firentinci su shvatili građanski patos kipa i njegovo značenje, postavljajući ga u središte grada ispred zgrade Palazzo Vecchio kao poziv na obranu domovine i pravednu vladavinu.
Pronašavši uvjerljivu formu rješenja kipa (na jednoj nozi), majstorski ga modelirajući, Michelangelo ga je natjerao da zaboravi na poteškoće koje je morao svladavati u radu s materijalom. Kip je isklesan iz bloka mramora, koji je, kako su svi vjerovali, pokvario jedan nesretni kipar. Michelangelo je uspio uklopiti lik u gotov blok mramora tako da u njega stane s najvećom kompaktnošću.
Istodobno s Davidovim kipom izrađen je karton za oslikavanje Vijećnice Palazzo Vecchio “Bitka kod Cascine” (poznato iz gravura i kopije slike). Ušavši u konkurenciju s Leonardom, mladi Michelangelo dobio je veću javnu ocjenu svog rada; temi razotkrivanja rata i njegovih strahota suprotstavio je veličanje uzvišenih osjećaja hrabrosti i domoljublja firentinskih vojnika koji su na zov trube hrlili na bojište spremni na podvig.
Dobivši narudžbu od pape Julija II za izgradnju svog nadgrobnog spomenika, Michelangelo se, ne završivši bitku kod Kašina, preselio u Rim 1505. godine. Izrađuje projekt za veličanstveni mauzolej, ukrašen brojnim kipovima i reljefima. Da bi pripremio materijal - mramorne blokove - kipar je otišao u Carraru. Tijekom svoje odsutnosti papa je izgubio interes za ideju izgradnje grobnice. Uvrijeđen, Michelangelo je napustio Rim i vratio se tek nakon upornih apela pape. Ovaj put dobio je novu velebnu narudžbu - oslikavanje stropa Sikstinske kapele, koju je objeručke prihvatio, jer je sebe smatrao prvenstveno kiparom, a ne slikarom. Ova je slika postala jedno od najvećih ostvarenja talijanske umjetnosti.

U najtežim uvjetima, Michelangelo je radio četiri godine (1508.-1512.), dovršavajući vlastitom rukom cijelu sliku golemog stropa (600 m2). U skladu s arhitektonikom kapele, svod koji ju je prekrivao podijelio je na niz polja, smjestivši u široko središnje polje devet kompozicija na prizore iz Biblije o stvaranju svijeta i životu prvih ljudi na zemlji: “Razdvajanje svjetla od tame”, “Stvaranje Adama”, “Pad” , “Noino opijanje” itd. Sa strana od njih, na padinama svoda, nalaze se likovi proroka i sibila (vračara). ), u kutovima polja - sjede goli mladići; u jedrima luka, trakama i lunetama iznad prozora - epizode iz Biblije i tzv. Kristovi preci. Grandiozni ansambl, koji uključuje više od tri stotine figura, čini se kao nadahnuti hvalospjev ljepoti, snazi, umu čovjeka, veličanju njegovog kreativnog genija i herojskih djela. Čak iu liku Boga - veličanstvenog moćnog starca, prije svega je naglašen kreativni impuls, izražen u pokretima njegovih ruku, kao da je stvarno sposoban stvarati svjetove i dati život čovjeku. Titanska snaga, intelekt, vidovita mudrost i uzvišena ljepota karakteriziraju slike proroka: duboko žalosnog Jeremije, pjesnički nadahnutog Izaije, moćne Cuma Sibile, lijepe mlade delfske Sibile. Likovi koje je stvorio Michelangelo imaju ogromnu moć generalizacije; za svaki lik pronalazi posebnu pozu, okret, pokret, gestu.
Ako su tragične misli bile utjelovljene u pojedinačnim slikama proroka, onda se u slikama golih mladića, takozvanih robova, prenosi osjećaj radosti postojanja, neukrotive snage i energije. Njihove figure, prikazane u složenim rakursima, u pokretima, dobivaju najbogatiji plastični razvoj. Svi oni, ne rušeći plohu svodova, obogaćuju ih, otkrivaju tektoniku, pojačavajući ukupni dojam sklada. Spoj grandioznih razmjera, teške snage djelovanja, ljepote i staloženosti kolorita rađa osjećaj slobode i povjerenja u trijumf čovjeka.

Sjeverna renesansa

Preporod je bio međunarodni fenomen koji je zahvatio, osim Italije, gdje se s najvećom snagom izrazio, i Nizozemsku, Njemačku, Francusku i Španjolsku. Danas se pojavio poseban termin "sjeverna renesansa" koji opisuje značajke renesanse u drugim europskim zemljama. To znači “ne samo čisto geografsko obilježje, već i neke značajke renesanse u Engleskoj, Njemačkoj, Španjolskoj, Nizozemskoj, Švicarskoj i Francuskoj. Vrlo važna značajka sjeverne renesanse bilo je to što se odvijala tijekom reformacije, a također i to da u kulturi naroda ovih zemalja, iz povijesnih razloga, nije bilo takvog obilja antičkih spomenika kao u Italiji.

reformacija(od lat. reformatio - preobrazba) bio je isti snažan vjerski pokret, koji je danas, na primjer, fundamentalizam u islamskim zemljama. Obojica su zagovarali povratak izvornim vrijednostima vjere (njezinim temeljima) i zahtijevali ozbiljne promjene (reformaciju) postojeće vjerske prakse.

Početak reformacije označio je govor 1517. godine u Njemačkoj Martina Luthera (1483.-1546.), koji je iznio 95 teza koje su odbacivale osnovne postavke katolicizma. Ideolozi reformacije poricali su nužnost Katoličke crkve s njezinom hijerarhijom i klerom uopće, prava Crkve na zemljišna bogatstva, odbacujući katoličku svetu tradiciju u cjelini. Pod ideološkom zastavom reformacije odvijali su se seljački ratovi 1524.-1526. u Njemačkoj, Nizozemskoj i Engleskoj revoluciji. Reformacija je označila početak protestantizma (u užem smislu, reformacija je provođenje vjerskih preobrazbi u svom duhu).

Njemačka renesansa bio je kraj duhovne (luteranska reforma) i društvene (uspon seljaštva) krize, koja je trajala pola stoljeća i uvelike promijenila srednjovjekovnu Njemačku. Uz djelo trojice umjetnika - Grunewalda (između 1470. i 1475.-1528.), Dürera (1471.-1528.) i Holbeina Mlađeg (1497. ili 1498.-1543.) - povezuje se "zlatno doba" njemačkog slikarstva. Nemajući cjelovitost talijanske renesanse, njemačka se renesansa razvila u kronološki kratkom razdoblju i nije imala svoj logičan nastavak.

Izuzetan predstavnik renesanse u Njemačkoj, čije je djelo nadugo odredilo njemačku umjetnost, bio je slikar i graver Dürer. Vjeruje se da je Dürer bio jednako nadaren kao slikar, graver i crtač; crtež i gravura zauzimaju kod njega veliko, katkad i vodeće mjesto. Ostavština Dürera kao crtača, koja broji više od 900 listova, svojom golemošću i raznolikošću može se usporediti samo s ostavštinom Leonarda da Vincija. Sjajno je vladao svim tada poznatim grafičkim tehnikama - od srebrne igle i pera od trske do talijanske olovke, ugljena, akvarela, draperije. Ovo je alat za proučavanje karakterističnih tipova - seljaka, elegantne gospode, nürnberških fashionista. Dürer je imao veliki utjecaj na razvoj njemačke umjetnosti u prvoj polovici 16. stoljeća. Najveći europski graver Dürer proslavio se ciklusom radova na temu Apokalipse (1498.).

Njegova svestrana djelatnost postala je jedno od utjelovljenja "titanizma" renesanse. On je jedini majstor sjeverne renesanse, koji po usmjerenosti i svestranosti svojih interesa, želji da ovlada zakonitostima umjetnosti, razvoju savršenih proporcija ljudske figure i pravilima perspektivne konstrukcije, može biti u usporedbi s najvećim majstorima talijanske renesanse. Vrhunac umjetnosti njemačke renesanse često se naziva "Dürerovo doba".

Dürerovi su suvremenici bili veliki majstori slikarstva Hans Holbein Mlađi, Grunewald i Lucas Cranach Stariji (1472.-1553.).

Precizni, jasni u karakterizaciji portreta (slike i crteža) Holbeina Mlađeg, njegove slike na vjerske teme, gravure karakteriziraju realizam, jasnoća i veličina renesansne umjetnosti, monumentalna cjelovitost kompozicije ("Mrtvi Krist", 1521.). Grunewald, čiji je život još uvijek malo proučavan, predstavlja još jedan smjer njemačke renesanse: osjećaji za njega dominiraju razumom, a subjektivnost - nad objektivnom analizom. Genij umjetnika utjelovljen je u glavnom djelu - "Isenheimski oltar" (1512-1515), gdje mistične slike koegzistiraju s humanističkim, prosvijetljenim. Njegovo djelo, povezano s ideologijom nižih klasa i hereza, puno je dramatične snage, napetosti i dinamike.

Među nadarenim stvaraocima njemačke renesanse počasno mjesto zauzima portretist Lucas Cranach Stariji, dvorski slikar Fridrika Mudrog i prijatelj M. Luthera, zahvaljujući čijem je radu krajolik dobio poseban razvoj. Postavio je temelje pejzažnoj školi, poznatoj kao Dunavska škola.

Renesansa u Engleskoj. ENGLESKA renesansa postala je poznata ne toliko po slikarstvu i arhitekturi koliko po kazalištu. Svoj procvat doživljava krajem 16. - početkom 17. stoljeća, a svoj vrhunac doživljava u djelu Williama Shakespearea (1564.-1616.). Kraj 16. stoljeća razdoblje je neviđenog oživljavanja kazališnog života u Engleskoj, vrijeme gospodarskog oporavka i pretvaranja zemlje u svjetsku silu. Naziva se i "Elizabetsko doba". Prestiž kazališta je rastao; glumci, prije prezreni lutajući komičari, bili su okruženi sveopćom pažnjom, uživali su pokroviteljstvo pokrovitelja plemića. Godine 1576. u Londonu je otvoreno prvo javno kazalište, a do sredine 80-ih bilo je već nekoliko takvih kazališta. Shakespeareova trupa, koja je dobila kraljevski status 1589., promijenila je više od jedne pozornice, dok konačno 1598.-1599. za to nije izgrađena stalna zgrada, nazvana Globe Theatre. Dramatičar Shakespeare postao je suvlasnik kazališta. Shakespeareove drame (ima ih ukupno 37) odražavale su politički i duhovni život Engleske toga doba.

Prve Shakespeareove komedije, osobito Mnogo vike ni oko čega (1598.), prožete su optimizmom. Međutim, na prijelazu iz XVI. u XVII.st. njegov način razmišljanja se promijenio. Posljednje godine Elizabetine vladavine bile su obilježene narodnim nemirima i ekonomskim padom. Pao je autoritet države i Crkve. Tragedije "Romeo i Julija" (1595.), "Hamlet" (1601.), "Otelo" (1604.), "Kralj Lir" (1605.) pokazuju krizu univerzalnih vrijednosti i morala. Shakespeareovi su junaci misleći, osjećajni i patnički pojedinci koji proživljavaju gubitak životnih orijentacija, a svijet oko njih ne može im pomoći da pronađu sebe.

UMJETNOST RENESANSE

1. Opće karakteristike epohe.

2. Književnost.

3. Slikanje.

4. Arhitektura. Skulptura.

Opće karakteristike epohe

Renesansa (francuski renaissance - "renesansa") je fenomen kulturnog razvoja u nizu zemalja srednje i zapadne Europe. Kronološki, renesansa obuhvaća razdoblje od XIV-XVI stoljeća. Pojam "renesansa" prvi put je uveden u 16. stoljeću. poznati talijanski umjetnik, arhitekt i povjesničar umjetnosti Giorgio Vasari. Renesansa je doba velikih gospodarskih i društvenih preobrazbi u životu mnogih europskih zemalja, doba humanizma i prosvjetiteljstva.

Tijekom ovog povijesnog razdoblja u raznim područjima života ljudskog društva nastaju povoljni uvjeti za neviđeni uzlet kulture. Razvoj znanosti i tehnologije, velika geografska otkrića, kretanje trgovačkih putova i nastanak novih trgovačkih i industrijskih središta značajno su proširili i promijenili čovjekovo poimanje svijeta oko sebe. Ideje o samoj osobi se mijenjaju. Najvažnije obilježje renesansnog svjetonazora bio je individualizam. Drugo obilježje novoga svjetonazora bilo je buđenje nacionalne samosvijesti. Kod ljudi se javlja osjećaj patriotizma, formira se pojam domovine.

Periodizacija:

1. Predpreporod (ducento) - XIII stoljeće.

2. Protorenesansa (trecento) - XIV stoljeće.

3. Visoka renesansa (quattrocento) - XV.st.

4. Kasna renesansa (cinquecento) - XVI. stoljeće.

Književnost

Francesco Petrarca bio je prvi pjesnik renesanse. Autor je zbirke pjesama "Canzonere" (knjiga pjesama), posvećene pjesnikovoj voljenoj - Lauri. Pjesme uvrštene u zbirku žanrovski su raznolike, ali većinom su soneti. Ljubavne doživljaje pjesnik ne samo opisuje, nego i analizira.

Istaknuti pisac renesanse bio je Niccolò Machiavelli, političar kasne renesanse, autor traktata Car. U književnosti se javlja novi tip junaka – makijavelistički junak. Pojava ovog tipa heroja bila je prvi znak krize humanističke ideologije.

Najveća figura europske renesanse bio je Erazmo Rotterdamski - pisac, filolog, filozof, teolog, autor pedagoških djela, prevoditelj s grčkog i latinskog jezika.

Najizrazitije napredne ideje francuske renesanse utjelovljene su u djelu F. Rabelaisa, autora poznatog romana Gargantua i Pantagruel. Rabelais je sebi postavio zadatak da napiše parodiju herojskog epa. Glavne razlike između romana i epa su sljedeće:

Roman nije utjelovljenje kolektivnog (neosobnog) početka, nego osobnog;

Junak romana je individualna, a ne generalizirana slika;

Roman je uvijek usmjeren na sadašnjost.

Rabelais u romanu ismijava, s jedne strane, brojne tvrdnje crkve, a s druge strane neznanje i lijenost redovnika. Rabelais zorno prikazuje sve poroke katoličkog klera koji su izazvali masovne prosvjede tijekom reformacije - pretjeranu želju za profitom, pretenzije papa na političku dominaciju u Europi, svetiteljsku pobožnost koja pokriva izopačenost crkvenih službenika. Srednjovjekovna skolastika - odvojena od promišljanja stvarnog života o mjestu Boga u zemaljskoj egzistenciji - a posebno dobro poznati skolastički filozofi, dobivaju puno. Srednjovjekovnoj inertnosti i bezakonju Rabelais suprotstavlja ideale slobode i samodostatnosti čovjeka. Svoje viđenje ovih ideja u praksi autor je najpotpunije ocrtao u epizodi s opatijom Theleme, koju brat Jean organizira uz Gargantuino dopuštenje. U opatiji nema prisile i predrasuda, a stvoreni su svi uvjeti za skladan razvoj ljudske osobnosti. Povelja opatije sastoji se od jednog pravila: "Radi što želiš." Poglavlja o opatiji Theleme, kao io Gargantuinom odgoju pod Ponokratom, potpuno su utjelovljenje načela humanizma u Rabelaisovu romanu. U tom pogledu, "Gargantua i Pantagruel" je najsvjetliji književni spomenik renesanse, kada se ruši jedna kulturna paradigma, ona srednjovjekovna, a nastaje druga, renesansna.

Djelo istaknutih španjolskih humanista toga doba, poput M. Cervantesa, Lopea de Vege i drugih, odlikovalo se dubokim nacionalno-povijesnim sadržajem, domoljubljem i visokim uvažavanjem ljudskog dostojanstva.

U Engleskoj je zabilježen i najveći uzlet književnog stvaralaštva. Dovoljno je spomenuti ime briljantnog dramatičara i pjesnika W. Shakespearea. Četiri su glavna razdoblja u Shakespeareovu djelu:

1. 1590-1594. Početak Shakespeareova dramskog stvaralaštva. Prvi komadi su orijentirani na antičke uzorke. Dakle, u kronikama "Henry VI", "Richard III" utjecaj "krvave tragedije" u duhu Seneke je opipljiv. U tom je razdoblju Shakespeare napisao i komedije The Comedy of Errors i The Taming of the Shrew.

2. 1595-1600. Komedija “Dva veronijanca” prijelazno je djelo. Romantično razdoblje. Nastaju komedije "San ivanjske noći", "Dvanaesta noć". Ovom razdoblju pripada tragedija "Romeo i Julija".

3. 1601-1609. Vrijeme za stvaranje velikih tragedija. Shakespeareove drame "Hamlet", "Macbeth", "Othello", "Kralj Lear" - odražavaju krizu humanističke ideologije. Poljuljana je vjera u ideju izvorne dobrote čovjeka, postalo je očito da je zlo ukorijenjeno u samoj ljudskoj prirodi. Shakespeareovi junaci su u vlasti strasti, sposobni su za zločine. Ovdje tragedija nije samo u sukobu pojedinca i društva, već iu unutarnjim proturječjima u duši junaka. Problem je doveden na općefilozofsku razinu, a likovi ostaju neobično višestrani i psihološki voluminozni. Pritom je vrlo važno da u velikim Shakespeareovim tragedijama potpuno izostaje fatalistički odnos prema sudbini, koji predodređuje tragediju. Glavni naglasak, kao i prije, stavljen je na osobnost junaka koji kroji svoju sudbinu i sudbinu onih oko sebe. Komedija se mijenja. Zvali su ih "mračne komedije" ili "problemske predstave".

4. 1609-1613. Razdoblje "romantičnih drama". Najupečatljiviji primjer je "Zimska priča". To su poetske priče koje vode iz stvarnosti u svijet snova. Potpuno svjesno odbacivanje realizma i povlačenje u romantičnu fantastiku šekspirolozi prirodno tumače kao dramatičarevo razočaranje u humanističke ideale, priznanje nemogućnosti postizanja harmonije. Taj je put - od pobjedonosno likujuće vjere u sklad do umornog razočaranja - prošao zapravo kroz cijeli svjetonazor renesanse.

Slika

Doba Ducenta smatra se početkom renesansnog slikarstva. Protorenesansa je još uvijek usko povezana sa srednjovjekovnom romanikom, gotikom i bizantskom tradicijom. Umjetnici kasnog XIII - ranog XIV stoljeća. su još daleko od znanstvenog proučavanja okolne stvarnosti. Oni izražavaju svoje ideje o tome, još uvijek služeći se konvencionalnim slikama bizantskog slikovnog sustava. Ali ponekad je izgled arhitektonskih građevina tako točno reproduciran da to ukazuje na postojanje skica iz prirode. Tradicionalni religiozni likovi počinju se prikazivati ​​u svijetu koji je obdaren svojstvima stvarnosti - volumenom, prostornom dubinom, materijalnom materijalnošću. Počinje potraga za metodama prijenosa na planu volumena i trodimenzionalnog prostora. Majstori ovog vremena oživljavaju poznato antičko načelo chiaroscuro modeliranja oblika. Zahvaljujući njoj figure i zgrade dobivaju gustoću i volumen. Navodno je prvi koji je primijenio antičku perspektivu bio Firentinac Cenny di Pepo, zvani Cimabue. Nažalost, njegovo najznačajnije djelo - serija slika na teme iz Apokalipse, života Marije i apostola Petra u crkvi San Francesco u Asizu, do nas je došlo gotovo u ruševnom stanju. Bolje su očuvane njegove oltarne kompozicije koje se nalaze u Firenci i u muzeju Louvre. Oni također sežu do bizantskih prototipova, ali jasno pokazuju značajke novog pristupa religioznom slikarstvu. Djelo Cimabue bilo je polazište za one nove procese koji su odredili daljnji razvoj slikarstva.

Veliki umjetnici pojavljuju se kao hrabri inovatori koji odbacuju tradicionalni sustav. Giotta di Bondonea treba prepoznati kao takvog reformatora u talijanskom slikarstvu 14. stoljeća. On je tvorac novog slikovnog sustava, veliki reformator cjelokupnog europskog slikarstva, pravi začetnik nove umjetnosti. Najpoznatije od Giottovih djela koja su došla do nas je ciklus zidnih slika u kapeli del Arena u Padovi, posvećen evanđeoskim pričama o Kristovom životu. Ova slikovita jedinstvena cjelina jedno je od prekretnica u povijesti europske umjetnosti. Umjesto raznorodnih pojedinačnih prizora i figura karakterističnih za srednjovjekovno slikarstvo, Giotto je stvorio jedan epski ciklus. Trideset i osam prizora iz Kristova i Marijina života (“Susret Marije i Elizabete”, “Judin poljubac”, “Oplakivanje” i dr.) slikarskim je jezikom povezano u jedinstveni narativ. Umjesto uobičajene zlatne bizantske pozadine, Giotto uvodi pejzažnu pozadinu. Likovi više ne lebde u prostoru, već dobivaju čvrsto tlo pod nogama. I iako su još uvijek neaktivni, pokazuju želju za prenošenjem anatomije ljudskog tijela i prirodnosti pokreta. Giotto formama daje gotovo skulpturalnu uočljivost, težinu, gustoću. Modelira reljef, postupno ističući glavnu šarenu pozadinu. Ovo načelo modeliranja chiaroscura, koje je omogućilo rad s čistim, svijetlim bojama bez tamnih sjena, postalo je dominantno u talijanskom slikarstvu do 16. stoljeća. Od brojnih Giottovih kasnih ciklusa fresaka koji se spominju u izvorima, sačuvane su samo slike dviju kapela firentinske crkve Site Croce. Posvećene su svetom Franji Asiškom, utemeljitelju reda prosjaka, koji je živio krajem 12. - početkom 13. stoljeća. Ovo slikovito veličanje učenja svetoga Franje nije slučajno. Sveti Franjo je postavio temelje za novi stav čovjeka. Čovjek je za njega divno božansko stvorenje, kojem je povjerena njegova ljubav da oživi svijet. Naučavao je da je Božja milost razlivena u sve što postoji – u zvijezde, biljke, životinje, koje je nazivao braćom. Nije osuđivao svijet zbog njegove grešnosti, već se divio njegovom božanskom skladu. Franjevaštvo je bilo sastavni dio protorenesansnog stava. Ne obnavljanje antike i negiranje kršćanstva, nego oživljavanje i prosvjetljenje čovjeka je djelovanje. Ovo je nova riječ u svjetskoj umjetnosti slikarstva.

Karakteristična značajka slikarstva kasnog Quattrocenta je raznolikost škola i trendova. U to vrijeme nastaju firentinska, umbrijska (Piero della Francesca, Pinturicchio, Perugino), sjevernotalijanska (Andrea Mantegni), venecijanska (Antonello da Messina, Giovanni Bellini) škole. Jedan od najistaknutijih umjetnika Quattrocenta, Sandro Botticelli, glasnogovornik je estetskih ideala dvora slavnog tiranina, političara, filantropa, pjesnika i filozofa Lorenza de' Medicija, zvanog Veličanstveni. U Botticellijevoj umjetnosti događa se svojevrsna sinteza srednjovjekovne mistike s antičkom tradicijom, idealima gotike i renesanse. U njegovim mitološkim slikama dolazi do oživljavanja simbolizma. On prikazuje prekrasne drevne božice ne u senzualnim oblicima zemaljske ljepote, već u romantičnim, produhovljenim, uzvišenim slikama. Dvije slike koje su ga proslavile su "Rođenje Venere" i "Proljeće". U njima vidimo osebujnu žensku sliku Botticellija: izduženi oval lica, dugačak nos s tankim nosnicama, podignute obrve, širom otvorene, zbunjene, sanjive i kao da pate oči. Botticelli je iznenađujuće kombinirao pogansku senzualnost i povećanu duhovnost, skulpturalnu krutost i delikatnu krhkost, sofisticiranost, linearnu točnost i emocionalnost, varijabilnost. Botticellijeve slike, osim neposredne ekspresivnosti, imaju i skriveni emocionalni zvuk.